未音亭日記

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  出雲阿国

  亭主は国際研究集会で松江に来ています。松江といえば出雲大社や宍道湖のシジミぐらいは知っていましたが、実際に訪れるのは今回が初めて。今年は出雲大社で５年の歳月をかけた本殿屋根の葺き替え工事が完成し、６０年ぶりの遷宮ということで盛り上がっているようです。集会２日目のイベントとして設けられた遠足の目的地はその出雲大社でしたが、何しろ今回の熱波が最高潮に達していることもあって、炎暑の中の参拝となりました。ところで、出雲で思い出したのが表題の「出雲阿国（いずものおくに）」、言わずと知れた歌舞伎の元祖です。とはいえ、名前以外の詳細はすっかり忘れてしまっていたので改めて調べてみると、どうやら出雲阿国が公衆の前で歌舞伎の元になった「ややこ踊り」というものを始めたのが1600年頃、とありました。1600年頃といえば、イタリアではヤコポ・ペーリやモンテベルディによってバロック・オペラの原形となる作品が上演された時期とほぼ一致します。遠くはなれた日本とヨーロッパの片隅でこのようなシンクロが起きていたことに今更ながら驚かされました。出雲大社の脇には歴史博物館があり、炎天下の拝殿を早々に切り上げてそこで涼みながら展示物を眺めていたところ、当時の楽器の遺物とそれから再現した箏と鼓らしきものがあるのが目に入りました。いったいどのような音楽が鳴り響いていたのでしょう…

  August 11, 2013

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  日光いろはビール

  昨日まで、夏期休暇をとって奥日光・中禅寺湖畔に涼みに行って参りました。中禅寺湖は標高1269メートル、同じ日光市といっても東照宮などがある下界とは標高差が500メートルもあり、格好の避暑地です。亭主は一時期（2002〜2005年）、夏期休暇といえば毎年のように家族と中禅寺湖で数日間の納涼を楽しんでいましたが、このところはいろいろと事情もあってご無沙汰。この夏久しぶりにつれあいと二人で訪ねてみました。ご無沙汰していた８年間の変化で一番ショッキングだったのは、日光プリンスホテルが2008年末に廃業していたことです。当時は亭主一家の定宿で、いつも借りていたコテージはいわば「夏の別荘」、思い出が沢山詰まっている宿でした。もう一つ、「日光ビール」というピルスナー系の地ビールがあったのですが、こちらも最近倒産してしまったとか。こうして見ると、何だか納涼というより気が滅入る感じですが、今回はその地ビールで新しい出会いがありました。「日光いろはビール」です。このビール、「一周年記念特別醸造」と銘打って最近売り出されたものらしく、宿の土産物コーナーに置いてあるのを偶然手にしましたが、飲んでビックリ。何とも素晴らしいインディアン・ペールエール（IPA)系のビールです。実は、亭主の最大の趣味の一つが「地ビール飲み歩き」。もう１５年以上飲み歩いていますが、イギリスやカナダでの経験も含め、これほど美味なIPAに巡り会ったことはない気がします。一口含んだ途端、何とも言えない甘みのある芳香がIPAに欠かせないほろ苦さとともにぱっと広がります。（このところ亭主はヤッ○ーブルワリーの「インドの青鬼」というIPAを愛飲しているのですが、このビールに比べると「青鬼」も真っ青？という美味さ。）自宅で早速その由来を調べたところ、横倉本店という栃木の酒造メーカーの手になるもののようです。「奥日光天然水仕込」ということで、少々お値段は張りますが、それだけの値打ちはあると思います。それにしても日光プリンスホテルの閉鎖は残念至極。おそらくは近年のスキー人口の激減などもあって、通年営業では赤字続きだったのかも。とはいえ、避暑地としては地の利もあり（北関東道の開通で関東東部からは抜群にアクセスが良くなりました）、近くの湯元から温泉でも引けば申し分なく魅力的です。夏期だけでも再開してほしいと願うのは亭主だけでしょうか...(閉鎖中の日光プリンスホテル近影--2013.8.5）

  August 7, 2013

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  フローベルガー

  このところルイ・クープランに凝っている亭主ですが、もっぱら耳に頼っていろいろ探索している間に最近一つ発見したのが、その音楽のフローベルガーとの類似です。未音亭には、レオンハルトの演奏を収めたフローベルガーのCDが２枚あるのですが、先日移動の車中でこれらを流していたところ、とある組曲（「20番」）がクープランのそれのように聞こえてきました。その後、気になってCDのライナーノートでにわか勉強してみたところ、フローベルガーは人生の半ば、1650年頃パリを訪れており、そこでルイ・クープランとも交流があった（というよりもクープランが大きな影響を受けた）ことが分かりました。ちなみに、ウジュル版のルイ・クープラン作品集の編者アラン・カーティスは、その序文で「作品をイ短調（a-moll）から調性の順番に並べる」という編集方針を説明し、その結果として第１組曲の冒頭を飾る１曲で「フローベルガーを模した前奏曲」の完全な譜面を収めることができたことに満足の意を表明しています。ライナーノート氏によると、そもそもアルマンド、クーラント、サラバンド、ジーグというバロック「組曲」のスタイルを確立したのがフローベルガーその人であるとのこと。これにあの自由なプレリュードを付け加えるとルイ・クープランの組曲になります。カーティスの序文を読んでいると、このプレリュードもどうやらフローベルガーの「最も自由に書かれたアルマンドやトンボー」と比べられるようなものらしく、その起源として興味深いものがあります。（カーティスは、フローベルガーのいかにもドイツ人らしい几帳面でこうるさい記譜に比べて、クープランのそれの方がよほど論理的でシンプルだ、と後者を持ち上げています。）それにしてもこの序文から、以前にスキップ・センペのCD中に収まっている「組曲」がウジュル版のそれに対応していない、などと文句を付ける筋合いでないことを遅まきながら理解した亭主でした--なにしろ、ウジュル版といえどもParville手稿、Bauyn手稿からカーティスという編者が（調性に基づいて）創作したものだったのですから。

  August 4, 2013

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  コルセッリ−18世紀スペインの宮廷音楽

  ドメニコ・スカルラッティが人生の半分以上をスペイン宮廷で過ごしたことはよく知られています。そこで、長年当時の宮廷で一体どんな音楽が鳴り響いていたのか、周辺にいた音楽家の作品も聴いてみたいものと思っていたところ、最近になってその中の一人、フランシスコ・コルセッリの作品を録音したCDがあることを知り、早速入手しました。「作曲家については、同じ3人の名前が繰り返し現れる。…彼らはマドリードの外ではほとんど知られていなかったが、スペイン宮廷での上演において用いられる新しい曲の大部分を供給し続けた。…その3人とは,1731年にマドリードに来たフランチェスコ・コッラディーニ、1736年に来たジョヴァァンニ・バッティスタ・メレ、およびパルマ出身のフランチェスコ・コルセッリであり、コルセッリは 1736年に定員外の宮廷楽長に任命され、1738年には第一楽長に昇進している。…コルセッリは今日ではほとんど忘れられた存在になっているが、スペイン宮廷での彼の名声はスカルラッティを遥かに凌ぐものだった。」（R. カークパトリック「ドメニコ・スカルラッティ」より亭主訳で抜粋）ライナーノートによるとコルセッリは1705年4月19日、ピアチェンツァ（パルマ公爵領）の生まれで、スペインに来る前にはファルネーゼ公爵家の宮廷楽長（1727-1732年）として活躍していたようです。スペイン王フェリペ５世の２度目の妻がファルネーゼ家出身（イザベル）だったこともあり、どうやら野心家だったコルセッリはファルネーゼ家のつてを辿ってマドリードの宮廷で職を得るべく自らを売りこみ、まずは王室子女のハープシコードおよび音楽教師として1734年ごろにマドリードの宮廷に迎えられたようです。(...スカルラッティが既に同様の職にあったことを考えると、よくもまあ...というところですが。)というわけで、当初は宮廷で末席にあったコルセッリですが、まもなくその如才なさ（？）で頭角を現し、いつのまにか当時の音楽生活の中心であったオペラ興行において音楽の主要な担当者となり、台本を書いたメタスタージオ、興行を監督したファリネッリとともに、スペイン・宮廷オペラを支えた立役者となりました。ところで、CDに収録されている作品を眺めると、必ずしも前述のようなオペラの付随音楽だけでなく、教会音楽も混じっています。これは、コルセッリが1738年以降、王室礼拝堂の楽長も兼務していたからで、そこでの典礼の音楽として書かれたもののようです。フェルナンド6世が没した（1759年）後も奉職し続けたようなので、オペラ嫌いのカルロス3世の下ではもっぱらこのジャンルの作品を書いていたのかも？さて、実際の作品はどうかというと、どちらかといえばとロココ風の「お上品な宮廷音楽」という感じです。（多分当時主流だったアレッサンドロ・スカルラッティ、ハッセ、ポルポラといった音楽家達の亜流、というとやや手厳しいかもしれませんが…）こういう作品を聴いていると、逆にドメニコの鍵盤作品が如何に斬新で独創的だったかを改めて認識させられます。

  July 28, 2013

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  バロック音楽のテンポ

  亭主はバロック音楽演奏を聴いていて、特にこの１０年ぐらいの間に「テンポが随分速くなったなぁ…」と思うことがしばしばですが、皆様はいかがでしょうか？例えばヴィヴァルディの「四季」。ジュリアーノ・カルミニョーラが弾く「夏」の第３楽章（プレスト）はとにかく超高速で、おそらく技術的に破綻なく弾ける限界に近いスピードではないかと思われます。（これぞヴィルトゥオージティ、という感じで、素晴らしい爽快感をもたらしてくれます。未体験の方は是非オススメです。）これに関連し、最近びっくりしたのがラインハルト・ゲーベル／ムジカ・アンティカ・ケルンの手になるバッハのブランデンブルグ協奏曲の演奏です。まずは協奏曲第３番の第２楽章（アレグロ）。正確なテンポはともかく、印象としてはそれ以前に聞いたことがある演奏に比べて２倍ぐらいの猛スピードで駆け抜けて行く感じで、「おぉぉっ、これってもしかしてヴィヴァルディかぁ？」。もう一つは第６番の第１楽章で、こちらはもともと作曲者による速度記号がない、というものです。亭主がそれまでに知っていた演奏は、皆「モゴモゴモゴモゴ…」という印象なのに対して、ゲーベルのそれはやはり倍位のスピード感で、曲の印象がまるっきり変わってしまいました。これらの演奏、録音されたのは1986-7年で、当時まだゲーベルも３０歳代と若く、バッハの演奏としてはおそらく「異端」扱いされたのではないかと想像しますが、今聴いてもとても新鮮なのと、バッハが如何にイタリア音楽の影響を受けたかを「耳」で理解できる演奏だと感じられます。ライナーノートにあるゲーベル自身の解説によれば、「当時の演奏習慣」として現代まで（実証的に）伝わっているのは1750年以降の音楽についてであって、それ以前の演奏習慣がどういうものだったかは必ずしも明らかではない、ということです。1750年というのは言うまでもなくバッハが没した年ですから、ゲーベルの意図は「バッハ演奏にはもっと自由度があるはずだ」ということでしょう。もう一点、彼が強調していることとして、ブランデンブルグ協奏曲が作曲された当時（1721年頃？）のバッハ自身の年齢がやはり３０歳代前半と若かった点です。ヴィヴァルディの「四季」を含む曲集が出版されたのは1723-5年頃ですが、それに先立って「調和の霊感」(1711年)、「ストラヴァガンツァ」(1714年)と、ヨーロッパを席巻した彼の音楽が若いバッハに大きな影響を与えていたことは確実で、ブランデンブルグ協奏曲もそれ風に演奏するほうがバッハ自身の意図にも近いだろうことは容易に想像がつきます。ゲーベルは実際にそれをやってみせた、というわけです。１９世紀以来の「大バッハ」という偶像化と、それに付随した「重々しい」演奏習慣から彼の音楽を最初に解放したという点で、ゲーベルはバッハ演奏の歴史に一線を画した音楽家と言えそうです。

  July 21, 2013

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  ルイ・クープラン by レオンハルト

  昨年グスタフ・レオンハルトが亡くなって以来、彼を追悼する復刻盤CDの発売などがあい次ぎました。その中で、亭主が最近たまに聞くようになったのが標題の演奏の入ったCDです。このCD、先週紹介したアルファ・レーベルから出ていたレオンハルトの録音をまとめて５枚組のボックスにしたものの中の１枚で、前半にフレスコバルディの作品が８曲、後半にルイ・クープランの２つの組曲その他が収録されています。フレスコバルディもなかなかよいのですが、こちらはまた別の機会にでも、ということで、今日はやはりルイ・クープランの演奏について少々。というのも、レオンハルトといえばスキップ・センペの師であり、あの演奏を残しているセンペの師がどういう演奏をしているか大変興味をそそられます。まず、取り上げられた作品についてですが、ライナーノートには組曲の調名と順に並んだ舞曲名ぐらいの情報しかありません。仕方がないので例によって耳で音を確かめながら調べてみると、２つの組曲はウジュル版でSuite VIIIとSuite XIに対応していることが分かりました。ただし、面白いことに、Suite VIIIの終わりにはSuite XVのPassacalleが、またSuite XIの終曲にはPavaneが追加されていて、以前に紹介したセンペのCDのような演奏家自身による新しい組み合わせ（「組曲」）を試みてもいるようです。さて、肝心の演奏はというと、やはりまじめで几帳面な演奏、という印象です。特に、センペのあの変幻自在な演奏が刷り込まれた耳で聴くと、やはりどうしても「ちょっと地味だな」という感じは否めません。とはいうものの、リズムの取り方などからは結構楽しげに弾いている雰囲気もあり、なかなかのものです。師弟の演奏を比較するとすれば、両方のCDに共通する唯一の作品であるPavaneを聞き比べてみるのが一番ですが、やはり師の方があっさりした感じの演奏で、これは演奏時間にも端的に現れています。（レオンハルトは4分34秒、センペは何と６分1秒です。）センペの演奏を聴いていると、いかにもクープランの創り出す芳醇な響きの中に忘我的に耽っている感じです。レオンハルトにもそのような耽美主義的な気配は多少とも感じられますが、やはり彼にとっては「端正さ」という美的価値の方が重要だったのでしょう。これらの録音はいずれも同じパリの礼拝堂で収録されたもので、レオンハルトの録音は2002年、センペのそれは2004年とあります。（オリジナルCDの発売もほぼ同じ時期のようです。）録音に関わったスタッフもほぼ同じだったようですが、再現された響きという点では相当な違いがあるのも興味深い点で、それぞれの演奏家の理想とする音がどんなものだったかを比較できる面白さがあります。ちなみに、亭主はこのPavaneという作品がとても気に入っているのですが、何故かウジュル版の楽譜には収まっておらず不便をかこっています。どうやらManuscript Bauynという原典のファクシミリ版があるようで、これに収録されているのではないかとあたりをつけて手配をかけたところですが、当座はIMSLPに落ちているフリーな楽譜で代用することになりそうです。

  July 14, 2013

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  ル・ポエム・アルモニークのこと

  所々枯れかかっている芝生を眺めながら、梅雨といいながらちっとも雨が降らないなぁなどとぼやいているうちに、今年は早々と梅雨が空けてしまったとか。未音亭の上にも暑い夏空が広がっています。さて、某FM局の早朝に流れる「古楽の楽しみ」では、関根敏子さんによるフランスものの古楽作品が取り上げられます。そこでしばしば登場するのが標題のル・ポエム・アルモニーク（Le Poéme Harmonique, LPH）という古楽アンサンブル。ずっと気になっていたのですが、先日ご紹介したセンペによるルイ・クープランの録音を出している「アルファ」というレーベルのことを調べ始めたところ、なんとこのレーベルを立ち上げたのが、他でもないかのLPHの創始者でリュート奏者のデュメストルだったことを知りました。実はこの情報を掴むにあたって重宝したのが「CDショップ・カデンツァ」のレーベル紹介ホームページ。これによると、レーベル第一弾として1999年に出た「カスタルディ作品集」が大きな話題を呼び、LPHも一躍脚光をあびることになったとか。「カデンツァ」の筆者による熱のこもった紹介記事を読んでいると、一体どんな演奏が録音されているのか興味がそそられます。そうこうしている間に、今度はLPHによるドメニコ・ベッリの録音が取り上げられている記事に遭遇、これはもう聞いてみるしかない！とばかり、ついに件のCDをゲットしました。「カデンツァ」さんの記事によると「発売当初は『ディアパゾン』『レペルトワール』『クラシカ』『テレラマ』など各誌のレビュー賞を総なめにし、フランス各誌のステッカーでジャケット面がほとんど見えなかったほどという一大傑作」とありますが、亭主のところに送られて来たCDはまさにその当時の状態で、なかなか壮観です。（恐らく一度出荷された後に回収・保管されていた「新古品」）実際に聞いてみたところ、やはりその音響効果がとても素晴らしいのは評判通りで、楽器と声のバランスもよく、演奏が始まった途端「ルネッサンス」の世界にタイムスリップする感じ。ちなみに、ドメニコ・ベッリは17世紀初頭にフィレンツェを中心に活躍したようで、オペラの創始者と言われるヤコポ・ペーリと同じ宮廷に奉職しており、オペラの前身である「伴奏付きモノディ」の作曲で当代随一との評価を得ていたとか。メゾ・ソプラノのギュメット・ロランスの歌唱も「もう少しでオペラ」というバロックの先駆け時代の雰囲気をよく伝えています。このCD、（センペのルイ・クープランもそうでしたが）ジャケットもなかなか凝っています。表紙になっているのはルネッサンス後期＝初期マニエリスムを代表するフィレンツェの画家、ポントルモの代表作「十字架降下」（1527年頃）から取ったもので、画面最下段でキリストの両足を支える若者の顔です。ジャケットを開くと、その右側にこの祭壇画の中央部分を切り出した図が色鮮やかに再現されています。そこでふと思い出して、久しぶりにグスタフ・ルネ・ホッケの「迷宮としての世界—マニエリスム美術」（種村・矢川訳、美術出版社、1981年）を読み返してみると、彼はこの画面構成に重力を無視した反現実性、反実在性を読み取り、その象徴として画面の中心に「非本質的なものであるハンカチ一枚が、本質を失った中心へと麗々しく掲げられている」と書いています。CDジャケット用に切り取られた画面の中心もまさしくこのハンカチ。ドメニコ・ベッリは大体な不協和音の使用等で劇的な表現を追求した音楽家だったようで、ルネッサンス芸術が標榜する「上品な」古典主義とは相容れない表現主義者と考えられています。やはり反古典主義的な表現を求めたと思われるポントルモの絵画は、確かにそのジャケットを飾るにふさわしいのかもしれません。

  July 7, 2013

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  ラモーの「和声論」

  最近何かのきっかけで表記の著作を購入しました。この著作、おそらく少しでも音楽理論をかじったことがある方ならば、一度はその噂を耳にしたことと想像される「古典中の古典」です。ところが、いざ和訳はないかと探してみたところ見当たらず、次善の策として手に入れたのが英訳本。訳者はPhilip Gossettという人で、Doverから1971年に出版されています。実際にブツを手にしてみてまず驚いたのがその物量です。第１巻から第４巻までの訳を一冊にまとめたものですが、その総ページ数は444ページと、ペーパーバック版でも厚さ２cmを超える分厚さ。そこで、とりあえず冒頭にあった訳者によるイントロダクションを読んでみると、ラモーの文体がもったいぶった韻文調である上に、文章自体も彼の思考の紆余曲折を反映して論理的明快さからはほど遠い代物、ということで、既に同時代人の間でも晦渋で常人を寄せ付けない著作として有名であったようです。（こういう風に紹介されると益々気が引けます…）とはいえ、その内容の革新性は知る人ぞ知る存在となっていたようで、「百科全書」の編集者として有名なダランベールが解説を買って出た著作が1752年に出版されています。しかも、どうやらこちらについては邦訳もされており、「ラモー氏の原理に基づく音楽理論と実践の基礎」として春秋社から出ていました。訳者によると、その難解さ故に「旋律は和声の一部に過ぎない」といった文章の一部が文脈から切り離されて広く流布する間に、ラモーが本来意図していたものとは無関係な意味を帯びてしまった、とのこと。（そういわれると、やっぱり中身が気になってきます…）ちなみに、同書の原本は３冊が現存するのみで、しかもそれらの中には著者自身によると思われる多数の書き込みがある本や、それを取り込んだと思われる改訂版と思しき本もあるなど、原典テキストを確定するにあたっての問題もあるようで、英訳に際しての苦労は晦渋な文体だけに留まらないらしく、このような点も「翻訳大国」日本で未だに邦訳が出されていない理由なのでしょう。というわけで、折角入手したものの、しばらくはパラパラとページを眺めるだけになりそうです。

  June 30, 2013

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  地球の西端にて

  数日前から出張でバンクーバーに滞在しています。用務先の研究所は、バンクーバー市の西端、海に面して広がるブリティッシュ・コロンビア大学の広大なキャンパスのはずれにある大型の粒子加速器実験施設で、かつては森の奥に人目を避けるように建っていたのですが、この５年ほどの間に周辺の開発が進んで随分と様変わりしました。亭主はまだ若かりし頃、この街に２年ほど住んでいたことがあります。当時のバンクーバーの知り合い達は、この街を「地球の端、文化果つるところ」と自虐的に語っていましたが、実際のところ北米大陸西海岸の都市としては屈指の規模を誇る大都市であるにもかかわらず、いまだにクラッシック音楽に関わるイベントはあまり多くないという印象があります。（その分、アマチュアによる音楽活動は随分と盛んなようですが…）そのような中にあって、この数年亭主が注目しているイベントとしてVancouver Early Music Programme and Summer Festivalというものがあります。このイベント、Vancouver Society for Early Musicという団体が主催しているもののようで、中でもFestival（音楽祭）の方は毎年７月末から８月上旬の２週間ほどにわたって様々な古楽コンサートが開かれています。ウェブ上で2013年の音楽祭プログラムを眺めていると、色々と食指をそそられる出し物が並んでいるのですが、残念ながら今はまだ６月末、音楽祭まではあとひと月以上というわけで、今回は残念ながらご縁がありませんでした。（;_;）

  June 23, 2013

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  センペによるルイ・クープラン組曲

  連休に更新した本亭ホームページの記事で、表記の演奏を入れたCDを紹介しました。（このCDのリリース元である「α（アルファ）」というヨーロッパのレーベルは、古楽を中心にして興味をそそる録音を数多くリリースしています。）一聴してまずその音響の素晴らしさに打たれます。パリのとある礼拝堂にブルース・ケネディ作の楽器を持ち込んでの録音とありますが、ハープシコードが美しい残響とともに実に朗々たる響きで捉えられており、センペが言うところの「巨大な弦の集合体」としての楽器の存在感が聴く者を圧倒する感じです。（ハープシコード好きの方にはイチオシの一枚。）亭主はこのCDを何度か聞いているうちに、例によって自分でも試してみたくなり楽譜を注文。先週になってようやくsheetmusicplus.comから２巻の組曲集（ウジュル版）が送られてきました。早速、譜面を眺めながら改めてセンペのCDを聞き始めたのですが、ライナーノートを見てもどの組曲なのかよく分かりません。例えば最初の組曲は、Suite de pieces en Fa / in F　1. Prelude　2. Courante　3. Sarabandeとありますが、ウジュル版に記載されている組曲の番号もなく、楽譜上で番号順に並べられた組曲とどうも対応していないように見えます。センペに馴染みのないリスナーであれば、この時点で「何だか変だな？」でおしまいになってしまいますが、以前このブログでフランソワ・クープランのCDに寄せられたライナーノートにあるように、彼は「当時のお作法に従って」ルイ・クープランの組曲全体から横断的に舞曲をピックアップして組み合わせ、いわば「センペ編ルイ・クープラン組曲」を創造・提示した、というわけです。このCDの中で、センペは６つの「組曲」を編んでいます。センペの演奏を楽しんでいるだけなら何の不自由もないのですが、自分で弾いてみるとなるとそこで取り上げられている舞曲がどの元組曲のものかを同定しなければなりません。ところがこれが意外に難しいことが分かりました。というのも、ルイ・クープランの作品は全体として調のバリエーションが限られている上に、舞曲の名前もアルマンド、クーラント、サラバンド、とありふれたものが多く、実際に音と譜面面をつきあわせないと対応が分からないのです。例えば上記の「組曲ヘ長調」は、　1. Prelure - Suite XII　2. Courante - Suite XII　3. Sarabande – Suite XIIIと、２つの組曲にまたがって選曲されていました。この例では、組曲中のすべての舞曲の由来が判明したのですが、実は全２８曲のうちまだ由来の分からない前奏曲や舞曲が５曲もあります。特に前奏曲は大問題で、小節線抜きで全音符が延々と五線紙上を埋める譜面と演奏を対応させるのは至難の業です。とは言え、この小節線がない譜面（↑）、亭主にはとても新鮮で、イマジネーションをかき立てられるところがあります。また、譜面に従って順番に鍵盤を押しながらその響きに耳を傾けていると、「曲を聴く」というよりも響きの流れに感覚を委ねる心地よさに浸かることが出来ます。この譜面面、見方によってはある種の「現代音楽」に似ていなくもない？いずれにせよ、この自由さこそは古楽の魅力の一つである気がします。

  June 16, 2013

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  「貴婦人と一角獣」タペストリー展

  先週末、フランス中世美術を代表する作品と目されている表記タペストリーの展覧会に足を運びました。会場は乃木坂にある国立新美術館。ここはかつてT大学の付置研究所が２つあった場所で、亭主もその昔何度か訪ねた覚えがあります。２つの研究所のうち一方が駒場へ、もう一方が柏へと移転し、その跡地が再開発されて新しい美術館に建て替わったという噂は聞いていましたが、そうなってから足を踏み入れるのは今回が初めてでした。乃木坂駅に新設されたと思しき専用の通路を辿って美術館に入ると、館内は予想以上に広々としており、特に建物の片面全体が巨大な吹き抜けになっています。東京国際フォーラムなどをはじめ、このような造作は最近の建築の流行なのでしょうか。開放的で好感が持てる一方で目印になるものが少なく、お目当ての展覧会の切符売り場や入場口にたどり着くのにややもたつくことも。幸い、タペストリー展の入場者はそれほどでもなく、比較的ゆっくり見て回ることができました。このタペストリー、美術史の世界では夙に有名な作品で、亭主もケネス・クラークの“Civilization”（邦訳：「芸術と文明」）等に挿入された口絵で見たことがあります。他にも、例えばホイジンガの「中世の秋」（中公文庫）の表紙カバーに使われるなど、それなりに知っているつもりだったのですが、白状すると実は６点の連作ものであることを亭主はこの展示で初めて知りました。　作品自体はいずれも1500年頃の作と推定されており、６枚全てに登場する「貴婦人」「一角獣」「ライオン」に加え、侍女、子犬や猿、鳥、兎といった小動物、さらには無数の花・植物の図象が散りばめられています。色はいずれも暗い赤色の地を基調としており、青系統の色で描かれた土俵のような楕円の面上に、上記の人物、生き物等が配置されています。特に有名なのが「我が唯一の望み」とタイトルの入った天幕が織り込まれたタペストリーで、クラークが著書で取り上げているのもこの作品ですが、やはり実物を見ると大きく印象が変わりました。折角ですので、クラークがこのタペストリーについて語っている部分を引用しておきましょう。「…これは、ゴシック精神の最も魅惑的な実例の一つと申せましょう。それは、詩的、空想的そして異端的です。表向きの主題は四つの感覚＊)ということですが、真の主題は、愛の力です。愛の力は、肉欲と獰猛さを表す二つの象徴、一角獣とライオンを含めて、一切の自然の力をつのらせることも、和らげることもできるというわけです。一角獣とライオンはこの貞淑の前に跪き、天幕の両端を捧げ持っています。これらの野獣は、紋章学的な意味でサポーター、つまり左右両側で彼女を支える一対の動物となっています。そしてこの寓意的光景の周囲には、中世哲学者達のいわゆる『能産的自然』のかなり明白な象徴である兎が何匹も見られます。クッションの上に坐った小犬という飼いならされた自然まであります。これは、もっとも洗練されたかたちでの世俗的な幸福、フランス人のいわゆる『甘い生活』のイメージで、しばしば文明と混同されるものです。」（K. クラーク、「芸術と文明」、河野徹訳、pp. 66、法政大学出版局、1975）[＊)原書でもfour sensesとなっており、どうやら1969年当時は５枚のうちの一つが違った意味の図象解釈をされていたのかも？]それにしても1500年頃といえば、イタリアではルネッサンスが最後の輝きを放っていた時代ですが、これらのタペストリーを眺めていると、フランスはホイジンガの言うようにまだ中世の黄昏という雰囲気だったのだということがよく分かります。なお、当時の音楽に関心がある方ならば、五感を表した連絡中の「聴覚」のタペストリーも興味深いものでしょう。ここでは貴婦人が２×１８本のパイプを備えた卓上のオルガンを奏でている様子が描かれており、侍女が反対側でふいごを操作しているところまで丁寧に描写されています。当時上流階級に普及していたポータブル・オルガンの一種と思われ、なかなか貴重な画像資料と思われます。

  June 9, 2013

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  ハープシコード・タッチの技芸

  亭主はついに、ハープシコード奏者、スキップ・センペの原点と呼ぶべきレコーディングを見つけました。ドイツ・ハルモニア・ムンディから1990年にリリースされた「フランソワ・クープラン：クラヴサン曲集」、彼のCDデビュー版(?)です。以下、彼の筆によるライナーノートの解説文を亭主訳で一挙掲載です。The Art of Harpsichord Touch「ここで私が示す方法は、私の技芸への暖かい賞賛から受けた限りない恩恵に対する皆への返礼のようなものである。私はこれに自分の小さな発見を付け加えることで、彼らへの義務を十分に果たしたと感じている。恐らく何人かの人々は、こうして私が研究の結果を公表してしまうことは自らの最大の利益に反するのではないか、と言うだろうが、他の人々の役に立つという点に関する限り、私は彼らとは何の躊躇もなく永遠に袂を分かつであろう。」（フランソワ・クープラン、『ハープシコード・タッチの技芸 L’Art de Toucher le Clavecin』フランソワ・クープランが1716年、彼の『ハープシコード・タッチの技芸』を世に送り出したとき、彼は当時既に死に絶えつつあったタッチに霊感を受けたハープシコード演奏の伝統を救おうと試みていたのである。クープランはこの標題で何を意図していたのだろうか？私は、彼が特にハープシコードの「タッチ」についての技芸に言及していたのであり、ハープシコード演奏の技芸についてという点では一般論として言及しただけだと確信している。もちろんクープランはこの２つが分ち難いことはよく分かっていたが、時が経つにつれて問題は混乱してしまった。クープランは『ハープシコード・タッチの技芸』の前奏曲を、ある種の非常に特別な響き - ハープシコードに最初に触れる瞬間から重要だと彼が考える響き - を作るような手を形成すべく書いた。バッハは彼のインヴェンションで同じ指摘を行なったが、そこでは“歌わせる技芸 cantabile art”という中心概念、鍵盤楽器にそういった幻想を持たせるような性質に言及している：それはタッチの技芸によって生み出される多彩な音響によって得られる伴奏と叙情的な効果との魔術的な融合なのだ。フランソワ・クープランの最上の録音とはどんなものだろうか？最も想像力を欠いた、それゆえ最も成功しないやり方は、彼の全ハープシコード作品を録音することだろう。一方で、同じくらい不満足なのは、単にその人気作品を録音することで最も偉大な18世紀フランスのクラヴサニストの横顔を描く、といった細密画家のようなやり方だろう。４巻にまたがって出版されたクープランの２７のオードル（組曲）は、必ずしもひとつの完全なオードルとして一度に演奏されることを想定したものではなかった。出版や演奏に対する17世紀および18世紀の姿勢は今日のそれとは随分と異なるものであった。作曲家は調やジャンルごとにまとまった材料を供し、演奏家はそれらから自分自身の組曲を作り、ある伝統を守るにしろ破るにしろ自分の意志でそれを行い、それによって聴衆を笑わせ、考えさせ、また涙させる。これがバロック時代に“技芸 technique”という言葉が意味したもので、私もそのように理解するようになったのである。現在は全作品集に付随する先入観があるが、17世紀および18世紀の演奏家は、しばしばレパートリーを選んで“フランス風”の組曲を作ったのであり、「組曲」とは自分の選択という表現の媒介だったのだ。彼の４巻の作品群を詳細に検討すれば、シャンボニエール、ルイ・クープラン、ダングルベールといった先達の伝統に従って印刷された曲の順番があるにもかかわらず、クープランが自身でどのように選択の余地を残すという目的を達成したかが分かるだろう。『ハープシコード・タッチの技芸』の前奏曲は、ただ視覚的な構成上の理由で小節線に区切られた譜面になっているのであり、このような実用上の考慮によって必ずしも演奏における芸術上の決断が縛られる必要はない。「ハープシコードの演奏についての一般的な結論を述べるにあたり、私の感じるところが何かと言えば、人はそれに最も適している特性から如何なる面においても遠ざかるべきではない、ということである。」フランソワ・クープランはその『ハープシコード・タッチの技芸』の中で再びハープシコードが創り出す響き – その共鳴する能力 - に言及している。彼が書き記したことは、時と場所によらずあらゆる既知のハープシコード演奏のスタイルのためのものである。バード、フレスコバルディ、フローベルガー、バッハ、スカルラッティ…も然り。スキップ・センペ（「フランソワ・クープラン」ライナーノートより。1990年）いかがでしょうか？実にセンペらしい、というか、彼は爾来23年間、その志を曲げることなく自ら孤高の演奏家人生を歩いている風に見えます。Cool!

  June 2, 2013

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  「ピアノフォルテ・ソナタ」byシェドロック

  鍵盤音楽についての著作を読んでいると、たまに標題の本が参照、あるいは引用文献として出てきます。亭主も数年前、何かの折にこの本を見つけて購入しておいたのですが、最近になって読み始めたところ結構面白く、移動時間等の暇つぶしになっています。J.S. シェドロック(1843-1919年)は英国の音楽教師で、主にベートーヴェンの研究で知られているようですが、1895年に刊行された本書はいわゆる古典派の「ソナタ形式」の成立と発展を明らかにしようとしたもので、18世紀初頭から著者の同時代（19世紀末）までの作曲家達の作品が批評の対象になっています。ご参考までに目次を紹介すると、1. 序2. ヨハン・クーナウ3. ベルナルド・パスクィーニ：J. クーナウの同時代人4. エマニュエル・バッハと彼の同時代人達5. ハイドンとモーツァルト6. ベートーヴェンの先駆者達7. ルードヴィッヒ・ファン・ベートーヴェン8. ベートーヴェンの二人の同時代人9. シューマン、ショパン、ブラームス、およびリスト10. 英国のソナタ11. 現代のソナタ、二重奏ソナタ、ソナチネ、等となっています。亭主はまだ第５章にさしかかったところですが、これまでのところでも、例えばクーナウという音楽家についての記述は大変興味をそそられます。クーナウは亭主にとっては全く未知の音楽家ですが、聖トマス教会のカントルとして大バッハの前任者（1701~1722）だそうです。シェドロックが彼の「聖書ソナタ」や「クラヴィア練習曲集」を詳しく取り上げているのを読んでいると聴いてみたくなります。（調べてみると、それなりにCD録音があるようです。）次に登場するパスクィーニは、著者も認めるように直接ソナタ形式の発展に関係したわけではありませんが、彼が弟子を通じてイタリア鍵盤音楽（声楽＝カンタータに対する器楽＝ソナタ）の影響をドイツに広めたこと、また「組曲」がソナタの多楽章形式の先駆け（？）に見えること等が取り上げられた理由として挙っているようです。前の２人に比べてさらに興味深いのがエマニュエル・バッハ。彼が当時の伝統的な作曲ルールをしばしば無視したことが紹介されています。この点についてはカークパトリックも、スカルラッティの著作中でC.バーニーの論評を引用しながら触れていますが、こうなってくるとこちらについても音にしたものを聴いてみたい衝動に駆られます。（亭主もピアノによる演奏のCDは持っていますが、ハープシコードのそれはほとんど馴染みがありません。）それにしても、この章を読んでいて面白いのは、既に19世紀末に「古楽復興」の動きが見られる点です。ハンス・フォン・ビューロウによるトランスクリプションが批判の対象になるとともに、「楽譜通りに弾くべきか」というあの装飾音についての鋭い問題意識が語られています。何れにしてもこの本、もうしばらく楽しめそうです。

  May 26, 2013

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  Pavana｜the virgin harpsichord

  先週に引き続き、センペさまの演奏によるハープシコード作品集CDの紹介です。今回はついに遡ること16世紀、英国で栄えたヴァージナリストの作品群からで、ウィリアム・バード、ジョン・ブル、オルランド・ギボンズ、ジョン・ダウランド、トマス・モーリー…と、亭主でも聞き覚えのある作曲家達による珠玉の小品集といったところ。実は亭主がハープシコードを始めた６年前、この楽器のレパートリーとして最初の頃に手にしたのが、かの有名なフィツウィリアム・ヴァージナル・ブック（ドーバー版）で、いかにもその時代を感じさせる響きを楽しんだものでした。センペも書いていますが、前世紀初頭に古楽復興運動が盛んになり始めたころ、これらのレパートリーは広く誰にでも愛される作品としてヴァージナルやハープシコードという楽器の復活を後押ししたものだったようです。何しろ、当時既に大バッハの鍵盤作品は（オルガン作品は別として）ピアノで弾くのが当たり前（「何でいまさらそんな古くさい楽器で弾くのか」という見方が大勢）、一方でフランス・クラヴサニストの音楽は「ドイツ音楽全盛」の陰でほとんど忘れ去られ、あの複雑な装飾音の体系にどう取りかかったものやら、という状態だったとか。　というわけで、これらヴァージナルの音楽はおそらく古楽の専門家にとっても心のふるさとのようなレパートリーなのだろうな、と想像します。センペの演奏もじっくりと語りかけてくるようで、どこまでも暖かい雰囲気。実に癒されますねぇ…ちなみに、この録音ではピリオド楽器復活の立役者であるスコウロネックによるフレミッシュ・ヴァージナル、イタリアン・ハープシコードなどが使われており、その豊かなサウンドも楽しみの一つです。最後に、ライナーノートをめくって行くと、解説文の冒頭、ヴァージナリスト達の同時代人であるシェイクスピアのソネット第128番が引用してあり、ちょっとイカしているので以下に小田島さんの訳を紹介しておきましょう。　　　　《128》わが音楽の君よ、君が音楽を奏するとき、あのしあわせな鍵たちが美しい指とともに動いて楽の音をひびかせ、君にやさしくあやつられたハーモニーでわが耳を驚嘆させるのを見るとき、君のやわらかな手の内側にキスしようとして跳ね躍る木片たちを私はいかに妬んだことか、その恩恵にあずかるべき私のあわれな唇は木片たちの大胆さに赤面して佇立するのみだ。あのような愛のくすぐりを受けるなら、わが唇は踊る鍵たちと喜んで身分立場をとりかえよう、君の指はやさしく歩きまわって、死んだ木片を生きている唇よりもしあわせにするのだから。　　厚かましい鍵たちはそれで満足しているのだから、　　彼らは君の指に、私は君の唇にキスさせてくれ。（「シェイクスピアのソネット」、小田島雄志訳、文春文庫より）

  May 19, 2013

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  センペ/バーンフェルトによるフォルクレ

  このところハープシコードに主役の座を奪われて、あまり弾いてもらえない未音亭のピアノですが、震災後に一度調律したきり放っておいたところ、今年になってさすがに狂いが耳につき始めました。以前お願いしていたY社の調律師さんからは毎年頃合いを見て電話がかかって来ていたのですが、どうやら忘れられたようで最近は音沙汰なし。それならば、ということで今回初めて個人営業の調律師さんにお願いして来て頂きました。特に高音が大分下がっていたようで、調律の結果とりあえず元の明るい響きを取り戻した感じです。脇にハープシコードが置いてあるのに気付いた調律師さんに「今度は少しピアノの響きを楽しまれては？」と促され、いざピアノに向かったものの、暗譜ではほぼ何も弾けない状態になっていることを思い知らされました。（やれやれ...）ところで、このところサイバー空間でスキップ・センペの「追っかけ」をやっている亭主は、中古CDを買いあさっています。残念ながら、国内のサイトではなかなか見つからないので、高い送料を払ってもっぱら米国アマゾンから購入。先週末には注文中のCDの一つ、センペとバーンフェルトによるフォルクレの作品集が届きました。アントワーヌ・フォルクレ（1671-1745）といえば、ヴィオールの名手・作曲家として知られています。もちろんヴィオールといえばマラン・マレが著名ですが、同時代人のシャトーリオンは次のように言っているそうです。「誰もマレを超えることはできないだろうが、彼に匹敵する者が一人いる：かの有名なフォルクレだ。彼はちょうどフランスでイタリアの音楽が驚くほど精巧に真似されていた1698年頃にこの世界に登場した。フォルクレはヴァイオリンがなし得る全てのことをヴィオールで試み、それを高度に成熟させることに成功した。」別の記事によると、マレが優雅で温和な音色を特徴としていたのに対し、フォルクレの方は表現衝動に富んだ鬼気迫る演奏から「悪魔のようなフォルクレ」と呼ばれた、とあります。一方、ライナーノートの記事によると、フォルクレには「グレた」息子がいたそうで、悪さばかりしてしばしば警察沙汰になるなどしたため、父親は息子を監獄の中に閉じ込めておこう考えたほどだったようです。（父親が息子の才能に嫉妬していた、という話もあるようで、やはり芸術家の親子というのは人間関係が難しい？）ところが、父親の死後にヴィオールの作品集、およびそれをハープシコードに編曲したものを出版したのがその息子だったとのこと。このCDではその両方からの作品がほぼ半々に取り上げられていて、ハープシコードの独奏・伴奏いずれもセンペが受け持っています。実際に聴いてみて一つ気付いたこととして、ラモーのコンセール第５番冒頭にある「ラ・フォルクレ」という曲の和声進行が、まさにこのCDの作品中であちらこちらに現れることが挙げられます。一方で、フォルクレの作品にも「ラ・ルクレール」、「ラ・クープラン」、「ラ・ラモー」と同趣旨（？）の作品がゾロゾロ。おまけに自分で「ラ・フォルクレ」と名付けた曲まであります。こうやってお互いの作風を真似してみせることは一つの流行だったのでしょうか。それにしても、ライナーノートの背扉に載っているセンペ様の写真の若々しいこと！CDがハルモニア・ムンディから録音・発売されたのが1991年とあるので、今を去ること22年前です。彼の生年月日は企業秘密のようですが、このころ30歳代だとすると多分亭主と同世代か少し上、といったところか。「若き日のセンペ」というタイムカプセルを開いたようなCDでした。

  May 12, 2013

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  オディロン・ルドン展

  皆様方は連休をいかがお過ごしでしょうか？未音亭では、まず共働き世帯で溜まっている家事を片付け、庭の手当など、季節の変わり目にやらなければならない諸事まで何とかしてしまおうとバタバタしているところです。また、ほぼ一年ぶりとなるホームページ（母屋）の更新もやっとの思いで終了。ところで昨日は、現在新宿で開催されている表記展覧会に出かけました。（それというのも、連れ合いがめずらしく新聞の「読者プレゼント」に応募したところペアチケットに当選。これは行くしかない、というわけです。）朝9時少し前の高速バスで、常磐道下り線の渋滞を尻目にスイスイと東京駅へ、東京駅から中央線で新宿まで出て見ると、ほどほどの人出はあるものの思ったほどの混雑ではありません。会場の損保ジャパンビル（昔の安田火災海上本社ビル）にたどり着くと、42階にある東郷青児美術館へのエレベーター入り口も人だかりはなく、難なく入場できました。ルドンは亭主が若い頃から愛してやまない美術家の一人で、前半生でのモノクロームの象徴主義的な版画連作と、後半生の鮮やかな色彩の油彩・パステル画との対照が特に印象的です。学生時代の1980年にやはり新宿で開かれた大規模な展覧会は今でも記憶に残っていて、当時図録を買うお金を節約するために購入した、ルドン展特集記事を収めた「美術手帳」は今でも亭主の本棚に並んでします。ところで、今回の展覧会では、ルドンの生い立ちや家族・知人関係といった作家の背景に迫ろうとする展示物が目を引きました。特に、彼が30歳ごろまで挫折を経験しながら「自分探し」の旅（精神的にも、実生活においても）をしていたことや、植物学者の知り合いに見せてもらった顕微鏡下の生物世界、あるいは丁度そのころ没したチャールス・ダーウィンの進化論的自然観との遭遇など、その後の彼の創作モチーフとなる図象やイメージの起源に関連する事物の展示が興味をそそります。確かに、彼の版画には植物の芽、目玉、人体や動物の身体の一部、といったモチーフが頻出します。チラシにもなった「蜘蛛」もそのような系統の有名な作品で、足が１０本あるところがお愛嬌ですが、その一見単純な表現にも関わらず漫画とは異なる何とも言えない不気味さを漂わせているところは、ルドンがエッチングというマチエールの効果にいかに熟達していたかを示しているように見えます。いずれにせよ、33年ぶりに再会したルドンの作品は依然として新鮮で、特にその魔術的な色彩の絵画は（実物が長い間抱いていたイメージに比べて思いのほか暗いのに驚きましたが）見る者を幸福感で満たしてくれます。

  May 5, 2013

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  ギヨーム・ド・マショウのモダンな響き

  先々週の日曜日朝、FMラジオをかけたままにしていると、いつのまにか花井哲郎さんの「ビバ合唱」の時間です。何気なく聞いていると「シャンソン～フランス語の愛の歌～」というお題で、まずその一曲目としてギヨーム・ド・マショウの「すべての花の中で」という曲が鳴り始めたのですが、亭主は瞬く間にこれにクギ付けになりました。…これは一体何だ？？？という感じで、今までに全く耳にしたことのない不思議な響きです。２度や５度（３度抜きの）といった和音が頻出し、何とも緊張感のあるフレーズに時々協和音が絡むといった和声進行で…と口で言ってしまうと大したことがなさそうに聞こえてしますのですが、とにかく調性音楽に慣れた耳にはこの上なく摩訶不思議、それでいてとても新鮮で魅力的な響きです。演奏終了後、司会の花井さんが「如何でしたか？何とも不思議な響きで…」と語り始めるや否や、亭主は早速パソコンに飛びついて作品の情報を調べ始めました。音源はかつてアルヒーフから出ていたオルランド・コンソートによる演奏であることはすぐに分かりましたが、1998年と既に15年前のもので、フツーには手に入らないもよう。そこで、すぐさま中古CD探しです。幸い、米国のアマゾン・サイトで見つけ、10日ほどで首尾よく落手しました。さて、そうやってこのCDを改めてじっくり聴いているうちに、亭主はマショウ（「魔性？」）の世界に完全にハマってしまいました。収められている14曲、いずれも不思議な響きを持っていますが、その中でもFMで流れた「すべての花の中で De toutes flours」は格別に魅惑的な響きを持った作品です。（おそらくこれにはオルランド・コンソートの素晴らしい合唱テクニックも大きく寄与していると感じます。）ライナー・ノートによると、ギヨーム・ド・マショウは1300年頃の生まれ、つまり14世紀に活躍した音楽家です。CDに収まっている作品は、彼の中期、1350-1360年ごろのものと考えられているようで、「すべての花の中で」は「単純でかつ最もよく世に知られた作品だが、それは興味深くまた演奏家にとっては謎めいた不協和音（和声の衝突）によって彩られている」とあります。亭主は何度もこの曲を聴くうちに、バルトークの音楽が持つ響きに似ているとも感じるようになりました。おそらく彼の作品の不思議な響きも、元を辿れば教会旋法をベースにした音の動きにあるのでしょう。それにしても、このような曲を聴いていると、たった１２個の音が持つ可能性の広大さに改めて打たれるとともに、「温故知新」という古びた言葉が実感を持って思い出されます。

  April 28, 2013

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  スカルラッティとナポリの歌

  ４月も下旬に入ったというのに、まるで初冬のような陽気です。東北では積雪とか、季節はずれの便りがあちらこちらから舞い込んできます。新聞を読んでいると、今年は太陽活動が11年周期のピークに当たるはずなのに、その兆候が見えない、といった気になる記事もあり。今年の気候もまた（？）大きく「平年」から揺らぐのでしょうか。ところで、４月８日のA新聞夕刊文化面を眺めていたところ、「『越境古楽』グループ・ジャンルの壁破るか」と題した興味深い短信が掲載されていました。題目からもある程度想像がつくように、今日の西洋「クラッシック音楽」の根っことしてのバロック以前（正確にはたぶんルネッサンス期以前）の音楽は「民族音楽」と呼ぶべきもので、そのような源流を辿ることが「クラッシック音楽」vs「民族音楽」といった現在のジャンルの壁に風穴を空けるのではないか、というわけで、そのような越境を思わせる最近の古楽CDがいくつか紹介されています。日本でも「カテリーナ古楽合奏団」などの活動を知っている古楽ファンには、このような主張は特に耳新しいものではありませんが、亭主が興味をもったのはその記事中で紹介されていた標題のCDです。スカルラッティ・おタクの亭主としてはこれを見逃すわけにはゆきません。早速ネットで入手したのでその中身をもう少し詳しくレビューしましょう。このCDで取り上げられているスカルラッティのソナタは、登場順にK.103、K.214、K.9、K.176、K.153、K.241、K.513、そしてK.202の計８曲です。これらのソナタの間には，表題のようにナポリ民謡と思しき声楽曲が１〜２曲ずつ挿入されており、トラックの順番に再生するとこれら民謡と前後それぞれのソナタとを聞き比べながら鑑賞することが出来る、という仕掛けです。さて、実際に聞き比べながら浮かんできた思いは「これって、昔ラジオでやっていた『よく聞くと何処か似ているかも』コーナーだよな…」というもの。旋律の一部や和声進行が同じ拍子の上に乗って響くと「あー、確かによく似てる！」となるわけで、このCDでも特にK.9とK.513の相方となった民謡には「ホームラン」とはいかないまでも「二塁打」ぐらいは上げてよいかも。というわけで最初は面白がって聞いていたのですが、２度３度となるとやや熱も醒めてきて、ものごとをつまらなくする「冷静」が頭をもたげます。「そもそも、ここで取り上げられているソナタは例外なく３拍子系（6/8あるいは12/8）で、ナポリ民謡の方もそこは同じなんだから、雰囲気がある程度共通するのは当然といえば当然だよな…」CDのライナーノートにも書かれていましたが、２つの楽曲が「似ている」というだけで直ちに相互の引用関係や共通の曲を想定するのは危険です。（その昔、前述の「どこ似て」コーナーには「黄金虫」の旋律によく似た音の動きをする曲が沢山寄せられていました。もちろんこれらのほとんどは偶然の類似というべきものでしょうが。）このCDの編者であるフランチェスコ・チェーラも、その点は十分意識しながらやっていることだとは思いますが、これらが「単なる他人のそら似」以上の関係にあるかどうかウラを取るのはそれなりに大変ではないかと想像します。この点、例えば古くはカークパトリックの著作で指摘されていたK.513とナポリ地方のクリスマス・ソングの類似は気になっていたのですが、このCDで取り上げられた民謡がそれにあたるとすると，大変感慨深いものがあります。いずれにせよs、そんな心配は専門家にお任せ、ということで、亭主としてはひたすら「スカルラッティ版どこ似てコーナー」を楽しませて頂きました。特に、ナポリ民謡を歌っているソプラノ歌手カランドラ嬢の声がとても素敵です。また、使われているハープシコードも1650年頃のナポリ製楽器の複製だとかで、やや鄙びたイタリアンの響きがよく出ているように思えます。

  April 21, 2013

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  クリストフ・ルセによるダングルベール

  先週金曜日の「古楽の楽しみ」リクエスト・ア・ラ・カルトの時間に、ダングルベールの組曲ニ長調がオンエアされていました。音源は亭主が持っているCDと同じクリストフ・ルセによるものです。（このCD、残念ながら長らく絶版状態で、亭主も中古CDとしてネット通販で入手しました。）確認のために調べてみると、ジャン＝アンリ・ダングルベール（1629-1691）はルイ・クープラン（c.a.1626-1661）やリュリ（1632-1687）とほぼ同時代人で、シャンボニエール（1601/2-1671）の弟子、という位置にあります。フランス・クラブサン音楽の一つのピークを作ったと見なされているシャンボニエールから、もう一つのピークと思われるフランソワ・クープラン（1668-1733）まで２世代ですから、ダングルベールの世代はちょうどこれら２つのピークの中間にあたる世代です。ちなみに、ラモーはバッハ、ヘンデル、D.スカルラッティにほぼ同じ1683年生まれ。前述の音楽家達に比べれば、この４人が如何に「新しい」世代かがよく分かります。CDなどの解説によると、ダングルベールはリュリをはじめとした同時代の音楽家の作品を縦横に引用・アレンジして自らの作曲に取り入れた「古典主義」の始祖のような存在とのこと。また、前述のニ長調の組曲を含む1689年に出版された曲集は、クープランやラモーの出版譜に見られる「装飾音とその実践例の表」を含んだ最初の出版譜（ウィキペディア）ということのようです。（カークパトリックの著作中でも引用があります。）放送されたニ長調の組曲も（亭主が聞くと）F.クープランよりも楽しい感じですが、この曲集でもっと面白いと感じたのは、ニ短調の組曲の最後に出てくる「スペインのフォリア」で、例の有名な主題による数ある変奏曲の中でも初期のものとか。この例も含め、何かと「引用」が得意であるのは、「古典主義」の現れかもしれません。ところで、FMの放送に触発されてルセのCDを聞き直しながらライナーノートを眺めているうちに、この録音に使われた楽器について寄せたダヴィッド・レイの短い文章に目が止まりました。それによると、何と楽器は1624年（CDケースには1629年とあり）製のヨハン・ルッカースによるオリジナルだそうで、現在アルザスのコルマールにあるウンターリンデン博物館所蔵だとか．早速調べてみると、博物館のウェブサイトに写真がありました。この写真、同サイトのヴァーチャル・ツァーをクリックして行くと、２階フロアの１９番とマークされた一角に陳列されていることが分かります。コルマールのウンターリンデン博物館と言えば、美術ファンなら誰もが知っているグリューネヴァルトの「イーゼンハイムの祭壇画」があることで有名です。何を隠そう、若き日の亭主もこの地を訪れ、あのスーパーリアリスムとも形容すべき壮絶なイエス・キリストの磔刑図の前で完全に毒気を抜かれて呆けたように立っていたことを昨日のことのように思い出します。とはいえ、「昔はものをおもわざりき」で、ハープシコードのことなど微塵も記憶にないのが残念。いずれにせよルセによるダングルベール、本物のリュッカースの響きを伝える貴重な録音であると認識も新たにしました。

  April 14, 2013

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  セヴラック

  昨夜から今朝にかけて、台風並みの低気圧が亭主の住む関東地方を駆け抜けて行きました。幸い、雨の方は大したことはなかったのですが、太陽が出始めた午前中から猛然と風が強くなり、折角の晴れ間にも関わらず外出はあいにくの天気。挙げ句に夕方からはにわか雨まで降り出し、風が収まったところで庭いじりでも、という思惑も外れてしまいました。ところで週末の土曜日、平日目覚ましに使っているFMラジオのタイマーを切り忘れ、早朝に鳴り始めたラジオを聞くともなく聞いていると、オンエア中の番組は何と「現代の音楽」であることが分かりました。新年度スタートに伴う番組の再編が行われたようで、確かそれまで日曜日の夕方だった当該番組が、この４月から土曜日の早朝に引っ越して来たようです。平日、朝のお目覚めの音楽は「古楽の楽しみ」で放送されるバロック音楽と決まっているので、何とも大きな落差です。「…ったく、朝っぱらからゲンダイ音楽なんて鬱陶しい…」と思っていると、何やらセヴラックの歌曲などが聞こえてきたのでフェイントをかけられた感じ。「ありゃ？？セヴラックって１９世紀末の音楽じゃなかった？」。当日の放送は、ゲストにフルート奏者の荒川洋氏を招いてあれこれ音楽談義という趣向で、その中で取り上げられた曲の一つにたまたまセヴッラックの作品があった、ということのようです。亭主がセヴラックの存在を知ったのは比較的最近で、あるきっかけからアルド・チッコリーニ演奏のピアノ曲全集を購入して聞き始めたところ、ドビュッシーを思わせる響きがとても気に入りました。最近でも、時々通勤の車中でiPodに詰め込んだ全集をかけっぱなしにしています。セヴラックの音楽は、誤解を恐れずに言ってしまえば「癒し系」のそれです。亭主のように日々会議や雑用に追われている身にとって、彼の創り出す響きの世界は大いなる慰めとなっています。ちなみに「あるきっかけ」とは、確か一昨年の「吉田秀和賞」をもらったのがS氏によるセヴラックについての評論だった、というものでした。S君は、亭主が大学時代に出入りしていた音楽サークルで数年間ご一緒したものの、それ以来（三十年近くも！）お会いしていないので、このニュースを聞いた時には懐かしい記憶が蘇ってきました。（元気でご活躍のようで何よりです。）

  April 7, 2013

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  ラファエロ展

  先週，亭主は学会で広島に出張でした。宿泊したホテルは広島駅前近くを流れる太田川の支流の一つに面して立っており、レストランがある1階は川沿いに整備された桜並木の公園に接していて、朝食時には八分咲きぐらいになった桜の花に縁取られた川面の広々とした風景を楽しむことができました。ところで、今日の話題は先日観覧したラファエロ展についてです。ラファエロといえば、言わずと知れたイタリア・ルネッサンス絵画の巨匠の一人、あのレオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロと同じ時代の空気を呼吸していた大画家です。とはいえ、日本では意外にもこれが初めての「個展」だとか。確かに、モナ・リザやダヴィデ像といった、日本人も含めて誰もが知っているようなラファエロの代表作があるか、と問われるとやや答えにくいところがあります。強いて一つ挙げるとすれば、ヴァチカンのシスティナ礼拝堂を飾るフレスコ壁画群、なかでも「アテネの学堂」のフレスコ画ということになるでしょうか。同じラファエロのフレスコ画でいうと、ローマはファルネーゼ宮の壁に描かれた「ガラテアの勝利」も亭主が賞賛してやまない作品です。とはいえ、余程のことがない限りこういったフレスコ画を日本に持ってくることは出来ません。（亭主は以前，修復のために剥がされて美術館に収まっていたボッチチェリのフレスコ画を国内の展覧会で見たことがありますが、このようなものは例外中の例外というところでしょう。）ラファエロの「ポータブルな」作品では、聖母子像と肖像画に人気があります。特に前者では、「小椅子の聖母」、「ひわの聖母」、「大公の聖母」といった代表作がよく知られていますが、今回のラファエロ展でも目玉作品の一つとなっているのが最後に挙げた作品、「大公の聖母」です。この作品、フィレンツェのパラチーナ（宮廷）美術館から借り出されたものですが、亭主にとっては学生時代、フィレンツェに旅したときに出会って以来三十年ぶりの再会でした。ラファエロが活躍した時代、聖母子像といった人物画（？）の背景には、ほとんどの場合建物やその窓から見える遠景が描かれているのですが、この作品ではなぜかほぼ黒一色に塗り籠められていて、あたかも暗闇の中で天空からの光彩に照らされた聖母子が神々しく輝いているように見えるところがとても印象的で、まるで後のエル・グレコの聖母子像の先駆けのような雰囲気です。(この黒塗りの背景については、最新の赤外線写真による謎解きが展覧会で待っています。)それにしてもくだんの作品、三十年前に出会った時とは違って額縁にはガラスがはまっており、当時鼻をすりつけるようにして眺めた時とは大分勝手が違います。ラファエロの筆で永遠の命を与えられた聖母子像と、目障りなガラスに映った自分の姿とをかわるがわる見比べながら長嘆息する亭主でした。

  March 31, 2013

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  チェンバロ肘

  以前にも書いた通り、亭主はこのところ右ひじの痛みに悩まされているのですが、いくら湿布を貼ったり軟膏を摺り込んでも改善する兆しがないので、昨日ついに近所にある整形外科に診てもらいました。担当のお医者さんは、症状を聞くなり亭主の伸ばした右手を持って、手のひらをクっと手の甲側へ曲げます。「イテテッ…」と思わず声を上げると、即座に診断が下り、「いわゆるテニス肘ですね」とのこと。（あーやっぱり…）この病気、正式には「上腕骨外側上顆炎」と呼ぶそうです。問診では「何か原因に心当たりはありますか？」と聞かれましたが、さすがに「はァ、チェンバロで難しい装飾音を練習しすぎまして…」とは言い出せず、最近交換した電気掃除機のホースが硬くて腕に負担が…などと言ってみたものの、怪訝な顔をされるばかりでした。お医者さんは用意よろしく病気を説明した一枚のチラシをさっと渡してくれましたが、その原因・病態の項を見ると「中年以降のテニス愛好家に生じ易いのでテニス肘と呼ばれていますが、一般的には年齢とともに腱が痛んで発症します」とのこと。要するに加齢の効果だというわけです。（ちなみに、裏面の解説によると、前述の「手のひらクィッ」はトムゼンテストと呼ばれる診断法だそうです。）肝心の治療法はというと、「安静にしてこまめにストレッチをやること」ぐらいだそうで、ストレッチは先ほどのトムゼンテストとは逆向きに手の甲を曲げる（これで痛んでいる腱を違う方向に引っ張る？）というもの。いずれにせよ、もしハープシコードを弾くことが（加齢が背景にあるとしても）原因とすれば、楽器に触ることを控える必要があります。とはいえ、テニス肘になる原因の一つが「基本をわきまえない（拙い）ラケットさばき」にあるように、チェンバロ肘も亭主の我流演奏にその原因の一旦があるに違いありません。などと考えていると、つれあいが最近購入した中野振一郎氏の「チェンバロをひこう」という冊子中にある記述が気になってきました。曰く、「指を鍵盤から離さない…実はチェンバロを演奏する上でもっとも大切なポイントはここなのです。」亭主は５年前にハープシコードを弾き始めるにあたり、ショット社から出ていた「ハープシコード・メソード」という冊子を買って一応目を通したのですが、そこにはこのような「大事なこと」は書かれていませんでした。とはいえ、確かに言われてみると、スコット・ロス、スキップ・センペ、曽根麻矢子さん、中野振一郎さんと、亭主が映像で知っている演奏家の皆さんの指先はどんなに速い動きをしていても鍵盤に吸い付いているような感じであることを思い出しました。（そういえば、ピアニストでもミケランジェリがこういう弾き方をすることで有名でした。）亭主のチェンバロ肘は、結局のところ（下手なピアノと同じく）鍵盤上でバタつく指使いにあるのかもしれません。今からこれを直すのはなかなか難しそうですが…

  March 24, 2013

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  猫好き

  亭主は最近疲れ気味で、猫の写真に癒されています。先月は、法事で遠方の実家に戻ったのですが、その動機の一つは昨年から飼い始めたという猫（下の写真）を撫でるというもの。動画サイトでも猫は人気者のようで、今朝のA新聞でもそのことが話題になっていました。テレビでは、YKK-APの「窓」シリーズのCMに登場する猫さんたち、いいですねぇ...それにしても、クラッシック音楽の世界では猫はあまり人気がないのか、猫にまつわる作品はあまり見かけないような気がします。（子犬のワルツはあっても子猫のワルツはない？）こちらのサイトではそのような数少ない曲が紹介されています。http://nekossika.blog27.fc2.com/blog-entry-76.htmlスカルラッティの練習曲集に収められた最後の曲、K.30は「猫フーガ」と呼ばれていますが、これは19世紀になって付けられた名前だとか。亭主もその元になったコールコット版(W.H. Callcott)の楽譜を探しているのですが、未だに見たことがありません。クレメンティの『実用和声』という本の中でもそのような呼び名の元ネタがあるとのことですが、こちらも未確認。どなたかご存知ないでしょうか...

  March 17, 2013

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  電子チェンバロC-30見参

  ３月上旬というのに、関東は初夏のような陽気です。この陽気に誘われて、亭主は東京・上野で開催中の「ラファエロ展」に出かけました。が、これについては機会を改めてご報告ということで、今日は展覧会で「上京」したついでに新宿まで足を伸ばし、島村楽器に展示中の標題の楽器を試弾してきましたので、その体験レポートを少々。このところ亭主はスキップ・センペの弾くラモーにハマっているのですが、特に気に入っているのがコンセールを２台のクラヴサンで弾いたもの。フレンチ・モデルの鈴のような音色のハープシコード２台による掛け合い・競演はサウンド効果としても素晴らしく、亭主はこれを繰り返し聞きながら「あァ、もう１台ハープシコードがあればこんなことも出来るんだ…」などと妄想にふけっていましたが、そのうちにローランドのC-30のことを思い出し、これなら２台目としてイケる？、とさらに妄想が膨らんできました。というわけで、ネットで実物を触れる店を探しだし、この機会を伺っていたというワケです。さて、実際に触ってみた第一の感想は「鍵盤が軽い！」です。ローランドの宣伝文句によれば、この鍵盤は特にハープシコード専用として開発したとのことで、鍵盤のサイズや打鍵と発音の対応（どのくらいの深さまで押すと音が鳴るか）、さらには打鍵にともなうノイズまでも実物らしく再現したとのこと。確かに、強く打鍵すると弦の音に加えてカタカタという音がする（しかも強度を調整可能！）、あるいは重音ストップ（スイッチの操作で２段鍵盤楽器のレジスター機能をすべて完備）では鍵盤をゆっくり押すと上下段の撥音のタイミングが前後にずれる、といったことまで再現するこだわりようで、ここまでやるか、とおもわず唸ってしまいます。このように、鍵盤→音響に対するシミュレーションがほぼ完璧なレベルにあることは確かなのですが、普段ハープシコードの実物を触っている亭主が鍵盤を押す時に感じる「硬さ」、鍵盤を押し下げるとともにジャックが上がり、プレクトラムが弦を撥こうとする瞬間に起きるあの「抵抗」がC-30の鍵盤には一切ない感じなのです。とはいえこの弦を撥くときの抵抗、実はプレクトラムをどう削るかで大きく変わるので、それこそ楽器（の調整の仕方）によってまちまちというのが公平な見方だと思われます。また、これがあるが故に、ちょっと気を抜くと音が抜ける（鍵盤を押さえきれない）ということもあり、亭主のような素人泣かせの特徴でもあります。いずれにせよ、ハープシコードという楽器はピアノに比べると遥かに多様な楽器なので、C-30がモデルにした楽器がたまたまこのようなものだったと思えば文句を言う筋合いのものでもなさそう。ちなみに、この楽器は当然のことながらMIDI対応で、中野振一郎氏はじめ何人かの演奏家のデモ演奏も聞くことが出来ますが、「弘法は筆を選ばず」とはよく言ったもので、どの演奏もとても素晴らしいものでした。

  March 10, 2013

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  カウンター・テナー競演

  ヘンデルのオペラ、「ジュリアス・シーザー」が最近某局で放映され、それを録画したものを週末に眺める機会がありました。元になったのは、昨年の５月末にザルツブルグのモーツァルト劇場で行われた公演で、うたい文句にも「歌姫チェチーリア・バルトリがクレオパトラを熱演！」とあるように、チェチーリア・バルトリがもっぱら話題の中心だったようですが、亭主から見ると、タイトルロールを歌うアンドレアス・ショル、クレオパトラの弟トローメオ役のクリストフ・デュモー、そして何と言っても将軍ポンペイウスの息子セスト役のフィリップ・ジャルスキーと、中堅・若手のカウンター・テナー歌手が勢揃いしての競演に大いに興味をそそられました。ちなみに、カウンター・テナーとしては既に大御所のヨッヘン・コヴァルスキーもクレオパトラの従者ニレーノという地味な役で出演しており、ポンペイウスの妻役のアンネ・ソフィー・フォン・オッターも含め、なんともゴージャスな歌手陣です。とはいうものの、実はこのオペラ、全３幕の公演時間が４時間近くと長い上に、舞台演出は亭主のあまり好みでない現代風の翻案だったので、視覚的にはイマイチ。（いきなり血も滴る生首が登場したり、迷彩服を着た兵士達が機関銃のようなものを持って踊ったり、とかなりゲンナリ来る映像が満載です。）それでもところどころにユーモアも効かせてあったりして、それなりに飽きさせない工夫もされている模様です。つれあいが熱心に鑑賞しているのを横目に、亭主の方は脇で家事やふろしき残業をこなしながら、もっぱら聞こえてくる美声を楽しむ（画面は気になった時にちらと眺めに行く）といった案配です。こんなテキトーな聴き方をした後で感想を綴るのもややはばかられるところですが、ショル、ジャルスキー、デュモーの３人の中で今回「おおっ」と思ったのはデュモーの歌唱です。とても繊細かつ華麗な声質の持ち主で、歌唱による表現も際立っていて、ジャルスキーとはまた違った存在感を強烈に印象づけられました。聞くところによると彼は1979年生まれということで、まだ三十歳代半ば、今後の活躍が楽しみです。ジャルスキーは期待通り、相変わらずの美声を惜しげなく聞かせてくれます。セストというのは役柄のうえではどちらかというと立役なのですが、声域としてはソプラノを要求される、という18世紀的な設定で、まさにジャルスキーのはまり役です。ところで、３人の中でやや地味な印象を与えたのがシーザーを演じたショル。彼の声を聞いていると、透明感があってとても繊細なのですが、その歌唱はオペラにはやや上品過ぎる感じも。いずれにせよ、現代花形のカウンターテナー陣の歌唱を一度に堪能するまたとない機会になりました。

  March 3, 2013

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  スカルラッティ by ホロヴッツ

  数日前のNHK-FM「古楽の楽しみ」（リクエスト・ア・ラ・カルト）で、ホロヴィッツの演奏になるスカルラッティのソナタ三曲がかかっていました。曲目はK.146、K.491、およびK.455です。これらの演奏を久しぶりに聴き直して「あれっ？」と思ったのがK.455のソナタ。下の写真に引いた譜面の赤い破線で囲った部分、18小節めから四小節続く左手のラ♯ソ♯ソラ・ラ♯ソ♯ソラ・レ♯ド♯ドレ・レ♯ド♯ドレ…とあるところを、ホロヴィッツは何とララララ・ララララ・レレレレ・レレレレ…と、同じ音の反復で弾いているように聞こえます。引用した譜面はファディーニ版ですが、他の手持ちの譜面を調べた範囲では、ウジェル版、橋本版いずれもこれと同じで、同音反復になっているものは見当たらないようです。ここから先は想像ですが、ホロヴィッツがこれらのソナタを録音した1960年代には、こんにち我々が手にしているような「原典版」はまだ陰も形もなく、世の中に出回っていたのはロンゴ版とカークパトリックの選集「６０のソナタ（全音版が入手可能）」ぐらいだったと思われます。ホロヴィッツは、スカルラッティのソナタをレパートリーとして取り上げるに際し、カークパトリックにいろいろとアドバイスを受けたことが分かっていまので、このK.455についてもファクシミリとして入手していたいずれかの写譜を基に、カークパトリックと相談しながら演奏譜に仕立てたのだろうと思われます。ただし、tekutekuさんのヴェネチア手稿をチェック（こちら）してみると、これには見紛うことなくラ♯ソ♯ソラ・ラ♯ソ♯ソラ…と記されているので、基になっているのがヴェネチア手稿でないことは明らかです。いずれにせよ、前述のカークパトリックの選集にはこのソナタは取り上げられておらず、残念ながらこのような想像も亭主には確かめようがありません。もしかするとこれは、ホロヴィッツ自身の自由な改変によるのかも…

  February 24, 2013

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  「鳥」の系譜

  古来、鳥は数多くの芸術家に霊感を与える生き物だったようですが、ハープシコードを含む鍵盤作品にも沢山の名品があります。このところ亭主がご執心のラモーについても、1724年の曲集の中にある「鳥の呼び戻し（Le Rappel des Oiseaux）」、「ソーローニュの雛鳥（Les Niais de Sologne）」、新クラヴサン曲集中の有名な「雌鳥（La Poule）」があり、いずれも傑作と言ってよい作品です。フランソワ・クープランはというと、第１４組曲にある「恋の夜鳴きうぐいす（Le Rossignol en Amour）」が有名ですが、他にもいろいろとある様子。バロック時代以降を眺めても、フランス音楽というものはどうやらある「お題」について音による印象を綴る伝統があるらしく、鳥もその格好のお題の一つになっているのでしょう。これは必ずしも「鍵盤音楽」には数えられないかも知れませんが、ラヴェルの歌曲集「博物誌」は、ルナールの同名の詩集から五編抜き出し、それに素晴らしいピアノ伴奏を付けています。しかも、そのうち四編は鳥にまつわるもので、第１曲「くじゃく」、第３曲「白鳥」、第４曲「カワセミ」、そして最終第５曲「ほろほろ鳥」と、いずれも名作ぞろいです。この中でも亭主がとりわけ好きなのが第４曲。渓流つりに出かけた主人公が、釣竿を掲げていたところ、何処からともなく現れた一羽のカワセミが竿の先に止まり、その美しさに息をのむシーンを描いたものです。カワセミが自分の竿を木の枝と思ったことに心の中で高揚する主人公が、カワセミに気付かれないよう、じっと息を殺してその美しい羽色に見とれる光景が、ラヴェルのえも言われぬ静寂感に満ちた和声進行とともに現前する感じです。ちなみに亭主も以前、手賀沼の近くに住んでいた頃、沼のほとりを散歩していた時に突然目の前に現れたカワセミを目にしたことがあります。数メートル先の水面に立つ木柱の上にすっと止まったカワセミの、宝石のように美しい青と橙色の羽色は今でも鮮やかに脳裏に焼き付いています。宮廷に閉じ籠っていた（？）18世紀の音楽家は、はたしてカワセミを目にすることはあったのでしょうか？もし目にしたとすると、どんな曲を書いたでしょう？

  February 17, 2013

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  ソナタK.555

  Heugel版に収録されているスカルラッティのソナタは全555曲、カークパトリック番号の順番に並んでしますが、亭主はその最終巻である第11巻の最後のソナタ、K.555番の曲を弾くと、いつも何とはなしに物悲しい気分になります。次から次へと多彩な生き物に目を見張りながら、夢中になって森の中を探索しているうちに、こつ然と森の外れの断崖に出くわし、その向うにはもう何もないことを悟ってしまった探検家の気持ち、とでも言うべきでしょうか。ところで、亭主はこの曲を何度か弾くうちに、これと似た雰囲気のソナタがあることに気がつきました。K.204a、あるいはK.205という作品です。いずれも通常の二部形式とは異なる作品ですが、８分の６拍子を基調にした短調の速いパッセージの部分は、どことなくこの最後のソナタを思い起こさせる感じです。こうして比べてみると、これらの作品、実はもう一つの共通点としてパルマ手稿にしか収録されていない、という事実があります。よく知られているように、スカルラッティの原典手稿としてヴェネチアの図書館にある一セットと、パルマの図書館のそれがありますが、後者には前者に含まれないソナタが二十曲近くあります。このうちK.204aとK.205を含むのは1752年に写譜されたパルマ手稿第IV巻で、K.555は1757年、ドメニコの没年に写譜されたパルマ手稿第XV巻です。この二巻の間には五年の開きがありますが、スカルラッティといえども似たような作風の作品は相互に近い時期に作曲しただろうと想像すると、「写譜された順番と作曲された順番は必ずしも対応していないのではないか」という疑念を裏書きするもののように思われます。カークパトリックは、「装丁が立派で王妃マリア・バルバラが持っていたに違いない」という理由でヴェネチア手稿を「第一原典」としましたが、やはりスカルラッティのこれら手稿を詳細に調べたJ.シェベロフは、ヴェネチア手稿の主要部分がパルマ手稿からのコピー（なので前者に一部欠落がある）と結論し、さらにこれら手稿群に共通の「失われたオリジナル」手稿があったと推定しています。下図は、彼の博士論文に描かれた系統図です。「失われたオリジナル」の手稿譜ファイルがあったとすると、上記三つのソナタは相互に間近なページに綴じられていたかのかも知れません。いずれにせよ、やはりカークパトリック番号を「作曲の順番」と考えるのは危険な思い込み、ということになります。A.シャンブールは、スコット・ロスのスカルラッティ・ソナタ全曲CDのライナーノートの中で、最後に収録されたK.554と555のペアに触れて「これら二曲の書法と構造の完璧さは、我々を直ちに本カタログ冒頭の作品群へと連れ戻す。それはまるで円環が閉じるかのようであり、…もはやこの素晴らしい作品全体の始まりや終わりを区別する必要もないのだ」と語っています。言い換えれば、「スカルラッティの森」を冒頭で例えたような「平面」の森と思うのは錯覚で、実際には球面のように何処にも境目というものがなく、探索者をいつまでも魅了し続けるワンダーランドなのでしょう。

  February 10, 2013

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  ラモーの装飾音

  亭主はこの一ヶ月ぐらい、右ヒジ側面の痛みに悩まされています。あるとき急に痛み出したものの、それまで思い当たる節もなく、原因がよくわからない状態です。多分腱鞘炎の一種と思われますが、週末にハープシコードを弾いていて、特に装飾音を弾くために指を速く動かそうと力が入ると「ズキッ」と来るので、もしかするとこれが原因かも？これを「チェンバロ肘」と言うのかどうかはともかく、何しろハープシコードの演奏についてはレッスンというものを受けたことがなく、全くの自己流で弾いているので、きっと変なところに力が入っているのに違いありません。ところで、このところラモーのクラヴサン曲集を弾いたり聞いたりしていて強く感じることとして、ラモーの装飾音は彼以外の作曲家のそれとは一線を画しているのではないか、ということがあります。バロック以前のハープシコード音楽において、装飾音（grace notes）が単に「装飾」といった副次的なものではなく、音楽の本質的な一部分を形成していることは、誰もが認めるところでしょう。（その意味で、「装飾音」という言葉は大いに誤解を招く用語だと思われます。）このような認識が確立する過程で、フランス鍵盤音楽が果たした役割はおそらく決定的とも言うべきもので、印刷出版された１７〜１８世紀のクラヴサン曲集では、譜面中に現れる装飾音記号の展開形が凡例として提示され、少なくとも一人の作曲家の中では首尾一貫した装飾音の体系が出来上がっていたこと、さらにはそれが（変容しながらも）代々受け継がれて行く様子が明瞭にうかがえます。つまり、彼らにとって、譜面上の音符を節約するための方便として用いた「記号」はどうでもよい「装飾音」として片付けられることなど思いもよらず、響くべき音を正確に記した音符そのものだ、というわけです。この点、イタリア（やスペイン）の鍵盤音楽は全く違うのではないか、と想像しているのは亭主だけでしょうか？一方、遅れてやって来たドイツの音楽家達が、「体系的に見える」装飾音として参考にしたのはおそらくフランス鍵盤音楽のそれで、C.P.E.バッハの著作はそれをまとめたという以上のものではない（何かを新たに付け加えたということではない、という意味で）と思われます。C.P.E.バッハ以降、現代までのバロック音楽演奏についての参考書を眺めていると、装飾音については基本的にこの「体系化」という流れの延長線上でなるべく広く応用が効くような一般則を抽出しようとしているように見えますが、亭主はラモーのクラヴサン曲を弾いていると「こういったことは間違っているのではないか？」と考え込んでしまいます。以前に紹介したベルダーによるラモーの演奏を聞いていると、「装飾音」も含めて譜面に意図された音が実に正確に響いてきますが、これを亭主が（ヒジの痛み故に、というか技術的な困難さから）「装飾音」を省略して弾いた途端、まるで別物の音楽になってしまうのです。もちろん、こういうことはラモーの作品に限ったことでないことは確かなのですが、彼の作品では特にそれが著しいと感じられるのです。それにしてもこのヒジ痛、放っておいて直らないものなのかどうか、やや心配になってきました。

  February 3, 2013

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  スキップ・センペのラモー

  以前にロワイエの「スキタイ人の行進」を話題にした際（こちら）に、スキップ・センペの凄い演奏があることを紹介しました。ネットを検索していてYouTubeに落ちていた演奏のビデオを見つけたわけですが、実はこれ、以下に紹介するラモーの演奏を入れたCDにオマケとして付いているDVDの中にあります。そもそも亭主がセンペ氏の名前を知ったのは、数年前、曽根麻矢子さんが自身のCD（バッハの平均律クラヴィア曲集）の中で彼と一緒に仕事をしていることに言及しているのを目にして以来（このブログでもそのくだりをご紹介）ですが、どういう演奏家なのかはほとんど知らないままでした。このところ、ラモーの演奏を入れたCDを物色していたことは先のブログに書いた通りですが、そこでたまたまセンペ氏の「La Pantomime」という録音があるのに遭遇。しかも、カタログを見るとDVDのオマケ付きとあったので、これはと思いゲットしました。さて、早速聴いてみましたが、実に面白いCDです。まず構成が変わっていて、知られているラモーの独奏曲からまずト長調/短調の曲を三曲、次に二台のクラブサンによる「コンセール」の編曲らしきものを三曲、次に再び独奏曲で、今度はイ長調/短調の曲を五曲、続いてニ短調を二曲、そして最後に二台のクラブサンによる「コンセール」を三曲、というもの。ちなみに、二台による演奏のもう片方を受け持つのは、オリヴィエ・フォータン（Olivier Fortin）という若そうな演奏家です（DVDに登場）。そして、肝心の演奏の特徴を一言で言うなら、「緩急の対照が極まった表現」という感じです。ライナーノートの中で、センペ氏はインタヴューに答える形でラモーについて語っていますが、冒頭「ラモーのクラヴサン音楽は同時代のそれ、特にフランソワ・クープランの音楽と何が違うのでしょうか？」と聞かれ、ずばり「ラモーは未来に関心を持っていました」と喝破し、「ラモーは恥じることなく過去の習慣や伝統を無視したのに対し、クープランは伝統主義者でした。彼の音楽が『サロンの劇場』を代表しているとすれば、ラモーのそれは、より『イタリア・オペラ劇場』的なものに向かう傾向があります」と語っています。亭主の素人的な印象から見ても、フランス・クラブサン音楽といえば、基本的にはサロンの「環境音楽（ムードミュージック）」的なものが主要な位置を占めているように見えますが、ラモーのそれはもっと何かを「表現」しようとする音楽と言えるように思われます。センペの演奏は、この「表現」という側面を、彼の超絶技巧で極限にまで持って行ったらどうなるかを試してみたもの、と言えます。それにしても、センペがクラブサンを自由自在に疾走して紡ぎ出すサウンドは神々しいまでにゴージャス（楽器も素晴らしい！）で、その昔ロージングレイヴがドメニコ（スカルラッティ）の演奏を目の前で聴きながら抱いた感想（「一千の悪魔が鍵盤を繰っている！」）もかくや、というぐらい圧倒的です。オマケのDVDも音響はちゃんとした5.1サラウンドで、ロワイエの曲をはじめ、二台の演奏（アルバムタイトルになっているLa Pantomimeがこれまた絶品！）なども収録されていて、実に充実した内容になっています。

  January 27, 2013

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  P.-J. ベルダーによるラモー鍵盤作品全集

  ジャン＝フィリップ・ラモーのことを調べているうちに、未音亭にあるK. ギルバートの演奏を入れたCDはラモーの鍵盤作品のすべてをカバーしているわけではないことに気がつきました。そこで、まとまった録音をネットで探しているうちに、ベルダーのCDがあることが分かり早速入手。週末はベルダーの「ラモー演奏会」です。ここで聴いてみて気がついたことを二三メモしておくと、まず1724年のクラブサン曲集の中の有名な作品、「ソローニュの雛鳥」の第一変奏、右手で三連音符が続くところで、左手の二連音符はイネガル奏法のように２対１に長さを割り振り直して演奏する（ギルバートもそうしている）のが普通のようですが、ベルダーは何と律儀にも譜面通りに弾いています。スカルラッティのソナタ全曲録音でもそうでしたが、ベルダーさん、これに限らず演奏では何かしら「独自のしかけ（解釈）」を滑り込ませるので、いつもワクワクさせられます。（ところで、この曲の題名、場合によっては「ソローニュのバカ者」と訳されているようですが、これはniaisというフランス語が英語のchickenと同じような二重の意味の使われ方をすることから来ているようです。）もう一つ、これはベルダーの演奏だからというのではないのですが、「新しいクラブサン曲集」の中程にあるガヴォットと６つの変奏曲、どこかで聞いたことがあるなぁと思ってライナーノートに目を落とすと、これがヘンデルのハープシコード組曲第３番（ニ短調）の中にあるエアと５つの変奏とそっくりであることが指摘されていました。確かに、変奏のやり方までも含めてヘンデルのそれをなぞっているように聞こえますが、解説者（Clemens Romijn）によると、ラモーは（特に最後の三変奏曲で）ヘンデルを超えるヴィルトゥオージティを示そうとしたのでは、と想像しています。ところで、Romijn氏はライナーノートの冒頭で、ラモーを賞揚するドビュッシーの記事を引用していますが、どうも文脈がよく分からないので「音楽のために（ドビュッシー評論集）」（杉本秀太郎訳、白水社、1977年）を引っぱり出して探してみると、元ネタを発見。1903年6月28日付けの「ジル・ブラス」という雑誌に掲載された「1903年音楽決算」という記事（pp.188-192）で、その中のオペラ・コミック座に触れた文章の中にありました。どうやらそのシーズンの出し物に相当ご不満だったドビュッシー先生、それを発散するため（？）に当時の音楽監督アルベール・カレ氏をいじり回した挙げ句、「ラモーの作品でもやればいいのに」と、ラモーが歴史の作為によって不当に忘れられた偉大な国民的作曲家であることを、例のいささかシニカルな文体で語っています。ドビュッシーはその後、1905年に出版したピアノ曲「映像第１集」の２曲目を「ラモー讃」と題し、ラモーへの敬意を形にしていることからも、その思いが（言葉の軽妙さとは裏腹に）本物であることを示しています。その当時、フランス国民運動」的な気分が盛り上がっていたという時代背景を割り引いても、なお「天才同士の時を超えた共鳴」として興味深いものがあります。

  January 20, 2013

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• ピタゴラス主義

  大分前に、小川洋子さんの小説「博士の愛した数式」が話題になりました。小説の筋はさておき、そこで出てくる数式　　　　　　　　　　　　　　　　eiπ + 1 = 0は、三角関数と指数関数を結ぶ「オイラーの恒等式：eiθ＝cosθ＋i sinθ」からθ＝πとして導かれるものです。オイラーの恒等式は、高校で数IIIを習う生徒、あるいは理工系の大学生は必ず目にするものの一つですが、亭主もこれを初めて知った時には大変不思議に思ったことをよく覚えています。なにしろ、ここに現れる指数関数と三角関数はその由来がまったく独立の関数で、その間にこのような単純で美しい関係が成り立つ「必然性」はどこにもないように見えるからです。しかも両者は「i（アイ）があるから結ばれる」というわけです。（i が「虚」数ということも含め、なんだか妙にイミシンです...）「博士の愛した数式」は、オイラーの恒等式の不思議さを、そこに現れる関数の鍵を握る「定数」、すなわち　　　　自然対数の底：e = 2.71828…、（「ネイピア数」とも呼ぶらしい）　　　　円周率：π = 3.14159…、そして虚数単位「 i 」の関係として表したものとも言えます。ところで、ピタゴラスと言えば音楽の世界ではピタゴラス音律で、完全五度＝２：３という周波数比で基音から十二の音を導くものですが、これが「閉じない」関係であることもよく知られています。なぜなら、　　　　　　　　　　　　　　　　　　(3/2)12 = 2nつまり、1.5の12乗と音階が閉じるオクターブの音（＝2のn 乗）の周波数が一致するような整数解n は存在しないからです。少し調べてみると上記の等式を近似的に満たすn は７です。そこで、ピタゴラスの五度の輪環が閉じるように完全五度を再定義する「定数＝μ」を調べてみました。これは、　　　　　　　　　　　　　　　　　　μ12 = 27の解としてすぐに求まり、　　　　　　　　　　　　μ＝２7/12＝1.49830707…なんだか意味ありげな数字に見えませんか？（ミューズの定数ということでμとしてみました。^o^;;）ちなみに、このような数学的な定理や関係に現れる「不思議さ」は、それ自体である種の宗教的な神秘主義を呼び起こすようで、実はピタゴラス自身もそのような神秘主義者であったことがよく知られています。ピタゴラスの思想を一言で言えば「万物は数である」、これこそは「ピタゴラス教」のセントラル・ドグマです。そして、実際のところ亭主の本業である物理学こそは、この「ピタゴラス教」の直系の子孫にあたります。「自然の書物は数学の言葉で書かれている」と語ったニュートン以来、物理学者が今日まで追い求めているのは数学的に記述される「法則」や「方程式」ですが、自然法則がなぜ数学で「正確に」記述され得るのか、実は誰も説明出来ないのです。実際、北米ヨーロッパの物理学者のかなりの人たちは、それこそが（最初の一撃としての）「神の存在」の証拠と信じているようです。

  January 14, 2013

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  カラヤンのニューイヤーコンサート

  明日で松の内も終わり、本格的な仕事始めを前にブルーになっているのは亭主だけではないと想像します。そこで、まだお屠蘇気分に浸っていた三ヶ日中にクラシカ・ジャパンの放送から録画しておいた標題の番組を、この週末に眺めてみました。カラヤンといえば、我々より上の世代にとっては「楽壇の帝王」とあだ名され、ベルリン・フィルの終身常任指揮者として斯界に知らぬ者はいないという存在でした。当時、亭主のまわりのクラッシック音楽愛好家の間では、LPレコードを前にしてアンチ・カラヤン派とカラヤン・ファンとの間で音楽談義が盛り上がったものです。そのカラヤンも昭和とともにこの世を去って既に四半世紀、彼が実際に指揮する姿を久しぶりに見ましたが、その第一印象は「何とも痛々しい」というものでした。ステージに登場する際の歩き方はぎこちなく、指揮台での挨拶も身体が自由にならない様子がありありと伝わってきます。それもそのはず、このコンサートが行われたのは1987年の元日、もう少しでカラヤンも傘寿を迎えようという高齢（七十九歳）でした。そのような高齢で、なおかつ身体的な不自由を押してこのコンサートに登壇、オーケストラに向かうやシャキっとしていつものスタイルでタクトを振るう彼の姿を眺めていると、何だか感動のようなものがじわじわと湧いてくるから不思議です。調べてみると、カラヤンは80年代前半にクラリネット奏者のサビーネ・マイヤーを入団させようとしてベルリン・フィルと一悶着あったようで、その後は徐々にベルリン・フィルから気持ちが離れて、代わりにウィーン・フィルとの関係を深めていった、とあることから、そのような背景もあってこのコンサートが実現したとも想像出来ます。一方で、十二回にわたる脊椎の手術や脳梗塞により身体的には限界に近い状態だったようで、それでも現役でい続けようとする気概は（今から想うと）畏敬の念を抱かせるところでもあります。「うーん、カラヤンだって、こんなオジイサンになっても頑張っていたんだ…ワシももう少しは頑張らねば…」と少し元気をもらえたコンサートでした。音楽(クラシック) ブログランキングへ

  January 6, 2013

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  ２００１年宇宙の旅

  無事２０１３年が明けました。\^o^/新年恒例の「ウィーンフィル・ニューイヤーコンサート」も、例年通り元日夕刻に現地から生中継され、フランツ・ウェルザー・メストの指揮によるワルツやポルカを楽しまれたクラッシック音楽ファンも多かったのではないでしょうか。このコンサートの「お約束」の一つに、プログラムの最後をヨハン・シュトラウスの「美しく青きドナウ」で絞める、というのがあります。今年のコンサートもこのお約束をしっかり守っていたことは言うまでもありません。ウィンナー・ワルツというと、娯楽のための実用音楽として通常の「西洋クラッシック音楽」のレパートリーに比べて一段格下に見る向きもありますが、この「美しく青きドナウ」などを聴いていると、モーツァルトにも比すべき境地に達している作品もあるのだということがよく分かります。ところで亭主は、この曲を聴くと、スタンリー・キューブリックの標題の映画を必ず思い出します。登場人物の一人がスペースシャトルに似た宇宙船に搭乗し、地球を周回している宇宙ステーションまで旅するシーンで用いられていますが、無重力状態の客室で居眠りをしている客の周りを、彼の手からこぼれ「落ちた」と思われる万年筆がフワフワと漂う様子や、それと入れ子になっているシャトルや宇宙ステーションと青い地球の様子は、ワルツのゆったりした音楽と相まって、宇宙が広々とした「自由空間」であることを効果的に印象づけます。この映画の話が出たついでに、未音亭々主からの「お年玉」ということで、映画の意味についてここでちょっとした謎解きをしておきましょう。この映画、全体として「人類の進化」をテーマにしていることは何となく察しがつくのですが、最後の方で出てくる赤ちゃん（or 胎児）のようなイメージが出て来たところで「？？？」となってしまうようです。この点、映画が公開されて以来四十五年さまざまな解釈が開陳されてきましたが、亭主から見るとどうも肝心なことを見落としているように思われるのです。というのも、この「赤ちゃん」が意味するところは、恐らく哲学者ニーチェの「超人」であろうことが明らかだからです。ニーチェは、彼のいう「超人」がどういうものかを説明するために、これを「赤ちゃん」の状態に例えたことはよく知られています。なにしろ、この映画の大変有名な冒頭のシーン（太陽・地球・月が一直線に並ぶ？）でかかっている音楽は他でもないR.シュトラウスの「ツァラトゥストラはかく語りき」です。シュトラウスがこの曲を着想したニーチェの著作「ツァラトゥストラは…」は、彼の中心思想のである「神の死」、「永劫回帰」、あるいは「超人」といった概念を敷衍する意図で書かれた寓話であり、キューブリックはこれを下敷きにしていることを映画の冒頭で高らかに宣言していた、というわけです。映画の舞台、２００１年から干支は丁度一回り、また巳年がやってきましたが、人類の英知は未だこの映画が想像する世界に及ばないようです。音楽(クラシック) ブログランキングへ

  January 2, 2013

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  NHK-FM「名曲の楽しみ」最終回スペシャル

  今年もいよいよ押し詰まって参りました。NHK-FMでも年末恒例のバイロイト音楽祭一挙放送が始まっているなど、既に年末モードに突入していますが、今日のお昼過ぎ、たまたまダイアルを合わせていたところ、標題のような特別番組の放送が始まりましました。言うまでもなく、今年九十八歳で大往生した吉田秀和さんの追悼番組です。「名曲の楽しみ」は1971年に放送開始とのことですが、亭主が学生のころ（1970年代後半〜’80年代前半）には、既に日曜日朝のNHK-FM番組として不動の位置を占めていました。とはいうものの、今回の追悼番組制作にあたってNHKで過去四十一年間にわたる記録を調べたところ、放送テープが残っていたのは全体の半分ぐらいだったそうで、リスナーに広く呼びかけて録音を探し集めた結果、それがようやく八割程度にまで回復したとか。（今や死語となった「ラジカセ」や「エア・チェック」といった懐かしい言葉が蘇ります。）さて、番組の冒頭近くで「私の試聴室」のアーカイブ中から取り上げられたのは、何と他でもないD.スカルラッティのソナタについての放送録音で、これには亭主もびっくり。1975年に放送されたものだそうで、吉田さんがスカルラッティの音楽を語るのを聴いたのは恐らくこれが初めてでした。吉田さんは、バッハやヘンデルと同じ年に生まれたスカルラッティの音楽が、他の二人のものとは全く異なるモダンな魅力に溢れていることを、ショパン等を引きながら語っていました。ちなみに、番組で取り上げたのは三人のピアニストによる演奏のレコードで、ギレリスによるK.27、ホロヴィッツによるK.33、そしてハスキルによるK.87という曲目でした。これらの中でもホロヴィッツの演奏は夙に有名で、亭主もよく耳にしますが、他の二人、特にギレリスがスカルラッティを好んで取り上げていたことは、これを機に調べてみて初めて知った次第。いやはや、「死せる秀和翁、生ける未音亭主を走らす」です。また、どうやら吉田さんの語りからは、ギレリスの演奏が彼にとってスカルラッティの原体験となっていたらしいことも伺われました。　　1975年といえば、日本ではちょうどR.カークパトリック著「ドメニコ・スカルラッティ」の千蔵・阪本による邦訳が全音から刊行された年でもあります。もしかすると、当時の吉田さんもこの出版に触発されて、自身の番組でスカルラッティを取り上げたのかもしれません。（ただし、この千蔵・阪本訳、スカルラッティの生涯を描いた前半部が誤訳・迷訳のオンパレードで、残念ながら読むに耐えない代物でしたが…）それから既に三十七年の星霜を数え、一時は永遠に続くかとも思われた「名曲の楽しみ」も、吉田秀和氏の生涯とともについに終わりの日を迎えました。また一つ、祇園精舎の鐘の声を聴く思いです。＜来るべき年がよい年でありますように＞音楽(クラシック) ブログランキングへ

  December 30, 2012

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  ベートーヴェン-分水嶺

  最近、アンドリュー・フォン・オーエンという若手のアメリカ人ピアニストの演奏会が録画で放映されているのを目にしました。調べてみると、この９月に日本各地でリサイタルを開いていたようで、ベートーヴェン、ショパン、それにラヴェルという、古典派、ロマン派、近代をまんべんなくカバーするオールラウンド・プログラムでその達者な腕前を披露したようです。ところで、これらの演奏会で取り上げられたベートーヴェンの作品の一つは「ワルトシュタイン」の名前で知られるピアノ・ソナタ第２１番。亭主もその昔、人前で弾いたことのある数少ない曲の一つですが、この歳になって改めてこの作品を聴いていると「何とも不思議で風変わりな曲だなぁ…」とつくづく思います。（急いで付け加えておけば、オーエンさんの演奏はこの曲の魅力をよく伝える名演だったと思いますので、誤解のないように。）特にあの有名な冒頭の部分について、少し前にこのブログでも触れた岡田センセイの「音楽の聴き方」の中に引用された、ジャズピアニスト南博さんの著作中のエピソードが大変面白いので、孫引きですが紹介しましょう。…もともと音楽高校のピアノ科に通っていた彼は、キース・ジャレットに目覚めて以来、まったく練習に身が入らない。卒業試験の課題曲であるベートーヴェンの《ワルトシュタイン》がまともに弾けなくなっている彼は、先生から次のように叱責される。「レッスンの先生は言う。この「ワルトシュタイン」の出だしは、ベートーヴェンが遠くフランス革命の自由、平等、博愛の精神を知り、更に哲学者シラーの深遠なる人間讃歌を知り作曲したものである。それを表現せよ。しかし、キースのピアノサウンドを聴いてこの方、どうしても僕には、ただのCメジャーセブンの羅列にしか聞こえない。だいたいシラーって誰なんだよ。当時の高校のピアノのセンセイは、そのことが分かるまで、出だしを百回弾けと指導した。僕も負けじと百回ぐらい、ンダダダダダダダダダダダダダダダ、と弾いてみたが、弾けば弾くほど、僕にはただのCメジャーセブンであるということしか分からなかった。何だか汽車ポッポが驀進してくるようなイメージしか浮かばない。」（岡田暁生、「音楽の聴き方」pp.76[中公新書, 2009年]）この引用の後、「音楽を語る語彙」という文脈のなかで岡田センセイが展開する議論もまた面白いのですが、そちらに興味がある方はタネ本を読んで頂くとして、亭主もまたこのソナタを弾いたり聴いたりするたびに強くするのは、これが「指の先から生まれた作品」という感想です。別の言い方をすれば、まずピアノという鍵盤楽器があって、そこから紡ぎ出される様々なサウンドやテキスチャの可能性に夢中になっているベートーヴェンの姿が垣間見える、ということかもしれません。これは、やはりハープシコードについて同じように新たなサウンドの世界を切り開いたスカルラッティを贔屓にする亭主の「引き倒し」的な論評かも知れませんが、それほど荒唐無稽でもなさそうです。というのも、当時は「フォルテピアノ」が相次ぐ技術革新によって「ピアノ」へと急速に進化していく真っ直中にあったわけで、ベートーヴェンはブロードウッド社から送られた最新モデルを前に、きっと思いつく限りのことを試してみたと想像できるからです。「ワルトシュタイン」の第３楽章の終わり近くに出てくる有名な平行八度の音階も、そのような「実験」の一つであったと思えば容易に納得出来るというもの。「ハープシコード」の最期に立ち会ったスカルラッティと、ピアノの勃興期に立ち会ったベートーヴェンは、二つの楽器の交錯する分水嶺にごく近いところにいたという点で、お互い通じるものもあるようです。

  December 23, 2012

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  スカルラッティの補遺的ソナタ

  前々回のブログで、ロシアのピアニスト、スドビンが弾いたカークパトリック（Kk）番号なしのソナタ（ト短調）のことに触れましたが、亭主はその後首尾よくヘンレ版のスカルラッティ・ソナタ集全三巻を入手しました。もっとも、第１巻についてはアマゾンで二千円強というオトク価格で扱っていたのでこちらから落手しましたが、残り二巻はアマゾンでは見つからず、仕方なしに市内のショップ（ヤマハ）で現物を見つけて購入。（こういうものはまず第１巻だけ買って行く客が普通なので、店員はきっと怪訝に思ったことでしょう。）このヘンレ版、実は第１巻の四曲以外にも、第２巻の巻末にK.96の変異版（パリのボヴァン版）が収められていますので、都合五曲の補遺的ソナタが印刷譜になっています。というわけで、これらの曲を週末に早速ハープシコードで弾いてみました。第１曲ハ長調（アンダンティーノ）はまあまあそれらしいと思えなくもないものの、特に印象的という感じではありません。それに比べると第２曲ト長調（アレグロ）は短いフレーズが長調と短調を行き来するところなども含めていかにもスカルラッティ風です。第３曲はスドビンが取り上げたト短調の作品ですが、これは前にも書いた通り、スカルラッティの数少ない短調の曲とも相通じる雰囲気が感じられます。ところが最後の4曲目、ハ長調（アレグロ）のソナタは他の三曲とは明らかに違う系統の作品で、例えば左手（バス）の動きは他のスカルラッティ作品ではお目にかかったことがないような代物。上声部に現れるフレーズもスカルラッティらしい自然さに欠けている感じです。これらの四曲、技術的にはそれほど難しくないのですが、それでも亭主の下手な演奏とプロのちゃんとしたそれでは響きも違うだろうと、手元のCDを眺めてみたところ、第２曲と第４曲については曽根麻矢子さんのアルバムにありました。マルコム・ボイドによるライナーノートでも、やはり第４曲は「疑わしい」とされていますが、麻矢子さんの演奏で聴くとそれほど違和感がないのも不思議なところ。（ちなみに、リチャード・レスターは彼の録音からこの曲を省いてしまっています。）それにしても、このヘンレ版のソナタ選集、編集者であるジョンソン先生自身の校訂による原典版ですが、選曲や曲の並べ方が普通と大分違っています。なにしろ第１巻の最初の曲が何とあの「猫フーガ」（K.30）。譜面を開いたとたん、「えっ、何で？」という感じです。また、引き続く巻もそれぞれKk番号の若い順に並んでいますが、どちらかというと三巻それぞれ全ソナタから独立に選び直した感じで、特に有機的な脈絡があるわけでもなさそう。（前書きを眺めても、選曲について特段の記載があるわけでもない様子。）さらに、譜面を音にしているとすぐに気付くのは、リコルディ版や、ウジュル版とも違う校訂結果になっている音符が散見されることで、こうして色々な校訂者の楽譜を手にしてみると、「原典版」という言葉の持つ真の意味がよく分かる、というものです。いずれにしても、Kk番号なしのソナタ、なかなか面白いのでもう少し譜面を漁ってみようと思い始めました。

  December 16, 2012

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  カール・リヒターのハープシコード演奏[1969年]

  このところ、クラシカ・ジャパンではカール・リヒターによるバッハの鍵盤作品演奏を収録したビデオを放映しています。先日、たまたまチャンネルを合わせたところ、ちょうど「半音階幻想曲とフーガ」のハープシコードによる演奏が流れていたので、曲の途中からでしたがしばらく眺めていました。さて、その印象はというと、「往年の名演奏家」に対して大変失礼ではありますが、「意外にあんまり上手くないなぁ…」というものでした。手もとの番組案内によると、この映像は1969年にオットボイレンにある有名なベネディクト大修道院で収録されたもので、他にもパルティータ等が同時に収録されたようです。リヒターは1926年生まれですが、亡くなったのは1981年、五十代半ばでのことで、亭主も学生時代にその訃報が大きく伝えられたことをぼんやりと覚えています。今年1月に他界したグスタフ・レオンハルトが1928年生まれですから、彼とはほぼ同世代。その意味でリヒターがもし生きていれば古楽の新しい潮流にどんな風に関わっただろうか、といろいろ想像したくなります。亭主が往時のリヒターのハープシコード演奏をあまり上手くない、と感じる背景はいくつか考えられますが、その一つはテンポの取り方で、リヒターの演奏では幻想曲の部分でほとんどテンポの揺れがなく、淡々と弾かれていく感じです。ブレンデルのモダン・ピアノによる自由にテンポを揺らした演奏スタイルなどは、古楽の標準からは「19世紀ロマン派風」に歪められたものと否定されるのかも知れませんが、「幻想曲」というものはもっと変幻自在なテンポで弾くもの、と思うのは必ずしも亭主の耳が堕落しているというだけではない気もします。これは、例えばインテンポで理詰めに盛り上げる後半のフーガとの対比、と言う点でもそうで、リヒターのような演奏だとどうしても「退屈」という印象を与えてしまいます。想像するに、これは当時の歴史主義／即物主義的な古楽観から来ているのかもしれません？もう一つ指摘出来ることとして、やはり楽器の問題があります。リヒターが弾いているのは明らかにモダン・チェンバロといわれる楽器で、当時はまだこちらが主だったと思われますが、今日のヒストリカル・モデル（復元楽器）全盛の古楽界にあって、そのような楽器の音に慣れた亭主の耳にとっては、あのシンセサイザーを思わせるような人工的な響きはやはりどうもなじめません。（映像が不鮮明でメーカーははっきりしませんが、たぶんノイペルトのいわゆるバッハ・モデルと呼ばれるものか？）もっとも、亭主も学生時代（〜80年代前半）にはヴァルヒャが弾くアンマー・チェンバロに心酔していたわけなので、結局は流行り廃りと慣れの問題なのかもしれません。いずれにせよ、リヒターがもっと長生きしていたら、おそらくレオンハルトと同じようにヒストリカル・モデルへと楽器を乗り換え、それに伴って演奏スタイルも大きく変わっていったことだろうと勝手に想像しているところです。

  December 9, 2012

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  エフゲニー・スドビン登場

  最近、某局の番組で、エフゲニー・スドビンというロシア人の若手ピアニストのコンサートが録画で放映されているのを目にしました。くだんのコンサートが行われたのは今から一月半ほど前の１０月１６日、会場はすみだトリフォニーホールとあります。プログラムを眺めると、まず冒頭にD.スカルラッティのソナタを二曲、次にハイドンのピアノ・ソナタを一曲、と18世紀のレパートリーを続けた後、今度はドビュッシー、メトネル、スクリャービンからそれぞれ一曲ずつ、とロマン派を飛び越えて19世紀末-20世紀初頭の音楽を取り上げています。(亭主の趣味にピッタリ。)「ほう、スカルラッティを弾くピアニストか…久しぶりだなぁ」などと思って聞きはじめたものの、彼が弾き始めたト短調のソナタはどうも聞き覚えがありません。カークパトリック番号も付いていないということで、手っ取り早くリチャード・レスターのCD（こういった番外作品も全て網羅）をチェックしたところ、「モンセラット手稿」として知られる四曲の中の一曲、と分かりました。（番号なしのソナタ中、ト短調の曲はこれだけなのですぐに目星がつきます。）「ラルゴ」と題されているらしいこのソナタ、確かにスカルラッティの同じような緩やかな曲と類似の雰囲気を漂わせています。スカルラッティのソナタが関係調の対構成を取るものが多いことはよく知られており、演奏でもそれらを一対として取り上げることはしばしばあります。モンセラット手稿の中でも、このソナタは隣接するト長調の作品と対になっているようなのですが、スドビンはその代わりに同じト長調でもよく知られた作品であるK.455を持ってきました。こちらはカスタネットを模したと思しき連打音を目が回るようなスピードで繰り出されるエネルギッシュできらびやかな名作で、ピアノではホロヴィッツやツァハリアスが録音を残しています。スドビンの演奏では最後の終結部に左手で大きな不協和音をわざと入れており、同じような「演奏者の即興」を是とするプレトニョフによるスカルラッティのCD録音を思い出しました。その後ネット上で少し調べたところ、スドビン氏は1980年生まれでとまだ３０台そこそこですが、なんと2005年のCDデビューアルバムがスカルラッティのソナタ集で、コンサートで取り上げた二曲もその中に収まっています。放映された録画の冒頭ではインタビューに答えており、彼にとってスカルラッティが大変重要なレパートリーであることを明言していました。亭主としては、それならば是非とも「オール・スカルラッティ」のプログラムによるコンサートを開いてほしいもの。ところで、彼が弾いていたト短調のソナタについて、何とか楽譜が手に入らないものかと調べてみたところ、これらモンセラット手稿の作品は、発見者であるBengt Johnsson編のヘンレ版スカルラッティ・ソナタ集第１巻の最後に掲載されていることが判明。早速亭主のコレクションに追加すべく手配をかけました。

  December 2, 2012

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  ホグウッド指揮「フィガロの結婚」in Zurich (2)

  チューリッヒ歌劇場で現在上演中の「フィガロ」は、ダルムシュタット出身の俳優・演出家ベクトルフ（Sven-Eric Bechtolf）の監督によるもので、18世紀スペインの貴族社会というオリジナルの舞台設定を、おそらくは19世紀末-20世紀初頭の市民（商人）社会に翻案したものになっています。ベクトルフ氏の経歴（彼は1957年生まれ）を見ると、2000年にチューリッヒでベルクのオペラ「ルル」を手がけたのがオペラ監督のデビューだったとか。その後は、2006年に同歌劇場でモーツァルトの「ドン・ジョバンニ」、2007年には今回と同じ「フィガロ」（指揮者は当時の音楽総監督であるフランツ・ウェルザー・メスト）を上演しており、これらの情報だけからも「18世紀オペラと近代の舞台空間」という組み合わせの背景が推し量られる感じです。残念ながら、当日売られていたオペラのパンフレットはドイツ語版のみだったので買ってみる気も起こらず、以下は舞台を見ながらの想像ですが、主役のフィガロとスザンナはとある大企業の従業員、アルマヴィーヴァ伯爵はそのオーナー社長、ロジーナ（伯爵夫人）はその社長令夫人、といった役回り。ケルビーノはじめその他の登場人物もうまく現代風の役柄を与えられています。そして話の筋は、専横なオーナー社長が「社内恋愛」でめでたく結婚が決まった一従業員であるスザンナに横恋慕し、その立場を利用してセクハラ行為をやりまくり、それに対抗してフィガロとスザンナが知謀で立ち回るドタバタ喜劇。これは、「18世紀的な虚飾」を剥ぎ取ってテーマの今日的本質をむき出しにすする、という意味では確かに絶大な効果を挙げています。「フィガロ」の台本作者ダ・ポンテ（あるいは原作者ボマルシェ）が描くところの「貴族社会とその恋愛沙汰」というと、私たちの目には遠い昔に消え去った、今日の我々とは無縁のおとぎ話として脇においてしまいがちです。が、よく考えてみると、貴族の没落とともに成り上がった市民（商人＝ブルジョア）階級がモデルとして模倣したのは他でもない貴族文化であり、世に言う「ブルジョア趣味」とはまさに彼らの「貴族ごっこ」そのものだったわけです。その意味で、ベクトルフの翻案は歴史的な必然性を備えた「正統的な」舞台を創り出しているとも言えるのではないでしょうか。さて、舞台の様子にばかり話が向いてしまいましたが、ホグウッドの紡ぐ音楽はというと、こちらは18世紀的な軽快さと鋭さを持った響きで、彼の古楽の雄としての面目躍如ですが、亭主にとってはこのような音楽付けの方がむしろモダンに響きます。ちなみに、レシタティーヴォで奏でられる鍵盤楽器はハープシコードではなくピアノフォルテ（ノイペルト社製）で、モーツァルトの時代を強く意識してのこだわりから来ていると想像できます。最後に、歌手達について一言。タイトルロールのフィガロを歌ったルーベン・ドロールはなかなかの出来で、歌も演技も十二分に我々を楽しませてくれました。スザンナ役のマルチナ・ヤンコヴァはこの作品のテーマである「セクハラ」のセックス・シンボルとして、時にマドンナのような下着姿でお色気たっぷりの演出に果敢に応えながら難しい歌唱もこなす大役を見事に演じていました（やや声が細いのが気になりましたが…）。アルマヴィーヴァ役のクリストファー・モルトマンはすばらしい声の持ち主で、「セクハラ社長」になり切りの演技が光っていました。これらの役柄に対して、ロジーナ役のラヘル・ハーニッシュは舞台姿に華があり、「社長夫人」というよりは18世紀の伯爵夫人の気品をたたえていて、しっとりとした歌唱を聴かせてくれました。その他の歌手達もそれぞれが持ち味を活かしており、全体としてとても堪能出来る舞台だったと言えると思います。

  November 25, 2012

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  ホグウッド指揮「フィガロの結婚」in Zurich (1)

  今週、亭主は仕事（＝実験）で一年ぶりにスイスの研究所に滞在中です。実験は木曜の朝から日曜の朝までの三日間。終わってすぐにチューリッヒ空港に向かえば、ぎりぎりその日の帰国便に間に合うのですが、このところ慌ただしい生活にウンザリしていたこともあり、「大事を取って」翌日の便で帰るという旅程にしました。さて、実験も終盤に近づいた昨日、日曜日のオフをどう過ごそうかとネットでチューリッヒの旅情報をググっていたところ、偶然オペラハウスのサイトに出くわしました。当地のオペラハウスはニコラウス・アーノンクールの活躍の場として有名です。そこで、今シーズンはどんな出し物があるのかと公演情報を探してみると、目に飛び込んできたのがモーツァルト「フィガロの結婚」の演目でした。プログラムを見ると、指揮者はクリストファー・ホグウッド。「あれ？アーノンクールじゃないんだ…」などと思いながら公演日程を見ると、何とこの日曜日14時開演、という願ってもないタイミングの公演があることが判明。そこで、今度はチケット情報のページに飛んでみると、どうやらオンラインでチケットを購入できるシステムが動いている様子です。と、ここまではよかったのですが、18日の公演チケットは「Currently not available」とつれない表示。「まぁ当然だよナ。こんな直前までネットで買えるわけないか…」とがっくり。それでも気になってさらに公演日程を眺めると、12月にかけて何回か予定されており、その一つについてチケット情報を見に行くと、高価な席ならまだちらほら残っています。まったく「目の毒、気の毒」とはこのことで、横にいた同僚にそのことを告げながら仕事に戻ったのでした…ところがです。その後しばらくして、夜中になったところでパソコンに向かっていたくだんの同僚氏から突然「おッ、チューリッヒ・オペラハウスが明日のチケットをリリースしたみたいですよ。ネットで買える状態になっています！」と告げられてびっくり。ウェブページを見ると確かにちらほらと空席が掲示されています。これは滅多にないチャンス、とばかり、急いで二人並んで空いていた平土間最前列右側、オーケストラピットの真ん前の席をゲットしました。というわけで、今日の午後はチューリッヒでオペラ鑑賞という眼福に恵まれました。（先ほど宿に帰投したところでこれを書いています。）ふだんそれほどオペラに関心のない亭主にとって、今回のような機会（ことに外国でのそれ）は本当に久しぶりでした。亭主達の席からは指揮をするホグウッドや歌手達の表情が手に取るように見えるなど、このような「かぶりつき」の席でオペラを見たのは多分初めてです。まだ若干気分が高揚していて、今ここですぐに感想を書き記す気にはなれない状態ですので、この続きは来週改めてということで...

  November 18, 2012

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  リヴィエッタとトラコッロ

  このところ、クラシカ・ジャパンで「ペルゴレージ・フェスティバル」という番組を放映しています。なんでも「ペルゴレージの生誕300年を記念して、2010年から1年がかりで行われた大プロジェクト『トゥット・ペルゴレージ』の一部を収録したもので、「ペルゴレージの生地イェージで彼の作品研究を長年行っているペルゴレージ・スポンティーニ財団が主導となり、彼の人気曲から上演機会の少ない優れた作品まで様々なオペラ、宗教曲、器楽曲を取り上げた記念碑的イベント」（番組HPから）だそうです。ペルゴレージのオペラと言えば、すぐに思い浮かぶのが幕間劇「奥様女中(La Serva Padrona)」ですが、この番組では彼のオペラ・セリア「シリアのアドリアーノ（ハドリアヌス）」と、その幕間劇である標題の作品（Livietta e Tracollo）が流れていました。10月からクラシカ・ジャパンがデジタル・ハイビジョンになり、ようやく地デジと同じようにオンラインの番組表で録画予約・ハードディスク録画が可能になったことを承けて、ちょうど未音亭でもUSBディスクを導入したところだったので、早速これらを録画でゲット。週末に鑑賞とあいなりました。ペルゴレージは、1733年（二十三歳のとき）にオペラ・セリア「誇り高き囚人(Il Prigionier Superbo)」と幕間用に作曲された「奥様女中」を上演、肝心の前者はあまりウケなかったものの、幕間劇の方が大ブレーク。その勢いに乗って次の年に「シリアのアドリアーノ」と「リヴィエッタとトラコッロ」を同じサン・バルトロメオ劇場にかけた、ということのようですが、前年と全く同じパターンで幕間劇の方が（「奥様女中」ほどではなかったものの）人気を博したとのこと。この劇では男女二人の主人公が最初に妊婦（トラコッロ：男）と農民（リヴィエッタ：女）に変装して登場します。のっけから騙し騙される男女関係のカリカチュアですが、トラコッロは泥棒兼詐欺師で、リヴィエッタの兄に盗みを働いた上、半殺しにしたので、リヴィエッタが復讐の機会をうかがっている、という設定。舞台ではリヴィエッタが装身具を身に着けた妹に眠ったふりをさせ、トラコッロの盗みの現場を押さえるべく罠にかけます。そこに通りかかったトラコッロがまんまと罠に引っかかり、取り押さえられます。トラコッロは詐欺師の八百八言を尽くし、彼女との結婚まで持ち出して何とかその場から逃げ出しますが、すぐにまた捕まってしまいます。往生際の悪い男を前に女が死んだふりのもう一芝を居打つと、アレレ？という展開。幕間の出し物とはいえ、二部で計一時間近い上演時間を考えると、メインのオペラ（二時間半ほど）と比べても相当な分量と重みがあります。オペラ・セリア（「まじめな」歌劇）と対で入れ子になっている上演形式も含めて、日本の能楽における狂言のような位置づけだなぁなどと思いながらネットを探っていると、何と昨年「『オペラ＠能楽堂Vol.1　アクテオン／リヴィエッタとトラコッロ』〜能・狂言の様式でバロックオペラを〜」と題したイベント(情報はこちら)が開かれていたことを見つけました。いやはや、世の中多事歳々です。追記：さらに驚いたことに、その後調べてみると上記イェージでの公演録画がYouTubeにアップされていました（このリンク：ただし字幕はイタリア原語の模様）。

  November 11, 2012

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  ロワイエ「スキタイ人の行進」

  最近、sheetmusicplus.comでHeugel社から出ているラモー（J.Ph. Rameau）のクラブサン曲集の楽譜を購入しようとした際に、ふと思いついてロワイエ（J-N. Pancrace Royer）のそれを探してみたところ、同じ出版社からのものがあることが分かり注文、無事入手しました。ロワイエといっても誰のことだかピンと来ない読者が多いことと思いますが、ハープシコードのレパートリーとして比較的よく知られている「スキタイ人の行進」という曲の作曲者、といえば思い出す方もいらっしゃるでしょうか（？）。この曲、実は先日触れた曽根麻矢子さんのリサイタルでも取り上げられていたもので、おそらく亭主にとっては彼女の演奏で知ったのが最初のような気がします。また、彼女の最初期のCD「Je laime-チェンバロに恋して」にも収録されていて、多分とっておきのレパートリーの一つなのでしょう。さてこの曲、達人の演奏を聴いていても小節線がどう引かれて拍子がどこで区切れるのか、曲の途中で見失うところがあるのですが、いざ譜面を前にして自分で弾いてみようとすると、技術的な難しさもあってますますこんがらがります。混乱の原因の一つは、冒頭のセーニョ（反復記号）が第1小節の途中、一拍を置いたところに入っていて、続く二小節も本来上拍（アップビート、二拍目）からのダンダンダンに強・弱・強とアクセントがあるかのような曲想に響くのですが、その次の小節では突然ダウンビート（一拍目と三拍目）が強拍になり、強弱がひっくり返ることにあります（下写真）。ところで、もしかすると鋭い読者は「…ヘぇ、それにしてもチェンバロって音に強弱つかないんでしょ？チェンバロの演奏に強拍も弱拍もないじゃん？」と思うかもしれません。実際、物理的な音としてはほぼその通りですが、演奏者の心的イメージとしては明確に強弱があり、テンポもそれに連れて微妙に揺れ動くのです。思うに、この場合の実用的な解決方法は、前述のように三連音を一つのかたまりとして捉えるのではなく、あくまで一拍目と三拍目（ダウンビート）を強拍にとる四拍子系のアクセント（強・弱・強・弱）を無理やり当てはめ、ズンダンズンと中間の音を強拍にとるようイメージしながら演奏する訓練を行うことになるでしょう。とはいえ、これはもしかすると「小節線のずらし」というロワイエがこの曲に仕込んだある種の「薬味」かもしれず、最終的にはそのように響かせるべき曲のような気もします。最後に、亭主が出会ったこの曲の演奏の中でも、超怒級名演とも思えるスキップ・センペの演奏（ユーチューブ）を下記にリンクしておきます。

  November 4, 2012

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  音楽と言葉

  最近、移動中のヒマつぶしに岡田暁生氏の著作、「音楽の聴き方」（中公新書、2009年を読みはじめたところ、面白くて止まらなくなりました。岡田センセイは同書中で、「音楽を語る」とはどういうことなのかについて熱心に議論しています。曰く、「音楽の少なからぬ部分は語ることが可能である。それどころか、語らずして音楽は出来ない。」このお題、音楽評論家である岡田センセイにとっては、自身の存在理由を真正面から取り上げたというべきもので、読む方もスリルがあります。通常、音楽をもっぱら娯楽として享受する亭主のような素人は、「音楽を語る」と言っても「（演奏が）よかった〜」、「（音が）きれいだった〜」、「感動したぁ〜」といった印象記、あるいは（馴染みの曲であれば）「第二楽章のテンポが速すぎる」だの「あのフレーズはもっとピアニッシモでシッポリ引いて欲しかった」などといった演奏技術についての感想ぐらいです。これに対し、岡田センセイは指揮者がリハーサルでオケに対して用いるような「わざ言語」、音楽が人に引き起こす身体／運動感覚を再現するような比喩的な言葉を例に、音楽を言葉で表現することが「音楽体験」をより豊かにすると語ります。これは、例えばソムリエがワインのテイスティング際に、単に「美味い／不味い」ではなく、「少しタニンで、カシスやマスカットの香りが… 」などと様々な比喩を駆使してワインの味を表現しようとすることにも似ています。つまり、聴覚や味覚を通して呼び起こされる感覚という連続スペクトルを「分節化」し、そうして区別された感覚に表現を与えることが「語り」の第一歩となる、というわけです。この辺まで合点がいったところで、亭主は大昔に丸山圭三郎氏の「ソシュールの思想」（岩波書店、1981年）を読んでいた時に「なるほど〜」と思った一節を思い出し、本棚を調べて該当箇所を探し当てました。（学生時代の乱読も結構役に立つ？）ソシュールといえば、近代の言語学に大きな影響を与えた人ですが、彼の「記号理論」（ソシュールは言語学において言葉の起源として語られる伝統的な「言語命名論」、例えばアダムが様々な動物を傍に呼んで、それぞれに名前をつけた、といった言語の成り立ちを否定しました）を紹介した一節では、例として虹の色にまつわる話が出てきます。曰く、「我々にとって、太陽光線のスペクトルや虹の色が、紫、藍、青、緑、黄、橙、赤の七色から構成されているという事実ほど、客観的で普遍的な物理的現実に基づいたものはないように思われる。ところが、英語ではこの同じスペクトルをpurple, blue, green, yellow, orange, redの六色に区切るし、ローデシアの一言語であるショナ（Shona）語ではcipswuka, citema, cicenaの三色、ウパンギの一言語であるサンゴ（Sango）語ではvukoとbengwbwaの二色、リベリアの一言語であるバッサ（Bassa）語でも、huiとzizaの二色にしか区切らない」という事実を引いて、「言語はまさに、それが話されている社会にのみ共通な、経験の固有な概念化・構造化であって、各言語は一つの世界像であり、それを通して連続の現実を非連続化するプリズムであり、独自のゲシュタルトなのである。」（同書pp.118-119）と言語の構成原理を解説しています。さらに重要な指摘として、「コトバ以前には、コトバが指さすべき事物も概念も存在しない」と語ります。要するに、我々はコトバで現実を切り取ることで、その切り取った部分をようやく認識出来る、という訳です。丸山センセイのソシュール解説は、「言語の成り立ち」という極めて一般的な文脈でのものですが、これはそのまま「未だ言語化されていない音楽を語る」とはどういうことか、という岡田センセイのお題を鮮やかに解き明かしているようにも思えます。言語によっては虹の色が二色しかない、というのは衝撃的な事実ですが、亭主のような素人音楽愛好家の語る音楽とは、このような狭い言語空間の中にしかないのだ、というのはもっとショッキングです。もっとも、娯楽として音楽を享受している限り、快い感覚に身を委ねていればよいというお気楽な立場で何の不都合もありませんが…

  October 28, 2012

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  つくばコンサート実行委員会

  長年つくばで主にクラッシック音楽のコンサート招致・開催を手がけてきたボランティア団体である「つくばコンサート実行委員会」が、今年度一杯でその活動に終止符を打つことになった、という記事が地元広告紙「常陽リビング」（10月20日号）の一面に紹介されていました。記事によると、会の発足は1984年。前年に開館したノバホールを有効活用しようということで集まった三十人ほどの音楽愛好家たちによって活動が始まり、爾来およそ三十年近くにわたり続いてきたとのこと。実行委員会の代表であるK先生は、亭主が十数年前つくばに越して来た時、赴任先の研究所で所長を勤められていたのですが、当時はそんな「第二の顔」についてはつゆも知らない状態でした。その後しばらくして、ノバホールで何かのコンサートが開かれた折に会場に出かけてみると、何と入り口で我が研究所長先生がチラシを配っているのを見つけ、それこそ目が点になったことをよく覚えています。（その後も何度かノバホールでお目にかかりました。）1980年代前半と言えば、常磐高速道はまだ柏までしかなく（柏〜東京は一般道）、市中心部（現在のTXつくば駅周辺）は開発整備されつつあったものの、そこから鉄道の最寄り駅（土浦、荒川沖）までは一時間に数本の路線バスしかない、という文字通りの田舎町でした。このころまでに「研究学園都市」に越して来た人々は「旧」新住民と呼ばれ（実行委員会の方々も多分そういう世代）、その当時はクラッシックのコンサートどころか普段の買い物ですら不便で大変だった、というお話をよく聞かされます。それにしても、三十年の月日はつくばの状況を激変させました。特に新鉄道「つくばエクスプレス（TX）」が2005年に開通してからは、「田園地帯に隔絶されて広がる研究学園都市」というよりは、東京のベッドタウンとなった感があります。TXのおかげで、週末の昼間なら東京都心でのコンサートを聴きに行くのに亭主も特段の面倒さを感じなくなりました。ノバホールでのコンサートへの来場者が年々減少し、実行委員会が自らの役割を終える時が来たのも宜なるかな、と思われます。それにしてもこのノバホール、磯崎新の設計によるモダンな外観と良好な音響を誇るなかなかのコンサートホールだと思います。何か新しい活用法を考える人が出てくることを期待したいところです。

  October 21, 2012

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  パーセルのハープシコード「レッスン」

  先日、クラシカジャパンでイギリスのバロック音楽を集めた番組が流れているのを聴くともなく聞いていると、唐突にベンジャミン・ブリテンの有名な「青少年のための管弦楽入門」の主題になった旋律が、ハープシコードの独奏で聞こえてきました。言うまでもなく、ブリテンが主題として選んだのがヘンリー・パーセルの劇付随音楽「アブデラザール」の「ロンド」であることはよく知られています。（とはいへ、亭主もその原曲を聴いたのは比較的最近になってからで、自身が「青少年」であった頃には原曲はおろか、作曲家パーセルについても単に名前を知るだけの存在でした。）もちろん、「アブデラザール」の音楽自体がハープシコードの独奏曲のはずもなく、これは一体何だろうと思ってプログラムを眺めたところ、曲目に「ハープシコードまたはスピネットのための八つの組曲第４番（イ短調、Z.663）」とあります。組曲の中身はプレリュード、アルマンド、クーラント、サラバンドの四曲からなっており、最後のサラバンドが例の有名なテーマを含む曲でした。NAXOSのCDに付けられた解説文によると、「作曲家の死後に妻に出版が託された曲集」とあり、どうやらパーセル自身が自作をハープシコード独奏用に編曲していたもののようです。（調べてみると、レオンハルトもこの曲を録音していました。）かつてバッハはイタリアの作曲家の合奏協奏曲等をハープシコード（あるいはオルガン）独奏用の作品に編曲していましたが、自分の管弦楽作品の編曲は手がけていないように見えます。パーセルが楽譜の出版を目的としていた、ということから想像されることは、当時既にスピネット（ヴァージナル）やハープシコードといった鍵盤楽器がそれなりに広く普及し、楽譜を購入して演奏を楽しむアマチュア音楽家が数多く存在した、ということではないでしょうか。実際、有名なフィッツウィリアムのヴァージナル・ブックを紐解けば、16世紀〜17世紀に活躍した作曲家の鍵盤音楽が目白押しで、今日でも重要なレパートリーを形成しています。（例えばレオンハルトのCD「エリザベス朝のヴァージナル音楽」にはそのような名曲の数々が収められています。）おそらく英国は、大陸諸国に先駆けて鍵盤音楽に独自のスタイルを確立した先進国だったと思われます。それにしても、パーセルが三十六歳などという若さで他界せず、もっと長生きしてハープシコードの作品を書いていたらどんな曲を残しただろう、と想像したくなるのは亭主だけではないでしょう。

  October 14, 2012

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  コンパクト・ディスクの未来

  CDが売れないそうです。先週末のA新聞ウィークエンド別刷り紙面トップに登場した山下達郎氏が語るには、インターネットによる音楽や映像の配信によって、メディアとしてのCDの役割がどんどん縮小し、CDの販売に依存していた音楽ビジネスが成り立たなくなりつつあるとのこと。少し長くなりますが、彼の言葉を引用してみましょう。「昔は、お相撲さんとか野球選手とか、有名人は必ずレコードを出したでしょ。音楽が文化の中心にあり、その人の認知度を高める勲章だったわけですが、CDはそういう役割を終えた。CDにアイドルの握手券が付いているんじゃなくて、握手券にCDが付いている。主従が逆。仮にCDが付いていなくても、買うんじゃないですか。　音楽を使って利益を生むというメカニズムが衰弱しています。ユーチューブやニコニコ動画でタダで聴けるなら、CDを買わないでしょう。でも、ユーチューブじゃ、ライブの空気感は再現できない。ライブという一期一会の体験旅行のための音楽。それ以外に利益を生む手段はないと思います。」偶然にも、今週10月6日号の「週刊ダイヤモンド」をめくると、その「日本を呑み込む支配者アップルの正体」と題された特集記事の中でも、iTuneが引き起こした従来型の音楽ビジネスモデルの崩壊が取り上げられており、そのような状況の直中にいる音楽関係者の言葉として、「もうライブしかない」という山下氏と全く同じ趣旨の発言が寄せられていました。このような事態を眺めながら亭主がまず思ったのは、今年ちょうど没後三十年を迎えたグレン・グールドがまだ生きていたら何を語っただろう、という問いです。よく知られているように、グールド（1932年〜1982年）はその演奏家人生の後半にコンサート活動から一切手を引き、レコード録音（ビデオドキュメンタリー等を含む）によってのみ自らの演奏を開示しました。「編集」により技術的なキズを取り除かれ、一分の隙もない「理想の演奏」の記録として世に送り出されるLPやCD。一方コンサートでは、レコード再生装置のように同じ作品を、しかも「理想の演奏」に限りなく近い形で、繰り返し聴衆の前で演奏させられることの徒労感。しかも、そこには何か奇蹟でも起きることを期待して演奏会に詰めかけ、演奏家にプレッシャーをかける聴衆がいます。グールドはどこで間違えたのでしょう？おそらくその鍵は「理想の演奏」という言葉にあるようです。以前にこのブログでも書いた気がしますが、こういった言説は、あたかも我々人間の体験とは独立した抽象的な「音楽」というものが存在する、という前提に立っているように見えます。特に西洋クラッシック音楽の世界では、「譜面上にデザインされた音楽（＝情報）」というその性質上、どうしてもそのようなアブストラクトな世界を「実在」と思いたくなります。（ここで言う「理想の音楽」は、例えるならプラトンの「イデア」みたいなものでしょう。）しかしながら、今日のインターネットによる音楽「情報」の氾濫があらわにしたことは、「理想の演奏」も含め、そのような抽象的な音楽（情報としての音楽、と言ってもよいでしょう）は、結局のところ我々人間の音楽体験の中ではほんの一部分を占めるに過ぎない、ということではないでしょうか。思うに、山下達郎氏をはじめ、音楽ビジネスの中心にいる人たちは、「録音技術」という前世紀の発明がもたらした幻想からようやく解放されて、自分たちの真の存在理由を知ることになったわけですが、それが従来のビジネスモデルの崩壊、という高価な代償を必要としたという点では何とも皮肉な状況です。ただし、ここであえて付け加えるならば、このような状況は一つの作品やアルバムで数十万枚、時に数百万枚という膨大な数のCDを売り上げていた大衆音楽の世界に起きたものであって、亭主が関心を寄せる西洋クラッシック音楽、それもバロック以前といったマイナーな世界ではしょせん他人事のようにも見えます。「理想の演奏」かどうかはともかく、音になったマイナーな作品が貴重な情報源であることは、メディアがCDであろうがインターネット配信であろうが変わりません。もともとCDでも大した数は出ていない世界でしょうから、大衆音楽が被りつつあるような激変からは無縁ではないか、と想像する次第です。実のところ、未音亭のCDコレクションは今まで通りの勢いで増大しつつあります。(^^;;;)

  October 7, 2012

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  曽根麻矢子 plays スカルラッティ

  昨年の2月2日に東京の第一生命ホールで開かれたという曽根麻矢子さんのコンサートを収録したビデオ映像がテレビで放映されているのを目にする機会がありました。バッハのハープシコード音楽を総なめにする、という一連のコンサート（亭主もシリーズ最後のゴールドベルク変奏曲の演奏会を拝聴する幸運に恵まれましたが）が2009年に終わってから、彼女の演奏にはしばらくご無沙汰していたので、随分久しぶりのような気がします。（昨年のコンサートも本当は行きたかったのですが、さすがに週日のド真ん中とあって、宮仕えの亭主は諦めざるを得ませんでした…）それにも増して、彼女が他でもないスカルラッティを弾く、となれば亭主の興味はいやが上にも高まります。放映されたプログラムでは、指慣らしのようにバッハの平均律クラヴィア曲集第１巻の第１曲を弾いた後、早速スカルラッティ、それもいきなりソナタK.492という選曲で始まりました。さて、一体どのような演奏をされるかと固唾をのんで耳を傾けていましたが、まず前半部のテンポの取り方はスコット・ロスやピエール・アンタイのそれをやや上回るかというスピードで、途中に現れる左手のアルペジョやスケールはときに圧縮されてアッチアカトゥーラに聞こえる（？）ほどです。ところが、後半の回遊部に入ると、上段鍵盤のみの弱音でぐっとテンポを落とし（ルバート）、あの転調の階段をやや物思い気味に降りてきます。もちろん、階段を下り切ったところでまた例のサルタレッロの速いテンポに戻るのですが、このように回遊部で大きくテンポを揺らす、といったK.492の演奏は亭主にとって初めて耳にするものでした。このソナタの演奏が終わると、間髪を入れず今度はK.517をやはり相当に早めのテンポで弾き始めます。このソナタは「木枯らし」や「西風」をイメージさせる曲想を持ち、ハープシコードの特徴である流れるような音階のパッセージが劇的な音響効果を生むのですが、曽根さんのテンポはそれにふさわしい感じで、とても「チェンバリスティック」な演奏でした。（この曲の演奏としては、アンドレアス・シュタイアーの超高速プレイもありますが、彼のような曲芸まがいの演奏では「竜巻」のように目が回るだけです。）スカルラッティ・セッションの最後はご自身の編曲による「ファンダンゴ」。この曲は演奏者のおハコらしく、2002年のCD「ラティーナ」の冒頭を飾る一曲ともなっているようです。この曲自体、スカルラッティの手になるものかどうか議論があるようですが、この「らしくない」曲も彼女の手にかかるとそれっぽく響くところが面白い、といったところ。コンサートのプログラムは、この後オーボエ奏者のお友達が登場し、ヘンデル、ロワイエ、バッハ（ゴールドベルク変奏曲のさわり）、とバラエティを重視して客を飽きさせないよう工夫されたようですが、亭主にしてみれば「もっとスカルラッティのソナタを（それもアンダンテやカンタービレの曲も交えて）弾いてほしかったナァ」などとわがままな感想を抱いてしまいました。（ところで、曽根さんご愛用の楽器、よく見ると銘版に「LEY・PARIS」とあり、今頃になってあのダヴィッド・レイによる作品であることに気がつきました。レイ氏のウェブサイトには「After N. Blanchet, c.1730」と題された頁にこの楽器の写真が掲示されています。）

  September 30, 2012

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  フェルメール「真珠の首飾りの女」

  国立西洋美術館で開催されていた「ベルリン国立美術館展」は、「敬老の日」である9月17日が最終日。さすがにもう後がない、ということで、標題の絵をお目当てに当日朝から上野に出かけました。この十年あまりの間に、日本でもフェルメールの知名度や人気は大きく高まり、特に最近四五年は彼の作品を目玉にした展覧会が相次いで開かれています。つい昨年にもBunkamuraで「地理学者」という作品が国内初と銘打って公開されたことは記憶に新しいところ（このブログでも紹介）ですが、今年はなんとほぼ同時期に、同じ上野にある西洋美術館と東京都美術館が人気を競うかのようにフェルメール作品の来日を喧伝するという展開に。都美術館といえば、四年前に七点のフェルメール作品を中心に据えた大展覧会を催したところですが、この際にはマウリッツハイス美術館からは「ディアナとニンフたち」だけしか借り出せませんでした。今回は同美術館が大規模な改修工事のために2014年まで閉館となるタイミングに所蔵品をごっそり借りて来たようで、所蔵作品として有名な「真珠の耳飾り（青いターバン）の少女」は、この展覧会の目玉としてポスター等で食傷するほどその画像をよく目にします。（ちなみに、この絵は大分前[1984年]に西洋美術館で開催された「マウリッツハイス美術館展」にも来日しており、亭主も見た覚えがあったので今回はスルー。）昨年の「地理学者」の時もそうでしたが、実際に「真珠の首飾りの女」を眺めての第一印象は「小ぶりな作品だな」という感じ。しかし、その細密な描写に見入っていると、いつのまにか55×45 cmという画面サイズを忘れてしまいます。特に、複製画像ではほとんど黒一色になって何もないように見える下半分にもいろいろと描かれているのが見て取れ、フェルメールが「暗さ」にも繊細な諧調を使い分けていた様子がよく分かります。この絵に描かれている婦人は、恐らく壁に掛かった鏡に向かい、真珠の首飾りを纏おうとしているのだと思いますが、実はこのネックレス、婦人が着ているレモン色の衣装同様、他のフェルメール作品にも頻出するアイテムです。画集でちょっと調べただけでも類似のネックレスは八つの作品に登場しますが、そこに記された制作年代を辿ると、それらの中でもこの絵が最初（1663年-1664年）になるようです。想像するに、画家の妻らしきモデルの婦人が、贈られたネックレスを初めて身に付けようとしている瞬間を描いたものでしょうか？ところで、フェルメールが生きていた時代（1632年-1675年）は、ちょうどルッカース一族がハープシコード製作者として隆盛を極めていたころでもあります。（未音亭のハープシコードも1638年ルッカース製の楽器を基にしたモデル。）ルッカース一族が活躍していたアントワープからデルフトまでは80-90 kmと地理的にも近く、フェルメールの作品にも繰り返し描かれているヴァージナルはもしかするとアンドレアス・ルッカース（1607年生まれ）の手になるものかも。フェルメールの描く室内でしばしば響いていたであろうハープシコードの音色を想像しながら作品を眺めていると、「静謐」といわれる彼の絵画もまた別の雰囲気を漂わせて来るような気がしませんか？

  September 23, 2012

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  アントニオ・ソレールのソナタ

  それまで欠けていたルビオ校訂のソナタ集第６巻を手に入れたせいもあって、このところ亭主はハープシコードに向かうとソレールのソナタを弾くことが多くなりました。ソレールのソナタの魅力はいろいろありますが、特に亭主がすごいと思うのはいくつかの作品に見られる音響効果のすばらしさです。彼はきっとスカルラッティとは別の意味で、ハープシコードという楽器の響きに特別な感受性を持っていたに違いありません。例えばソナタ43番（G major）。前半の速射砲のような連打音の響きもさることながら、後半の「回遊部」で三度の連打音が転調を繰り返しながら雨あられと降り注ぐ部分はまさに恍惚とするほどすばらしく、ハープシコード・サウンドの極致というべき世界を創り出しています。そのインパクトをあえて例えるなら、これぞ18世紀の「テクノ・ポップ」というところでしょうか。カークパトリックはソレールのソナタを「これ以上派手で軽薄なものは想像しがたい、といったもの」と評し、「18世紀の教会の中で，ものうげな聖人達は言うに及ばす，飛び跳ねる薔薇色の天使達に会うのには慣れているが，これがエスコリアルということになると，まるで枢機卿会議が歓声を上げて舞っているかのようである!」と書いていますが、ソレール本人にしてみれば「我が意を得たり」かも。ところで、第６巻のソナタを弾いている間に「あれっ？この曲どこかで既に出て来たような…」というフレーズに何回も遭遇していたのですが、今日たまたま第３巻を弾いていたところ、ソナタ54番がまさに92番の第1楽章と（移調されている点を除いて）ほぼそっくり同じものであることに気がつきました。実は、第６巻の冒頭で校訂者のルビオがこの点に注意を促す註を施しており、94番、96番、および99番のソナタでもそのような重複が見られるとのこと。どうやら第３巻刊行当時には既に失われたと思われていたソナタの写譜が後に見つかった、といった事情があった模様。この点に限らず、ソレールのソナタの原典がスカルラッティのそれにも増していろいろと校訂者泣かせの問題を抱えていることは，以前にtekutekuさんも指摘されていた通りのようです。そこで亭主が気になってきたことの一つとして、ナクソスから出ているローランドの演奏を入れた13巻のCDを眺めていると、ルビオ校訂の楽譜に収録された120番を超えた番号（「ルビオ番号？」）のソナタが収まっていることがあります。（一番遅い番号では132番という作品がVol.9に入っています。）ソレールのソナタ集第７巻がUnion Musical Edicionesから出版されたのが1972年頃で、校訂者であるサミュエル・ルビオは1986年に73歳で他界されていますが、その間に第８巻が出た、という情報はいくら探しても見当たりません。もしかするとローランドさんがルビオの遺稿のようなものを整理して追加の番号付けを行い、CD に収録したということでしょうか？いずれにせよ、ハープシコードに新しいサウンド効果の次元を付け加えた18世紀テクノ・ポップヒーローの全貌がいつの日にか明らかになることを、亭主としても大いに期待したいところです。

  September 16, 2012

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