Atelier Mashenka

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• 第2回走墨作品展・その2

  今日の午後は、大学のミュージカルサークルのときの同期のKちゃんと、後輩のYが子連れで来てくれました！小2の子供には退屈かなあ？と心配しましたが、ちょうど筆で書くことに興味をもっている時期らしくまたその子の名前に、今回のテーマ「花」の字が入っているのもあって子供ながら熱心に見てました。走墨は子供にも響くものなんだと実感。KちゃんもYも走墨の世界に触れるのは初めてでいろいろと質問をしながら、興味深く見てくれたようでよかった♪彼女たちには、八木重吉の詩の作品が好評で、その反応がすごく嬉しかった～！ひと通り見てから、隣のオープンカフェで4人でランチ。お互いの近況や、サークルの他の人の近況、そして走墨のことなどいろいろ話しました。「走墨はダンスととても似ているんだよ」などという話をするとYは目をきらきらさせて聞いてくれました。Yは結婚前はダンスカンパニーに所属していたし、Kちゃんは今でも社会人のミュージカル集団で舞台に立っていて、お互い舞台や作品を見に行ったり来てくれたりの交流が続いています。創ること、表現することが大好きな仲間がいて、わくわくしながらお互いの活動の話をしたりして、こういうのは心地いいなあ。Kちゃん、Y、ありがとう♪次に、3時にはブログで交流させていただいている瑠璃鳥さんが来て下さって、初対面！！瑠璃鳥さんは事情でこの2年ほどブログをお休みしていて、もう戻ってくることはないのかな・・と残念に思ってましたが、つい先日復活されました。いつもおいしそうな、気の利いたお菓子やお土産を紹介する記事も参考になりますし、美術展での感想が、さりげないけれどとても的確な表現だったり、私では考え付かないような着眼点が素晴らしいなあと思ってました。考え方、センス、ものを見る目の質の高さがにじみ出ています。走墨も見ていただいて、先生の作品の「花」について私にはわからなかったような目からうろこの感想をいただいたり、お土産に絶品のお菓子をいただいたりして興奮しっぱなしの私でした。瑠璃鳥さんありがとうございました！そして4時にはもうすっかり旧友(？)のようなコヨーテさんが来てくれました！この2日間の緊張と興奮状態がここに来て一気に緩んで、彼の前ではすっかりだれだれの私でしたが・・デザイナーのコヨーテさんにも興味を持って見てもらえたようなのでちょっとほっとしました。いつもながらハードでかっこいいスタイルが目立ち、いろいろ話しかけられてて傍で見ていて面白かったなあ♪その後、コヨーテさんと飲みに行きました。来週デザインフェスタを手伝ってくれる友人のHちゃんも途中から合流しておいしい居酒屋さんで遅くまで飲み、その後お茶しました。走墨作品展でこんなにテンパってるけど、来週はもうデザインフェスタ！またこれから準備があるからちょっと大変だけど、とっても楽しみ♪みなさん、ほんとにあちこち遠くから来て下さって、ありがとうございました。感謝・感謝です♪明日最終日は、劇団のときの同期のよっしーが来てくれます！そして打ち上げでは走墨の生徒がみな集まるので、とっても楽しみです。

  2008.11.02

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  第2回走墨作品展・その1

  第2回走墨作品展は2日前から始まっていたけれど、今日が私にとっての作品展初日でした。作品づくりの歩みはこちら↓走墨作品展のための作品づくり走墨作品展のための作品づくり・2走墨作品展のための作品づくり・3今日は4人の方が来てくれました。スペシャルゲストのFさん、劇団とダンスグループに所属していたときの先輩N山さん、友人のGとH。ありがとうございました！！小さなギャラリースペースには作品とともにこけ玉や草花やちょっとした果実などをあしらったディスプレイで思ったよりも柔らかなイメージに仕上がってました。Fさんからお花までいただいてしまいました・・・ゴージャスです。こんな郊外の小さな作品展なのに気恥ずかしいくらいです。でもとってもとっても嬉しかったです。Fさんは初めて走墨に触れたのですが、非常に興味を持ってくれたみたい。「躍動感に溢れている」「とても柔らかで刺激的な時間だった」とコメントをくれました。N山さんには、「前回よりも書に向き合う深さが出た」と言っていただけました。今回は実はちょっと落ち込んでいたので、励みになりました。前回の「飛」をピルエットしている姿みたい！という、なるほど的確で興味深い指摘をしてくれたN山さんだけあって、今回のまさにダンサーを意識した自由作品も、何も言わなくてもそのように感じ取ってくれたみたいです。さすがです。Fさんとお茶したり、夜は友人2人と食事したりしてとても刺激的で楽しい1日でした！今日ずいぶんドキドキ緊張したし、いろんな刺激があって興奮状態だったのか、疲れてるはずなのになかなか寝る気になれず、すっかり夜更かししてしまった・・・・明日は大学の後輩とコヨーテさんが来てくれる予定です！楽しみ～♪

  2008.11.01

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• 走墨作品展のための作品づくり・3

  走墨作品展、今週末が3点目、課題作品の提出締め切り。自由作品でエネルギーを使い果たしたのか、なかなか思うように書けなかったり、集中力が続かなかったり。色紙のサイズの画仙紙に、八木重吉の詩の一説を書く。墨は青墨と普通の濃墨の2つを、それぞれ2つの硯にすり、濃さを調節するための水を入れるお皿を置き、筆置きには筆2本。今回は青墨用に太い筆と、濃墨用に極細の筆の2本を使う。太い筆は、普段の稽古からも一番よく使っている筆で、安心感がある。細い筆は猫の毛の筆で、非常にやわらかい線がかける。太筆には自然の大らかさと真摯なピュアな姿をたくし、細筆はそんな自然を見つめながら抱く願いを、ささやき声のように走らせたい。色紙大の枠内に、小宇宙を描き出したいという野望は、案外難しく、苦心している。

  2008.10.15

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  ジョン・エヴァレット・ミレイ展＠渋谷Bunkamura

  渋谷Bunkamuarに「ジョン・エヴァレット・ミレイ展」を見に行った。もちろん、「オフィーリア」を見に行ったのだが、ミレイと言えば愛らしい少女などを描いたファンシー・ピクチャーも楽しみにしていた。ところが意外にも後期の風景画が非常によくて私にとっては、ミレイのまた違う魅力を教えてくれた展覧会だった。「両親の家のキリスト」羊が窓から押し合いへし合い、窓から家の中を見ているのが何とも言えず、ユーモラスでかわいい。本来は人物たちの写実的な表現と、主題の表現方法の新しさが注目すべき作品のようだけど、かわいい羊にばかり目が行ってしまう・・・(^^;)「マリアナ」小さな作品。青衣がまぶしいほど美しい。腰のベルトの緻密な点描がロイヤルブルーをより引き立てる。腰に手を当て、のびをするように上体をねじっているポーズにやるせない感じが漂う。「オフィーリア」この作品をこんな間近で見られるなんて感激。水を含んだドレスのすその淡いもろい柔らかさ。水面に差し出している両手をふちどる水の、白い繊細な光の粒。生死のあわいを漂うオフィーリアの白い顔と対照的に生き生きとした周囲の緑の色。緑や草木はオフィーリアをのぞきこむように周りに配置されており、まるで川がそのまま棺であって、遺体に花があしらってあり、草木たちはそれを囲む葬儀の参列者のようにも見える。彼女の虚ろな目には何が映っているのだろう。もう現世ではなく、死の情景だろうか。ハムレットや家族のことだろうか。短い人生の記憶の断片だろうか。哀れだけれど、自然に抱かれている図にも見える。植物は、決して背景ではない役割を果たしている。「しゃべってくれ！」一瞬の幻影を見てしまった男の、必死さと哀しさ。もの言えぬ亡霊の女の美しさ、もの言いたげな唇、諦念を浮かべたまなざしが印象的。「初めての説教」「二度目の説教」教会で牧師の話を聞きながら眠ってしまう子供の姿が本当に愛くるしい。ふせたまつげ、ぶらんと脱力した足、口角が落ちた口元、ぷっくりした頬。背景や服装の色が格調高く重々しく、かえって子供の幼さ、やわらかさが引き立つ。2枚組みとなっているこの作品の、子供をユーモアたっぷりに生き生き描く手法は、後のノーマン・ロックウェルを思わせる。ロックウェルは影響を受けていたのだろうか？最後のコーナーにはスコットランドの風景画が数点。「吹きすさぶ風に立ちはだかる力の塔」こんな風景を見たことあるような気になってしまう。雲った空、グレイの海、かなたの夕映え。そんな空にシルエットとなっている孤独な塔。遠い夕刻、思わず神にすがりつきたくなるような心細さ。何かが胸にたぎってくるような気持ち。「露にぬれたハリエニシダ」エニシダのスモーキーな緑色に、露をあらわす白い点描が印象深い。淡いオレンジ色の不思議な光にもやめく森。柔らかく潤湿な空気。森の向こうへ吸い込まれていきそうな不思議な感覚。あの向こうに何があるのだろうか。雰囲気はだいぶ異なるが、横山操の絶筆作品と同じ死出の旅を思わせる。ミレイのほうはずいぶん明るくあたたかさを帯びたいざないの情景だけれど。「穏やかな天気」明るく落ち着いた美しい風景画。湖水に映る秋の風景、紅葉、手前の枝にちょこんととまっているカワセミ。「寒さの後の小春日和を、嵐の後の凪をお待ちなさい」というシェイクスピアのヘンリー4世からの引用文が添えられている。タイトルを決めることにとても労力を払っていることがキャプションに書かれていたが、そんなところに妙に共感したりする。「ジョン・エヴァレット・ミレイ展」は10月26日まで。

  2008.10.04

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• 走墨作品展のための作品づくり・2

  金曜日、仕事を終え夕食後、夜11時頃から走墨の自由作品に取り組んだ。朝6時くらいまでやった。お風呂に入って寝たのが朝7時。2時間だけ寝て、翌土曜日、先生に作品を見せに行った。しかし根本的に方向性がダメで、やり直しだった。その場で改めて指導を受け、書いたが、納得するまでは行かず、さらに課題を指摘された。いったん家に戻り、簡単に昼食を取ってから午後、時間ぎりぎりまで書いた。とにかく書いた。これまで先生とのやり取りや指導の中でいろんな変遷があった。象形から発した文字、その文字という記号からいったん具象的な方向へ向かい、そしてその後あらためて抽象へ向かった。銀彩やしぶきのテクニックなど、あしらっていたものを先生からは「無いほうがいい」ときっぱりアドバイスされて、シンプルな1色の墨の、1文字だけの勝負になった。最後はあまり作為を考えすぎずに線を追っていたように思う。画仙紙の上をはうように書いていた。本当に最後はもう疲れて、わけわからなくなってしまった。とうてい納得は行かなかったが、もう提出期限の時間も迫っていたのでたくさん書いた中から10枚選び、また教室に戻って先生に見ていただいた。そしてようやくその中の1枚に決まった。私もその中では一番いいと思っていた1枚だった。ベテランの生徒さんでも「もう一度書いてきなさい」と返された方もいたので、一応私のいる段階ではある水準に達したと見なされたのだろうか。それは喜ぶこととしよう。いろんな方が提出に訪れたが、ブログでも交流させていただいているsakuraさんが素晴らしい出来の作品を持ってきた。久しぶりにお会いできて嬉しかったのもあるけれど、作品が何しろ素晴らしかったので、それが嬉しかった。エネルギーを注いで取り組んできたことが伺える作品だった。とても刺激になった。sakuraさんは「100枚くらい書いた」とおっしゃっていて私も自由作品についてはちょうど100枚くらい書いたので、そんなことも戦友のような共感を覚え、嬉しかった。先生の片付けを手伝ったりしながら、額装のことを相談したところ、今回初めてお軸にすることになった。どんな仕上がりになるのか、とてもわくわくする。無事自由作品を提出し、解放された気分で帰途についた。寝不足で頭はぼーっとしているのに、目は冴えて晴れた、遅い午後の風景がどっと流れ込んでくるのを広角レンズのように受け止める。世界はとても鮮やかで美しかった。空、雲、木々、光、草、風、街並み、みんなみんな輝きに満ち、美しかった。この上ない幸福を味わった。

  2008.09.27

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• 走墨作品展のための作品づくり

  最近、週末は走墨の作品づくり。あっ、そうそう10月30日～11月3日に第2回走墨作品展開催が決まりました！そのための作品づくりをしています。「走墨」はアーティスティックな書です。よかったら見に来てください☆課題作品1点、今年の課題は「花」。そして自由作品1点。最近入った新人さんは課題作品だけでもOKだけど、古株な私たちは自由作品も必須。それから希望者のみ扇子の作品も1点出品する。先々週、扇子の作品をやった。広春先生から伝授された"墨流し"の技法を使って地の部分をつくり、乾かしてから、鴨長明「方丈記」の一説を書き付ける。"墨流し"は初めての挑戦で、最初なかなかうまく行かなかった。大きな平たい受け皿に水を張り、摺った墨を数滴落として、棒などで墨を広げる。後は自然に広がっていく水面の模様を、扇型に切った画仙紙に吸い取らせる。一瞬で模様は紙につくのでさっと引き上げ、広げて乾かす。1枚やったら、墨の混じった水を捨て、受け皿についた墨の汚れをふき取り、また最初から繰り返し。教室で先生から直接手ほどきされたときはまだしも、家でやってみると、ちっともうまく墨がきれいに浮いてくれないし、色が薄すぎたり、全体が均一的に黒くなってしまったり、どうしてもうまく行かない。何枚も何枚も失敗して、すっかり気持ちが疲れてしまった。もう今日はやめよう、どうせ筆を洗わなければいけないのだからと受け皿の水の中に筆を投げ出してしまった。そしてしばらくほっといてやっと片付けようかと皿を見てみるとどうだろう？！筆から流れでた墨がゆっくり浮上し、ダイナミックな波模様を水の表面に形作っているではないか！思わず画仙紙の端切れに吸い取らせると、なんともきれいで動きも濃淡もある模様が映し出された。そこからもう一度、墨流しにチャレンジしていった。そしてコツをつかんだ。夜中まで何度も墨流しをやり、面白い模様の地が何枚か出来上がった。ただ、せっかく墨流しはよくできてたのに、肝心の文字が納得のいくできばえではなくちょっと残念。先生に見ていただいて、OKが出なかったらまた一からやり直そう・・・おとといと昨日は自由作品をやった。これまでも何度か書いてきたけれど、本気モードではなく試行錯誤しつつの試作品という感じだった。昨日はすべて本番用の画仙紙で、書きまくった。銀彩も少々あしらうので、それも初めて書き込んだ。前回の作品展では自由作品は「飛」という文字を筆の2本取りで書いた。今回も迷ったけれど、やはり漢字ひと文字にしてしまった。今回の漢字ひと文字を書くに当たって、先生の作品集やお手本を何度も眺める。そして気づいたこと。1つ、「重心」を心得ること。先生の作品では、絵も字も、重心がぴしっと決まっているから美しく力強い。ダンスと一緒だ。軸の大切さ。それをとらえながら、文字を書くこと。そして実際自由作品を何枚も書きながら気づいたこと。"捨てる"こと。作為を持ちすぎると、線が生きない。技法や工夫も大事だけど、書いてる最中にそれにとらわれるといい線が出ない。勢いもまとまりもなくなってしまう。ばらばらになってしまう。それがわかって後半は線のほうに集中した。シンプルではあるが、だんだん文字が思い描いた形のほうへ立ち上がってきた。今月自由作品を仕上げたら、来月は課題作品に本格的に取りかかろう。こちらは色紙大の画仙紙、とサイズが決まっている。自分の課題である小筆でさらさらと仮名を書くために詩の一説を題材に選んだ。八木重吉の詩。先生からのアドバイスで青墨と濃墨を使うことになった。青墨の色がきれいに出やすい画仙紙も選んだ。小さな中に、小宇宙を込めたい。と野望だけは持っている。しばらくは紙と筆と墨と、格闘していく。

  2008.09.16

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  永井雅人さんの公開アトリエ展

  永井雅人さんの公開アトリエ展を見に、恵比寿へ行きました。永井さんは昨年から今年にかけてオーストラリアのメルボルンやN.Y.に滞在して制作されていて、今回は帰国されてから初めての個展でした。最終日になってしまいましたが、何とか仕事帰りに駆けつけました。でも時間ぎりぎりだったのであわてていて、間違えて隣のマンションのエントランスに入りこんでしまい、セキュリティのため開かない中扉の前でうろうろした挙句、ケータイに電話して迎えに来ていただくという大迷惑な客。（本当にすみませんでした・・・）アトリエまで案内していただき、新しい作品の数々を見させていただきました。メルボルンで制作された「グレートオーシャンロード」の連作、大らかさ、伸びやかさが加わったような感じ。以前は見られなかったチューブのような太いラインが印象的だった。N.Y.で制作したという作品の画像も見せていただいたが、それにもやはりチューブのような水色のラインが全面を覆っていて、弾力性のようなものを感じさせる画面だった。モノクロの大きな銅版画「海の・・」「大地の・・」（タイトルを失念してしまった(^^;)）などは永井さんの真骨頂で、やはり見ていて飽きない。繊細にからみつく白と黒の世界。静謐でありながら、やわらかい生命力がわきかえっている。どこまでもどこまでも続く何ものか。「大地の・・」のほうは、抽象的な表現であるにも関わらず、まるで動物があちこちに隠れていてこちらを覗いているような視線や息遣いを感じてしまった。モノクロのひんやりした印象の銅版画なのに、このやわらかいしなやかな感触は何だろう。「海の・・」の植物的な、なんとも言えない翳りの部分などは本当に美しい。ため息がでる。なびす画廊で見た作品でも、やはりこんな植物のシルエットのようなモチーフがあり、そのちょっと淋しくあたたかく乾いた感触が、私には非常に魅力的にうつる。心に焼き付けられる。3年前、学生時代に描いたというカラー作品も小品ながらとても美しかった。森の中、小道の向こうに光の空間が広がっているかのような、そんな背景に味わい深い肌合いの赤や緑や黄の色が浮遊し、時に交わり、している。抒情的で、心がその空間の奥へと運ばれるような作品だった。コーヒーやお茶をいただいたりしながら、メルボルンとN.Y.はどちらのほうが好きかとかどれくらい制作時間はかかるのかとか、色を使うときは、何かこだわりがあるのかとか不躾な素人の質問に、永井さんは淡々と答えて下さいました。グレートオーシャンロードの奇岩の1つが崩れ始めているという話や、N.Y.のハーレムの話なども興味深く聞きました。それにしても、こんな大きな作品に非常に緻密な表現をする永井さんの感性や頭の中はいったいどうなっているのだろう？絶対的に感覚的であり、と同時に案外文学的のようでもあり、とても不思議だ。また次の作品展を楽しみにしつつ、アトリエを後にしました。終了時間を30分も延長させてしまって申し訳なかったな・・。短い時間だったけど、興味深い楽しい時間でした。永井さんに感謝です♪追記：永井さんは9月現在、オーストリアのグラーツにて制作に入られました。「よかったらお使いください」と写真データを送って下さったのでお言葉に甘えてアトリエ展の写真をアップさせていただきます♪

  2008.08.25

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  暗さの中の輝き～ヴラマンク展

  ずいぶん長いこと美術館に行けてなかったが、先日、電車内の「モーリス・ド・ヴラマンク展」の広告に目が釘付けになり、これはぜひ行かなくては、と思った。無性にフォーヴの筆致と色彩になぶられたい衝動にかられた。小雨の西新宿を、美術館へ向かった。土曜の午前中はまだすいていて、じっくり作品と対するには申し分ない環境だった。白い壁、ほどよい照明、てらいのないシンプルな展示には好感がもてた。また、ほとんどの作品がガラスケースがなく直接見ることができ、とてもありがたい。ヴラマンクの本領を発揮している後半の作品を特にじっくり見た。「踏み切り、パリ祭」不安を掻き立てるドラマティックなブルーグレイの荒れた空。その中で鮮やかなトリコロールの赤。「小舟」荒々しさの中にピュアな美しさ、静けさ。エメラルドグリーンの海の水、白く渦巻く波。黒い雲に覆われた空、白い雲が走る。手前には打ち捨てられ横になった小舟と小さいながらもマストを立て、海に向かって置かれている小舟。遠くの水平線の海の色は、近くで見ると大人しい青なのに離れて見ると、ひどく貴い美しさではっとさせる。この小舟は、どこを指して行くのか。「秋のスノンシュの森の木々」心につきささる冬木の枝々。いつかどこかで体感したかのような劇的な静けさの一瞬。厳しい風が吹き、孤独で、容赦ない、そんな風土に親しみと懐かしさを感じる。「雷雨の日の収穫」今回のちらしにもなっている作品。ブルーグレイの空。わらの強烈かつ陰鬱なオレンジや黄。一瞬のひらめきにも似た美しさ、暗い異様な光を浴び、麦畑が輝く。暗さの中の輝き。彼方の空の濃い白。空の蒼のにじみ、流れ、動きに心を掻き立てられる。南に憧れたゴッホとはまた違った青と黄が、ここにはある。陰鬱なのに明るい。流れ、はやる気持ちをぶつけている。「林檎の木とかむら麦の畑」青緑の麦穂の群れが幻想的な雰囲気をかもし出す。下草のビリジアンと黄は流れるような筆致が、何かしら急を告げる。麦穂に比べ前景の1本の林檎の木は暗くほとんどシルエットのようだが、世界を支配しているようにも見える。「窪んだ道」道の脇に不ぞろいに立つ並木の中の1本の木、そのシルエットが黒い煙った雲と溶け合い、空に続いている。竜巻のごとく。空の力、生命力がこの1本の木に集められているかのように。やはり遠くの地平線近くの空の白さが、濃い。「下草と夕陽」木から垂れる朱赤。うごめき息づいている大地からにじみ出た血のよう。大地のうめき、血脈。太陽に照らされているが、太陽自身はもんやりとして力を潜めているかのような浅い赤だ。暗い木々。地をはう赤、赤、赤。影をはらむ大地。何か怖ろしい不穏な、それだからこそ魅力的なパワーに満ちた作品だ。後期の中でも特に「秋のスノンシュの森の木々」以降、リュエイユ=ラ・ガドリエールに移住してからの作品群にひどく共感する。懐かしいほど。分かる気がするのだ。一瞬の空、空模様を写したくなる気持ち。心臓をぎゅっとつかまれる。北の地、荒々しさ。日常の風景がドラマティックにうねりを上げる。不安、孤独、それが故の生きている実感、"今"という実感。それらの作品群の中に立っていると、そんな言葉が私の中に湧き返る。ヴラマンクはあまり意識してなかった時期からも展覧会で1枚、2枚と作品に出会うたびにひどく心魅かれた。好きでずっと持っていた絵葉書が、後でよく見たらヴラマンクの作品だったり。今ではゴッホより好きなくらいだ。なぜだろう、と思った。この暗さ、激しさ、荒涼とした雰囲気。それらは私の10代のころの、故郷での心象風景そのものなのだ。風土そのものは異なっても、エッセンスが重なり、シンクロする。そんなことに思いが至り、ひどく納得した。ヴラマンクを旅しながら、自分を旅した。「没後50年 モーリス・ド・ヴラマンク展｣は損保ジャパン東郷青児美術館にて2008年6月29日まで。おまけ・・・小雨の西新宿。懐かしいなあ。東郷青児美術館の入っている損保ジャパンのビル。昔この中でバイトしてたなあ・・・なので私の中では今でも当時のまま安田火災ビルと呼んでいる。小雨で暗い空。高層ビル群もちょっと陰鬱な感じですね。

  2008.05.10

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• 広春先生の走墨作品～高揚した週末その1

  この土日は興奮し、高揚した2日間だった。土曜日、注文してあった広春先生の走墨作品集を受け取った。B4版サイズの、ずっしり重い高価なものゆえ、これまでは買いあぐね、教室にあるものをときどきめくって満足していた。しかし今年は作品展の年だし、やはり手元に常に置きたいと思い、思い切って申し込んでみたのだ。作品集の中表紙には、購入した人それぞれに名前と、何かしらメッセージを先生が書いてくれるのは知っていたけれど、私のを開いてみると、思わず目を見張ってしまう走墨作品が描かれていた。右ページには"華になる"という文字。"華"が黒いドレスの、凛とした女性の立ち姿のように描かれている。そして左ページには踊る人の姿、その動き、衣装のひるがえりが躍動感をもって描かれていて、これは私だからこそ描いて下さったモチーフだとわかり、思わずじーんとしてしまった。2万円以上するこの豪華な本に、こんな作品を描くのには大変なエネルギーと集中力が必要だろう。本当にやり直しが効かない作業だ。高価だから、と買いあぐねていたけれど、先生にとっては一冊一冊売ることさえ、真剣勝負なのだと思うと、本当に頭の下がる思いがした。この中表紙の生の作品だけでもじゅうぶん購入金額以上の価値がある。私は嬉しさのあまり、ぴょんぴょん飛び跳ねてしまい、そこに集まっていた人たちに大いに笑われてしまった。こんな嬉しさは久しぶりだ。意欲もわいてくる。作品展に向けて真剣に取り組んで、いい作品を書きたいと改めて思った。

  2008.02.17

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  ティツィアーノ「うさぎの聖母」＠ルーヴル-DNPミュージアムラボ

  1月19日、ルーヴル-DNPミュージアムラボに初めて行ってきました。かのルーヴル美術館と大日本印刷（DNP）による共同プロジェクトによりルーヴルの作品を、1点ずつだけれどじっくり見たり理解を深めたりできる企画で、チケットはなんと無料！こんな美術展があるなんて知らなかった！完全予約制で、私はこのラボのことを知った昨年12月に予約しておきました。無料で人数限定（1枠20人まで）で、ティツィアーノの作品を静かにゆっくり見れるなんて、嬉しい企画♪目黒と五反田の間くらいにありますが、私は目黒から歩いてみました。大日本印刷（DNP）のビルの1階に、ルーヴル-DNPミュージアムラボが入っています。今回はルーヴル-DNPミュージアムラボ第3回展として、「うさぎの聖母　聖なる詩情」が開催されています。16世紀の巨匠ティツィアーノの「聖母子と聖カテリナと羊飼い」通称「うさぎの聖母」は、ルーヴル美術館で、作品が移動していたり、他の展覧会に貸し出しされたりしてあるべきところに作品がないとよくクレームがくる作品の、ベスト5に入る人気の作品だそう。展示室で、作品を前にまず非常によい状態であることに驚く。明るくみずみずしい色彩！ティツィアーノらしい丸顔の親しみやすい聖母の顔。青いローブと紅のドレスとウサギの白さが際立って美しい。幼子イエスの愛らしいぷくぷくした手足。カテリナの顎に手を置くしぐさが、赤ちゃんらしい。無邪気な表情。後光がきらきらしている。そしてカテリナの繊細かつ洗練された衣装や髪型、横顔の美しさ。ひだをたっぷりとったドレスはやわらかな乳白色。鮮やかで清楚な水色の薄手のストールには金糸のもようが入っており、端には金の房が下がっていてとてもおしゃれ。こんなストールが欲しくなる。白い布にくるむようにイエスを抱く、優しいしっとりしたしぐさも心地よい。たそがれの空と野山の遠景の美しさ。緑から青へのグラデーション。明るく穏やか。色彩の音楽のようだ。さて、じかに作品鑑賞するだけでなく、ここにはさまざまな試みがあり、体験することによって、よりこの作品や当時の時代背景を学ぶことができます。展示室の向かいの空間にはさまざまなブースがあり、その場所に入ったり、通りがかったりすると、チケットについているICチップが反応して、自動的にひとりひとりが身に着けている音声ガイドが始まったり、ブースのほうでも作品解説の映像が始まったりして最初はびっくりします。映像に歩み寄って絵の世界の中に入っていく装置などはもっと改良して欲しいところだけど、一瞬この絵の野原の上を飛んでいるような錯覚を覚えたりしてとても斬新な体験ができます。眼球の動きから視線をコンピュータが読み取り、自分が「うさぎの聖母」のどこをどんな流れで見ていたかがわかる装置が面白かった！帰りにプリントアウトして手渡してくれたのが、これ↓。直線は視線の移動をあらわし、円の大きさは見ていた時間に比例しています。私の場合、カテリナとマリアに視線が多く集まっているのがわかります。まずカテリナ、それからマリア、そして背景、羊飼い、うさぎと移り、幼子イエス、再度マリア、足元のかご、さらにもう一度カテリナ、と視線がうつっています。シアターはちょっと奥まっているけれど、必見。この絵の修復作業から絵画制作の過程など、新たに判明したことなどを紹介していて、とても興味深かったです。土曜日の午後はいっぱいだったのでお昼の時間帯を予約しましたが、5人くらいしかいなくて、「うさぎの聖母」展示室を独り占めして鑑賞したり（ルーヴルではありえない！！）快適にブースを利用したりすることができました。1枠最大20人までだけど、20人もいたらブースの利用もだいぶ制限されるだろうなあ。5人くらいの利用でも時間が足りない、と感じたくらいだから。（1時間の時間制限があったので、すべてのブースは体験できなかった・・）ブースの囲いの壁や椅子などが紙、ダンボールでできていることに気づき、こんなところに印刷屋さんらしさをさりげなくアピールしてるんだなあと面白く感じました。会期は3月1日までです。まだ予約は空いている日も多いので、ぜひ一度体験してみてはいかがでしょうか？

  2008.01.26

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  フェルメール「牛乳を注ぐ女」

  六本木の国立新美術館で「フェルメール～『牛乳を注ぐ女』とオランダ風俗画展」を見た。まず感じるのは、静かな明るさだ。壁の白が美しい。非常に効果的。女性の服の色、上着の黄色、腰に巻いた布の青、影になったスカートの暗い落ち着いた赤がそれぞれに美しい。上着は裏地が青なのだろうか、まくった袖は青と、黄と青が透けて微妙な緑色をしている。このわずかな緑色も、私にはとても美しく魅力的に映った。安定感と鮮やかさ。小物の描写の緻密さ。牛乳つぼを支える左腕の確かな力強さと白さ。緯度が高いため、冬は日照時間が短く、夏は夜遅くまであかるいというオランダでは、より日の光というものは意識されるのではないだろうか。明るさを永遠の一点にピンでとめたような絵だ。ぎちっと固く編み、しかし使い込んで少々やわらかくなったかご。窓からの清潔な日の光。思わず息をひそめて見つめてしまう、繊細な繊細なミルクのつくる筋。すべてを支え、コントロールする左腕。俳句のような端的さと広がり。きらめいている。もともとは壁には絵、床には洗濯かごなどのアイテムが描き込まれていたのを塗りつぶした跡があるとのこと。余分なものを排して壁の白の面積を大きくとったことで、色彩が引き立ち、また同時に色彩が白と白の空間を引き立てている。白は背景色でありながら、一番美しい色彩のようにも感じられた。「フェルメール～『牛乳を注ぐ女』とオランダ風俗画展」は、12月17日で終了しています。

  2007.12.14

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• 「書くことは生きること」村上三島展

  走墨で一緒のクラスのHさんからチケットをいただき、会社帰りに日本橋高島屋へ「20世紀書壇の巨匠　村上三島展」を見に行った。書だけの展覧会は初めてかもしれない。文化勲章まで受賞された村上三島（さんとう）という名前さえ知らなかった。中国風の書はとても力強く、男性的。時にちょっといかめしい。私は少しやわらかさのある作品のほうが好きだった。それから、良寛風というのだろうか、文字をかなり省略して弾むような点で多く書かれているものもよかった。抽象的に見える。空間と点と線。それらが素晴らしく呼応し、驚きと喜ばしさを感じさせる。彼は幼いころにカリエスに冒され、普通に歩くことができなかった。書の道に入り、紙の上で彼の筆は彼の足となり、歩き、走り、飛び跳ねたことだろう。しかし自由奔放に、というよりは中国の多くの書体をマスターし、自在に書体を操ってさまざまな作風の作品をきっちり書き上げる姿勢は、かなり几帳面で学究的に感じられる。20万枚書かなければならない、という村上氏の言葉があった。ある作品などは2ヶ月で3000枚書いて仕上げたという。1日約50枚だ。しかも畳よりも長い、大きな紙だ。私などととても比べることはできないけれど、私も大きく長い紙に漢詩を書く課題が出たときは、1枚書くのに30分はかかっていた。しかも集中するからどっと疲れが出る。それを思い出すと、あの数倍の大きさの紙で1日50枚ずつ2ヶ月書き続けるなんて、想像を絶する。なんというパワーと躍動だろう。ひ弱ではできない。村上氏の、書にまみれ、書に自己を埋没させるようなすさまじさを感じ、言葉が出ない。今回の展覧会のタイトルには"『書くことは生きること』～風格の書を求め続けた生涯～"というサブタイトルがついている。「書くことは生きること」・・・正にそのように生きたのだろう。まじりけのない言葉だけに、すさまじさを垣間見ただけに、この言葉はずっしり重く感じられ、自分に対してこの言葉を投げかけながら、会場を後にした。村上三島記念館というところがあるようだ。四国へ行く機会があったら寄ってみるのもいいなあ。

  2007.11.05

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  木田金次郎美術館を訪ねて～北海道旅行その6

  10月25日、北海道旅行3日目。神威岬のあとは、地元の温泉で、紅葉の山を眺めながら露天風呂を楽しみ、その後木田金次郎美術館へ。積丹半島の西側の根元にある岩内(いわない)の町は、道も広く、低い建物ばかりで、どこか開放的で穏やかで、派手ではないけれど文化的な感じがした。港のすぐそばにある木田金次郎美術館に着いたのは夕方だった。有島武郎の小説「生れ出づる悩み」が10代の頃から好きだったけれど、そこに出てくる、芸術と漁師の生活との間で悩める画家に、実在のモデルがいるとは考えてもみなかった。この小説のモデルとなった画家、木田金次郎とその美術館のことを知ったのは、北海道旅行を決めてガイドブックを読んでからだった。心臓がぎゅっとなって、この美術館に行こう！と決めた。小説の中でしか知りえなかった漁夫である青年画家の荒々しい絵を実際に見ることができるなんて。断ち切られたラストシーンのあと、さらに言えば有島武郎の自殺のあとも青年の画家の人生は続いていて、今このように美術館まであり、その作品に出会う機会が、この小説に接して20年もしてから現実に私の前に立ち現れてくるとは、非常に不思議な気がする。木田金次郎美術館は、こぢんまりとしたきれいな美術館だった。何角形になるだろう？ほぼ円形に近い建物で、中庭を囲んでいる。他にお客さんもいなくてほとんど貸切状態で、1階と2階の展示室をじっくり見て回った。「春の落陽」あたたかい、懐かしい、黄土色の光のうねり。美しく、自分もそこに溶け入ってしまいそうな、荒々しくもやわらかで密度のつまった風景。じっと見つめていると、目の奥までじんわりとあたたまってくるような光の色。「海」先ほど積丹半島の岬で見てきた海の色がそこに息づいていた。輝く波頭。宝石のように貴重な海の色の輝き。日差しの色。黄、オレンジ、碧、水色。「菜の花畑」みずみずしい花の黄、くきや葉の緑。輝く色彩、特に黄色を見ていると、はじらいがちな心やときめき、ささいなものへの愛着、などを感じる。まぶしい気持ちで花を見つめる金次郎の目を感じられる。驚くほど繊細な人なのだろうと思った。「波」命のうねりを感じる。もだえ、つややかに流動する波。白、青緑、大赦色。心の流れ、命の流れ。走る走る、ひきつれ、もんどり打つ波。その波間の群青の影は、竜のひげのようであったり、飛び魚の羽のようであったり、水牛の姿のようにも、魚群のようにも見える。すべてを抱き込み、画面の左へ左へ押し寄せる波のエネルギー。「秋のテレビ塔」札幌の大通り公園の情景だが、まるでパリみたいだ。荒いタッチですばやく描かれているが、生き生きとした喜びにあふれた画面。ハイカラな空気が流れている。みずみずしい青とすみれ色の空。音楽が流れているよう。ごてごてした花、木々、草。わき返るように踊り、息づいている。1Fのカフェでお茶をしながら、参考資料や本をながめる。しんとして、暮れかかる岩内の空が窓から見えている。昔から好きだった小説の主人公のモデルが実在の人物と知り、ようやくここまで来た。東京から千歳空港に降り立ち、車で札幌、小樽、積丹半島を回って、こんなしんとした静かな小さな港町まで。その一端に触れ、作品に感銘を受け、さらにその人の言葉を読む。満ち足りた気持ちになり、心はさらに遠くへ運ばれる。この夏には美術番組の「美の巨人たち」で、木田金次郎とこの美術館のことが紹介され、普段は静かなこの施設に、問い合わせの電話が殺到したという。そして夏の訪問客は増えたということだが、それは2割増とパンフに書かれていた。たった2割増と知って、なんとも言えず、遠くまで来たなあと実感した。テレビ番組で放映されて問い合わせが殺到したなら、ある程度の街だったらもっともっと人は押し寄せるだろうに・・そんな北のはずれで、木田金次郎は生涯を貫いたということも感慨深い。生活と、芸術と。有島の自殺後、悩みぬいた末に、漁業を捨て、画業に専念した。有島の助言どおりに、都会へ出ることなく岩内の自然に向かい続けた。60歳過ぎてからほとんどの作品を大火事で焼失してしまい、「これまでの画業は手習いだった、これからが本当の仕事だ」と一から出発するその精神力。死ぬ直前まで自分の絵を探求しつづけた。風景の具象的表現から、抽象表現へと昇華していくことを目指していた点も共感できる。今の私にも声のない励ましと叱咤とを投げかけてくる。私はそれに打たれるために北海道まで来たのかもしれない。彼の存在、彼の作品に、私は自分自身を問われる。北海道旅行のおまけショット・・北海道の紅葉は本当にきれいでした。3泊4日の北海道旅行は、長く短く、本当に不思議な充実した時間でした。

  2007.11.01

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  増永広春 走墨作品展「いのちの樹林」＠ぎゃらりい おくむら

  増永広春先生の走墨作品展「いのちの樹林」を見に、渋谷の"ぎゃらりい おくむら"へ行って来ました。あいにくの雨・・"ぎゃらりい おくむら"は明治通り沿いにひっそりありました。モノトーンを基調にした、意外に硬質なシャープなイメージの小さなギャラリー。中に入ると、小さいながらも2階吹き抜けになっていて、高さも生かした展示方法になっており、思わずぐるりと見上げてしまいます。「濡れたでしょう」とオーナー夫人が微笑しつつ、タオルを貸して下さいました。こんな心遣いは嬉しくなりますね！ぱたぱたと濡れた服や髪を拭き、名簿に名前を書き、先生もいらっしゃったので、ごあいさつしました。今回は、「いのちの樹林」というタイトルで、まず山や木々をテーマにした大きめの作品群が1階に並んでいました。それらは墨の濃淡だけで描かれたものが多く、お軸に仕立てられていてその表装の色あいや風合いと相まって、大らかでどっしりとした、それでいて穏やかな風が吹き渡るような何とも言えない心地いい"気"が満ちていました。大きな家に住めたら、こんなゆったりしたモダンな掛け軸をかけて眺めてみたいものです。山や木のコラージュ作品は、前回の作品展のとき初めて見かけ、面白い！こんな作品も創るんだ・・・と、走墨という世界のイメージをいい意味で打ち崩されました。1階の奥のほうと、階段に沿ってさまざまな小品が並び、2階には染付けの焼き物や、より絵画的な作品が展示されていました。サッカーや相撲、自転車競技など、スポーツを描いた躍動感あふれる作品、さまざまな花を主題に、文字が花の姿となり色彩をまとった作品、「和」「気楽」「炎」など、文字がそのまま情感をかもし出し、しかも台紙や額縁の色との心憎い絶妙なハーモニーを楽しめる作品などなど。また、天井近くに貼られた大きな作品は、与謝野晶子の詩が朱文字で書き付けられたもので、その、まるで淡い心の血で書かれたような作品を2階の手すりから身を乗り出してじっくり堪能しました。私は1階の奥にさりげなく置かれた、牧水の短歌を書いた作品にとても魅かれ、飽かず見入ってしまいました。「白鳥は哀しからずや空の青海のあおにも染まずただよふ」この歌は中学の教科書に載っていてとても好きな歌でした。その歌が流麗に斜めに配置されているのもすてきだったし、文字のラインの美しさはただただため息。そして"鳥"の文字は鳥の姿に変容しつつあり、その歌の中からさえも、今にも飛び立とうとしています。可能であれば、入手して部屋に飾って毎日目にし、自分でも書いてみたい作品でしたが、先生に伺ってみるとすでに売約済みになっていて残念！じっくりじっくり見ていたら、オーナー夫人から声をかけられました。「先生についてお稽古されてるの？」「あ・・はい。月1回のお稽古ですけど」「毎日書かれているの？」そう尋ねられて、とても恥ずかしくなりました。毎日毎日。本当に芸術の世界に入っている方は、まみれるように毎日、書いたり描いたり創ったりしているのだろう。そんな姿をたくさん見てきているに違いない。日々の思いの積み重ねは、その人ににじみ出てくるものだろうな・・さすがに毎日は難しいけれど、せめて私も、ばたばたとお稽古前に宿題をやっつけるのではなく、日常的にもう少し筆を持ち、ラインや空間を創ることを追求する意識を持っていたいなあと思いました。オーナー夫人によれば、このギャラリーでは音楽のライブもときどき開催され、先日は日野皓正さんのミニ・ライブも開かれたそうです。確かにそういうのも似合いそうな空間！ギャラリーでのジャズ・ライブなんて、とってもおしゃれ！見てみたいです。案内を出しますよ、と言われとても楽しみになりました。小さな空間で、作品たちに囲まれて過ごした短い時間でしたが、やわらかで清々しい気に満ちた、目に見えない樹林のようでした。●●増永広春 走墨 作品展のお知らせ●●「いのちの樹林」2007年7月11日(水)～18日（水）11：00～18：00（最終日は17：00まで）会場：渋谷　ぎゃらりい　おくむら〒150-0011　渋谷区東1-27-10

  2007.07.15

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  増永広春 走墨作品展のお知らせ

  ●●増永広春 走墨 作品展のお知らせ●●「いのちの樹林」2007年7月11日(水)～18日（水）11：00～18：00（最終日は17：00まで）会場：渋谷　ぎゃらりい　おくむら〒150-0011　渋谷区東1-27-10広春先生の1年4ヶ月ぶりの作品展です。会場は日本画家奥村土牛氏の息子さんがやっているギャラリーだそうです。興味のある方は、ぜひ足をお運びください！私は15日(日)に見に行く予定です。

  2007.07.10

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  永井雅人さんの個展＠なびす画廊

  昨日は永井雅人さんの個展を見に、銀座のなびす画廊へ行った。案内はがき"Blue in Blue"（カラーエッチング）昨年行った「未来への贈り物」展のときは、残念ながら銅版画の展示はなかったので、今回、それを見られるのが楽しみだった。モノトーンの銅版画は、WEBの写真で見るよりずっと生き生きして静かで柔らかく、寡黙でありながら雄弁だった。想像よりも大きな作品たちであるにも関わらず、なんて緻密な濃さなのだろう！植物的、水面のよう、淡い木漏れ日の影、骨のような白いもの、風、うねり、蔓、波。吹き荒れているかのように入り乱れる黒なのに、暴力的ではなくすべて内面へと向かっている。そんな静けさがある。もんどりうってうねり、絡み合っている黒が白が、静止した空間に、永遠にそのパワーを封じ込められているような。遠い記憶の断片のような淡いグレーの影が、懐かしい場所へと想いを運ぶ。長方形を組み合わせたカラーの作品も、より鮮やかで、写真で見るのとはずいぶん印象が違った。永井さんは冷たいお茶を差し出し、作品についていくつか質問に答えてくださった。大きな銅版画を描くにはすごく体力や忍耐力が必要そうに思うので、寡黙ながらパワフルでがっしりして、自信を身体の表面に帯電させている方、というイメージを勝手に抱いていたけれど、お会いしてみると、永井さんは、控えめで訥々として繊細な印象の方だった。そしてときどき、（初対面だからかもしれないけれど）違う小さな星からやってきたかのような、何かこの惑星の言語やしきたりに、自分を翻訳しきれないものをひたひたと内面に隠し持っている、そんな印象を持った。（失礼な表現だったらごめんなさい・・）これまであまり銅版画はどちらかというと苦手だったけれど、今回、印象が変わった。これらの作品が、技法というよりも、どのような精神と感覚から生まれるのか、興味深い。また機会があったら、ぜひ個展を見に行きたいと思った。「永井雅人展」は銀座のなびす画廊にて、2007年5月21日(月)～26日(土)まで。

  2007.05.24

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  オルセー美術館展

  この日の上野駅前と公園内は、私が行った中で一番混雑していてびっくり。お花見シーズンですもんね～。上野の桜並木には花見客の川が流れているよう・・・思い切り曇っていて、寒空に見えますね。今日はこれを見に来ました。「オルセー美術館展」、余力があればダ・ヴィンチの「受胎告知」も。「オルセー美術館展～19世紀芸術家たちの楽園」は、ものすごい混雑だったけど、10分待ちで入れたのは意外だった。ホイッスラー「灰色と黒のアレンジメント第1番 画家の母の肖像」好きな画家のひとりであるホイッスラー、この作品を直に見られるなんて感激。白と黒とグレー、人物とものの配置など、すべて計算しつくされていて、落ち着いていて見ていて飽きない。シスレー「洪水と小舟」洪水後の情景だというのに、ほとんどほがらかと言っていいほどの明るさ、晴れやかさにあふれている。この世界への讃歌であるように感じられる。クリアな水色の空がまぶしく清清しい。家の表情もいい。壁のクリーム色とベージュのツートンカラー、楽しく優しい色あい。屋根と屋根裏部屋の小窓は、希望にみちて空を見上げているかのよう。まんまんと水を湛えた大地は、災害というよりむしろ、それ自体まるで地上の豊かさ、輝き、悦楽をあらわしているかのようだ。エドワード・スタイケンの一連の写真作品、「田園、月光」「月光、池」「谷への道、月光」はよかった。風景のモノクロ写真に、わずかに彩色してあったりする。詩情にあふれ、絵画のような写真だ。どの写真にも月はそのまま姿を写しだされてはおらず、木などの背後に隠れ、その光が地上のものを照らし、そしてまた影が大地を包んでいる。ひそやかなるもの、隠されているもの、あらわにされず、それでいてそれゆえにか貴いもの、その気配。ゴッホ「アルルのゴッホの寝室」は、やはりすごい人気。パリのオルセー美術館で見たときは実はあまりよく感じられなかった。今回は隣の「アルルのダンスホール」と共に見られてよかった。対照的な作品同士に見えた。ゴッホ「アルルのゴッホの寝室」「アルルのゴッホの寝室」は、塗りの浅い黄と、水色に近い青が主体となり、健康的な印象を受ける。しかし、狭い寝室だからしかたないけれど、置かれたものはほとんど全てがかくかくしており、直線だらけの部屋だ。壁にはゴッホの自画像を含む、いくつもの絵がかけられており、よけい狭く、壁がベッドにせまってくるように感じられる。閉塞感を感じられる。それに対し、色は美しい。黄系と青系のグラデーションになっている。枕やシーツ、壁の絵などの淡い黄、椅子の黄、ベッドのマスタードイエロー、テーブルのオレンジ、毛布の温かみのあるレンガ色、床のベージュ。そして壁の水色、ドアのライトブルー、グラスや上着の青。全体に明るく浅い色の積み重ね。そしてその中で際立っているのが中央に見える細長い窓枠の濃い緑と、ガラスにうつった戸外の光の濃い黄。この緑と黄が非常にヴィヴィッドで、効いている。そこへ視線が向かう。窓は片方、少し開きかけている。解放への希求、だろうか。閉塞感のある部屋から、直線的な部屋から外へ外へ。ゴッホ「アルルのダンスホール」「アルルのダンスホール」は、夜、にぎやかな社交場ということもあり、孤独な簡素な「アルルのゴッホの寝室」とはまず対照的だ。同じ黄と青でも、こちらはこってり濃厚な黄、ゴッホの絵にときどきあらわれる病的な黄と、そして闇のブルー、瑠璃色が基調となっていて、不健康な匂いがする。こちらはほとんど直線がなく、ほとんど全てがまるくむゆむゆした曲線。抽象画のよう。それでいて人間くささ、暴き出される内面といったようなものが蠢いている。じっと見ているとライトや、髪や女のドレスなどの黄色の形が浮かび上がり、病的な黄がこちらにせまってくるようである。「ゴッホの寝室」が部屋の中へ向かって壁や絵がせまっていた窮屈さ、画面奥の窓の外へ意識が向かうのと対照的で、「アルルのダンスホール」は、人々の群れの蠢き、どよめきがからみあいながら拡散し、膨張し、その中から黄が浮かび上がってきて画面を見るこちら側にせまってくるのだ。彼の黄は、何かを露呈してしまう黄、のように感じられて、ちょっとこわいがなぜか目が離せない。エドゥアール・マネ「すみれのブーケをつけたベルト・モリゾ」今回の展覧会で、一番人気で人だかりの絶えない作品がこれだった。はろるどさんのブログで非常に素晴らしい感想を書かれていて、私も行く前から興味深く感じていた。マットで重みのない、マネの黒。黒の存在感もさることながら、カーテンか壁か、背景の白がまるで生きた焔(ほむら)のように見える。白い炎の前のモリゾ、彼女を包む黒衣と帽子は、まるで下から上へ向かって彼女に巻きつき、トップの羽飾りだろうか、そこへ向かって回旋しながら駆け上っている。上昇している。帽子のトップで、ようやく黒が、黒の実体から脱け出し解放されている、そんなふうに感じさせる筆さばきだ。白と黒を引き立てるかのように、モリゾはあえてマットな淡い色の唇で、目なども肖像画では考えられないくらいざっざっと荒く描かれているように感じられる。ギュスターヴ・モロー「ガラテア」ガラテアの白くやわらかそうな肌の輝きに目を見張るが、彼女を囲んでいる幻想的な花々も素晴らしく美しく魅力的で、宝石のようにきらめいている。ペリドットのような淡い緑の花が、白い肌に映える。これ見よがしに手でかき上げ、落としている長い髪の金色の輝き。背景の青緑が、そこここで使われている暗赤褐色と対比的で、モロー独特の妖しく美しい雰囲気をかもし出しているが、微妙に不吉な補色の組み合わせで、見る者を落ち着かせない。彼女を垣間見る三つ目の巨人は、下2つの目は沈思しているように心もち伏せられているが、3つ目の上の目は、驚きと欲と、どこかしら畏れの念に打たれたように見開かれているのが印象的だ。ブレイトネル「月光」、雲の向こうに強烈な月光、その光により縁が白く輝き、劇的な様相を帯びる夜の雲、そして空。こういう雲と月光の気配は大好き。"向こう側にある世界"への想像を掻き立てられる。レオン・スピリアールト「月光と灯火」、スピリアールトはベルギー展で初めて見て好きになった。やはりいい。ちょっとムンク的なうねり、と思ったらキャプションではやはりムンクの影響を受けてるらしい。月光のグラデーションが夜空いっぱいに広がり、トンネルのような洞窟と、その出口の光のようにも見えてしまう。淡いオレンジの灯火は、懐中電灯の明かりのように。「おしいれのぼうけん」をふと思い出す。子供心にこわくて読めなかった絵本。カリエール「夜のクリシー広場」、ぼんやりした夢幻の世界。もやの中にたたずんでいる気分になる。石畳の道、道端に出されたカフェの白い椅子、街灯、人影。かつかつと響く靴音やステッキの音、霧にしめった夜の空気。ストリンドベリ「波VII」、絵も描く人だったのかと初めて知る。抽象的で、いい。グレーで描かれた空と波のぶつかるところ、抹茶色の空(？)がちらりとのぞいている。絵の具の厚塗りのせいか、非常に物質的な重みを感じる作品。固い手ごたえ。抽象的な雰囲気でありながら、ものがあり、リアルな手ごたえ、現実感を感じさせる。ストックホルム出身だということで、寒冷な地の風土感なのかもしれない。フランソワ・ガラ「未来の宗教のためのさまざまな神殿」の連作。美しく幻想的、SFやファンタジーに出てきそうな光景だ。昔見た映画「ネバーエンディング・ストーリー」の冒頭部分を思い起こしてしまった。この建築物はすべてが氷やガラスでできているのかもしれない。あるいは人類がまだ知らない、未知の素材でできているのかもしれない。それを包み込む黎明の、ブルーやピンクの澄み切った空気感が、優しく印象的。同じくフランソワ・ガラの「芸術家の室内」、こちらは現実的な部屋の断面図を、理知的な線分で表現している。装飾の施された楽譜のような、華麗で軽やかな楽しさにあふれていておしゃれな感じを受ける。「オルセー美術館展～19世紀 芸術家たちの楽園」は上野の東京都美術館にて1月27日(土)～4月8日(日)まで。もうあとちょっとです。

  2007.03.31

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  ひろびろ～♪群馬県立館林美術館

  前から行ってみたいと思っていた群馬県立館林美術館へ、母と一緒に行ってみました。今は前橋にある群馬県立近代美術館が改装中とかで、そちらの作品群がごっそり来ていて、200円の常設展扱いで見られるのです。群馬県立館林美術館は、白鳥の飛来する沼地の隣に、ひろびろと広大な敷地を使って、建てられています。フランソワ・ポンポンという彫刻家の作品、ウサギです。空を駆けるようです。水に浮いているような清新なデザインに圧倒されます。水に渡された細い橋は、レストランとミュージアムショップへ続いています。いくつかの展示室は、Rを描くガラス張りの通路でつながっています。しんとした白い空間をゆっくり歩いていきます。フランソワ・ポンポンのアトリエを再現した建物内。隣はワークショップ室になっています。アトリエの窓。アトリエの外観。ヨーロッパの田舎みたい・・常設の彫刻展示室の外観。全体的にすっきりしたRを多用した建築デザインですね。全貌が写真に納まりきりません・・作品は、ロダンやマイヨール、ポンポンなどの彫刻作品、モネやルノワールから始まって、シャガール、ムンク、ゴヤ、マティスなどなど印象派以降近代の西洋絵画と、岸田劉生や佐伯祐三など日本の洋画が幅広く紹介されていた。彫刻作品では、ロダン「彫刻家とミューズ」が、昨年見たロダンとカリエール展と同じモチーフだったので興味深く見た。少しポーズが異なり、よりミューズの肢体が彫刻家にからみついており、濃密に、抜け出せない運命のように見える。西洋絵画では、ムンクの「別離」という作品がよかった。なぜムンクに魅かれるのだろう。美しい絵ではないし、不吉だし、怖いし、部屋には飾りたくない絵なのに、なぜか美術館で見かけると、吸引力を感じて近寄ってじーっと見てしまう。左にうつむいた男の顔、右に女の横顔、女の何気ないほつれ毛が美しい。背景にはうねる海岸線、雲の流れ。男の頭上に見える木の小枝は、海へと何かを指し示しているように感じられる。画面右の女の横顔と海岸は白、左側の陸と男の顔は黒が基調になっており、対照的。ムンクの作品にはよく出てくるが、またしても女の髪が男にまとわりついている。しかしそれは、男の胸から流れ出てくる炎の流れのようにも見える。女は離れていき、男は苦悩する。ムンクの絵に多用される"うねり"は、常に描かれている苦悩と不安と狂気が、見ているこちら側まで飲み込んできそうな、生理的な予感を与える。日本の近代美術のコーナーでは、これまであまり知らなかった、福沢一郎、山口薫、鶴岡政男ら、群馬県にゆかりのある画家も知ることができ、よかった。福沢一郎「レダ」はなんだかすごかった。これまで見たことのあるレダとはまったく異なった世界で、なんだこれは！！と目を見張った。黒だけでばばばっ！と描かれており、墨かと思ったけれど、油彩だった。乙女のレダは、表情があまり描かれていず、何か挑発的に見えるし、白鳥に化身したゼウスは、何か耐えているような目の表情で低姿勢に描かれている。あちこち汚れのように飛んでいる黒は、血痕のようでもある。牧歌的な神話の世界ではなく、血を生々しさをえぐり出したかったのかもしれない。ひと通り見終わったあと、レストランで庭を眺めながらお茶をし、ミュージアムショップでさまざまな楽しいグッズを見て楽しみました。ひと味違った、面白いグッズ、おしゃれなグッズが揃っていて意外でした。美術館の隣には"彫刻の森"という松林がありますが、ずいぶん歩いて疲れてしまって、この日は見ませんでした。具象から抽象作品までいろいろあるそうですが、そんなのを見ながらぶらぶら林の小道を歩くのも気持ちよさそう・・・

  2007.03.04

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  「新春の寿ぎ(ことほぎ)」展＠三井記念美術館

  東京駅に用事があったので、帰りにてくてく日本橋まで歩いて三井記念美術館へ「新春の寿ぎ(ことほぎ)」展を見に行った。初めて行く美術館は、いつもわくわくする。一村雨さんおすすめの、円山応挙の国宝「雪松図」。塗り残した雪の白と対照的に、幹の墨の黒の力強さ。私にとっては、ちょっとコントラストが強すぎて、少々威圧的にも感じられる。しかしふんわりした雪、特に小枝につもった雪が軽くやわらかそうで塗り残しによってあれだけ質感を表現してしまう描写力には圧倒されてしまう。左に割合細めの枝や幹をしならせた若木、右にどっしり直線的で鋭角的な老木を配している。その様子は、若木は蜘蛛の姿にも似て、下から這い登ろうとしているよう。虎視眈々と老木に迫り来るようなしなやかなパワーを感じさせる。対して老木は腕を突っ張ってNO！と拒絶している人の姿に見えてくる。追う側、逃げる側のように見えて、その造形の対比が面白い。狩野常信「寿老人・松竹図」、3幅で1つの作品だが、右の松図が特に素晴らしかった。幹を描く筆が踊っている。かさかさごつごつとした表皮の様子に目を見張る。自在な筆さばきが非常に魅力的。江戸初期の作品、土佐光起「女房三十六歌仙帖」は、平安時代の女房の姿絵とその人物の歌が一首書き散らされている。女房ひとりひとりの十二単の色あいの美しさ、配色の妙、繊細さが楽しいが、それにも増して、御簾に隠れ、髪と衣装のすそしか見えない女房がその奥ゆかしさゆえか、より美しく感じられてしまうというのは不思議なことだ。焼き物では、本阿弥光悦「黒楽茶碗 銘雨雲」、光悦はほんとにマルチ人間だとため息。野々村仁清「色絵鱗文茶碗」、赤と金の三角模様の意匠が、モダンでかわいい。仁清って初めて見たけれど、こんなモダンなものをつくる人なんだな・・国宝「志野茶碗 銘卯花墻(うのはながき)」国宝である焼き物は2つしかなく、その1つを初めて目にすることができた。写真で見るより、予想以上に大きく、またゆがみも大きかった。こんなにゆがんでいるとは・・・写真にだまされちゃいけません。いつものことながら、美術館で見る茶碗にはもどかしさを禁じえない。いいものであればあるほど触りたくなるのに、それは当然叶わない。表面のざらざらやごつごつに触れ、またその重みを味わいたい。しかたがないので、ガラスケースのまわりをぐるぐる回って、視覚だけで白い釉の下に秘められた、じっとりした朱を味わった。楽吉左衛門「焼貫き茶碗 銘●雨(あめにささぐ)」は、現代の作品。（●は"敬"の下に"手"をつけた漢字）モダン＆シックで、落ち着いた中にも黒や緑の釉が弾み、交わり、心地よいリズムを感じる。銘が「あめにささぐ」だからか、暗い雨空と、濡れた葉、静かな雨のリズム、水や湿った空気の流れ、など思い起こさせ強引に私の誕生月の6月にぴったりだと、密かに楽しく思ったりする。最後出口近くに、室町時代の絵巻物「放屁合戦」というのがある。男たちの表情がとてつもなく楽しそうで、微笑ましい。かわいく、おおらかで、案外現代的だと感じた。たそがれとともに、ライトアップされる三井記念美術館、その側面は、ルーブル美術館の円柱を彷彿とさせる・・・日本じゃないみたい！国宝2点を見られる「新春の寿ぎ」展は、三井記念美術館にて1月4日(木)～1月31日(水)まで。

  2007.01.21

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  「博物館に初もうで」＠東京国立博物館

  太田記念美術館「ギメ東洋美術館浮世絵名品展」のあと、上野の東京国立博物館「博物館に初もうで」へ。午後の日差しを浴びる東京国立博物館本館。謹賀新年の垂れ幕や、お正月の生け花の飾りなどがしつらえてあり、ちょっと晴れがましい雰囲気。お正月にちなんでおめでたい企画が開催されていたけれど、それらはさらっと流して、目指すは国宝展示室。昨年見てとりこになった長谷川等伯の「松林図屏風」に今年も会いにきた。（昨年の記事はこちら）昨年は会期ぎりぎりで行ったので、かなり混みあい、全体像を見ることができたのは、閉館5分前になってからだった。今回はそこまでの混みようではなく、いきなり白い全体像がわっと押し寄せてくる。長谷川等伯「松林図屏風(しょうりんずびょうぶ)」 の右隻全図やはり何か不思議な感覚がやってくる。実体とは何か？こんな問いの言葉がわいてくる。実体である4本の濃い色の松が、亡霊のような影のような魂のような同形の松たちに画面奥へと、彼岸へと誘われとらわれゆくかのように見える。二重性、多重性。存在のあやうさ。色即是空。すっかり空(くう)にとらわれ、すでに消えかかっている松の幹・・・キャプションにある「連筆(れんぴつ)」という技法のことを読み、かすかに心臓がひきつれ、恐怖に似たような切迫感を何故か感じた。私も昨年の走墨作品展で、筆の2本使いに格闘したことを思い出し、本当に等伯という人が、束ねた筆で絵に向かう姿を、その緊迫感を生々しく想像したからかもしれない。こんな魔物のような作品を、しかし生身のひとりの人間が描いたという事実。今年はそんなことを受け取った。来年は「松林図屏風」と私と、またお互いどんな1年を経巡ってどんな邂逅をすることだろう。中国、日本の書もずいぶん展示されていたが、本阿弥光悦の「和歌巻」に魅き付けられた。みずみずしく流麗、それでいて大胆な力強さとシャープさも持ち合わせて。点をひとつ打つにも、その入り方はため息が出るほど美しい。文字から文字へのつなぎも美しく、穏やかで軽やかな呼吸が感じられる。闊達さ・自在さがなんとも言えず心地いい。あんな書を書くには、心の自在さが要るんだろうなあ・・小林一茶の「自画賛」という掛け軸もよかった。「子ともらを 心ておかむ 夜寒かな」という句と、老人の背。孤独なのだろうけど、どこか自由な、力の抜けた老人の背中を感じる。"お"や"か"などの字はすごくちっちゃい字だし、老人は簡潔な線で描かれ、書も絵も空白だらけの掛け軸なのだ。しかしその空白に、想いのすきま風が行き来しているかのような、滋味深い作品だ。今回は、初めて東洋館へも足を踏み入れた。入り口からすぐの、西方・ガンダーラ美術のセクションに入ったとたん、何故か泣きたくなった。胸がふるえた。遠く西方で息づいていた仏教。東方と違って、白い土地。土の色が違う、仏像の色が違う。ヨーロッパの、ギリシャの影響の混じる仏像。あまり見たことない、胸に両手を握っておし抱く姿の仏像。様式は異なっても、ここにも仏教の空気があり、祈りが捧げ続けられている。はるか古だとしても。はるか砂漠の地だとしても。あまりに整ったすっきりとした美しい仏頭があった。アフガニスタン出土だっただろうか。ギリシャ彫刻の洗練と均等美、東洋的な深い瞑想と静けさ。以前、ゲリラなどにより、バーミヤン遺跡が破壊され失われていく様子を写したニュース映像を思い出す。今では西方やインドでは仏教が廃れてしまっているけれど、かつては仏教によりつながっていた。遠く西方から日本まで。アジア。これまであまり共感も実感もなかったけれど、アジア一帯を、その中の日本を、仏教美術を通じて改めて強く感じた。「博物館に初もうで」や、国宝「松林図屏風」展示は上野の東京国立博物館にて、1月28日まで。

  2007.01.08

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  浮世絵に酔う！「ギメ東洋美術館浮世絵名品展」＠太田記念美術館

  「ギメ東洋美術館浮世絵名品展」を見に、原宿の太田記念美術館へ初めて行った。"世界初公開！新発見 北斎の「龍虎」100年ぶりに出会う"とちらしにあるが、パリのギメ東洋美術館所蔵の「龍図」と太田記念美術館所蔵の「虎図」、最近の調査の過程で、この2作品が双幅であることが発見されたとのこと。この2つが同じ表装であることに気づき、発見に至らしめた日本人スタッフはさぞ背筋がびびっとくるほど衝撃を受けたことだろう。確かにすごい発見だ。小規模な館内でも、この「龍虎図」を含め4点はお座敷に展示されていて、靴をぬいで正座してゆっくりと対座することができる。葛飾北斎「龍図」、龍はなぜか哀しいような青い目をしていて、人間くさい表情をしている。虎は龍を見上げているけれど、龍は虚空を見つめているようだ。群青をはらんだ墨の黒雲が、離れて見るとはっとするほど青光りして印象的。葛飾北斎「虎図（雨中の虎）」、こちらは龍図と対照的に虎の毛の明るい茶のグラデーション、足元のつたのようなの葉の赤と緑など色彩が明るく鮮やか。虎も龍同様、なぜか青い目をしていて、不思議な印象を覚える。爪は鋭くむきだしになっており、龍に向かって吠えているにも関わらず、まぶたの縞模様がまるで長いくるんとしたまつげのようで、目の表情が、ワニの目か少女マンガのようにキュートに見えてしまう。・・・こんなふうに見えるのは私だけだろうか？(-.-;)歌川広重の「隅田川月景」、この作品が素晴らしく良くて、何度も戻って見た。近景に小さな屋形船、中景は川に打たれた細い杭がリズミカルに並び、画面両脇へ行くほど淡く消えてゆく。中遠景の杜の木々のシルエット。それらも杭と同様、画面両脇へ行くほど淡くなっていて、中央のくっきりしたシルエットは、朦朧と淡く消えゆく意識を現実に引き戻しているような感じがする。空には淡い淡い月の輪郭。水墨で描かれた幽玄の世界。かすかな水音さえ聞こえてきそう。何回か見て落款が中央下に押してあることに気づいた。こんな位置に押した落款は初めて見た気がする。珍しいのではないだろうか。通常日本画と言えば、非対称で余白を生かした構図が多いけれど、この作品は、珍しく縦中央に月、木の濃いシルエット、杭、屋形船、と焦点が当たっていて、それゆえより吸引力が強く感じられるのかもしれない。広重の風景画の版画は前から好きだったけれど、こんな素晴らしい肉筆画に出会えて、嬉しい。呆然とお座敷に座り込んで淡い世界に浸った。東洲斎写楽の役者の大首絵をいくつか見ることができて、よかった。印刷物では馴染み深くても、まだ実物を見たことがなかった。大胆な着物の輪郭線と裏腹に、鬢や鼻、指先の思いがけず繊細なラインに舌を巻く思いで見入る。版画とは思えぬほどの繊細さ。背景の黒雲母は肌の白さを浮き立たせ、鼻や鬢などの極細のラインは、太いラインによって縁取りされた目や、眉や口元の諧謔味あふれた表情をシンプルに際立たせている。写楽の版画を見ていて、1枚1枚そのものが舞台であるかのように感じた。暗幕に、白い舞台、小道具によって際立つ主役は目や眉、口の表情、といった具合に。見ていて飽きない、面白い作品群だ。喜多川歌麿「風俗浮世八景 閨中ノ夜雨」、歌麿は特に好きではないけれどたまにいいな、と思う美人画に会えるときがある。この遊女は艶っぽくていい。うなじ、帯を解こうとする手のしぐさ、うつむきかげんの姿勢。帯は結んでいるところかもしれないが、それなら多分手のひらが内向きになると思うからやっぱり解くところだろうなあ。葛飾北斎「千絵の海 総州銚子」も、よかった。爽快感あふれる、藍から水色へのグラデーションと、波しぶきの白。生き物のようにどよめく波と波しぶきの造形は、やはり北斎ならでは。この日はNHKの取材が来ていて、作品や来場者に対してカメラが回っていた。何の番組とかの説明はなかったけど、もしも日曜美術館などで、来場者の中に自分の姿がちらっと映りでもしたら、こっそりほくそ笑むことにしよう。他にもたくさんの興味深い浮世絵が出品されていて、展示替えもあるので、後期も見に行きたいなあ。「ギメ東洋美術館浮世絵名品展」は原宿の太田記念美術館にて2007年1月3日から2月25日まで。このあとせっかくなのでラフォーレや竹下通りをぶらぶらして次に長谷川等伯「松林図屏風」を見に上野の東京国立博物館へ向かった。

  2007.01.08

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• 今年見た美術展ベスト5！

  2006年、今年見た美術展のベスト5を挙げてみます。自分にとって衝撃の残るもの、もう1回見に行きたいと思わせたもの、収穫の多かったもの、を基準にしたので、優れた美術展であっても、混雑ぶりや自分の体調の加減によって残念ながら十分魅力を感じ取れなかった美術展もあったし、また今年は日本人の作品を見ることをテーマにしたので、かなり偏りがありますが・・・☆第１位☆若冲を堪能！三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」第1期第2期第3期第4期第5期今年は文句なしに若冲年でした。本当に素晴らしかったです。プライス・コレクションの墨絵も打ちのめされるほどよかったです。9月に三の丸尚蔵館の第5期が終わってから、気が抜けたのか、急速に美術展に行く回数が減ってしまいました。燃え尽き症候群？もちろん多忙だったというのもありますが・・☆第２位☆☆ブリヂストン美術館「雪舟からポロックまで」衝撃的でした。見終わってから、まるで頭の上に水のたっぷり入った壺を乗せているかのように、頭を傾けないように東京駅まで歩きました。今見てきた記憶を少しでもこぼしたくないから（笑）という感覚的な理由のために・・・雪舟や応挙、その他印象派から現代抽象画まで東西の幅広い作品群をセンスよくまとめていたように思います。☆第３位☆新橋美術倶楽部「大いなる遺産 美の伝統展」日本画編洋画・工芸編 今年見ようと思っていた横山操との初対面ができました！日本人作家の優れた逸品ばかりで、ぜいたくすぎる美術展でした。日本人でいてよかった・・・☆第４位☆「NHK日曜美術館30年展」濃い美術展でした。また横山操を、しかも絶筆を見ることができました。ルオーもよかった、岡本太郎もよかった、濱田庄司もよかった・・・・・・・ベスト５と言ったのに、４で終わりかよっ！と自分でツッコミ(^^ゞ第５位が迷って迷って。（またsakuraさんに「生真面目すぎる！」と言われてしまう・・）楽しみにしていた「江戸の誘惑展」を見に行っていたら、きっとそれがベスト５のどれかに入っていただろうと予測します。見にいけなくて残念！！第５位に迷いに迷った次点を下記に挙げます。東京都美術館「ニューヨーク・バーク・コレクション」あまりの混雑ぶりに辟易としましたが、鳥文斎栄之、酒井鶯蒲、酒井抱一など、つややかさ、のびやかさ、きらびやかさの饗宴を味わえました。闇の深さ、光の果てしなさ「高島野十郎展」月やろうそくの絵に引き込まれました。しんとした闇と光の世界を体験することができました。奔放な色彩の輝き！～「パリを愛した画家たち」大丸ミュージアム・東京小規模な美術展ながら、粒ぞろいで、環境的にも満足のいく美術展でした。浮田克躬という、新たに好きになった画家と出会えました。虚実の境に紛れ込む～国宝：長谷川等伯「松林図屏風」魔物のような作品でした。今年も見に行こうと思います。私もとり憑かれてしまったようです・・風神雷神図屏風展や藤田やプラド、プライス・コレクションなど大物がすっぽり抜けている～～。なぜだ？（笑）あまりの混雑のせいか・・・ロダンとカリエール展、浅井忠展もなかなかよかったです。また、今年は写真展もいくつか行きましたが、印象深かったものを２つ。「杉本博司～時間の終わり」展突き抜けた世界へ～植田正治の写真展今年見たいろいろな美術展のことを振り返ると、ほんと楽しいです。いい作品、作家との出逢いがあり、収穫の大きい1年でした。それから、今年はなんと言っても、「見る」だけじゃなく、私も作品展に出品して、多くのことを学んだり感じたりしました！走墨作品展それから余談ですが、実はこの夏、アートディレクターの無料講習コースがあると知り、応募しました。が、あえなく落選（泣）有料講習コースもあったり、終了後美術展のボランティアスタッフの機会もあったり。美術について、体系的に実践的に学んだり、活動したりするなんてちょうど興味の高まっていたときだったので、楽しみにしてましたが、残念でした。しかしその後、私の中でもさまざまに動くことがあり、別な形で、美術に関わっていくことを考えています。来年は少しでもそれが具体化するといいなあ。来年もどんな素晴らしい作品や作家、機会に巡りあえるかとわくわくしています。美術の好きな方は、また情報交換よろしくお願いしますね★では今年1年、ありがとうございました。私はこれから田舎の実家へ向かいます。よいお年をお迎えくださいね！

  2006.12.31

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  ダリ回顧展＠上野の森美術館 with コヨーテさん♪

  コヨーテさんから再三お誘いのあった「ダリ回顧展」へやっと行ってきました！この2ヶ月ばかり、スケジュールもつまりきり、疲れきって体調悪く、週末のお誘いを何度もお断りしてしまってましたが、やっとやっと(T_T)私にも絵を見に行く気力と時間が！ダリは実はちょっと苦手・・というか食わず嫌いというか、図説などで見る限り、うまいしダブル・イメージなど面白いけどなんだか嫌味なエグい印象を持っていて、ひとりでは行かなかっただろうな・・そういう意味で、逆に食わず嫌いなものを見に行く機会をくれたコヨーテさんに感謝♪上野駅で待ち合わせて、イチョウのきれいな公園内を歩いて上野の森美術館へ向かいました。あんまり久しぶりだったので、間違って遠回りしてしまった・・(>_

  2006.12.17

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  国宝 風神雷神図屏風＠出光美術館

  出光美術館へ、終了ぎりぎりで、「国宝 風神雷神図屏風―宗達・光琳・抱一 琳派芸術の継承と創造―」を見に行った。俵屋宗達、尾形光琳、酒井抱一、それぞれの風神雷神図が66年ぶりに一同に会するということで、さすがに人気があって午前中にかけつけたのに、長蛇の列＆かなりの混みよう(T_T)俵屋宗達尾形光琳酒井抱一私にとっては宗達のが一番よかったかな。決め手は衣の流れ、その曲線の美しさ、のびやかな強弱のつけかた。非常に魅力的でうっとりしてしまう。また、風神と雷神の視線が、光琳や抱一のは互いを見合っているけど、宗達のは、互いを見ていない。雷神は下界を見下ろし、風神は虚空を見ているように見える。そのことも私好み。時代を下るごとにマンガ的と言われているようだけど、彩色が鮮やかに残っているからかもしれないなあ。宗達のも元の色で見ることができたら、かなりマンガ的だと思う。"ハレ"の色の取り合わせに、そのパワーに、驚くだろうな。見てみたいものだ。メインの風神雷神図屏風の後は、紅白梅、秋草図、かきつばたなど、テーマに沿って数点ずつまとまりよく作品が展示されていた。酒井抱一「紅白梅図屏風」、銀地に、左に白梅、右に紅梅。清冽な白梅がすがすがしい。伝尾形光琳「紅白梅図屏風」、金地に紅白梅。梅の木の足元の、池とおぼしきところと背景との境目に、小さな四角い金箔が散りばめられ、非常にデザイン的で驚く。右の屏風の、真ん中に直線的に小さく差し出された梅の枝も、大胆な構図。余白の部分、ただただ金の空間が、"雄弁な無言"を感じさせる。秋草や、十二ヶ月花鳥図などの繊細な表現はやっぱり抱一が、心憎いまでに素晴らしかった。仙崖の味のある墨絵。やわらかくぞんざいで、かわいく楽しい。出光美術館は初めて行ったが、普段だったらほどよい規模で落ち着いて見れそう。しかし今回は非常な混みようで、どっぷり疲れてしまった。国宝の宗達の「風神雷神図屏風」前では2人の警備員さんが「前列の方は立ち止まらないでくださ～い！立ち止まるなら後列にお並びくださーい」と両脇から叫び続けている。確かにかなり混んでいるから、しょうがないのかなあ・・また、描かれている植物の名前をすべて声に出して数え上げないと気のすまないおばさま、連れの女性にうんちくをたれるおじさま、もうちょっと小さな声でお願いしますでも、美術品をこうしてわいわい言いながら見るのも実はいいことなのかもしれない。堅苦しく見る必要はないしなあ、と思い直したりして。それでもだんだん頭が痛くなってきたので、けっこう並んだ割には、早めに美術館を後に。帰りのエレベーターも並んで待たなければいけなかった。しかし待ってる間、エレベーターホールの壁のさりげない塗りが美しいことに気づいた。波のようなゆらぎの文様が、同色の壁材の塗りだけで描かれており、控えめなだけに、ここちよい。けっこう凝ってる会場なんだな・・・また何かの展覧会で来よう。

  2006.09.30

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  パラダイスの予感「モダン・パラダイス展」その2

  「モダン・パラダイス展」の感想その2。それぞれのセクションでの心ひかれた作品の感想。感想その1はこちら♪第1セクション「光あれ」・・近代の風景画、光へのこだわり児島虎次郎「ベゴニアの畠」、懐かしい独特の明るい色彩。白亜の家の壁、ベゴニアの色とりどりのあたたかな色にあふれた庭。木漏れ日の中、ベンチに憩う老人と子供。手前にあるサボ、地面に突っ立てられたシャベル。庭作業の合間の休憩時間なのだろうか。安息のひととき。見ているこちらも穏やかな光に心和んでくるような気がする。2年前に倉敷へ行ったとき、児島虎次郎記念館にも行った。画家としての活動だけでなく、海外の絵画の買い付けを任され、大原美術館に大きく貢献した彼は「創作活動をするのと同様に、作品を選別することも重要な芸術活動だ」といったような言葉（うろ覚え(^^;)）を残していて、当時の私にはとても大きく響き、「美に関わる仕事がしたい！」と共感したなあ。山中信夫「東京の太陽」「マンハッタンの太陽」と題された写真のシリーズ。黒い背景の真ん中に、丸く風景が切り取られている。瞳に映りこんだ風景のようにも見える。丸の周辺はみずみずしく燃えるようにゆがみ、小宇宙をつくっている。どうやって撮ったのだろう？穴からのぞいて撮ったのだろうか、魚眼レンズともちょっと違うし、不思議な小さな世界だ。マンハッタンのほうの1枚には、今はなきワールド・トレード・センターのツインタワーが写っている・・・第2セクション「まさぐる手・もだえる空間」・・20世紀の抽象絵画、描くという行為アンリ・ミショー「ムーヴマン」「無題」にひきつけられる。ムーヴマンは特に興味深い。ベージュがかった小さな紙に、黒だけで描かれ、まるで文字が並んでいるよう。小さな人々の躍動。小さなエネルギー。書き味を楽しむ。抽象的でかわいい。広い会場では、黒々とした大作2つが並べられていて、どうしても目がいく。1つはスーラージュ、とすぐわかったが、近づいてみるともう1つは横山操の作品だった！彼の墨の作品はぜひ見てみたかったが、初めて出会えて感激。各セクションでそれぞれ、東西の作品を並べ、その相似と相違を楽しむ企画のうちの1つだが、これはなかなか面白かった。ここでは、黒を扱った大胆な抽象的な作品を並べたのだろう。左の、スーラージュ「絵画」は真四角に近い横長のキャンバスに、油彩で直線的に、縦横と塗り重ねている。絵の具の盛り上がり、刷毛目など残しつつ、ひたすらに幅広の黒が重ねられ、どっしりした重量感に圧倒される。それはまるで何かを封じ込めるように重ねられ、求心的な動きがある。緊密な厚みのある黒。"対象"ではなく、造作自体を感じられる。それに対し横山操の、ひどく縦長で大きな作品のタイトルは「塔」、抽象的に見えるが実は五重の塔を描いたものらしい。私には塔というより、船のマストのように見えた。天を突き、海原を突き進んでいく船のマストと、その横木。縦長の大きな四辺に断ち切られているが、それゆえに上へ上へ横へ横へ伸びていく黒、を感じ取ることができる。スーラージュと対照的に、遠心的なエネルギーと、意志のようなものを感じる。そして"対象"を描いているので、その点もずいぶん異なって見える。それにしても、横山操の作品は、墨の荒々しさが魅力的でもあるけれど、墨ががさがさし、でこぼこし、表面がひび割れていたりして、剥落したりしないのだろうか、とちょっと心配もしたりして・・(^^;)第3セクション「心のかたち」・・肖像を中心にアルフレッド・スティーグリッツ「ジョージア・オキーフ：ある肖像」、きりっとしたオキーフの小さなモノクロ写真。彼女の精神性のあらわれている美しい肖像だと思った。彼女に会いたくなる。セバスチャン・サルガド「サヘルの飢饉」シリーズより3点のモノクロ写真。白黒が美しい。美しい、と言っていいものかどうかためらわれるが・・・アフリカの人々の肖像、飢饉に苦しんでいるはずなのに、彼らの表情や姿勢から、ぴんとはった命、心の貴さを写し取っている。細い光、という言葉が浮かぶ。暗くない、優しい黒。絶望や悲惨さや嘆きではなく、崇高さがモノクロの中に焼き付けられている。第4セクション「夢かうつつか」・・無意識や夢、物語、シュールレアリスムフジタの戦争画は「藤田嗣治展」でも圧倒されたのを生々しく思い出す。すごい作品だけれど、今回はここのセクションに入れてあるのがどうしても、疑問。ジョン・フォートリエ「人質」、タイトルの背景にあるものは知らなかったけれど（後ほどTakさんのブログで背景を知りました(^^;)）誰もが人質なのだと思った。人間は誰もが生まれながらに死刑宣告を受けているのだ、とかなんとか言ったのは誰でしたか・・・それと同じような感じで。ただれているような黄色い肌の男の、大きな横顔。わなないている口もと、力なく叫んでいるような。声にならない声。そのような絶望と、そこから逃れたい欲求、理不尽な現実から抜け出し、新たなる生命、新たなる世界への渇望、そういったものは、このセクションの後半を占める雰囲気だったように感じる。ここまで、4つのセクションを通り抜け、肌に感じるものがあった。最初は風景、外的世界、世界との関わり、光、次に人間の描くという行為そのもの、動き、躍動、それを純粋にぶつけて創られた作品、その次に、人間の肉体そのもの、人の気配、内面や心情が表れ出た肖像、そして、物語、夢、深層の世界、意識と無意識・・・と、外界から人間存在へ、さらに内面へ内面へと外界の明るい光から、内面の闇までずーっと辿ってきたように感じた。そして第5セクション「楽園へ」、と来れば、じっと見つめたどり着いた人間の深い闇と渇望が、集約された意識が、もう一度世界へ突き抜けて、外へ、上へ、天上へ解放され、世界と内との円環を形作るのではないかとものすごく壮大な、勝手な期待をしてしまって、ひとり異様に？(笑)わくわく。第5セクションの入り口にあった富岡鉄斎「蓬莱仙境図」は、それを、パラダイスを、ちょっと予感させてくれた。けわしい山の上の桃源郷。ほとんど棒のように突っ立つ山の頂上付近に朱の屋根の家々、素朴な雰囲気が味わい深い。山の上にちょこんとのぞく太陽のにじみが、やさしくかわいらしい。山の中腹にはちょんちょんと描かれた、ねこやなぎか、白い花々か・・良い香りがしてきそう。てってってっとリズミカルに塗られているグレーの山道。粗雑そうに見えながら、全体的に淡くまとまり、うっそうとした木々を抜けてこの山をのぼっていけば、いつかパラダイスへ行けるんだと思えてしまう。全体のコンセプトは「？」がつくけれど、第4セクションの終わりで、ここまで気分が盛り上がり、私なりにパラダイス（の、予感）を楽しめたということでいいのかもしれない。いい作品もたくさんあったし。今回の目玉だったゴーギャン、ルノワール、マティス、萬鉄五郎、関根正二、岸田劉生などにまったく触れてなくてすみません・・・どういうわけか、今回、こうなってしまった。自分の中に今、知らないものを見ようという意識があるのかもしれない・・常設展は、いつも通り時間がなくてざーっとだけ見た。ただ、川端龍子「草炎」にはやはりひきつけられ、椅子に座ってぼーっと眺めた。初めて出会ったのは2年前の「RIMPA展」。何度見ても見事で、ため息が出る。2Fで開催されていた「Body in Pieces～ばらばらになった身体」では、満員電車の写真、金山の工夫たちの写真などが面白かった。無機質で不条理的なこわい、アニメのような作品もあった。こわくてあまり見れなかった・・(>_

  2006.09.29

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  パラダイスを探しに「モダン・パラダイス展」その1

  会社帰りに竹橋の国立近代美術館へ、「モダン・パラダイス 大原美術館+東京国立近代美術館～東西名画の饗宴」を見に行った。大原美術館は2年前に行ったので、懐かしい・・！今回の展覧会のタイトル、東の国立近代美術館と西の大原美術館、そして東洋と西洋、その二重の意味での"東西名画の饗宴"ということはじゅうぶん想像できたが、どうやらコンセプトはさらに凝っているらしい。一村雨さんのブログでは「研究してから行けばよかった」と書かれていたが、あえて極力、他の方のブログでの感想は読まないで出かけた。会社帰りで時間が限られている、というのもあるけれどまずはいつも通り、一度ざーっと入り口から出口までひと通り作品を見て回り、興味ひかれる作品をチェックしていく。そしてまた戻って気に入った作品をじっくり鑑賞していくのだ。5つのセクションに分かれており、概要はこんな感じ。第1セクション「光あれ」・・近代の風景画、光へのこだわり第2セクション「まさぐる手・もだえる空間」・・20世紀の抽象絵画、描くという行為第3セクション「心のかたち」・・肖像を中心に第4セクション「夢かうつつか」・・無意識や夢、シュールレアリスム、戦争や死第5セクション「楽園へ」・・プリミティブなもの、芸術家が求め続けたモダン・パラダイスひと通りすべての空間を歩いたのは、今回の場合は特に有効だった。東西の絵画、写真作品、彫刻など入り混じっていて全体的にばらばらな印象だが、セクションの概要をざっと眺め、作品に象徴される"流れ"を感じながら進むと、次第に今回の趣旨に身体が導かれるように感じ、最後のセクション「楽園へ」に、足を踏み入れるときには、「モダン・パラダイス」というタイトルがとても率直に肌に響いてきた。そこを目指してきたんだな、さまざまに表現し、創り、多くの芸術家は究極的にはパラダイスを求めてきたんだ。どんなパラダイスが広がっているんだろう、とわくわくしてきた。しかし、実際は第5セクションの空間に入ったとき、がっかりとまでは行かないけれど、少々期待はずれ・・ああ、男性が組み立てたコンセプトだな、と内心苦笑いしてしまった。結局は女、女神、母性への愛着、と感じた。（私の偏見かなあ・・？　男性がみなこれに共感するという意味ではありませんのであしからず）もちろん女性だって母性、母なるものをパラダイスと感じることも十分あるだろうけど。芸術家として活躍してきたのが男性が圧倒的に多いのだからそれらのモチーフが多く、ここに帰着させやすかったのかもしれない。個々の作品は決して悪くない。それに沖縄や屋久島の写真作品や、象や龍を扱った巨大な絵画もあったし。そうした原初的な生命力、がテーマだったようだが、う～ん・・どうだったんだろう、このコンセプト(^^;)第5セクションでのゴーギャンの裸婦像と萬鉄五郎の裸婦像、のように肖像画、風景画、抽象画など各セクション、それぞれ東西の画家の作品を並べてあって、その相違を楽しむ、という企画があり、それは面白かったので、それ中心でもよかったんじゃないかと思ってしまう・・"東西の饗宴"なわけだし。その"饗宴"からさらに"パラダイス"という表現を引き出して三重に意味を重ねようとしたのかもしれない。私が"パラダイス"という表現に、期待しすぎただけかもしれないけれど。でも、逆に自分ならどんな作品を"パラダイス"というセクションに置くだろうか、と考えた。そういう意味では考えさせられるコンセプトだったなあ。私なら・・・・展示は無理（泣）だけど、パリ・オペラ座のシャガールの天井画かな、"パラダイス"という言葉が私の中でしっくりくる作品は。そんなことを考えてみるのもいいかもしれないな。「モダン・パラダイス展」各々の作品の感想はまた書きます。私にとって、いいものいろいろありました。児島虎次郎、アンリ・ミショー、スーラージュ、横山操、フォートリエ、鉄斎、さまざまな写真作品・・etc.2Fで開催されていた「Body in Pieces～ばらばらになった身体」にはなんと！佐伯祐三のライフマスク（型どりした顔）が展示されていて、びっくり！その端正なお顔、ガラスごしにはりついて見てきましたよ～。キスしたくなりました(*^^*;)＜「モダン・パラダイス展」感想その2＞

  2006.09.29

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  走墨作品展、最後の出会い♪

  さてさて走墨作品展、午前編に続き、最終日の午後は、松峰さんが仕事帰りに見に来てくれました！ブログでの交流は2年ほど前からでしたが、まだお会いしたことがありません。会社勤めをされてますが、独特の造形の書をかく書家でもあり、"松峰"という雅号をお持ちです。3時少し前に、小柄な若い男性がスーツ姿で入ってきて、（写真で少し見覚えある・・・！）「もしかして松峰さんですか？」と尋ねると、果たしてそれが松峰さんでした！わ～っ、ちょっとイメージが違う。もの静かな、もしかしたらちょっとだけはすにかまえたような、クールな印象の方だろうと想像していたけれど、快活かつ礼儀正しい、社交的なはきはきした好青年（という言い方がおばさんだ・・）でした。それは社会人としてこの1年半で身につけたものかもしれないし、初めて会うので、やはり多少の気の張りがあるからかもしれない。それでもなんというか、一種透明な明朗さと同時に、タイトなスマートさをかもし出しつつ、どこにでもいる若いサラリーマンのようでありながらどこにもこんな人はいない気のする、不思議な感じを受けました。仙台のお国柄なのか、かすかなイントネーションの違いも、むしろ洗練された軽やかな印象さえ受けます。書家である松峰さんは走墨をどのように見るだろう、と思いましたが作品はもとより、広春先生の作品集も隅から隅まで最後の解説文まで全部目を通されて、その様子はまるで無人の湖のように動物的生気は沈み、イメージしていた、しんとしたもの静かな印象そのものでした。走墨にとても興味を持たれたようです。あ～、よかった・・・初めて話をしましたが、途中からもう片付けの時間に入ってしまい、あまりゆっくりお話できなかった・・・機会があったらぜひ松峰さんの作品も見に行ってみたいなあと思いました。また、夕方、先日聴きに行ったジャズライブに出ていた、大学の先輩のＦさんがひょっこり姿をあらわし、びっくりしました。わ～、予想以上にいろんな方に来ていただいて、感激です。今はジャズを歌っているＦさんは、大学のときは東洋史専攻で、漢字フリークらしく、漢字に関する本を読んだりしているそうです。そして作品展が終わってからお礼メールを出したら、こんなメッセージを返信してくれました。　「物の躍動感や存在感を記録の為に封じ込めたのが漢字だとしたら、　　それを改めて解き放ってやることが君のやってることなのかも知れない。　　譜面通りから、崩して演奏するジャズと少し似てるかな？」・・・なんてかっこいい表現なんだ！先輩！感激したので、勝手に転記させてもらいました。先輩、すみません。ギャラリーもばたばたしてき、松峰さんとＦさんをお見送りして、片付けモードに入りました。作品を下ろし、それぞれの箱にしまい、名札をはりつけ。先生の作品は特に注意を払いつつ、1点1点丁寧にしまいました。飾り用のイーゼルもばらして梱包し、荷物をそれぞれより分けました。片付け終わって、それぞれ箱にしまわれた作品たち。ちょっとだけ淋しい光景です・・*-*-*-*-*-*-*-*-*-*　ご来場ありがとうございました　*-*-*-*-*-*-*-*-*-*-*見に来てくださったみなさん、ありがとうございました！私にとっては初めての作品展、すてきな時間と空間を共有できて本当に嬉しかったです。写真を見てると、嬉しさ楽しさがいつまでもふつふつとわいてきます。また、私のいない間に見に来てくださったM Saitoさん、カナダ村さん、おふたりともまだお会いできてませんが、お忙しい中、本当にありがとうございました。その他私の大事な友人たち、どうもありがとう！遅々たる歩みですが、精進していきたいと思います。どうぞこれからもよろしくお願いします。

  2006.09.23

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  走墨作品展、最終日その1

  1週間続いた走墨作品展も、秋分の日が最終日となりました！今日の午前中は、いつもブログで興味深い交流をさせていただいている、一村雨さんがはるばる千葉からお越しくださるとのことで、10時オープン少し過ぎからギャラリーに詰めていました。今日のウェルカム・フラワー。緑と紫と白の、渋くて粋なアレンジメント。11時前くらいだったかな？一村雨さんとうちゃーーく！わ～、緊張します。昨年、渋谷Bunkamuraスコットランド国立美術館展にお誘いしたときお会いしてから、もう1年近く経つんですね～。早いなあ！美術作品はかなり見てこられてる方なので、どんな反応が来るのか、どきどきしましたが、興味深く見ていただけたようで、ほっとしました。こんな感想を書いて下さいました、ありがとうございました(T_T)先生の作品の中では、サッカーなどの力強いスポーツの絵が気に入られたようです。また、一村雨さん自身も書をたしなまれるのですが、走墨の、しぶきやかすれや筆の2本使いなど、試してみたくなったようで作品を見ながら右手が動きそうでした。同じ時間帯に、劇団やダンスグループでお世話になった先輩Ｎさんが思いがけず顔を見せてくれて、驚きつつも嬉しかったです。私の作品を見て、Ｎさんからは「"飛"という字が、背筋のぴんと伸びたピルエット（片脚での回転）のよう」という、ダンサーらしい感想をいただきました。Ｎさんは、静かに静かに1点ずつを見て回ってました。先生の作品の中では、周囲に墨の濃淡のぼかしをいれ、センターにしっとりしたうすくれないの"花"の字を置いた作品の前に佇み、飽かずいつまでも見つめ続けていました。作品と対話しているかのように。広春先生と同様に、とても右脳的な方なので、今度のダンスや舞台での表現に何か吸収できるものがあったのかもしれません。先生の作品は、力強く墨のほとばしった男性的な作品から、やわらかくはんなりとして、とても艶っぽい女性的なかな作品、のびやかな猫の絵、どっしりした大地を感じさせる作品、躍動的な人間賛歌的な作品、まったく抽象的な作品など本当に多岐に渡っているので、その幅広さに感服してしまいます。お昼どきになり、一村雨さんをお誘いして、またもやお隣のオープン・カフェでランチしました♪向こう側、一村雨さんのは「ハワイアンライスボール」（っていう名前だったと思う）。私のおすすめのマグロとアボガド丼です。アクセントの岩のりが絶妙においしい～。迷ったけれど私は日替わりのロコモコ丼（手前）に浮気してしまいました♪でも量が多すぎて残してしまった・・・(>_

  2006.09.23

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  走墨作品展2日目

  走墨作品展・・・と言いつつ、作品のことや作品の写真はちっとも載せてませんけど・・これから見に来てくださる方のためにあえて載せてません♪終わってから載せるかもしれません。さてさて初日のパーティも友人たちとの語らいも楽しくてテンション上がりっぱなしだったけど、翌日は知人の来る予定もなかったので、すっかりダウンしてた。うちの会社、通常は祝日関係なくやってるけど、よかった～祝日、休みを取っておいて♪昼近くまでうとうと寝て夢を見てた。大学のサークルのときの、芝居の師匠S山さんの家の前を通りがかると、S山さんと目が合い、「あれ？どこ行くの？」と聞かれ、「Sくんと、これからサークルの稽古を見に行く約束してるんですよ」と私。プルルルルル・・とそこで電話の音で目が覚め、飛び起きた。何だろう？！滅多に電話かかってこないのに、しかも普通私のいないはずのこんな昼間に。寝ぼけまなこで出てみると、ギャラリーのオーナーからで、Sくんが横浜から作品展に来てくれてるという。わ～、びっくり！嬉しい！夢の中で呼ばれたんだーーー！10分で行きます！と伝えてばたばた用意をして、ギャラリーに出向いた。先日の大学時代のミュージカルサークルの飲み会で同期やら先輩・後輩やらに案内はがきは配ったけど近況報告的な意味合いであって、さほどみんなの来場は期待してなかったのに、Sくんと奥さまのY香さん、一緒に来てくれて感激！メンバーの中ではSくんは同じ宣伝係で、絵がとてもうまかったし今も仕事のかたわら絵を描き続けているし、Y香さんは芸大出身で、磁器の絵付けの先生をしているから、走墨にも一応興味を持ってもらえたのかな？Sくんは私にひとこと、「かわいらしいほんわかした絵かと思ってきてみたら、イメージ違った～」・・・そう、サークルのときのちらしやパンフの絵、それからその後描いていた絵本やキャラクターの絵のイメージが強いんだろうなあ、そのギャップというかイメージ固定は私の中でもいつも問題になっている。それが、走墨という形で、多少とも広がって見てもらえるようになったら嬉しいんだけどなあ。もっともっと内側からいろんな可能性を広げて出してみたいなあ。自分の中の本来的なものを表に出してみたい。これまでのイメージをぶち壊してみたい。そんな新たな想いがわいてきた。2人は午後は知人の出る芝居を見に行くとのこと、じゃあそれまでの間ランチでも、とまたまた隣のオープンカフェにお誘いし、ランチとおしゃべりを楽しんだ。芝居や音楽や映画、サークルや仲間の人の話などいくらでも話がつきない。不思議だなあ。この場所、ここ数年の私の生活圏に、Sくんがいることがとっても不思議。何か、最近の自分と、過去とが、ぎくしゃくしつつも和解していく、融合あるいは交差していく過程のようだ。世界が2倍の厚みに、2倍の鮮やかさになっていくような、とても不思議な感覚・・・やがて時間になり、駅までお見送りした。迷ったけれど、またギャラリーに戻ってしばらくその空間を楽しみ、走墨の仲間の方や、お客さんとおしゃべりして過ごした。走墨の同じクラスの方で、フラワーアレンジメントを教えているHさんが花を持ってきて新たに活けてました。あじさい、大事にとっておくとこの季節には紅葉するそうです。とても味があって、すてきでした！！入り口に、かごのアレンジメントを。紫式部のうすむらさき色の実が、なよやかできれい。木の置物と組み合わせて、まるで花がのぞいているような風情に。すすき、りんどう、紅葉したあじさい、コスモス、といかにも秋らしい、しっとりしたアレンジ。Hさんが次々花を足したり、葉を剪定したりして次第に形になっていくのを見るのがとても興味深く、見ていて飽きませんでした。ひとつ花を足す、葉を引く、それで風情が変わるのが、面白いですね！緑の苔玉と組み合わせて、漆器の商品がたくさん並んでました。赤と黒が、潔くてモダンでおしゃれ♪インテリアにもよさそう。欲しくなっちゃう。織部などもいいなあ。深い深い緑の釉薬に、思わずため息してしまった焼き物もあります。いいなあ・・・ちょっとモダンな和の空間、そして何より走墨の作品たちに囲まれた空間、いつもはお稽古のとき、あるいはお店から請け負ってる仕事の件で、ここに来るけれど、こんなに居心地よく感じたことはなかったです。この波動はなんだろう？走墨の作品に囲まれるとこんなに居心地いいんだ。再発見しました。

  2006.09.18

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  走墨作品展は明日から！

  明日、とうとう走墨作品展が始まります。私は昨日は行けずに、今日会場準備に駆けつけました。明日ここの白い壁一面に先生の作品が展示されます。どんな作品がくるのか、当日までわからないので私自身もすごく楽しみです。わくわく。位置や高さを調整したり、名前の札をつけたりして生徒たちの作品をさまざまに展示していきます。また、ついたてや棚を移動させたり、通常置いてあるグッズなどを片付けたり、布を使ってシンプルな和の空間を演出したりしていきます。内装の方も入っての展示準備になりました。すてきな和花のアレンジが会場を彩ります。赤い実はバラの実（！）なんだそうです。赤い花はケイトウ。すすきが秋らしくて、すてきでした。根元にあるごつごつしたものはコルクの樹皮で、野趣あふれるアレンジに魅かれました。会場の片隅もちょこっとした緑で潤います。片隅にあるショップ部分では、織部や萩、備前、粉引など作家ものの陶器が夜になって搬入されました。その作業中から、私たちは「あれがすてき」「これが欲しい」などわいわい言っていて、かえって邪魔？？夜まで準備は続きました・・・

  2006.09.16

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  若冲にひと区切り！「花鳥～愛でる心、彩る技」

  つくつくほうしの乱れ鳴く中、いつものように平川門をくぐり、三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技＜若冲を中心に＞」第5期を見に行った。第1期を見に来たのは桜の季節だったのになあ・・・まず若冲以外で目立つのは、森徹山の「孔雀図」、構図がすごい！潔いほど。閉じた長い羽根を斜め上にしゃきっと伸ばした雄の孔雀、余分なものが描かれず、大胆なほど斜めに画面を区切っている。でも色がちょっときついかな・・その意味では、隣に展示されている円山応挙の「牡丹孔雀図」のほうが発色が繊細で美しく感じる。目の覚めるようなブルーの羽根、首の羽根1つ1つの黄から緑へのグラデーション、牡丹のピンクや白の花びらは、いかにもやわらかそうで、見事だ。さて、伊藤若冲の「動植綵絵（どうしょくさいえ）」全30幅も、6作品ずつ、5期に渡って見てきて、今回が最後。「老松孔雀図」こちらは珍しい白い孔雀、羽根先の黄と緑のもようがユニークだけど見事な真っ白な身体の中では、まるで錘（おもり）のように見える・・重いものを身にまとった孔雀。「芙蓉双鶏図」、若冲お得意の鶏と、植物の組み合わせ。ダンサーでも体操選手でもこんな格好しないよ！というくらい、雄鶏が上体を前に倒し、片足を上げ、脚の間から後ろを"きっ"と見ている。その動きの勢いに乱れなびく羽根は、細かな模様が描き分けられ、ただただ呆然と目で追ってしまう。激しい動きの一瞬を描いてはいるが、なぜか静止しているような静かな黒であり、茶である。5期通して見てきて、若冲の色彩にも目を見張ってきたけれど、私はこの鶏の羽根の、マットな上品な黒にいつもため息をついてきた。墨絵のときの黒ともまた異なるニュアンスの、貴族的な黒。「薔薇小禽図」おびただしいピンクと白のバラもすごいけど、バラの枝か幹なのだろうか？黒い幹のようなものがうねうねいて、ぶつぶつの細かい模様が描かれており、その存在が気になる。細い枝には、小さな小鳥が片足を跳ね上げ、とまっている。ふっと左を振り向いており、その視線の先には若冲の落款が。落款までもが絵の中のモチーフのようで、小鳥と絡んでいるのが興味深い。小鳥がクレジットを紹介しているみたい。若冲の確信犯的な遊び、に思え、ほほえましい。「群魚図」大きなタコの脚先にちょこんとしがみついている子ダコがなんと言ってもキュートでユーモラス。ゆら～っとのびやかにのびる親ダコの脚もいい。「群魚図」群れ泳ぐ魚たち、でも静止しているように見えて、魚の苦手な私には、魅力的に映らない作品・・・「紅葉小禽図」枝枝が平行線になって垂れており、ほとんど効果線となっている。（第2期の「雪中鴛鴦図」でも同じような平行線状の枝の描写があったな・・）画面いっぱい覆い尽くす紅葉が、燃える秋を予感させる。小鳥の空色の背中、画面下のウルトラマリン（岩だか川だかよくわからないが）、それらと紅葉との対比が強烈で、赤と青の世界をつくっていて、印象的。三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技＜若冲を中心に＞」第5期は9月10日までで、すでに終了。あ～、これで半年かけて伊藤若冲「動植綵絵」30幅見終わった！今はもう"傑出"という言葉しか浮かばない・・やはり同じく三の丸尚蔵館に通われた方、お疲れさまでした！これまでの感想はこちらに・・3期が抜けてます、見たけど書けてない(^^;)・第1期・第2期・第4期半年通った皇居東御苑もしばらく行くこともないなあ・・ちょっと感慨深く、緑と江戸城の石垣とお堀を眺めながら歩いた。平川門近くの塀と石段。こういうところを見て、毎回わくわくしていた。いつも竹橋駅から出て、渡っていた平川橋。かわいい（？）擬宝珠（ぎぼうし）。これを見ていて突然思い出した。昔、演劇学校の学生時代、ほんの数ヶ月、小さな設計事務所でトレースのバイトをしていた。何の技術も知識もなかったので、ペンや定規の使い方、線の引き方から教わり、大手軽金属メーカーの下請けの、図面の直しなどをやっていた。大きな製図台に向かうのが好きだったな、製図台が欲しくなるくらい。1度だけ、橋の欄干と、上の写真のような擬宝珠のデザインを任された。え～～っ！こんな始めたばかりの素人が？！と思ったけれど何度も直しで見てきたものを参考に、いいと思う曲線で描いてみた。その図面が採用になったかどうかはわからない。もし採用になってたら、日本のどこかの川、どこかの橋に私の描いた擬宝珠がちょこんと座っているかもしれない・・・そう思うとちょっぴり楽しい。

  2006.09.09

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• 終わった！！

  終わりました！！9月の走墨の作品展に出品する作品づくりが。ここしばらくそのことで焦ったり、心にどんよりしてましたがやっとほっとしました。いつもと違い、広いアトリエを借りて最後の追い込み＆作品選び。自由課題のほうは、ある程度自宅で作品づくりをし、持っていって先生に見せると、その中から1枚、「これいいじゃないの」と選んで下さいました。それは私もいいと思ってた1枚なので、やっぱり！と嬉しくなりました。共通課題のほうは、自宅で書いたものはいまいちだったので、今日新たに何枚も書きました。なかなか満足する出来にはならず、ほんとに苦心しました。銀彩を使う作品で、それを墨に入れるとなにしろ伸びないし、きれいにかすれない。イメージはあるんだけど、そんなふうにはなかなかならなくて、難しい。結局は最後のほうに書き上げた、まあまあバランスの取れてるもので先生からOKが出て、そこで手を打ちました。先生のアドバイスを受けながら、落款を押しました。どきどきしました。とりあえず、すべて片付けも終わって、作品展付近のスケジュールを確認し、私が原稿作りに携わった案内はがきも刷り上っていたので、受け取り、先生や仲間の方に「お疲れさまでした！」と晴れ晴れと声をかけ、終了。やったーー！と心が解放されたような感じです。家に帰ると気が抜けたのか、ふとんに倒れこんで夕方から夜まで2時間寝てしまいました。あぁーー・・・・終わってみると短かったような、長かったような・・まだ真には満足いってなくて、し残したこともある感じもしますが、まずは一歩前へ。走墨作品展は、9月17日(日)から23日(土)まで。午前10時から午後5時まで（最終日のみ午後4時まで）です。初日17日のお昼にはオープニングパーティがあり、簡単ながらのみものとつまむものが出て、楽しんでいただけます。生徒による作品はまだまだつたないものではありますが、こんな書もあるのか～と見ていただけたら幸いです。先生の作品もいくつか展示されるので、それも一見の価値あり、です。入場無料なので、興味のある方はご連絡くださいね♪ご案内メールをお送りしま～す。

  2006.08.27

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  ザオ・ウーキーに癒されて・・ブリヂストン美術館常設展

  今日は思い立って仕事帰りにブリヂストン美術館へ行った。なんとなく、絵画に癒されたくなって・・・wheatgrassさんのブログで見て、常設展をやっていることが記憶の片隅に残ってた。東京駅からてくてく。ブリヂストン美術館に到着。今は「なつの常設展」というのをやっている。平日の夜の美術館って静かですいてて大好き♪今日も5組くらいしかお客さんがいなくて、ほぼ貸切状態。ブリヂストン美術館もだんだん馴染み深くなってきた。モネもルオーも佐伯祐三もフジタも、いつもながら、いい。パウル・クレー「島」前回、「雪舟からポロックまで」展で初めて見て素晴らしいと思ったが、クレーは改めていいなあと思った。このラインに沿って、どこまでも歩きたくなる、島をこの世界を。にじんだ太陽の色に抱かれて。これは讃歌だ。今回の大きな収穫は、ザオ・ウーキーと古賀春江と、古代美術のコーナー。ザオ・ウーキーも、「雪舟からポロックまで」展で気に入ったけれど、あのときは余裕なくざっと見ただけにとどまった。今日はじっくり見ることができた。壁面に3つの大きな作品が並べられ、椅子に座ってじっくり向き合えた。ザオ・ウーキー「風景2004」緑の峰々を渡る風なのだろうか、心地よいすがすがしい流れを感じる。風に運ばれる感じがする。風景画でもあり、心理的な呼吸のようなものを取り出して見せてくれているようでもある。緑・黄・オレンジ。ほんとうは険しい山なのかもしれないが、おしなべて1つの世界に溶け込んで融合しているよう。左手より流れ込んでくるオレンジの色彩とともに私も溶け入ってしまいそう。自然を、世界を、包み込む大いなる"手"を感じる。昨年のダ・ヴィンチ展で感じたのと似たような感覚。近くで見ると、薄い黄を全体に塗り、緑で山の稜線などが描かれ、オレンジや赤がすばやい筆致で重ねられている。さらにオレンジの部分を左から右へ右へひっかいて、下に塗られた緑をのぞかせ、無骨な引っかき傷が、より動きを流れを強めているようだ。白緑色や、白のハイライトがさらに重ねられている。そういった作業の組み合わせ、重ね合わせで、こうした1つの世界を創ってしまうことへの敬服。ザオ･ウーキー「24.02.70」は、こげ茶の渓谷の合間をぬう川か湖だろうか。凍った湖面のように見える白が印象的。おだやかな白、白緑色をはらんだやわらかい白だ。渓谷のように見える部分はかなり荒々しい筆致なのだが、湖面は少しマットで静かだ。神秘の湖。まるでこの下に、もう1つの世界を秘めているかのように。ザオ･ウーキー「07.06.85」は、目の覚めるほど鮮やかなブルーの背景（山？）に、雪の原が横たわっているようだ。この雪もやわらかそうな白。白のしぶき。風の流れのようなものがこの絵にもある。青の透明感、わずかにまじる紫色の上品さ。もしかしたらスキーをやっていたら（私はやれないのでわからないけれど）こんな風景を一瞬垣間見ることもあるかもしれない、と思えた。青い空間のくぼみにある深いエメラルドグリーンの静謐さ、貴さ。さらにその中に打たれている白の鮮烈さ。自然の中に一瞬だけ見る、真に神性のようなもの。彼は何を発見したのだろう？ここにあらわれているのは一体なんだろう？彼の目と感性を知りたいと強烈に思った。彼の色は痛くない、荒くない、そして甘くもない。古賀春江の作品は、これまであまり感じ入ることができなかったけれど今回の「涯しなき逃避（Endless Flight）」は少し共感できた。夢の中で、逃げても逃げてもちっとも前に進まない、あの感覚を思い起こさせる。漆黒の背景を二分する水平線。デフォルメされ、記号化されている女は、脚だけが大きく白くむっちりしていて、大股で空（くう）を駆けようとしているが、背後の渦巻きに飲み込まれいくように身体は後ろに倒れている。もうひとりのっぺらぼうの女が突っ立っていて、不気味である。水平線には、遠く小さな舟。空には飛び魚か、鳥か、跳ね飛び、ほんほんほん、と小さな煙のようなものを3つ従えていて、なんだかあざけっているようにも見える。深層心理を垣間見るようだ。もどかしさ、焦燥感に苛まれる。いつも時間がなくて後回しになってしまう、古代エジプトや地中海文明のコーナーもじっくり見てまわった。なぜか落ち着く。ルーブル美術館へ行ったときも、なぜか古代展示室の空間はひんやり心地よく感じたなあ。神牛と象形文字の描かれたエジプトのレリーフなどは、自分の家に欲しくなってしまう。エジプトのブロンズ彫刻「聖猫」は、いかにも聡い表情の猫だ。世界をみはるかす、深い目をしている。ローマの大理石彫刻「ヴィーナスの頭部」、やさしい目元と、まぶたからまなじりへかけての優雅なライン。唇はもの言いたげにわずかに開いていて、なんとも言えない魅力的な雰囲気をかもし出している。そんな中にあって、1つだけすこーし怖くて、それゆえに目が離せない展示品があった。エジプトの彩色木棺だ。少女か、若い女性の棺なのだろう、その姿が木の蓋に彫られている。かなり細かい装飾がなされた豪華な衣装のように見える。何かが込められているようで、一種異様な雰囲気を感じる。視線を感じ、思わず見てしまう。胸に重ねられた木の手が、今にも動きだしそう・・・(>_

  2006.08.24

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  ウォレスとグルミットのすべて！展

  本日終了の展覧会のチケットがあるってことでコヨーテさんからお誘いメールが来て、急きょ「ウォレスとグルミットのすべて！展」を見に三越日本橋本店へ行きました！三越のライオンで待ち合わせて（ベタですみません）7Fギャラリーへ。「ウォレスとグルミット」はクレイ（粘土）アニメで有名だけど人形が並んでたり、パネルの説明があったりするくらいかな～とそんなには期待しないで出かけてみたところ、予想以上に楽しめました。過去の作品もパネルや人形、映像などで紹介されており、大好きだった「ぷっちんプリン」のCMも久々で見れました！なつかしい～～。ひつじさんたちかわいい～。しかしやはり今回の目玉は、アカデミー賞を受賞した「野菜畑で大ピンチ！」の絵コンテや撮影セット、実際の小物、口の動きの部分がばらばらになってる人形や撮影秘話などなど。ニック・パーク監督による絵コンテは、それだけでもマンガとして楽しめるほどのうまさでそれをさらに実際のアニメの画面とつき合わせてみるとそっくりの画面があったり、微妙に角度や表情が異なっていたり。セットはレプリカかもしれないけれど、かなり細かくつくられててこまか～い小物なども凝っていて、ひとつひとつを目で追うだけで楽しくなってきます。また、パネルに紹介されていた撮影時のエピソードはいちいち面白くて「へ～」と感心しつつ読みました。空色のミニチュアの車は、イギリスの有名な車らしいですが（名前忘れちゃった）本物の車より、ミニチュアの車のほうが費用が高くついたとか。人形をさわるときアニメーターが使うティッシュの枚数が半端じゃないとか。一番「ひえ～～っ」って思ったのは19人（だったと思う・・）のアニメーターが実際の撮影をしていて、1人のアニメーターが1週間に平均約5秒の撮影しかできないってこと。1秒間に24コマの画像、セリフに合わせて口の動きのパーツをひとつひとつ取替え、きれいになじませ、配置し、撮影していくんですもんね～。撮り直しも当然たくさんあるだろうし、本当に気の遠くなるような作業です。でもものを創り上げていく過程というのは、本当に興味深いことで、わくわくしてきます。ミニシアターで10分程度の「野菜畑で大ピンチ！」ダイジェスト版も上演されてて、面白かったです！前、CMで見てこの映画に興味はあったけどますます見たくなりました。ダイジェスト版を見たところ、子供向けとは言え、エンターテイメントとして、かなり完成度が高くツボをおさえて、きっちり創り上げられてるのを感じました。さすがアカデミー賞受賞なだけありますね。今回の作品には、クレイアニメだけでなくCGも巧みに使われているそうで、デザイナーのコヨーテさんは、ダイジェスト版を見てどのシーンはCG、どのシーンはCGとクレイとの組み合わせ、とか教えてくれたので、感心しました。え～、私はちっともわからなかった・・・・最後のコーナーにニック・パーク監督の顔写真が大きなパネルになっていて、こちらに笑いかけていました。目がなんとも言えず、夢と明るさ、やわらかさがあふれていて魅力的でした。コドモオトナ、なんだろうなあ・・・会場を出る頃には、繰り返し流れていた「野菜畑で大ピンチ！」のテーマ曲が頭の中をエンドレスで回りまくってます・・・すっかり洗脳されてしまったようです。ヤバい！でも楽しい！DVDがもう出てるみたい、見たい・・・・(>_

  2006.08.20

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  「花鳥～愛でる心、彩る技＜若冲を中心に＞」第4期

  三の丸尚蔵館に「花鳥～愛でる心、彩る技＜若冲を中心に＞」第4期を見に行った。とびきり楽しみにしていた第4期。第2期のとき図説で見た伊藤若冲「旭日鳳凰図」、今回はそれが見られるということで、わくわくしながら向かう。伊藤若冲「旭日鳳凰図」つややかで華麗、極彩色の鳳凰が2羽。粘着性の感じられる白波、波に洗われた古木に止まっている。どんな構造なのかよくわからない、不可思議な古木には緑に光る苔、細い若竹がぞろぞろと生えている。もくもくした雲から昇る朝日。地平線も水平線もない、海（とおぼしき水）と空が混濁とし、1つになっているように見える。この2羽は、何故か太陽よりも高い位置にいるようにも見えてしまう。長い艶やかな尾で邪気を吹き払い、一掃しているようだ。ここはいったいどこだ？この世ではないのかもしれない。ノアの大洪水後の世界のようでもある。大海にぽつんと、岩のような木に残された2羽。世の始まりを告げ、世の終末を告げている。しかしこの2羽は、どこへでも飛んでいけるのだろう、太陽よりも高く─伊藤若冲の「動物綵絵（どうしょくさいえ）」にも今回は、私がこの中で一番見たかった鳳凰図があった。「老松白鳳図」、つやめいた目つき、尾の先には鮮やかな赤と緑、それぞれのハート模様がほのかにエロティックな雰囲気を漂わせつつも、金を帯びた白い羽毛が、全体をひきしめ気高い印象を与える。裏彩色の手法を用いた、この美しいレース編みのように繊細な白は、何度見てもため息が出る。（裏彩色のことは第1期に説明があります）江戸時代にはハートの形に特別な認識はなかっただろうけど白い羽毛の中で、あまりにも赤と緑が美しく象徴的かつ官能的で何ものかの発露を想像させる。「向日葵雄鶏図」、朝顔の紺と白、鶏の尾の白と黒、羽毛の白と茶、ツートンの不規則なボーダーが呼応しあっているのが印象的。ひまわりはかなり渋い色づかいで、鶏の鮮やかさが際立っている。「大鶏雌雄図」、交差し振り向きあっている雌雄の鶏、色鮮やかな雄に比べ、雌は黒一色できりっとしている。マットな黒があいかわらず端正で上品で美しい。若冲の黒は本当に好きだ。この作品は「動物綵絵」の中では珍しく背景はなく、いや、すっと一本斜め下から地面の線が入っているだけで通常描かれる植物や月や他の動物などがまったく描かれていない。こうした極限まで背景を省き、しかし無背景にせず一本ラインを入れる手法は私好みだなあ。また、今回は酒井抱一の「花鳥十二ヶ月」12枚も一挙に見られ、とてもよかった。先日の「プライスコレクション」でも同名同様式の作品があったが、月ごとに描かれている花鳥は多少異なっていたりしてこちらもじっくり堪能した。春から夏へかけての花々、桜、かきつばた、立葵、あじさいなどすっくりして気品があり、美しい。10月の柿の実と小禽の絵がプライスコレクションと同様、非常によかった。かわいい鳥のしぐさや表情と、柿の実の充実した色つやがなんとも言えず魅力的。こうした酒井抱一の味わい深い作品を見ると、なぜかとてもほっとし、日本人でよかった、と思う。環境は変わっても、こうした精神風土の中に今なお生きていることを感じる。第4期はやはり、1点1点質が高く、とても充実していて大満足だった。このあと、友人の出るミュージカルの舞台を見に吉祥寺へ。「花鳥～愛でる心、彩る技」第4期は皇居東御苑内・三の丸尚蔵館にて、7月8日(土)～8月6日(日)まで。その後展示替えして8月12日(土)～9月10日(日)まで第5期が開催されます。入場無料なので、ぜひ足を運んでみてください！第4期は特におすすめです！

  2006.07.22

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  プライスコレクション＠上野・国立博物館

  上野の国立博物館へ「プライスコレクション　若冲と江戸絵画」を見に行った。伊藤若冲をこんなにまとめて見られる機会も少ないし、海外からやってきた100点以上もの江戸絵画が見られるので楽しみにしていた。まずはやはり伊藤若冲、六曲一双の「花鳥人物図屏風」に感嘆する。打ちのめされる。力のみなぎっている充実した墨の黒色。ひょうたんを背負った仙人のほうっとした表情を描く淡い墨の色。コントラストがはっきりしている。仙人の衣をぐるっと一筆の楕円で描いてしまう大胆さ。植物の葉の力みのないのびやかさ。枝のしなりと呼応する鶏の尾。自在な筆さばきに目がくぎづけになり、心地よい波動を感じる。丸みを帯び、簡略化されたラインには、呼吸を感じる。こんなラインを描くには、呼吸と、緩急がすごく大事だ。三の丸尚蔵館で展示されている「動植綵絵」もくらくらするほど素晴らしいのだが、こういった墨絵の、生の呼吸の感覚は、緻密なカラーの作品群では味わえない。墨の濃淡と、見事なラインだけでこれだけのものを描いてしまうなんて。自然観察だけではおさまらない。事象のエッセンスを感覚的に独特につかんでいる。もののとらえ方の問題なのだろう。墨と筆を持つ者のはしくれとして、ただただ驚嘆し、幸福を味わいつつも遠くジェラシーを感じる。無力を感じる。酒井抱一「十二か月花鳥図」、日本の季節の情緒を正統的に表現しつくしていて、心が和む。半円形の空間に展示してあるのが、包まれているような感覚がして心地よかった。季節の花も美しかったけれど、私は10月の柿、11月の白鷺に雪のしぶき、12月のおしどりなどが好きだったな・・第4室はガラスケースなしで、光の当たり具合の変化によって、絵画も見え方が変わる楽しみを味わわせてくれる。ぜいたくな空間だった。狩野柳雪「春日若宮御祭図屏風」狩野柳雪「春日若宮御祭図屏風」、確かに光の加減でずいぶん変わる。朝の光のような白色光から、西日のような暖色の光に変わると、奈良の春日若宮御祭の行列の合間を覆う、金泥と金箔で描かれた雲や空間が、不意にまさに光そのもの、光に包まれた世界そのものとして浮き立ってくる。昔の人々の夢見た西方浄土とは、まさにこのような風景であったかもしれない。深く心に響くような、優しい懐かしい永遠の輝かしさ、憧憬。と同時に空（くう）、豊潤な空を感じさせ、その金色は幽玄でもの哀しく、栄えと滅び両極を象徴しているようだ。そこに描かれている祭りのかれこれを通り越して、光の移り変わりの中で、そんなものばかりをぼーっと見ていた。「プライスコレクション　若冲と江戸絵画」は上野の東京国立博物館にて、7月4日(火)～8月27日(日)まで。

  2006.07.17

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  闇の深さ、光の果てしなさ「高島野十郎展」

  「没後30年 高島野十郎展」を見に三鷹市美術ギャラリーへ。「没後30年 高島野十郎展」高島野十郎は、東京帝国大学の水産学科を首席で卒業しながらも、画家の道を選び、小さな個展を開くのみで地位や名声とは無縁の画家だったそうだ。晩年は特に人との交わりを絶って質素な生活の中で、ただただ自分の世界を追求し、彼の死後やっとその名が知られ始めたという。まずは、初期の自画像4点に圧倒されてしまう。この自画像群には、彼の物言わぬけれど、低いたぎる声が感じられる。力と、不遜なほどの視線がある。後に続く、初期の花や静物画はすべて自画像に見えた。暗く重く、息苦しいほどだ。ヨーロッパ旅行を経て、そのエネルギーが外界へ解放されるのを感じる。世界は野十郎を受け止め、野十郎も世界の風を受け止めたのだろう、せわしなく街から街へ流れつつも、彼の中に新しい風が行き渡ったかのような明るく筆の走るような作品を描いている。帰国後は、万物に等しく慈悲の光を、視線を注ぐ、彼が傾倒した仏教的な視線の感じられる幾多の風景画が花開く。「流」、"川の流れが止まって岸辺の巌が動くのを見た"というキャプションがついているけれど、確かに流れそのものよりも、両側の岩肌が生々しく、マッチョな肉体さえ連想させてしまう。「春の海」、有明の干潟。遠くにかすみがかったように淡い山の稜線。手前の若草のやわらかな緑が美しい。これら、ヨーロッパから帰国後の一連の風景画、"慈悲としての写実"のなされた風景画は、黒がほとんど使われていない。密度の濃い、赤紫、茶などが基調となっている。全てが赤みを帯びている。雪でさえも、空でさえも。非常に細かく、丁寧な仕事ぶりが伺える。後期の静物群は、初期のものと違ってあたたかみがあり、重さ、深刻さは払拭され、なんともみずみずしくおいしそう。「桃とすもも」のしっとりした桃の肌。また、さくらんぼ、からすうり、すももなどは配置のセンスの良さが際立つ。すももなどは色鮮やかなビリヤードの球の集まりのようにも見える。色が心地よく踊っている。その後、最終章とも言える作品群が非常によくて、その世界に吸い込まれる。ずっと見ていても飽きない。ずっと見ていたい。「秋陽」、秋の大きな日差しと、光に打たれているやわらかい草々。赤茶の塊にシルエットになっている草むら。鈍色（にびいろ）の空。黄から橙へとグラデーションする光。しかし、ここではもはや色は意味をなさない。光と光を受けるもの、その存在だけでいい。光まぶされた草は、太陽の慈悲を浴びている小さな人間たちのようにも見える。あまりの光に、草々は驚きと畏敬にこうべを垂れ、そしてまた光のほうへ腕を伸ばしているようだ。「月」、初めてくらいに赤みを帯びていない作品を見た。今回のちらしに取り上げられている作品。いくつかの月の作品があったが、ちらし掲載のこの「月」が一番好きだと思った。闇がさやかな深い碧だ。さやけさと静けさ。「闇と光が拮抗している」とキャプションにはあったが、私には拮抗しているようには感じられなかった。月の光がもやめき、闇に溶けいる。もの言わぬ世界。「ろうそく」、目に焼きつく炎のまわりの赤。ゆらめき上昇する炎。逆に下降への意識を感じるろうそくと、影。ささやかなほむらが、吸引力を放つ。心の静けさ。光を見ながら、闇を深く感じる。ただひとり。静と動。ミクロの宇宙。生命よりも先立つ"存在"。ろうそくのシリーズは、晩年、繰り返し繰り返し描かれている。最後の小さな展示室をあえて暗くして、それら小さなろうそくの作品をぐるっと並べ、ひとつひとつの作品に小さなスポットライトを当て、闇の中でろうそくと向き合うことができるよう、心憎い演出がされている。太陽と、月と、ろうそく、それら光と闇の世界。ここには無言の問いと、宇宙がある。向き合う存在。中期に花開いた風景画のような、細かい事物を超越してしまったように感じられる。事物を超えて、光、闇、こうしてひとり"在る"こと、そんな"現象"そのものを抽出し、向き合っていたのではないだろうか。ひまわりを描いた作品の裏にこんな言葉を残していたという。「色不異色　空不異空　色即是空　空即是色」彼は世間から遠く離れ、ひとり内面の宇宙を見つめ続けていたのだろう。その一端に触れることができたが、果たして私は、彼の言葉にならない深いものをその井戸から汲むことが真にできただろうか・・・彼の作品に問い、自分に問う。「高島野十郎展」は三鷹市美術ギャラリーで、2006年6月10日(土)～7月17日(月)まで。またまたアップするのが遅くなったので、もう終了ですね。ゴメンナサイ(>_

  2006.06.25

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  高野潤写真展「天空のインカ」

  「これが板橋の狩野派だ！」を見たあと、品川のキヤノンSタワーにある、ギャラリーSにて高野潤写真展「天空のインカ」を見た。霧のかかるマチュピチュ遺跡。地上絵のようにも見える、幾何学的で、なんとも不思議な同心円を描く遺跡。蒼い空に鋭角的に突き出している雪山の尖端には、なぜか胸がきゅっとなる。あまりに遥かで。碧の大河に草で編んだ吊り橋がかかり、そこを渡る危うそうな女性の姿、危険のまっただなかに生きる貴さ。厳しい高地で草を求めて、一斉に走るアルパカたちの光る白い体毛が美しい。血の匂いのする祭りに酔いしれる男たち、祈りの歌を歌いながら祭りの地まで行進する女たち。翼を広げゆうゆうと飛ぶコンドル──。民俗音楽をBGMにインカの、力強い自然と動物と人々の世界に浸った。自然の一瞬の表情には、人を寄せ付けない、慄然とするほどの神性を感じる。そこに行ってみたい、でも決して行き着けぬであろうその自然の大きさに自分の小ささ無力さを、いやおうなしに感じさせられる。こうした“畏れ”が信仰を生むのだろうとあらためて実感した。高野潤写真展「天空のインカ」は品川のキヤノンギャラリーSにて5月18日～6月20日まで。入場無料。

  2006.06.17

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  親しみやすい「これが板橋の狩野派だ！」展

  板橋区立美術館「これが板橋の狩野派だ！」展を見に行った。この展覧会は、とっつきにくい狩野派の絵画を「いい眺めだなぁ」「チャイニーズ・キッズ」など現代の感覚、庶民的な感覚でタイトルをつけなおして紹介するという、ちょっと斬新な試みがなされている。まずはお座敷に座布団が用意され、いくつかの屏風絵を座って直に見られるコーナーが設けられているので靴をぬいで上がってみる。狩野栄信（かのうながのぶ）の屏風絵、「家路」（本来のタイトルは「山水図屏風」）は、広い世界を感じさせてくれる。左端に夏の情景らしく山と滝、中央に秋の情景かな？おぼろ月と、海と島、小さく帆掛け舟。右手には雪の情景で、ざっざっと描かれた山の傾斜の様子、雲がもんやりかかっており、千鳥か何か小さく散り飛んでいる。旅人が帰途についているかのよう、小さな家も見える。背後のしっとりした雪山の頂上には何重かの塔がたち、この世界を俯瞰しているようだ。それぞれの情景の間は大きく空間が取られていてもやめきが広い時空のうつろいをあらわしつつ、ひとつの世界にまとめあげている。しばし座って遠い気分を味わった。私がもうひとつ気に入った作品は、河鍋暁斎（かわなべぎょうさい）の「釣れんのぅ・・・」で思わず笑ってしまった。本来のタイトルは「大公望図」で、身分の高い中国の人物が眉が一文字になるほど鋭い目をして川面を見つめているのが本来、何か政治や人生に関わる重大事を考えているだろうはずなのにほんとに「釣れんのぅ・・・」と、うなっているように見えてしまう。自在な激しい筆致が素晴らしく、タイトルを見ずとも目を引く作品だ。あともう1作品、すごく好きというのではないけれど、ちょっと特徴的で気になる作品があった。狩野宗信「花と鳥～室町風」（本来のタイトル「花鳥図押絵貼屏風」）、やわらかくグレーの色調で繊細に描かれていて、独特の雰囲気があった。その描き方が“室町風”ということなのかな？竹から、まあるいみみずくがちょこんとこちらをのぞいているのがかわいい。ところどころ狩野派についてのＱ＆Ａがわかりやすくパネル形式で紹介されていて、興味深く読んだ。室町時代から江戸末期まで、常に為政者の御用絵師として衰退することなく、戦乱になるといくつかに分散して、どこが次の支配者になっても家が続くように工夫したというから、かなりしたたかだ。また、どんなふうに修行し、レベルアップしていくか、普段の仕事はどんなものか、月にどれくらい仕事をするのかなど素朴な疑問に答えていて、非常に身近に感じられ、面白かった。「これが板橋の狩野派だ！」は、板橋区立美術館にて4月15日～6月25日まで。入場無料。このあと高野潤写真展「天空のインカ」を見に、品川のキヤノンSタワーへ向かった。

  2006.06.17

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  砂丘の写真集

  2年前、鳥取砂丘へひとり旅したときにお世話になったペンションのオーナーで、フォトグラファーでもある太田さんが、このたび写真集を出版されたという。案内をいただき嬉しくて、お祝いのメールを送り、さっそく写真集を申し込んだ。鳥取砂丘・・・砂丘の風景、懐かしいな。精神的に砂漠にいるような状態から、何か変わっていく予感がしていた時期で前から憧れていた砂丘へと、ひとり旅してみた。そうして旅した鳥取砂丘、倉敷の街、（四国の友人のお見舞いにも寄った）そこで出会った人やものにより思いがけず、強烈な思いがむくむくとわきあがるのを味わった。その第1歩目が太田さんとの出会いだった。「わたしの砂丘物語」撮影・文：太田憲治氏太田さんは日本全国を撮影旅行するうちに、砂丘の魅力に取り付かれ、脱サラして大阪から鳥取に移り住んだという筋金入りの砂丘マニア（？）赤々と燃える砂丘、異国的な風景だ。左の写真は風紋（ふうもん）、自然の造形美、二度と同じ形はない・・・右側の写真、砂が砂の上を滑り落ちる、砂簾（されん）という現象。雲間から日差しが一瞬、砂の上の一隅を照らす。ちょっと不思議な世界。日本海の夕日、目にしみるようなオレンジ色。懐かしい、太田さんの写真の数々、そして砂丘の姿。ペンションの食堂や廊下に飾られている写真がすてきで、じっくり見て回っていたら、たくさんのアルバムや、掲載されている観光パンフレットを見せて下さった。その夜は、太田さんと砂丘の魅力や写真の感想を話したり、撮影秘話を聞かせていただいたり、思いがけず遅くまで話が弾んだ。太田さんご夫妻が営んでいるペンションすまいるは、こぢんまりして、アットホーム。お夕食がたっぷりで、特に新鮮なイカがおいしかった！！さすが日本海！空港まで車でお迎えに来てくださったり、近くを案内してくださったり写真撮影の場所を教えてくださったり、とてもよくしていただいて感激(T.T)お客さんの混み具合にもよるけれど、私はラッキーだったな★そして翌日、念願の砂丘へ向かった。＜つづく＞

  2006.06.16

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  小雨の午後に若冲・・三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」

  「花鳥─愛でる心、彩る技＜若冲を中心に＞」の第2期終了まぎわ、小雨のそぼ降る中、三の丸尚蔵館へ若冲の「動物綵絵」を見に行った。「雪中鴛鴦図」、枝々と、鮮烈な雪のしぶきが印象的。枝が、枝という感じがしない。太い枝は画面分割の役割を担っているようだし、細い枝は縦に平行に垂れ下がっていて、自然ではない。まるでマンガの効果線のようだ。鴛鴦（おしどり）のまるい瞳が愛らしい。羽の、実にさまざまな色や質感が描き分けられている。椿の花だろうか？濃いピンクが目に鮮やか。水にもぐるもう1羽のおしどりは、お尻だけが見えている。水は背景色の緑灰色と一体化し、透明性が描かれていないので、水というより砂か泥にもぐっていくように見えてちょっとユーモラス。「梅花皓月図」、少し暗い画面なのは夜の図だからだろうか。画面をおおうおびただしい梅の枝と、花。それぞれの枝の二股のデルタの空間に、ほんのりと翳りがつけてある。なんとも細かい表現。細めの幹に付着している苔の青の妖しさ。幹には細い草のようなものも生え、それもりんりんと青い。その青は徐々に密かに、梅の木に増殖し蝕んでいくかのような、生理的に訴えてくる色だ。声なく月に吠える梅の木。狂気への入り口。「梅花群鶴図」、構図の面白さ！ユーモラス。ぱっと見、鶴が三体いるように見えるが、よく見ると六体いて、くっつきあってこちらの目をあざむく。センターの一体は、こちらにお尻を向けているという、茶目っ気たっぷりな構図。そんな鶴たちの間をかいくぐって、奥から顔をにゅっと突き出し、真正面を見る一体の鶴と目が合う。左端の一体の目は、諧謔あふれる流し目をしていて、ほとんどマンガのようだ。若冲の描く鶴の胴体はいつもまるまるしていて、マシュマロのようにやわらかそう。むにゅ～っとした感触を想像させる。「棕櫚雄鶏図」、交差しにらみ合う、白と黒の鶏の対比、緊迫感。背景のシュロの直線的な葉の造形の鋭利さと、2羽の鶏の間にあけられた空間とが、張り詰めた空気を強調している。あいかわらず鶏の白い羽の丁寧な彩色、黒の羽の上品な濃淡が美しく緊迫感と同時に安定感のある構図とあいまって、非常に明確な、インパクトの感じられる作品。「桃花小禽図」、幹の描き方が踊るような筆致。おっとりした桃色の、小さな花々がいっぱい。若芽が萌え、上へ上へとなびき、動きとリズムが感じられる。春の息吹のダンス。「菊花流水図」、不思議な構図。水の流れに、青緑の不思議な岩のような木の幹のような物体、空(くう)に浮いている菊の花。もはや宇宙のもの、かもしれない。ところで、今回は落款の押す位置もじーっと見た。走墨をやっていて、最近は作品ができると自分の印を押すのだが先生にアドバイスをいただかないと、印を押していい位置がいまいちよくわからない・・(^^;)走墨の場合は空間を殺さぬよう、位置を決めるのだが若冲の場合はこう画面にモチーフが詰まりきっているとどういう基準で押すのかな～と、そんなことも6幅見比べてみた。枝と枝の間とか、こんなところに！と思うような押し方もあって面白い。また、前回は見なかったけれど、今回は図説を見た。「旭日鳳凰図」という絵に目を奪われた。何だ、これは。あまりにもポップ！ポップすぎて、なんだかざわざわする。若冲という人は本当に、日本画とか日本国とか江戸時代とかそういう枠を超えている。これは第4期に展示されるらしい、今から楽しみだ。帰りも小雨の中、平川門へ向かって歩く。桜の木の下に、何が落ちてるんだろう？と思ったら、さくらんぼの枝だった。ほんのり赤い実が、美しくて。なぜいくつも枝ごと落ちてるのかわからないけど。平川門からつつじの庭とパレスサイドビルディングをのぞむ。門が絵の額縁みたい。小雨のグレーの景色の中、赤いつつじが映えていた・・・けど写真だと暗いなあ・・帰りに寄った落ち着いた雰囲気のカフェには私の好きなマリリンのモノクロ写真が飾ってあり、気に入った♪美術展のあとはこうしてカフェでぼーっと今見てきた絵の反芻をするのが、本当に楽しみだなあ。

  2006.05.27

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  「伝統からの創造～21世紀展」＆神社でランチ

  先日たまたま新聞の広告欄を眺めていて、新橋の東京美術倶楽部で「第六回 伝統からの創造 21世紀展」という美術展があることを知った。"現代日本の美術界を代表する作家百数十名による日本画・洋画・工芸の新作巡回展"となっていて、作家名がずらり！と並んでいて「お～っ」と思わず身を乗り出した。平山郁夫、中島千波、千住博などポピュラーなビッグネーム、また先日のサトエ記念21世紀美術館で知った藤井勉や山本文彦、羽田裕、大丸ミュージアムでも見た笠井誠一などの名前もあり、勤め先の近くだし、入場無料だし、嬉しくなってしまった。販売のための展示会だろうから、値段がついてたりするかなあ？と思いつつも、昼休み急いで駆けつけてみると、とってもブルジョアな雰囲気で、非常に場違いなジーンズ姿の私。ひろびろした空間、シンプルな白い壁に1作家1作品ずつ展示されている。明るいし見やすいし、椅子やテーブルも用意されていて、いい。新作なので作品保護のための暗い照明ではないんだろうな・・値段はついてなかったけど、出口に入札用の箱が用意されていて、その会の会員だけが入札に参加できる仕組みらしい。業者だったら証明書などを提出しなければならない。実際、住宅に飾ることが前提となっているからだろう、全体的に絵画は、15号、20号に大きさがほとんど揃えられ、画題も風景、富士山、桜、静物、女性の肖像、など穏やかな上品な、人口に膾炙するものに片寄っているため、ある意味、全体がひとつ調子で面白みにかけるような感はぬぐえなかった。そんな中でも私の気に入ったのは村上裕二「彼ら」という作品。アラブかモロッコか・・中東かと思うけれど白い階段、白い壁の前に白いターバンをつけた3人の少年が手前に座ってなにやらたくらんでいるのか、おしゃべりしている。上の階からは3人が乗ってきたのか、つれてきたのか茶色いロバが3頭いて、少年たちのほうへ話を盗み聞きするように首をのばしていたりする。遠くにはおとぎの国のような街、青い空がほんの少し見える。午後のゆったりした空気が感じられ、とぼけたようなロバたちも、少年たちも、少年の、脱いで下に落ちている靴さえかわいい。右手にある階段の手すりや飾りが浅緑であとは壁も階段もすべて白亜、しかもさまざまな色が下塗りされている、厚みと温かみのある白。冴えた白や緑の寒色と、ロバや背景の遠くの街並みの暖色が見事に美しく対照的で、異国的な日差しを心地よく感じ取ることができる。千住博「フォーリング・カラー」は唯一と言っていい、前衛的な作品。もしかしたら具象なのかもしれないけれど・・紅の色が滝のように落ち込んで、炎をあげているような構図なので普通なら情熱的に見えるはずなのに、なぜか非常に静謐な世界だった。笠井誠一「あけびのある卓上静物」、これもやっぱりよかった。これまで見た彼の作品とテイストは同じでも、なんだかだいぶ線が丸くやわらかくなっているように感じた。寒色系で統一されているのに、やわらかい寒色なので冷たさを感じさせない。彼の作品は、見るたびにだんだん好きになる。野田弘志「牡丹紅白」、すごい！非常に具象的な、リアルな作品なのに、構図と色彩が計算しつくされていて、一種抽象的エッセンスを感じる。抽象的というより、観念的、というのかな？色彩のリズムと、理性的な美を感じる。黒さえ孕んでいるような真紅の牡丹の、色の重さ、つややかさを白い牡丹のおおぶりなやわらかさと、控えめな白い花器が受け止め、さらに磨きこまれた台にそれらの姿がうっすらと映っている。カーテンのような布がその背後にあり、青鼠、薄い抹茶色、濃い灰色など、渋めの日本的な色彩の縞が紅白の牡丹をより引き立てている。こういう作品を見ると、具象もあなどれない、と思う。駆け足で見たけど、それでも出品数が多いので時間がなくなってしまい、残念！工芸作品などもあり、全部で120点以上出品されている。これで入場無料なんて、いいのかな？見終わってから、もうお店でランチする時間はとうていなかったので、近くの神社前の公園でコンビニのおにぎりを食べた。ここのところ雨続きだったのが、今日は晴れて緑がとってもきれい！久々の青空の下、木や集まってくる鳩を眺めるひととき。思わず神社を写真に撮りました。今日のランチは10分で終了～。1時間のお昼休みで美術鑑賞に行くというのは無謀とも言えるけど、すごくいい気分転換♪「第六回 伝統からの創造 21世紀展」は新橋東京美術倶楽部にて5月25日(木)～28日(日)まで。

  2006.05.25

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• 版画展「未来への贈り物 II」＠ギャラリーゴトウ

  会社の昼休みに小雨の中、銀座のギャラリーゴトウへ「未来への贈り物 II-Message from young print artists-」と題された、若手版画家5人展を見に行きました。ブログリンクしていただいている版画家の永井雅人さんが作品を出品されていて、初めて実物を見ることができました。数日前に体調を崩されたとのことで、今回は銅版画の新作が間に合わなかったらしく、ちょっと残念でしたが、グアッシュ、ラッカー、クレヨン、切り貼りなど多彩に使った2枚のドローイング作品は、力が感じられてよかったです。非常に抽象的で、さまざまな色が噴出し、ラインが奔放にあふれていましたが、その中でも特に、赤と水色の使い方が印象的でした。1枚は花と風の円環を感じ、もう1枚は人体にあらゆるパワーが巻き込まれるごとく、集まってくるような印象です。人体（と見えるもの）を縁取ったり、ほとばしったりしているクレヨンの強い水色は青木繁の自画像の赤いラインを思い起こさせ、あれと同様、まるで帯電しているような印象で、魅きつけられました。辛愛麻さんの作品群はおだやかな白の和紙に刷られておりとても興味深いものでした。モチーフの藍の美しさが鮮烈。その1つ1つのモチーフは抽象的だけれど、花や葉などの植物に見えたり、また貝殻のように見えたり・・でも実は身体の一部などをモチーフとしているそうで、驚きました。馬場都紀子さんの作品は、点描をさらに粒子化したような淡い淡い描き方で、版画にこんな手法もあるのかと初めて知りました。コップや折鶴、ボートなど、ありふれた具象的モチーフですが、空間の取り方、優しい翳りの表現などがデリケートで美しく、何か吐息のようなものを感じられ、心象風景なんだろうなと思いました。白い明るい部屋にぽつんとあったら似つかわしそうです。これまで私にとってエッチングはちょっと神経質な印象で苦手でしたが、若い作家の感性によってずいぶん印象が変わりました。「未来への贈り物 II-Message from young print artists-」は銀座のギャラリーゴトウにて、2006年5/15（月)～20（土)まで。

  2006.05.18

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• 走墨（そうぼく）と抽象表現

  昨夜はひさしぶりに家で走墨の稽古をした。このところ軽い風邪が長引いていて、いまいち集中力に欠け、途中さぼってネットしたりお茶を飲んだりしてだらだらやってたが、夜中になってやっと集中しだした。前回のお手本をさらう。はじめに大筆で漢字の楷書、次に小筆で俳句などかな混じりのもの1～2作品、そして先生の独創的なお手本を1～2作品やるのが、これまでのパターン。多少身体をつかって書けるようになってきて、あらためて実感するのは、ダンスとの共通性。呼吸の流れ、リズム、ラインの見せ方、脱力、強弱のアクセント、空間の取り方・・etc.紙の上で精神が筆というシューズをはいて踊るのだ。集中してしかものびのびと楽しく踊れると、生き生きした作品になる気がする。先生にとって「走墨」、私にとっては「踊墨」だ、と思ったりして。最近ではそのあとお手本の中から好きなものを、自分なりにアレンジして書く課題がある。自分なりに、となると発想力や感性が問われ、難しい。昨日はその課題に取り組んでいたときに、初めてと言っていいくらい、自分が抽象の空間へ少しだけ入り込んだような感覚を覚えた。なんと言ったらいいのだろう。書自体が、文字そのもののラインを美しく表現できるし、さらに走墨には文字を絵画的に書く要素はある。これまで私は、文字を文字として書いていたし、絵の要素をからめるときは、象形文字のようなイメージで書いていたと思う。しかし昨日は筆で「花」と「雲」を書きながら、そのラインとマッスは文字を離れ、具象的な絵としての形を離れ、「ただ在る」だけ、「ただ創られつつある」ものとしてそこに存在していた。そのものに私は1対1で正面から向かい合っていた。緊密な時間だった。夢から覚めたように、それを書き終えた。ただ無心に書いた、だけかもしれない。しかしもしかしたら、抽象の領域に入り込んだ、のかもしれない。そんな予感がした。ここ数年、抽象的なものに惹かれ続けてきたし、東西のさまざまな画家のラインを見てきた。また、筆で絵を描いてみたいと漠然と思っていたが、油彩画も水彩画も普通の書道も水墨画も、どれも求めるものと違うと感じた。2年前、偶然走墨と出会ってとりあえず始めてみたものの、やはり書が基本なので、今までの段階では、絵画的要素も書を離れることはない。それでも迷いつつ続けてきてよかった。憧れていた抽象表現というものにやっと触れることができた気がする。何を描きたいのか、何をどうしたいのかわからずにやってきたが、こういうことがやりたかったのだろう。恐らく、書く"もの"は何でもいいのだ、今は。課題となる文字のひとつひとつの中に、すでに抽象への因子がひそんでいるのだ。紙の白に、墨の黒。そして黒の濃淡の中にすべての色がある。意味を追ってはならない。"ただ在る"、それだけで美しいものを、心にくさびをうつものを創る。もちろん、筆を持ち始めて2年足らず、まだまだ人の鑑賞に耐え得るものにほど遠いかもしれない。でも自分の求めるものに近づけるのではないかという可能性を感じられた、嬉しい晩だった。どうやら・・・ささやかながら生徒の作品展開催が本決まりになったもよう。9月17日(日)～23日(土)の日程。無料ですので、興味ある方は見にいらしてくださいな♪近くなったらまたご案内します。この夏は特訓だーー！

  2006.05.13

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  プラド美術館展～スペインの誇り 巨匠たちの殿堂＠東京都美術館

  琵琶と琴の演奏を聴いたあとは、東京都美術館で「プラド美術館展～スペインの誇り 巨匠たちの殿堂」を見た。まず入るとすぐにエル・グレコの「十字架を抱くキリスト」がどーんと展示されていて、おおっ！と思う。「十字架を抱くキリスト」目の輝きに魅きつけられる。白いきれいな手と、ピンクの爪はほとんど女性のようで、受難者キリストとはとても思えない。目の輝きとわずかにほほえんでみえるばら色の唇、その表情は悲壮感や敬虔さより、むしろすでに魂の悦びさえ感じられる。背景の、茶と青で翳りを表現した雲の群れは、上へ上へ向かい、まさに昇天せんばかりだ。グレコの絵はこれまでそんなに好きではなかったが、これはとても印象的で、戻って何度か見てしまった。フランシスコ・リバルタ「聖ベルナドゥスを抱擁するキリスト」、どうやらこれは聖ベルナドゥスの夢想の図らしい。キリストにすがる、聖ベルナドゥスの恍惚とした表情と裏腹に、キリストの、哀しみの湛えられた、伏し目がちのまなざし。ディエゴ・ベラスケス「道化師ディエゴ・デ・アセド"エル・プリモ"」、ベラスケスは直に見るのはもしかしたら初めてかもしれない。ぺったりしている。黒─マネが傾倒したという─ベラスケスの黒はマットで浅く、温度を感じさせない黒だ。ホセ・アントリーネス「マグダラのマリアの被昇天」、宗教画には珍しい（宗教画をそんなに知ってるわけでもないけれど）夏のような濃い青の、空の色が非常に印象的。もくもくとした白い雲、強い白い光を受けるマグダラのマリア。ドラマティックな色彩の、コントラストの強さは、スペインならではなのかもしれない。遊びたわむれる天使たちがかわいくてほほえましい。ムリーリョ「エル・エスコリアルの無原罪の御宿り」、少女のようなマリア。やわらかそうな肌のかわいい天使たち。色も優しく、神秘的な雰囲気に包まれている。ただ残念なのは、この作品はやはりムリーリョ「貝殻の子供たち」などや、他の画家の作品とともに地下1階の最後の、溜まりのような空間に展示されている。プーシキン美術館展のときは、この小さな空間にゴッホ1点と、ゴーギャン2点が展示されていた。特別に入り口にアーチまでついていたと記憶している。特別な展示室のつもりなのか知らないけれど、こんな狭い空間の、三方に人気のある作品を展示したら混んで混んでしょうがないのに、何故いつもこんな展示の仕方をするのだろう。そう感じるのは私だけだろうか？今回の「エル・エスコリアルの無原罪の御宿り」などは大きな縦長の絵だし、離れてマリアを仰ぎ見てみたかったが、すぐ後ろに他の絵を見ている人がいるので邪魔するわけにもいかない。あきらめて、2階の階段の上から遠く眺めた。主催者側もレイアウト担当者も苦心しているのかもしれないけれど、一度、混んだ中で作品を全部見直してみてはどうだろうか。そして次回に生かして欲しいと思う。どんなに素晴らしい作品がきても、見やすい配慮がされていなければ気力も充実感も半減してしまう。作品たちもリスクを負って、はるばる海をわたってきたのに、魅力を十二分に発揮できなければ気の毒な気がする・・・ティツィアーノ「アモールと音楽にくつろぐヴィーナス（ヴィーナスとオルガン奏者）」、今回の展覧会の目玉の1つ。「アモールと音楽にくつろぐヴィーナス（ヴィーナスとオルガン奏者）」この作品は、いくつかのテレビ番組でも紹介されていた。風景にさまざまな愛欲のシンボルが散りばめられているというが、風景はあまり魅力的じゃない。平面的だし、唐突な感じに見えるので、窓の外の風景というより、大きな絵が部屋に置いてあるような、奇妙な感じを覚える。ヴィーナスは美しいけれど、何か気になるのは何も見ていないように感じる点だ。アモールと顔をつき合わせていても、その焦点はアモールを通り越している。目が合っていない。それがちょっと奇異に感じる。身体の、コットンのようなやわらかな描写に対し、顔は、美しいけれど固い冷たい陶製の人形のよう。アモールはヴィーナスの目をのぞきこみ、何か必死でささやいているように見える。声が聞こえてきそうだ「眼を覚ましなさい！」と。オルガン奏者もまた目がうつろだ。近づいてよくよく見ても、その目には輝きも生気も感じられない。ほとんど盲いているように見える。オルガンについているメデューサの飾りのほうがよほど力を感じられ、何か意味が込められているのかと思ってしまった。「ヴィーナスの美しい身体を見つめるオルガン奏者と、オルガンの音を聴くヴィーナス、これは"視覚"と"聴覚"の美の補完だという説があります」というようなニュアンスでテレビで紹介されていたが、そういうふうには感じられなかったな・・。すべての視線がずれている。盲（めしい）のようなオルガン奏者、ヴィーナスを見つめるアモール、美しい目を見開いてはいるが何も見ていないかのようなヴィーナス、そして目を合わせた者は石になってしまう、メデューサ。まあ、うがった見方をせずに、恋は盲目という言葉どおり、アモールが2人に恋の魔法をかけて盲目に陥らせてる図、と思えばそれはそれで穏当な、妥当な答えなんだろうな。ティエポロ「ヴィーナスの勝利」、ロシアの教会の天井画の習作だそうだ。当たり前だが、見上げる視点で描かれている。面白い！教会の天井画は、どうやって発想していったんだろう？と本や図説などで眺めるときはいつも驚嘆の思いがわいていたので今回とても興味深かった。センターが一番明るく描かれ、独特の遠近感。これが美術関係の本で読んだ、見ていると吸い込まれていきそうな「イリュージョニズム効果」ってやつかなあ。雲がペガサスの形になっていたり、馬車になっていたりしてそこにヴィーナスや天使たちが乗っている。そして変な翼のある男が魔法の（？）杖を持ち、落ちてくる図。「ヴィーナスの勝利」なのだから、きっと悪との闘いに勝利したのだろう。画面右下にも失墜したらしい大きな翼のはえた老人が倒れている。ゴヤは「魔女の飛翔」が、なんだかひっそりして小さいけれど、どきどきする絵本の1ページのようでよかったな。色彩も非常にデリケートに感じられた。東京でのプラド美術館展は、上野の東京都美術館にて3月25日～6月30日まで。

  2006.05.06

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• 琵琶の演奏を聴く＠東京都美術館

  上野の東京都美術館80周年記念祭のコンサート、この日は11時から、友人が琵琶の演奏で出演するので聴きに行った。東京都美術館は何度も行ってるけど、講堂に入るのは初めて。わくわく。かみて側の一番前に座ってみた。座席には、講演会や勉強会などに対応できるようにだろう、小さい折りたたみのテーブルがついていて、開演前までの手持ち無沙汰なときに、それをぱたんぱたんと出したりしまったりしていると、学生時代を思い出して懐かしさでいっぱいになった。コンサートが始まった。春らしい若草色の着物を着た友人は、琵琶と語りで「祇園精舎」や「壇ノ浦の戦い」などおなじみの題材を演じた。あいかわらず琵琶の多彩な鳴らし方は興味深いし、彼女の声もいい。共演の琴の奏者は白い着物を着て登場し、「さくらさくら」や現代曲などを演奏、最後に2人で「花嫁人形」「川の流れのように」の2曲を合奏した。途中、琴のチューニングがうまくいっておらず、本番中にチューニングをやり直すというハプニングがあったものの、（ちょっとびっくりした）会場は中高年の方が多かったためか、落ち着いて演奏に聴き入り、ときにはメロディにあわせて小さく口ずさむ声も聞こえたりして和やかな雰囲気だった。合奏のときには、同じ伝統的な日本の弦楽器でも、こんなにも音のニュアンスが違うものか、と改めて感じた。琴と琵琶はあまり合奏には向かないかもしれない。その違いを実感する面白い機会であったとも言えるけれど。一緒に演奏すると、琴はあくまでも長調的、メジャーな音質、そして琵琶はどこまでも単調的、マイナーな音だということが浮き彫りになる。琵琶には感情のふるえがある。琴は光とか、水、というような清色の音色なのだ。「川の流れのように」では少しそういった音質の違いからか、親しみ深い曲であるにも関わらず、なんとなく入りにくい感じがしてしまったが2番になると琵琶奏者の友人が演奏とともに歌い始め、会場の雰囲気が変わったのを感じた。潤いのあるいい声にお客さんが聴き入っただけでなく、もしかしたら、彼女の声が2つの異なる弦楽器のクッションの役目を果たしたのかもしれない。演奏が終わると、長く長く拍手を送った。彼女たちは日々、音の研鑽を積み、精進を重ねている、日本の千年もの伝統の音色を引き継ぎながら。そのこと自体が素晴らしいし、より活躍して欲しいなと思った。コンサート終了後、思ったほどは混雑してないようなので、午後から東京都美術館で開催中の「プラド美術館展」を見た。その記事はまたアップします。

  2006.05.06

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  ぜいたく空間で絵と向き合える！サトエ記念21世紀美術館

  先日、れおなるどさんのブログで紹介されていた美術館、サトエ記念21世紀美術館は田舎の実家から数駅のところにあると知り、母を誘って連休中に行ってみた。うららかな日差しの中、東武線にゆられて花崎駅で降り、母の日傘に2人で入り込み、のんびりとおしゃべりしながら田舎道を歩いていくと目印となる平成国際大学の立派な校舎の前に、それはひっそり建っていた。ネットで調べて行ったけれど、もしかして休館？？と思ってしまうほどひとけもなく、静かなたたずまい。門をくぐると池を配した庭園に彫刻作品がたくさん立ち並び、期待がふくらむ。館内への入り口前にはロダンの作品まである。太い柱と梁とに支えられた大きな吹き抜けのあるロビーは全体が明るい木目調で、広々として開放感あふれる空間。それに比べ、やや暗めの照明の3つの展示室へ入っていくときは、ちょっと穴倉に入って行くような感覚を覚えた。「開館五周年記念展」として、地元埼玉をはじめ日本のさまざまな画家の作品を展示、れおなるどさんの紹介どおり、確かに静かでぜいたくな美術館だったな。三岸節子「ブルゴーニュの麦畑」、吸引力、力がある。素晴らしい色彩感覚！ほんの少し見える深い濃い空の青、中景に麦畑の黄金色、うねるように描かれ、風が吹き抜けているのが感じられる。手前には家々の屋根だろうか、それとも壁だろうか、レンガ色の、重厚で直線的な建造物が描かれている。それは麦畑の曲線的な部分と対比的で、心地いい噛み応えのある作品になっている。抽象的、ダイレクト。荻太郎「きもの」「ショールの女」、どちらも正面を向いた女性の肖像だが、エキゾチックな目元、高い鼻すじなどが印象的。肖像画というより、理想の（或いはある特定の）女性の面影を追い求めているのかもしれない。笠井誠一「水差しと玉子と栓抜きのある静物」「キウイある静物」、見たことある画風だなと思ったら、やっぱり3月に見た「パリを愛した画家たち」展にこの画家の作品も1点出品されていた。こうやって少しずつ画家を知って、特徴を覚えていくのは楽しいことだなあ。ひどく直線的なテーブルの上に、ばらばらに置かれた静物の、ものとものとの間のそっけない感じは、ビュッフェの静物画を彷彿とさせるが、基調となる色が密度の濃い黄色や茶なので、とてもあたたかみがあり、ビュッフェの神経質なひんやりした感じと大きく異なる。むしろポップでおしゃれな感じに見える。藤井勉「なでしこ」「梢」「雪が降る」など、無機質な壁などの背景に、写真に近いような写実的な少女の肖像。藤井勉「なでしこ」油絵とは思えないほど日本的情緒にあふれていながらも無機質な背景が、現代的で硬質な印象を与えている。ややもするとイラストレーションのように、甘さ、俗、のほうへ陥りがちな少女の絵を、ぎりぎりのところで踏みとどまることに成功しているような印象。口当たりのいい作品群である。「梢」の、しゃがんで上を見上げる幼女は特に、もろくやわらかく、とても魅力的。藤井勉「梢」佐藤泰生「オペラ」「ベニス」、美しく目をひく。「ベニス」は中央にたっぷりのマラカイト・グリーンの水、小さく遊覧船やゴンドラがすべる。運河の両脇の建物、宮殿、塔などには赤、ピンク、茶色など暖色がにじみ、おとぎ話の世界のようだ。佐藤泰生「オペラ」「オペラ」は赤い背景にピンクのシート、客席に座る2人の女の絵で、周りの観客は赤の中に塗り込められてしまっている。女のうち、ひとりは正面を、ひとりはそっぽを向いていてオペラを楽しんでいるというより、物憂く何かに思いをはせているようだ。大丸ミュージアム「パリを愛した画家たち」で知り、好きになった浮田克躬（うきたかつみ）のかなり大きな作品もあって嬉しかった。浮田克躬「オーヴェルニュ高地の村」「オーヴェルニュ高地の村」、暗い茶褐色の空がまず重苦しい印象を与える。むき出しのとんがった岩山とふもとの小さな村の、夕景だろうか？はるかまで荒れた地が続くように見え、厳しい風土、その果て無さを予感させる。非常に鋭角的な絵だ。緑は暗く、ほとんど黒に近い。家々の屋根の赤いレンガ色、家の壁の白、岩肌の茶、色はほとんどそれだけ。しかし家々の白壁と岩肌が、夕陽に照らされているのか、不思議と光って見える。厳しい風土の中でひそかに光る希望のように。ここで生きる者たちの、心の規律から生まれる崇高さ、貴さ。そして理性、不屈の精神。岩山の頂上に立つ塔が、それらを象徴し、また村を統率しているように見える。その他、山本貞、田中保、小松崎邦雄、山本文彦など知らなかったたくさんの画家の作品を見ることができた。連休中なので、多少お客さんはいたけれど、それでも4～5組といったところで、作品を見るのにまったく支障がなく、気に入った作品の前でソファに座ってぼーっと見ることもできる。帰りに遅いお昼を、花崎駅近くのおそばやさんでとったらうどんもそばもおいしかったけど、量が多くてびっくり！おなかいっぱいで夕食を抜いたほど(^^;)"おすすめ！"って書いてあったから選んだけど、定食にしなければよかったなあ。男性にはちょうどいいのかも。「開館五周年記念展」は、埼玉県加須市のサトエ記念21世紀美術館にて2006年4月8日～7月2日まで。

  2006.05.05

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  至福のひととき！ブリヂストン美術館「雪舟からポロックまで」

  ブリヂストン美術館「雪舟からポロックまで」を見に行った。興奮した！時間が足りない！順路と違うけど、雪舟が見たかったので日本画コーナーから見始めた。書のコーナーでは、かながひらひらと流れるように美しい。特に片桐石州「桜の歌」がなんとも言えず滋味あふれ、絶え入るようなはかない美しさで素晴らしかった。雪舟「四季山水図」(一部)雪舟「四季山水図」は、四季それぞれの山の風景を描いた4幅の掛け軸で室町時代の作品なのに何故か、日本は変わらないんだな、と感じた。特に小さく描かれた建物を見てそう感じてしまった、不思議と。こういうところに自分も住んでるな、という親近感。山はまるで桂林のように突き出した急勾配な山で日本ではあり得ない情景だけど、さらっとした描き方が心地よい。松の木々は幹がうねっとしていて、うごめいているよう、生きているよう。円山応挙「牡丹孔雀図」円山応挙「牡丹孔雀図」、牡丹の花に2羽の孔雀。羽根の、瑠璃色に近い青の発色が目にしみるほど美しい。緑の繊毛のようなものが丁寧に描き込まれていて、ほんとにこうだよね、と納得。小学校のころ、飼育委員で孔雀の世話をしていたのだが、その緑のやわらかい繊毛の感触を思い出させてくれた。屏風仕立てになっているので、実際部屋ではどのように見えるのか実感したくてしゃがみこんで見てみると、左の岩上に立つ孔雀からは見下ろされ、右の首をかしげた孔雀からは覗き込まれる。首のひねり具合がリアルで気色悪い、こわいほど。私にとっては、円山応挙のすごさを初めて見せ付けられる1枚だった。中村芳中「四季草花図扇面貼交」、見過ごしそうになったけれどあらためて目にとめてみると、何とも味わい深い。草花一種ずつが扇の形の中に描き込まれ、それを何十も貼りあわせてある。葉のぼかし具合が面白いし、それぞれの花もかわいい。まるっぽい花はあくまでまあるく描かれていたりして、デザイン的である。ぽてぽてとした描き方で、見ていて和む。その後、印象派、後期印象派、象徴派、フォーヴィスム、エコール・ド・パリ、20世紀抽象絵画、など時代の変遷にあわせて展示されている。素晴らしい作品がいっぱいで、至福の思いを味わう。西欧の画家と日本の画家、分けずに同時に展示されているのが面白いと思った。カミーユ・コロー「ヴィル・ダヴレー」、森の中の小道、優しい光と影。クールベ「雪の中を駆ける鹿」、クールベにしては明るい画面。渋い水色の空、立ち込めてきそうな暗雲を見上げ、駆け抜ける鹿の力強さ。印象派はけっこう見飽きた感もあるのだが、今回、モネはいくつもいいものがあった。モネ「アルジャントゥイユの洪水」、ひょろ高い木々、なみなみと横たわる洪水の水。空の筆致が、縦に縦に塗られている。手前の木は上を画面に断ち切られて、より高さを感じられる。洪水というと押しなべて水にのまれた横の図を想像してしまうが、あえて縦を強調しているようだ。高さへの志向。モネ「睡蓮の池」、近くで見るとそんなに感じ入ることがないが、離れて見ると驚くほど美しい。水に透明感がある。夕闇へ向かうピンクの光が上品で優しく、優雅に心を打つ。影は紫と緑という、あまり美しくない組み合わせなのに、これも離れてみると、何とも深みがあり、うっとりするほど。モネ「雨のベリール」、モネには珍しい？海の絵。私は初めて見た。雨、荒れる海、海の強めの青緑色が印象的。大気はほんのりすみれ色。モネ「霧のテームズ河」、モネのパステル画は初めて見たかもしれない。もやめいて、何かはわからないものたち。青い河と霧、桃色の日が河面にうつっている。夢幻の世界だ。浅井忠「グレーの橋」、びっくりして思わず駆け寄る。高島屋での浅井忠展に出品されていたのと同じ図だと思ったけれどでも微妙に水彩の色が違う。所蔵先が違う。先日のはピンク色が強かったが、こちらはベージュ、セピア色がかっており、甘い空気ではなく、秋らしい雰囲気をかもし出している。黒田清輝「針仕事」黒田清輝「針仕事」、黒田清輝はほとんど初めて見る。これまで黒田清輝というと、教科書的な、優等生的なイメージがあり、図説やテレビ番組などで見ても、さほど興味をもてなかった。しかし、この作品でそのイメージは吹き飛んだ！緑系の清色がふんだんに使われ、清廉さがあふれている。針仕事をする女性のスカートの、膝と膝の間で布が張り光っている様子、対照的になだらかにドレープとなり、たわんでいる側面のスカートの布の様子。光を受けた背後の白いカーテン。すがすがしい、光、光、光。画面のこちら側に、常に新鮮な感覚を湧き出させている泉のよう！モロー「化粧」、サロメの踊る前の身支度の様子だろう。いかにも物語が始まりそう。緑、赤、黄、強烈な色彩に彩られた衣装。感覚を刺激する。赤は衣装だけでなく、肌の部分にもほどこされ、血を思わせる。まさに血塗られた王女。ゴッホ「モンマルトルの風車」、この地へ赴き、この風車を見たくなる。暗い青灰色の羽板が魅力的に映る。固くて四角い風車小屋の中に入って、守られたい、安息したいという憧れがわく。淡い水色の空に、塗り重ねられた薄い雲。その筆致は奔放で、自由を感じる。爽快感を感じる。第4室から第5室へ向かう入り口では青木繁「わだつみのいろこの宮」と藤島武二「天平の面影」、この、ともに日本の神話に題材を取り、ともに重要文化財であり、ともに掛け軸のように縦長の洋画が、呼応し合うように両脇に掲げられていてその間を通って移動していくのは、なんとも贅沢な計らいだと感激した。藤島武二「東海旭光」、マラカイトグリーンの海と空。茶褐色なのは空の一部なのか、それとも沈む太陽に照らされた雲だろうか。色彩が日本人っぽくない感覚があって面白い。ルオー「郊外のキリスト」「ピエロ」、前回感動したけど、やっぱりいい！！この絵の前に立つと、心が高鳴り、そして落ち着く。いろんなルオーを見てきたけど、これまでのところ私の中ではこの2枚が最高。「郊外のキリスト」はあいかわらず家が、口を開けた人の顔に見える。遠くの塔と、白い月は何かを象徴しているようだ。色が深くとてつもなく重厚。そしてとてつもなく静かな世界。「ピエロ」は仏像のようにも見える。一緒に目を閉じ、想いをめぐらせ、瞑想へと誘われる。この2枚をもし家に並べたら、そのまま家の祭壇になるだろう。関根正三「子供」、彼も日本人らしくない、鮮烈な色使い。バタくさい。強烈なターコイズの背景に、朱の服を着、ばら色の頬をした色白の少年。目元の影を緑や青で表現している。茶髪なので白人の子供に見えるが、顔のつくりや、シャツに着物を重ね着している様子は、当時の日本人の男の子だろうと思える。緑や朱や茶、白など背景に多くの色を下塗りしてあるのが垣間見え、何かほとばしるものを感じる。クレー「島」、砂をまぜた石膏と油彩、とあってマチエールが味わい深い。点描と単純な線で、大地と島と海を表現しているようだ。七色の穏やかなグラデーションがあたたかく楽しい。太陽とおぼしき、ぼやけた赤の円が力があり、万物を照らし、色は交じり合って共存している。一切の無駄がない。これがクレーの世界観なのではないか。小さな作品だけれどここにすべてがある。藤田嗣治「横たわる女と猫」「猫のいる静物」、秀逸！フジタ展でたくさんの作品を見て、それでも、なおさらそう感じる。ブリヂストン美術館は本当に質のいいものを持っている。藤田嗣治「ドルドーニュの家」、前回前回気に入っていたが、今回改めてじっくり見て、新たな発見。左手に女の子の肖像画がかかっている。目つきがこわい。家の壁が乳白色だ。センターの壁にライフル銃がかかっているのも危うい感じ。9時25分をさす時計。ゆがんだらせん階段。つじつまの合わない暖炉上の棚。横の壁とのつながり具合を見ると、奥行きがあるように見えないのに棚に置かれたポットなどの影は、物体から離れて壁に写っている。テーブルに1つだけの皿。そこにうっかり座ったら、肖像画の女の子の視線を感じることだろう。謎と不可思議さと、何かの企みに満ちていて、それでいて静止した空気を感じる。藤田嗣治、本当にあなどれない画家だ。ビュッフェ「アナベル夫人像」、黒が強い！そして、切り裂くような紅。最近やっと、遠くから見てすぐビュッフェとわかるようになったのが嬉しい。3月にニューオータニ美術館に見に行く前はまだそんなに特徴をつかみきれていなかったけれど。現代抽象画では、スーラージュのどっしり重量感のある黒や、ザオ・ウーキーの輝きと懐かしさを感じる緑が美しく、印象的だった。見どころ満載の「雪舟からポロックまで」はブリヂストン美術館にて、2006年4月8日(土)～6月4日(日)まで。アップするのが遅くなったので、もう終了ですね。ゴメンナサイ(>_

  2006.05.02

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• 「ロダンとカリエール展」

  上野の国立西洋美術館へ「ロダンとカリエール展」を見に行った。昨年のプーシキン美術館展でとても興味を持ったので主にカリエールを見たいと思って行ったのだが、ロダンの作品や人生と、次々とらせん階段のように絡み合わせながら、2人の親交や共通性を感じさせる、ちょっと不思議な感じの展覧会だった。カリエール「母と子」、淡く彩度の低い緑、茶・・彼の基本をなす色だと思う。この作品もそうだけれど、カリエールには、茶褐色のうねるような筆致の中に、人物の肌が浮き出てきたり、人物どうしが親密に溶け合って一体化している描写が多く、特徴的。カリエール「アルマ広場でのロダン展ポスター」、2人の親交をダイレクトに示すわかりやすい例。デザイナーとしてのカリエールを垣間見ることができる。カリエール「胸像に向かう彫刻家」、背景に塗りこめられていて一瞬それとはわからないが、じっと見てると、横顔や手や胸像が浮かび上がってくる。暗闇に目がなれるのと似た感覚を覚える。カリエール「鋳造家」、珍しくコントラストのはっきりした作品なのはリトグラフだからだろうか？遠くからぱっと見たとき、なぜか楽器を連想した。実際は労働者が力をふるって、金属を溶かす作業をしている絵なのに。滑らかな曲線がコントラバスとかチェロのような楽器のフォルムを、また金属の溶けて流れるさまが、音の流れを感じさせたのかもしれない。ロダンのブロンズ作品「彫刻家とミューズ」、非常に物理的に重さを感じさせる表現だ。座っている男の上半身に、半身をくと折ってのしかかるミューズ。耳元で何かささやきかけるように、男の肩に頭をのせている。ミューズの長い髪は波打って男の頭に流れかかり、からめとりまるで頭脳を支配しているかのごとく、一体化している。男は手で口を押さえ、顔をゆがめ、左側へ上半身を傾斜している。まるで芸術家であることの運命の重みに耐えているように見える。ミューズは女神というより、むしろファム･ファタールのようだ。これは彼自身の姿の投影なのだろうか。かくも力強く、評価も高い作品を多く生み出した彼の、知られざる一面なのだろうか。それに比べ、ロダン「ウジェーヌ・カリエール記念像のための習作」では、同じ芸術家とミューズを題材にとっていても、その趣はずいぶん異なる。男にのしかかっていたミューズは身軽な天使となり、翼をもち、立っている男の肩にきゃしゃな膝をそっとつき、上方からはすに男を覗き込むようにして、高みへといざなっている。習作だからか、ブロンズではなく石膏の小さな像なのでその白さがより軽やかさを感じさせる。ここではミューズに魅入られたことは、重圧ではなく高みへ飛翔する契機なのだ。カリエール記念像にそうした姿を描いたというのは、ロダンはカリエールをそのような芸術家とみなしていたのかもしれない。それはまた、芸術家としての理想像であったのだろう。この2作品を並べて展示されているのが興味深い。当時の政治家や芸術家などの肖像を並べたコーナーも興味深かった。ロダンとカリエールが同じ人物をそれぞれ描き、彫った作品で見比べてみると、どれも写実的だけれど印象が異なっていた。カリエール「瞑想～カリエール夫人」、ぼやけた白黒写真のよう。夫人が頬に指をあて、物思いに沈んでいるというよりは、精神が上昇していく様子を感じる。カリエール「母の接吻」、プーシキンで見たバージョンの「母の接吻」ではうねるような筆致が多用され、ムンクを思い起こしたが、こちらのバージョンの少女は、やはりムンクの初期の傑作「病める子」の少女の横顔を彷彿とさせる。頬のこけた病的な少女の横顔が痛ましい。腕も細く、手の甲の骨が浮き立って翳りが濃い。母の抱きしめる腕に身をゆだね、額にキスを受けつつ、ほとんど忘我状態に見える。こうした一連の母と子の作品は、体を密接に寄せ合い、身体と意識、感情の流れが一体化し、かたまりとなっているところがやはりロダンの彫刻作品と通ずるものがあると実感した。カリエール「夢想のための習作」、夢みるような雰囲気の女性の肖像。習作なのに詩情と気品あふれる作品。全体がセピア色で、描き込まれていない部分もあるが、その"抜け"もいい。カリエール「道行く人々（一連の壁画装飾の断片）」、見上げるほど大きな作品。どういう状況かわからないけれど、祖母らしき老女が左手奥に、中央が母親らしき女、右手前に子供が立っている。彼女らは歩いていないので、恐らく通りを行き過ぎる人々を見ているのだろう。道行く人々は着飾ったブルジョアの一行か、兵士たちの群れなのか、或いはシュプレヒコールを挙げる民衆なのか。それとも彼女らよりももっともっと貧しい者たちの行列なのか。それはわからない。老女は身体をはすに構え、憤り、嘆き、嫌悪、諦念などの入り混じった表情。右腕をだらんと落としているが、中央の女の後ろで見えていない左腕は、腰にくっとあてているのではないかと思える。中央の女はマントですっぽり身体を包み、マントに包んだままの手で口元をおおっている。まゆをひそめ、静かな様子ではあるが、怒りのようなものを冷たく凍らせている。マントによって目の前の一行を避け、身を守っているといった風情。手前の中性的な子供は、賢しげで、どこか諦念の備わった、無邪気さのない、冷めた大人びた表情。胸をはり、手を前でそっと組み、凛とした様子。しっかり前を見つめ、現実を把握しようとしているように見える。年代の異なる三者三様の姿勢と表情の違い、語りかけてくるものの違いが興味深い。身を寄せ合って生きているであろうこの3人が、茶褐色の濃淡だけで、一体となりながらも心の志向の違いまで際立たせて描かれていて、目をひく。ロダン「回復」、大理石の中から頭をもたげた人物の像。静かに両手をそれぞれ真横から口元へあて、まだ少し不安げに寄せられた眉をしているけれどすっくりと力みのない表情をしている。肉体の回復か、魂の回復か。ふと石の中から顔と両手先だけが浮かび上がり、何か、今生まれ出たかのような鮮烈な印象を受ける。なぜか、海を感じる。本当に不思議なことだけど。「ロダンとカリエール展」は上野の国立西洋美術館にて2006年3月7日(火)～6月4日(日)まで。このあと、常設展を見たのでまたアップしたいと思います。

  2006.04.23

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• 「生誕120年 藤田嗣治展」東京国立近代美術館

  三の丸尚蔵館「花鳥～愛でる心、彩る技」を見たあとは国立近代美術館の「藤田嗣治展」を見に行った。ずっと楽しみにしていたけれど、すごい混みように疲れた～。フジタというとパリで注目を浴びた、裸婦の肌の乳白色の表現、また私がいつも感嘆してしまう細く均一な輪郭線、それらに集約されていると思っていたが、今回実にさまざまな作品があり、意外さに満ちていた。初期の作品には、リアルな自画像や意外な風景画、モディリアーニを彷彿とさせる「二人の女」（実際モディリアーニとは親友だったらしい）など、まだ独創性が確立されておらず、手探りしている感じがした。次のコーナーに、パリへ渡って独自の世界を確立した裸婦像の一群とまた例の特異な風貌、おかっぱ頭にめがねにちょびひげの自画像。それらには必ずと言っていいほど猫が一緒に描かれていて、かわいい。フジタは非常に社交的だったけれど、それはパリで生き抜くためかもしれなくて実はとても猫的な自由さを愛した人だったのかもしれないな・・。細い均一な墨色のライン、彼にしか出せないといわれているあの乳白色、当時東洋人がパリで認められるには、壮絶な孤独な闘いがあっただろう、今では想像もつかないほど、かもしれない。南米旅行のあたりから色彩豊かに変貌していく。日本へ戻り、日本の素晴らしさに改めて開眼し、日本を紹介する映画までつくってしまったという。会場ではその映画をDVDの映像で流していた。最初のほうのパネルでもピカソなどを見て、衝撃を受け、それまでの画材を打ち捨てたというエピソードがあったが、フジタのこうした、出会うものに感激し、極端にのめりこむ姿は興味深くもあり、共感もする。帰国後の作品では、「Y夫人の肖像」カウチにもたれている夫人の横長の絵で、ドレスの質感が目をひく。ここでも数匹猫が描かれているが、よく見るとそれは背景のついたてか何かに描かれた猫なのだ。一瞬ちょっとだまされる（笑）十数匹の猫たちがじゃれあっている「猫」という作品、躍動する猫たちの動きの面白さ、それぞれの猫の毛の質感の描き方が素晴らしい。化け猫みたいにオーバーな表情も面白い。次のコーナーは一転して太平洋戦争を描いた戦争画4点が、四方の壁から迫ってきて圧倒される。フジタのまったく違った面を見せつけられる。中でも「サイパン島同胞臣節を全うす」にひきつけられた。バンザイクリフだろうか？追い詰められた日本兵と移住民たちの切羽詰った状況を描いている。まだ銃を持ち敵を威嚇する兵士、腹きりしようとする兵士、女たちは嘆き、あるいは赤ん坊に最後の乳をふくませ、慰めあったり祈ったりしている。すでに崖から飛び降りている者もいる。4点の大作はどれも赤茶っぽい褐色が基調となり、遠景や多くの死体などは判然としない描き方だったりして、墨色の線や、乳白色や鮮やかな色彩はここでは見られない。これらを描くのにはどんなエネルギー、そして彼なりの格闘があっただろう。再度パリへ渡り、そのまま帰化したフジタは、誰にも邪魔されずに描くことに没頭したかったという。「優美神」という3人の女神の絵は、珍しく明るい清色を使っていて、戦争画の強烈なパンチで重苦しくなった体には、牧歌的なほっとするような作品。ミレーやシャバンヌの（ちょっと違うかな？）神話的な絵を思い浮かべた。先日新橋美術倶楽部で見た「私の夢」も展示されていた。眠る裸婦とそのまわりを囲む、さまざまな扮装をした動物たち。この不思議な絵に「いったいフジタは本当に何考えてるんだろう？」と思っていたが、これは実際フジタが見た夢の情景だということを今回知った。今にも動物たちの爪が裸婦の肌を傷つけるんじゃないかと感触的な恐怖を感じるといったようなキャプションがあった。恐怖というよりは、ちぐはぐさ、不思議さ、動物たちの表情の面白さを感じるけれど。そして今回は同じモチーフで、後年の「夢」という作品も発見！これが素晴らしかった！眠っている女はよりしどけなく、ほとんど誘っているかのようだ。ここでは動物たちは、闇を背景に、ベッドの向こう側に身を寄せて頭だけのぞかせている。動物たちのひそひそ声が聞こえてきそうだ。女の投げ出された黒髪、心もち奥へ向けられた横顔、肌は得意の乳白色ではなく、香り立つような健康的な肌色、ちょっと神経質に感じられる細かな影の入った乳白色の肌よりこちらの肌のほうが、私は好きだなあ。体を形どるラインの見事さは健在で、むしろますます的確に女の体の輪郭を美しく描ききっているように感じられる。今回のちらしやチケットに取り上げられている「カフェにて」は、思ったよりずっと明るく美しく魅力的な絵だった。全体を覆う、黄色の雰囲気の美しさが印刷では出ていない。カフェのテーブルで頬杖をつく女、手紙を読んでいるのか、書こうとしているのか、インク壷と汚れた手紙がテーブルにあり、しばしこうして過ごしているのがわかる。ちょっとシニカルに左の唇をきゅっとひきしめていながらも、斜視ぎみの瞳が、女が放心状態にいることを示している。「ジャン・ロスタンの肖像」、うま過ぎる！と思ってしまった肖像画。自然科学者であるモデルの、眉間のしわ、固く結んだ唇、血管の浮いた手の甲、手にカエルをのせ、じっと難しい顔をして見つめている様子はユーモラスでもあり、自然のものすべてに好奇心と愛情と真摯さを持っているであろう人間性を感じさせる。子供を描いたコーナーがあり、最後に宗教画でしめくくり。こんなにたくさん宗教画を描いたことも、教会まで手がけたことも初めて知った。数多くの宗教画の中でも「マドンナ」、黒人のマドンナは意表をつかれた。親しみやすい表情のマドンナだった。まわりをぐるっと囲む天使たちも黒人の子供。子供のコーナーでは、少女や猫や天使、横顔など描いた染付けの皿がかわいく、センスがいいと思った。彼はこのように実用的なものもたくさん創ったという。今回は本当にフジタのいろいろな面を知る、貴重な機会だった。こんなに幅広い活動をしていたとは。乳白色だけでない、彼のあなどりがたい幅と深み、しかし深みのほうはまだまだ感じ取る余地があると感じた。それを体験するのはまたこれからの楽しみだ。「生誕120年 藤田嗣治展」は竹橋・東京国立近代美術館にて2006年3月28日～5月21日まで。

  2006.04.09

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