未音亭日記

全795件 (795件中 251-300件目)

< 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 ... 16 >

• 

  「等伯」 by 安倍龍太郎

  関東では冬晴れの好天に恵まれた先週末、我が方丈の庭のシンボルツリーとして南東隅に立っているヤマボウシ（樹齢20年？）を眺めたところ、葉が落ちた後に沢山の小さな新芽をつけた細かい枝が無数に青天井に向かって伸び放題です。昨年夏にはこれらの枝に盛大に葉が生い茂って道路側に垂れ下がるなど手を焼いたことを思い出し、ちょうど隣家が植木屋を呼んで庭木の手入れをしていたのを真似て、今が頃合いと枝払いを決行。初めは新調した高枝バサミでちょこちょこやっていたものの、一向に埒が明かないので道具をノコギリに持ち替え、木の上に登っての高所作業となりました（木登りなどウン十年ぶり、まさに年寄りの冷水）。さらに、ついでにと他の庭木の枝払いにまで及んだこともあり、最後はヘロヘロに。本日がその代わりの休みというわけです。ところで、このところ亭主が出張の移動時間などに読み耽っていたのが表題の著作。「等伯」とは16世紀後半の戦国〜安土・桃山時代に活躍した絵師、長谷川等伯（1539-1610）のことで、本書はいわば彼の伝記小説といったところ。等伯といえば、東京国立博物館にある松林図屏風があまりにも有名ですが、亭主の予備知識といえばせいぜいこの絵を知っている程度でした。等伯については比較的最近にテレビ番組で見た記憶があって調べたところ、2017年2月に放映された日曜美術館で取り上げられていたことも判明。実は、この番組には安倍龍太郎さんもゲストとして登場していて、件の小説が直木賞を受賞したことなども紹介されていたのですが、当時の亭主は無反応でした（内容もほぼ記憶になし）。ところがその後、偶然見ていた「法華経」を語るテレビ番組（「100分de名著」）の中で、講師である植木雅敏さんと共に登場し、この小説のクライマックスである松林図を描く場面が紹介されると共に、それが植木さんとの長時間にわたる法華経談義から生まれたという話を耳にし、法華経そのものへの興味も手伝って急に読みたくなり小説を手に取ることに。この小説を書くにあたり、安倍さんは等伯の足跡をとことん調べ上げたとのことで、実際読んでみると生地である能登・七尾から北陸をへて敦賀、琵琶湖、京都、そして大阪・堺と緻密な地理描写が光ります。また、等伯の作品は比較的若い頃のそれから晩年のものまでよく残っており、その生涯を作品で追って行くのにも好都合。戦国時代にあって文字通り波乱万丈、何度となく崖っぷちに遭遇する等伯の人生を安倍さんの筆で追体験しながら、仏画、肖像画から襖絵、屏風絵といった障壁画中の主要な作品の成立過程に立ち会うことになります。それにしてもやはり圧巻なのが小説の最後、「松林図」をめぐる章です。この誰もが水墨画の最高傑作の一つと認める作品、驚いたことにそれがどのような経緯で描かれることになったのかは詳でないとのこと（何だかあのモンテヴェルディのヴェスプロを思い起こさせます）。まさに小説家にとって最大の想像力（妄想力？）の見せ所であり、それゆえに最大の難所でもあります。これ以上はネタばれになるので詳細は控えますが、安倍さんは等伯が秀吉に対して自らの首を賭けて「これまで誰も見たことのない」絵を描く約束をする、というプロットを用意し、植木雅敏さんが法華経の教えとして紹介した「等覚一転名字妙覚」という言葉を胸に、等伯の内面世界と筆の動きを活写しています（まさに本小説の白眉）。この小説のもう一つの楽しみは、当時の時代背景、政治・経済の動静についての詳細な調べに基づいた人物や文物の描写で、イエズス会とその活動をめぐる記述も含め、信長や秀吉とその取り巻きの戦国武将、および彼らと公家の関係、さらには彼らと法華宗などの宗教勢力、堺を中心とした商人との関係など、亭主がこれまで知らなかった世界を覗き見る面白さがあります。さらに、スペイン本国の意向を受けたイエズス会が、日本を利用して朝鮮半島や明王朝の中国を植民地化しようとしていた、というような世界史的視点も用意されています。折しも同時代の音楽家ディエゴ・オルティスのことを調べていた亭主にとっては絶妙なタイミング。当時の日本にも伝わった音楽については皆川達夫氏の仕事などでも明らかになりつつありますが、絵画芸術についても同様で、安倍さんは南蛮貿易の輸入品の中にレオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロの作品の模写が含まれていた、という設定の下、等伯があのモナ・リザの模写を目にして空気遠近法の技法を学んだと読める妄想エピソードを滑り込ませたりもしています。こういった細部を眺めていると、狩野派や等伯に代表される絵画、利休の茶の湯といった芸術面のみならず、乱世という時代背景の下、ある種の高みに到達した仏教思想にも彩られた安土・桃山文化の厚みが、ヨーロッパの後期ルネサンス・バロック時代のそれに引けを取らないものだった、ということをこの小説は雄弁に語っているように感じられます。というわけで、色々な意味で大きな収穫を得た読書でした。

  February 11, 2020

  コメント(0)

• 

  レセルカータの謎

  先週、ディミニューション（スペイン語ではグロサ、イタリア語ではディミヌツィオーネ）というルネサンス・初期バロック音楽の装飾技法について調べているうちに、ディエゴ・オルティスの「変奏論」という本に行き当たったことを書き連ねましたが、その本の第２部には変奏を含んだ実例として「レセルカーダ（recercada）」と題された8つの曲の楽譜が収録されています。平尾雅子さんの解説によると、レセルカーダとはスペイン語で「探り求められたもの」「研究」を意味し（現代スペイン語では研究はinvestigación）、オルティスの著作の同時代のイタリア語版ではレチェルカータ（recercata）となっていることから、オルティスあるいは誰かがイタリア語のリチェルカーレ（ricercare）をモジった造語かもしれないとのこと。何れにしても、リチェルカーレという曲名がイタリアでフーガのような多声音楽のジャンル名として定着するのはもう少し後の話で、オルティスの頃にはそのような使われ方はされていなかったようです。ところで、亭主は数年前にアンドレアス・シュタイアーが弾くセバスティアン・デ・アルベロの「6つのレセルカータ、フーガとソナタ（Recercata, Fuga, & Sonata）」を聴いて以来、これらの作品にずっとハマっているのですが、その冒頭の曲に付けられた「レセルカータ（recercata）」という名前がずっと引っかかっていました。というのも、その後手に入れたアレハンドレ・カサルという演奏家による別のCDの解説記事にはアルベロの時代のスペインにおいては、レセルカーダ（recercada）という言葉は、1553年に出版されたディエゴ・オルティスの『ヴィオラ・ダ・ガンバ演奏の装飾論ならびに変奏論 （Tratado de Glosas）』にある歌や多声作品の弱導入部または変奏として用いられて以来、廃れてしまっていた。対照的に、アルベロにとってレセルカータとは、小節線を持たず、明確に即興的な性格（Ad libitum）を持った前奏曲である。それは我々に17世紀フランス・クラヴサン音楽やC.P.E.バッハの幻想曲におけるプレリュード・ノンムジュレを想起させる。とあり、末尾の「da」と「ta」の違いが単なる誤植ではなく、むしろレセルカータという曲名が何か特定の意図を持って使われていたことが示唆されていたからです。とはいえ、当時はオルティスという音楽家すら単なる名前以上のものではなく、レセルカーダという作品がどういうものかも知らなかったので、この謎めいた名前の由来を追求することは諦めていました。ところが、冒頭にも触れたように、偶然手にした邦訳の「変奏論」にはレセルカーダの譜面（訳者が総譜にしたバージョンも）が収録されており、これを眺めながら1月15日の放送の録音を聴き直すと、レセルカーダがアルベロのレセルカータとは似ても似つかぬ代物であることは明らかです。以上を素直に考えると、アルベロは同じスペイン人としてオルティスのレセルカーダは知っていたものの、（カサルの言う「言葉が廃れた」という次元ではなく）音楽的に全く別の意図をレセルカータという名前に込めていた、と考える方が自然です。そこでこの週末、オルティスの本をめくりながら、18世紀人であるアルベロに馴染みがあったと思われる鍵盤音楽のジャンルで彼のレセルカータと重なるスタイルは何か、とつらつら考えるうちに亭主の脳裏に浮かんだのがトッカータでした。つまり、アルベロはレセルカーダとトッカータ（toccata）という2つの様式を合わせ持ったオリジナルで斬新な音楽、という意味をこの名前に込めたのではないか？よく知られているように、トッカータとは「速い走句（パッセージ）や細かな音形の変化などを伴った即興的な楽曲」であり、アルベロのレセルカータはまさにそのような音楽の一つだとも言えます。音楽の内容で見るならば、レセルカータは小節線を含まず即興性の強い音楽という点でフランスのプレリュード・ノンムジュレに似ており、カサルが言うようにアルベロが実際にそれらから音楽的着想を得た可能性はあると思われます。一方、ネーミングについて言えば、自らの探求の結果として得られた新しい様式に対し、単に「前奏曲」では明らかに役不足。なので、それにふさわしい名前としてrecercada + toccata = recercataを発案した、というのが亭主のたどり着いた妄想です。（recercadaを借用した点については、先達であるオルティスに敬意を表する意図もあったかも。）何れにしても、「神は細部に宿る」。daとtaの違い、侮るべからず、です。また、アルベロが非凡な才能の持ち主だったことは、こういうところにも表れているように思われ、彼が早世したのは返すがえすも残念。さて、曲名の件はさておき、このところアルベロの作品にますます惹かれている亭主。今週末もト調と二調の「レセルカータ、フーガとソナタ」を（シュタイアーの演奏に少しでも近づこうと）それぞれ２ラウンドも「練習」してしまいました。（肩こりが収まらないのはこれが原因？）

  February 2, 2020

  コメント(0)

• 

  ディミニューション

  先々週の朝の「古楽の楽しみ」（鈴木優人MC）の放送3日目、「教則本を書いた作曲家達(I)」というお題の下で取り上げられたのが、表題の装飾技法でした。日本語では分割装飾とも言われるようで、16世紀のルネサンス-初期バロック音楽の標準的な装飾奏法だそうです。ちなみに、放送ではガナッシ、オルティス、フランシスコ・コレーア・デ・アラウホという3人の音楽家が紹介されていました。この音楽用語、亭主にとっては初めて耳にするものでしたが、この時代のマドリガーレなどでよく現れる素早い装飾的なパッセージのことがピンと来ます。そのような装飾法にレッキとした名前があるということに大いに興味を掻き立てられた亭主、放送後に色々と調べ物をすることに。まずネットで「ディミニューション」とググッたところ、検索結果の先頭に出て来たのがS音楽大学のオンラインスクールのページです。用語についての簡単な解説に加え、実演（リコーダーとハープシコードによる）の動画付きでアップされているのでとてもわかりやすく親切（こちら）。とはいえ、もう少し詳しく知りたいものと思いさらに調べていくと、何とオルティスの著作の邦訳（邦題もズバリ「オルティス　変奏論」）があることがわかりびっくり。しかも訳者はヴィオール奏者としても著名な平尾雅子さんとくれば、これは何としても中身が知りたくなります。この邦訳、2010年にアルテスパブリッシングという出版社から出たものの、既に版元品切れ状態でしたが、よく調べると「オンデマンド版」というのが手に入るとあります。そこでモノは試しと、「ホント」という名前のハイブリッド型総合書店（！？）とやらに利用者登録して注文してみたところ、数日後に宅急便で到着。表紙の中央に小さく「オンデマンド版」とある以外はフツーの本でした。（これなら出版社も在庫を抱えずに済むし、一度に少部数しか出ない本にぴったりな出版形態です。）さて、オルティスの著作ですが、何と言っても訳者による解説記事が大変に充実しており、この時代の音楽に興味がある読者には必見の著作です。訳者の専門がヴィオール（ヴィオラ・ダ・ガンバ）なので、自ずとこの楽器に関する記事が多いことはさておき、その他の楽器や演奏習慣など、様々な事柄が語られており、まさに同時代の音楽に関する情報の宝庫です。ちなみに、旋律楽器用のディミニューションについて、最初の詳しい論文を物したのはヴェネチアで活躍したシルヴェストロ・ガナッシで、彼の「フォンテガーラ」と題された著作（1535）にはリコーダーの演奏における装飾法が書かれているとか。（優人氏も番組の冒頭で紹介していました。ちなみにS音楽大学の実演がこれに対応？）一方、オルティスの「変奏論」はディミニューションについての２番目のそれということになるようですが、オルティスは装飾法の例に加えて、デモ用に作曲した作品「アルカデルトの『おお、幸せな私の目よ』にもとづくレセルカーダ」を付録としてつけており、そのような実用例付きとしては最初の本になるようです。（放送ではこのレセルカーダの1番〜４番が流れました。）それにしても、16世紀の音楽理論書が邦訳で（しかも充実した解説付きで）読めるというのは実に素晴らしく、「いい時代が来たモンだ」と一人悦に入る亭主でした。

  January 26, 2020

  コメント(0)

• 

  ハプスブルク展

  昨年（？）はオーストリアと日本の国交樹立150周年だとかで、それを記念して表記の展覧会が開催されています。国立西洋美術館が会場とあって、およそ100点の展示物の過半は絵画、それもウィーン美術史美術館からの出展です。亭主が関心を持つ18世紀以前の音楽の舞台は、まさにハプスブルク帝国がヨーロッパの政治・文化の主要なプレーヤーだった時代。音楽の時代背景としても大いに興味をそそられます。しかも、ウィーン美術史美術館といえばヨーロッパ屈指の絵画コレクションで知られ、美術ファンにとり今回の展示内容は大いに気になるところ。そこで先週末、絵の鑑賞に耳の調子は差し障りなかろうと、朝一で耳鼻科を受診した後に上野に参上することに。（ちなみに、件の突発性難聴と思しき症状、薬が3日目ぐらいから効果を現し始め、今週末にはほぼ症状が気にならない程度にまで回復。ようやく音楽を元のように楽しめるようになりました。　　＼(^o^)／） さて、会場に入るなり亭主どもを迎えたのは「ローマ王としてのマクシミリアン1世」という絵でした。マクシミリアン1世といえば、やはりウィーン美術史美術館所蔵のデューラーの肖像画が有名ですが、流石にその来日は叶わず、というところでしょうか。展示作品は彼と同時代のシュトリーゲルという画家（あるいはその工房）の手になるもので、ウィキペディアの「マクシミリアン1世」のページにこれに似た絵が掲載されていますが、よく見ると別物で、右上の窓に描かれている外の風景が展覧会の作品にはありません。マクシミリアン1世はデューラーを贔屓にしていたものの、彼を宮廷画家として抱えるほどの経済的な余裕はなく、また神聖なローマ皇帝としての威光を示す凱旋門を建てたいと思うも叶わず、彼の版画で代用したことで知られています。一方で、その周到な婚姻政策でブルゴーニュ、スペイン、ハンガリーを領地に組み入れる布石を打ち、後の大帝国の基礎を築いたとされることから、彼の肖像画がこの展覧会の冒頭を飾ることになったということでしょう。（ちなみに、ハプスブルクのスペインはそれから200年ほど後のちょうど1700年、カルロス2世[近親婚の犠牲と言われる]で終焉し、太陽王ルイ[14世]の孫にあたるフェリペ5世に始まるブルボン・スペインとして今日まで続くことになります。ドメニコ・スカルラッティが仕えていたのもブルボン・スペインの宮廷でした。）もう一つの要因として、この頃（ルネサンス後期）から中欧でもデューラーをはじめとして世界的な画家が排出するようになり、展覧会を構成しやすいというメリットもありそうです。実際、この展覧会でもマクシミリアンの肖像は来られなかったものの、デューラーの油彩肖像画が１枚エントリーしています。とはいえ、亭主にとって最大の目玉はイタリアおよびスペイン絵画。数は多くないとはいえ、ジョルジョーネ、ペルジーノ、ティツィアーノ、ヴェロネーゼといったヴェネチア派の大御所の作品がお出ましです。（他にもマンテーニャ、ティントレットなど、日本ではまずお目にかかれないルネサンス後期-マニエリスム時代の絵画がちらほら。）さらには、あの突き出た顎と厚いい下唇というハプスブルク顔が冷徹に描かれたベラスケスの「フェリペ4世」、あどけなくも昂然と自己主張する「王女マルガリータ」の連作も見応え十分。これらに加え、こちらも数は少ないとはいえあのレンブラント、フランツ・ハルスやロイスダールといったネーデルランド絵画も。レンブラントなどはそもそも作品数が少ないので、彼の作品を間近で見れる機会は貴重です。（ハプスブルクのコレクションに基づくウィーン美術史美術館の収蔵作品の豪華さを垣間見る思いです。）以上の作品群に比べると、18世紀以降の作品は絵画自体としてはそれほど気を引かれないものの、今度は肖像画に登場する著名人達そのものに興味が湧きます。音楽関係では、例えばモーツアルトと交流があったルイ16世夫妻やヨーゼフ2世の肖像など。ところで、このブログを書くにあたり、10年以上前に読んだ中野京子さんの「名画で読み解くハプスブルク家12の物語」を開いてみたところ（例によって綺麗さっぱり中身を忘れていたので）大変面白く一気に再読。この本の終章近くを飾ったのが、ヴィンターハルターの「皇妃エリザベト」の肖像画で、実質的な最後の神聖ローマ皇帝となったフランツ・ヨーゼフの細君ですが、この展覧会では別の作家によるもう少し若い頃のエリザベトの絵を目にすることができます。これを眺めれば、中野京子さんの著作中にある「ウェスト50cm」という体型がどういうものだったか一目瞭然。一方、展覧会場ではあまりぱっとしない印象だった夫君フランツ・ヨーゼフの肖像画がこの著作の読後に気になり始め、改めてその記憶を辿り直すことに。いずれにせよ、大いに目の保養になりました。

  January 19, 2020

  コメント(0)

• 

  突発性難聴？（続）

  昨年暮れから左耳の調子がおかしくなっている亭主ですが、正月明けの週は多忙ですぐに病院に行くこともできず、週末は土曜日になってようやく近所のO耳鼻咽喉科を十数年ぶりに受診。まずは問診ということで、とりあえず「左耳で中低音の音が残響する感じで聴き辛い」、あるいは「プールで耳に水が入った後のような感じ」といった症状を手短に説明したところ、O先生は亭主の左右の耳の中を眺め、「鼓膜はしっかりしているね」と呟いた後、聴力検査を行おうということに。診察室の片隅にある2畳ほどの小部屋に入るよう促されました部屋に入ると、扉を閉める前にもかかわらず、すーっと雑音が小さくなり、無響室であることが分かります。検査は2通りで、通常のヘッドホンを使うものと、耳の後ろから額にかけてバネで挟み込む感じのヘッドギアを着装してのものがありました。後で調べたところ、後者は骨導聴力を調べるための装置のようです。（亭主は恐らく初体験。）いずれも「ピーピーピー」という音が聴こえたら手元のボタンを押す、というものですが、職場の健康診断と違うのは色々な音高の音でチェックされる、という点です。さて、かれこれ20分ぐらいかけて聴力検査が終わり、結果を出力した紙（オージオグラム）を見せてもらうことに。左耳の異常を訴える亭主を前に、O先生曰く「うーん、聴力という点では左右それほど差がないねぇ…」。実際、オージオグラムを眺めると、どうやら250 Hzあたりから低周波側でグラフが下に折れ曲り、聴力が下がっているように見えますが、その傾向は左右同じです。亭主が「突発性難聴じゃないかというひともいますが…」とカマを掛けたものの、「突発性難聴が両方の耳で同時に出ることは滅多にないからなぁ」と思案顔。ところで亭主のオージオグラム、左右の耳いずれも高周波側はほとんど一定になっており、これも想定外だったようです。O先生は年齢別の平均的な聴力曲線が描かれた表を見せながら「普通ならこういう風に年齢が上がるほど高音側の聴力が落ちてくるので、これだと逆の傾向ですねぇ…」と益々首を捻ってしまいました。ちなみに、この時見せられたのと同じと思しき図に亭主の測定結果（赤線、うろ覚えですが）を模式的に重ねて描くとこのような感じです。（なんだか「耳年齢が若い！」と言われたようで、亭主の「耳自慢」がまたムクムクと頭をもたげることに…）というわけで、あまり明確な診断には至らなかったものの、とりあえず内耳の機能を回復させるための薬というものをいくつか処方して頂くということで診察室を後にしました。その足で処方箋を手に薬局に出向いたところ、渡された薬は３種類（説明書きにATP錠、カリジノゲナーゼ錠、およびビタミンB12錠とあり）。このうちATPというのはアデノシン３リン酸とのことで、高校の生物で出て来たこと（エネルゴー代謝の鍵になる物質と教わったような…）を懐かしく思い出すとともに、それが薬として使われていることにびっくり。それにしても、風邪などで寝込んでいる時ならとにかく、（耳以外は）普通に過ごしている状態で、１日３回食後に薬を服用するというのは恐らく初めての経験で、なんだか急に「老人」になったような心境です。ところで、翌日の午前、亭主はなんと映画館に出向いて「スターウォーズ・エピソード9」を鑑賞することになりました。この映画、もちろんあの長大なシリーズの完結編ということで興味もありましたが、それに加えて近所のシネコンではIMAXデジタルシアターという3次元立体映像版で鑑賞できるとわかり、最新の映像技術がどうなっているか見てみようということで、連休も口実にして急遽出かけることに。ところが、予告編に続いてIMAXの3Dデモ映像が流れ始めると、映像だけでなく音響（独立5チャンネル）の迫力についても宣伝が始まり、旅客機の離陸時の轟音が流れたあたりから何となく不安になり始めます。（…もしかして本編もものすごい大音響なんかなぁ…）そして、実際始まってみると、場面のあちこちで耳を圧する大音響の爆音や効果音が響き渡り、亭主は思わず耳の穴に指を詰めることもしばしば。２時間あまりの上映が終わって映画館を出た後、しばらくは何となく耳が遠くなった感じでした。（これぞ突発性難聴？！）もちろん、3D映像についてはなかなかのもので、近景では数メートルを軽く超える奥行きが感じられます。（偏光メガネも大きめで、亭主のようにもともと掛けている度付きメガネの上から掛けてもほとんど違和感がありません。）なお欲を言えば、映像の精細度は2K相当ということで、映画館の大画面では若干不足している感じもします。というわけで、こうなったら（連れ合い曰く）IMAXレーザー/GTテクノロジーで観るしかない！ということに。このシステム、日本では東京と大阪２カ所にあるだけだそうですが、今度は耳栓を忘れないようにせねば…

  January 13, 2020

  コメント(0)

• 

  ベートーヴェンの時代精神

  昨年末、訳あって自宅書棚で洋書が集まっている棚（主に一般向けの科学本、例えばS.ホーキングの著作などがある）をかき回していたところ、大学初年に英語の授業で使った教材テキストがポロッと出てきました。「The Ascent of Man（注）」と題されたこのテキスト、ジェイコブ・ブロノウスキーの著作（1973）からその第8章「The Drive for Power」および第9章「The Ladder of Creation」を抜き出し、読解に必要な注解をつけたものです。前者は18世紀後半に始まった「産業革命」、後者は19世紀中頃に世に出た「進化論」に関わる歴史を著者独自の視点から解説したもので、理系の学生向けの内容として面白く読んだ記憶があります（当時の語学の授業の中では例外中の例外、そのせいでとってあった？）。とはいえ、流石に40年以上前で中身の記憶はほぼ失せていたこともあり、ページを繰り始めたところやはり面白くて一気に読んでしまいました。取り上げられた2章のうち、このところ亭主がよく聴く18世紀後半の音楽という観点から特に面白かったのが第8章です。いうまでもなく、この時代の音楽のクライアントは、当時没落しつつも依然として支配階級だった王侯貴族（封建制度と血統の申し子達）が中心。そのため、音楽家の活動の舞台である宮中のことばかりに気をとられがちです。が、ブロノウスキーによれば、その外側で「３つの革命」が進行していました。すなわちフランス革命、アメリカ独立戦争（「アメリカ革命」）、そして産業革命です。このうち前二者は政治革命として世界史的にもよくスポットが当たりますが、イギリスを中心に起きた産業革命がこれらと同列に語られることはまずないと思われます。ところがブロノウスキーは、この3つが実際にはいずれも「社会革命」であった、という統一的視点から産業革命を論じています。（ある種の唯物史観的な見方とも言えます。）ブロノウスキーによれば、産業革命は（他の2つに習えば）「イギリス革命」と呼ばれるべきだと言います。何故ならそれが実際「イギリス的な」革命だったからで、ここでイギリス的とは「田舎＝農村」に根ざしていたことを意味しています。具体的には、当時の主要な産業だった毛織物工業など（主に農村部で行われていた）の効率化が革命の実態であり、それが水車などの動力、運河掘削による輸送（いずれも農村部・田舎のインフラ）の効率化、ひいては蒸気エンジンの発明とその輸送への応用（蒸気機関車による鉄道輸送）によってもたらされたからです。ところで、この章のタイトル「The Drive for Power」出てくる「パワー」こそは、当時の時代精神を読み解くキーワードであるとブロノウスキーは言います。教材の注解者である橋口稔氏は、このタイトルを「動力を求めて」と訳していますが、時代精神という文脈では動力を「エネルギー」と言い換えた方が適切でしょう。何故なら、18世紀は「自然の中にある巨大なエネルギーを発見した世紀」だったから、というわけです。当時から知られていたエネルギー源としては風力、太陽光、水力、蒸気力、石炭火力などが挙げられますが、ちょうどこの頃になって科学者（今日的には技術者）はこれら「モノを動かす力(Power)」が持つ様々な姿の背後に何か一つの実態がある、という物理的洞察に到達します。それが「エネルギー」という概念です。特に重要だったのが「『熱』もエネルギーの一形態である」という発見でした。（多少専門的に言い換えると、「エネルギーは（姿を変えつつも）保存する」という洞察で、熱力学第１法則とも呼ばれています。）そしてこの「エネルギーの発見」は、科学や技術といった領域を超えて、広く人間活動の諸相に大きなインパクトを与えます。例えば文学の世界で起きたロマン主義。文学者が何故産業に興味を持ったかって？そうではなく、エネルギーの発見が「自然の見方」についての革命でもあったからです。それまでは「自然」とはそれ自体をありのままに受け入れるものでした。新しい見方では、自然は無限のエネルギー源、そこからエネルギーを取り出し、変換させる対象となったというわけです。同じ頃、エネルギーの担い手としての自然を象徴するものとして「嵐(storm)」という言葉がもてはやされました。ドイツでは文学の革新運動「シュトゥルム・ウント・ドランク（疾風怒濤）」（sturm=疾風）にも使われます。音楽においても、ハイドンはその影響をもろに受けたと思われ、先行するエマニュエル・バッハの「多感様式」もこの時代精神を反映したものと見ることができます。さらに（世紀を跨いで）、この新しい自然観は「人間」そのものにも向けられます。人間自身もこのエネルギーの担い手である、という見方です。つまり、なりたい自分になるためのエネルギー、人を色々な束縛から解放するためのエネルギーであり、まさにロマン主義の中心にある人間観（？）のように見えます。これはとりもなおさず、当時成長しつつあった産業の担い手である商工業者、封建制度や血統に頼らず、自らの知恵と努力で富を築く「市民」階級にフィットする人間観でもあります。（人間中心主義、という点ではルネサンスに通じるものがあり、そこで「人間」に対置されるものは「神」でしたが、こちらではそれが「アンシャン・レジーム」に置き換わった、というわけです。）これら18世紀末〜19世紀初の背景の中でベートーヴェン（今年は生誕250年）の人となりや音楽を眺めれば、それが何故あれほどの大喝采をもって迎えられたかがよくわかる気がします。これまで亭主は、ロマン主義をそれに先行する啓蒙主義・理性主義に対する反動、という見方しかしていませんでしたが、それが「『エネルギー』の発見がもたらした新しい自然観・人間観」に由来する、というブロノウスキーの見方は説得力があり、今更ながら大いに感心した次第。ふり返れば21世紀も既に20年。我が時代精神を表すキーワードは何だろう、と正月ボケの頭で思いを巡らすこと頻りです。（なお、ネットで検索したところ、彼の著作の元になったBBCの番組ビデオがYouTubeに落ちていたので、対応する部分[第７話]のリンクを以下に置きます。） https://www.dailymotion.com/video/x206z0e（注）このタイトル、C. ダーウィンの最後の著作「The Decent of Man（人間の由来）」（1871）のそれをモジったものと思われます。

  January 5, 2020

  コメント(0)

• 

  謹賀新年

  新年明けましておめでとうございます今年もまた古楽への旅が多くの楽しみや出会いをもたらしてくれますように

  January 1, 2020

  コメント(0)

• 

  突発性難聴？

  亭主はこのところ耳の聞こえにどうも違和感があります。普段の会話などでは気づかないのですが、音楽を聴くとどうも中音域で妙な（原音とズレた）残響のようなものが聞こえる感じです。そもそも何だか聴こえ具合が変だな、と思い始めたのはひと月ほど前。毎朝掛けっぱなしにしているFM放送で、ニュースの後に始まる番組のイントロで奏されるピアノの音が妙にくぐもってはっきり聞き取れない（音程がずれた残響交じりに聞こえる）ことに気づいてのことでした。初めは一時的なものかと思っていましたが、折に触れて聞こえるピアノの音が変な聴こえ方をするという症状は収まらず。今朝も２週間ぶりにハープシコードの調律を始めたところ、ちょうど真ん中のAあたりからの音について、左耳で残響のようなものが被った音に聞こえ、そのような変調が高音側に向かって１〜２オクターブ以上現れ続けるので、調律作業にだいぶ難渋しました。調律中に、左右それぞれの耳を順に指で塞いで楽器を鳴らしてみたところ、どうやら左耳の方で問題がありそうです。このところしばらく肩から首（特に左側）のコリが治らず、首をひねるのも辛い状態なので、もしかするとこの症状、ひどい肩こりの延長にあるびかも、などと勝手に理屈をつけていました。が、さすがに気になって夕方ネット上で症状を検索したところ、上記の症状はどうやら突発性難聴の所見と共通項があるらしいことが判明。例えばあるサイトでは、耳鳴り、圧迫感、音が耳障り、音がダブって聞こえる・響く、エコーがかかった（補充現象）などの症状で気づくことが多い病気です。別のサイトでは、急性低音障害型感音難聴という病名を挙げて、• 耳に水が入ったような感じ• 周りや自分の声が響く• 「ゴーッ」という低い音の耳鳴り　　などとあり、後半に書かれている症状はピタリと合っています。さらには、発症より1～2週間以内に治療を開始しないと治癒しない確立が高くなります。（聴力障害が高度の場合、入院治療を必要とする場合もあります。）と恐ろしげな警告があり、何とも不安になります。とはいえ、折悪しく世の中はちょうど年末年始の連休に突入。病院も当番医以外は開いていない様子。発症からひと月以上経っていることもあり、いまさら焦ってもしょうがないと開き直ることに。ちなみにこの病気、50〜60代に多いとのことで（こちらも符合）、原因としては「睡眠不足、ストレス、体の慢性的な疲れ、風邪など」とあり、「心や体の疲れが耳に来た状態とも言えます」とのこと。当然のことながら、治療の第一は「普段よりもゆっくり休む」だとか。というわけで、これから１週間ほどは、やはり難聴で苦しんだベートーヴェンやフォーレに思いを致しながら「寝正月」と行きたいところですが、どうなることやら…

  December 29, 2019

  コメント(0)

• 

  レオポルト・モーツァルト

  巷ではほとんど話題になっていないようですが、今年はレオポルト・モーツァルトの生誕200年だそうです。1719年生まれということは、ウィーン古典派を準備したバッハの４兄弟の一人、エマニュエル・バッハ（1714-1788）とほぼ同世代。息子のヴォルフガング・アマデウスが、ウィーン古典派を代表する音楽家として現代でもクラシック音楽界で絶大な人気を博していることに比べ、その父親がどういう人物であったかについて知る機会は限られています。そもそも、レオポルトは18世紀に出版された３大教本の１冊にも数えられる「ヴァイオリン奏法」を著すなど、そのキャリアの半ばまではひとかどの音楽家として高名だったのですが、今日ではそのようなことすらあまり知られていないのかも？実際のところ、亭主も有名な映画「アマデウス」（1985年）を見て、初めてこの親子の関係がどういうものだったかについておよそのことを知って以来、彼のことを天真爛漫な天才児と確執を演じる世故に長けた「ステージ・パパ」としか見ていませんでした。ところが、あの「バッハの四兄弟」を書いた久保田慶一氏が「モーツァルト家のキャリア教育—18世紀の教育パパ、天才音楽家を育てる--」（2014年、アルテスパブリッシング）という著作をものされているのを知り、「モーツァルトは人生に成功したのか、失敗したのか？」というコシマキの売り文句にも惹かれて早速注文。この週末に仕事で九州を往復する間にじっくり拝読しました。この本によれば、父モーツァルトの実家（「アウクスブルクのモーツァルト家」と呼ばれる）は製本師を家業とする職人で、レオポルトは長男として家業を継ぐことを期待されていたようです。ところが、本人はこの職業を嫌って弟達に任せ、自分はザルツブルクに出てイエズス会系の神学校で苦学生として神学を学び、末は聖職者になることを考えていたようですが、イエズス会で盛んだった音楽活動に感化されてか音楽を熱心に学び始めたようです。その後、父親の死という事態に遭遇、家父長としてアウクスブルクの実家の面倒を見ることを期待されるも、そのままザルツブルク大学に入学、神学や実験物理学（！）を学んだとか。とはいえやはり苦学が続いたせいか単位を落として大学を除籍になったところで運よく某伯爵の秘書のようなポストを得ることができ、その後宮廷副楽長の地位に就きます。要するに、家業を放棄するだけでなく、家父長としての実家からの期待にも背いて「なりたい自分」になったのがレオポルトだった、というわけですが、ここで久保田さんは、この人生行路が息子のそれと並行している点に読者の注意を向けます。つまり、ヴォルフガングも父親の期待、「どこかの宮廷楽長になって安定した収入と名誉・名声を得て、父親や姉の面倒を見る、という「ザルツブルグのモーツァルト家」の長男としての期待に背き、雇い主であるコロレド大司教に辞表を叩きつけてウィーンでフリーランス音楽家になってしまう、という生き方です。（ちなみにこの父子、それぞれの結婚についても実家の意向を無視したという点で共通だとか。）ちなみに、この著作で特筆すべき点として、当時の社会背景に加え、その中で女性が置かれていた立場についても詳細に議論しており、フェミニズム的な視点が持ち込まれています。具体的には、これまでほとんど語られることがなかったと思われるレオポルトの妻、あるいはヴォルフガングの姉ナンネルの生い立ちや生涯についての詳述が面白く、18世紀の社会の在りようについてより広いパースペクティブを提供してくれます。というわけで、往復の車中を全く退屈することなく過ごすことができました。

  December 22, 2019

  コメント(0)

• 

  アルトゥーロ・ベネデッティ・ミケランジェリの思い出

  その建物の前に立った瞬間、同じ場所で40年近く前に起きたショッキングな出来事の記憶が鮮明に蘇ってきました。あれは確か1980年の秋のことだったでしょうか。台風の影響（？）で荒れた天気の中、都心からいくつも電車を乗り継ぎ、初めて訪ねる神奈川県民ホールへと、最寄り駅の関内駅を降りてからも雨の中で道に迷いながらようやくの思いでたどり着いてみると、間もなくコンサート開演という時間なのになぜか人影もまばら。ホール入り口に近づいて見ると、本日のコンサートが中止になった旨を告げる小さな張り紙が１枚あるだけ…「え〜っ!!!??? そんなアホなぁ…」。ますますひどくなる風雨の中、やり場のない憤懣と落胆を胸に、濡れねずみになりながら来た道を引き返す羽目に。車中の暇つぶしにと抱えていたジュリアン・グリーン全集の1冊も雨水で装丁が傷んでしまい、まさに泣き面にハチの有様でした。亭主は先週後半、とある国際シンポジウムに参加するため、横浜は山下公園近くの「横浜シンポジア」（実は横浜商工会議所ビルの中の会議場）とその周辺に日参することに。その2日目、聴きたい講演の会場が隣接するもう一つの建物と分かり、商工会議所ビルを出たところでふと頭を上げたところ、目に飛び込んできたのが神奈川県民ホールでした。このホール、東京の南西部に住んでいるクラシックファンには比較的お馴染みの場所だと思われますが、当時都内在住（西武池袋線沿線）だった亭主にとっても、都心に数あるホールに比べれば随分と遠隔地でした。そんなところへとわざわざ足を運んだ理由は、かのミケランジェリの来日公演で唯一チケットが手に入ったのがこの会場での演奏会だったからです。もちろん、ミケランジェリがキャンセル魔であることは夙に有名で、この来日公演でも既に前科を作っていたようですが、直前のNHKホールでの公演が開催されたこともあり、亭主も油断していたのでしょう。かくして、このホールは最も期待を膨らませて赴いた演奏会のキャンセルを当日会場で告げられる、というショックとともに亭主の脳髄に深く刻まれたというわけです（笑）。その後、亭主の活動地域が徐々に千葉・茨城方面へとシフトして行くにつれて、横浜という街自体が全く縁遠い場所になり、特に県民ホールは再び訪れる機会がないまま幾星霜もの歳月が流れることに。にも関わらず、ホール正面に立つといまだに当時のショックをまざまざと思い出す自分に驚かされるとともに、人間の記憶の不思議さを再認識させられる経験でもありました。亭主に取りいまだ鮮明なミケランジェリの記憶として、もう一つ挙げられるのが上記より5年ほど前、まだ高校生だった頃に彼の演奏によるドビュッシーの「映像I,II集、子供の領分」を収めたレコードを初めて耳にした瞬間のことです。ちょうどその頃、この作曲家のピアノ作品に強く惹かれ始めていた亭主は、開業間もない自宅近所の小さなレコード専門店で偶然このLPを見つけました。この店では珍しく購入前の試聴ができるとあって、自宅より上等そうなオーディオ装置でかけてもらうことに。ヘッドホン越しに静寂の中から「水の反映」演奏が聞こえ始めた瞬間、その透明で色彩感あふれる響きに圧倒され、完全にイカれてしまったのが昨日のことのように思い出されます。（もちろん即座にお買い上げです。）その後しばらくはこの演奏に夢中になっていましたが、キズや埃でLPの音質が劣化したため、あの響きをもう一度としばらくして再販されたCDを購入して聴いてみたところ、昔の印象とまるで違っていて呆然としたことも思い出されます。亭主が思うに、ミケランジェリはグレン・グールドなどと同じく、「レコードの時代」におけるコンサートピアニストのジレンマと格闘した音楽家だったという気がします。このブログを書くにあたり、久々に件のLPジャケットを開いてみると、あの吉田秀和翁が、ライナーノートの中でいきなりこの問題に言及しているのを見て思わずニヤリです。演奏に完璧を求め、しばしばコンサートをキャンセルするミケランジェリがレコード嫌いでもあったことに触れ、常に完璧な演奏を繰り返すコンサートは、結局そのような演奏を収めたレコードを繰り返し再生するのと同じで退屈になる、と書いています。完璧な演奏の録音が、完璧な生演奏と矛盾する、という恐るべき罠。これはまさにグールドが「コンサートドロップアウト」した理由そのものです。最近は、クラシック音楽界でも古楽が浸透するにつれて演奏行為の機会性、コンサートの「一期一会」的な性格が重要視され始め、クラシシズムが求める「完全無欠な演奏」などというものは話題にもならなくなったようです。亭主が時間を置いてCDで聴き直したミケランジェリの演奏が全く違って聞こえたという事実は、「録音」ですら聴く側の人生経験とともに「変化」して行くことを意味しています。そもそも万人が常に認める完璧な演奏など、プラトンのイデアにも似てこの世には存在しないものでしょう。亭主はだいぶ前に、「レコード（CD）を再生すのは開封後１回きりで、それをあたかも一度しか聴くことができないコンサートでの演奏のように拝聴する」という流儀を披露された音楽評論家の記事をどこかで読んだ覚えがあります。今にして思えば、これぞ「正しい音盤の鑑賞法」なのかもしれません。

  December 15, 2019

  コメント(0)

• 

  CD棚の整理

  いよいよ師走、年末に向けての整理整頓・大掃除の季節となりました。夏休み（8月）に手をつけようとしたものの頓挫し、以来ずっと懸案となっていた未音亭リビングにあるCD棚の整理、他のことで忙しくなる前にカタをつけるべく、この週末に取り掛かることに。（この棚をいじるのはおそらく十年ぶりぐらいです。）件の棚、元はショーケースとして作られた木製家具ですが、それなりにコンパクトで再生措置があるリビングに置いてもサマになっているので、早くからCD用の棚を兼ねていました。配列は上から大雑把に作曲家の年代順に並べられており、当初はバッハ以前のものは数えるほどしかありませんでした。が、徐々にCDが増殖し、一番上のスペース（ここにCDを置くと暗くてタイトルが読みづらく使えない）を除いて最下段までCDで溢れかえる事態に。特にこの十年ほどは上段に置くべき18世紀以前の音楽家のCDのみが増え続け、仕方なく棚の手前の空いたスペースに平積みしていました。というわけで、これら平積みしてあるCDを縦に並べた場合に占めるであろうスペースをざっと見積もると、横幅で最大1メートル程度。そこで、まずは満塁押し出しとなるCD用に空いた棚を確保すべく、今はたまにしか使われなくなった2階の子供部屋の書棚の整理からです。こちらには以前の整理で既にロマン派以降のCDやDVDが移動してきていますが、当然のことながら余分なスペースは空いていません。そこで、これらのCDのすぐ下の棚に追加の場所を作るべく、そこを占めている古本の一部は紐で縛って納戸へ、あるいは紙ゴミへと仕分け・整理しました。また。棚には飾り棚スペースとして使われている部分もあるので、置かれているガラクタを収納スペースへ移動（これでは結局片付かないのですが…）。かくしてようやく移動先の空きスペースを確保したところで、音楽家の年代が新しい方のCDから順次移動です。今回の大移動では、最終的にシューベルト以降のCDが全て２階に引っ越すことになり、バロック以降でこの棚に残っているのはモーツァルト、ベートーヴェンあたりまでとなりました。全体の枚数としても、全体を年代順に並べるとちょうどモーツァルトあたりが真ん中となる感じで、要するにコレクションのほぼ半分が18世紀以前の音楽になったというわけです。これは、亭主の楽譜コレクションのそれにもほぼ対応しており、この間の趣味の大きな変化を再確認することに。ところで、このCD引っ越し騒ぎの合間でふと目に留まったのが、ジャルスキーによるクリスチャン・バッハの「甘い炎--忘れられたアリア集」です。彼の肖像をジャケット全面にあしらったこの音盤、おそらくジャル様の美声を聴きたくて購入したものの、当時亭主は作曲者のことを全くと言っていいほど知らなかったので、文字通り忘れられていたのでした。最近「バッハの四兄弟」を読んでクリスチャンのことにも興味を持ち始めていた亭主としては、この掘り出し物を改めて鑑賞。モーツァルトのコンサートアリアを先駆けるかのような音楽を堪能しました。

  December 8, 2019

  コメント(0)

• 

  ゴールトベルク変奏曲 by カークパトリック「再発見」

  先週週日朝のFMラジオで古楽番組の案内当番はBCJの鈴木優人クン。例によって５日間日替わりで色々なジャンルの古楽を取り上げており、後半の木・金曜朝は新大陸、あるいはスペインのバロック音楽とマニアックなプログラムが目を引きました。　さて、金曜日夜、いつものようにとあるTV番組（「らららナンチャラ」）を眺めていると、後半になってまたも優人クンが登場。この日のお題は「バッハ再発見」ということで、冒頭の掴みで「G線上のアリア」、次に無伴奏チェロ組曲、そして最後に取り上げられたのがゴールトベルク変奏曲。ここでの「再発見」者は何とグレン・グールド。彼が1955年に録音・リリースしたLP（もちろんピアノによる演奏）がクラシック業界では異例の大ヒットを飛ばし、この曲を有名にしたことは語り草になっていますが、番組ではそういうことよりもこの作品がいかに精巧な職人技で作られているかが話題の中心に。　そのような職人技の一つが、変奏3曲ごとに置かれているカノンの構造で、第3変奏から、第6、第9と2つの声部の音程差が1度（ユニゾン）、2度、3度と9度まで広がっていくように作られていることを、フリップや譜例、実際の演奏などで丁寧に解説してくれます。恥ずかしながら亭主はこのことを知らず、この曲のことをかなり知っているつもりになっていた亭主としては大ショック(^^;;;;)。　というわけで、この週末に気を取り直してカークパトリック校訂の楽譜を開き、彼の20ページ近い解説記事（荒木雄三訳）を調べてみると、カノンの構造についてはわずかに数行、「9つのカノンがあって、間隔を置いてユニゾンから9度まで続く。5度と6度のカノンは反進行であり、９度のカノンは、独立した第３声部を持たず、他のカノンの伴奏をつとめる形となる」と、実にさらりと触れているだけでした。　そこで、さらにページを繰っていると、左隅にRegistrationと書かれた2コラム幅の大きな表が出てきたのでよく見ると、Ariaと各変奏についてどのようなハープシコードのレジスター（ストップ）を使うかが具体的に指示されているのを発見。こんなものはこれまで見たことがなく、どういうレジスターを使うべきかいつも悩んでいた亭主としては、久々にテンションが上がりました。 解説の「III、楽器」という章を見ると、この作品の前提となっている楽器について「現在ベルリンの音楽大学に保存されていて、バッハの所有物であったとされている（おそらくは誤り）ハープシコード」への言及があり、２段鍵盤と4組の弦（16’、8’、8’、および4’）、4組のジャックを備え、下段鍵盤は16フィートと8フィート弦、上段鍵盤は8フィートを弾いているようです。レジスターの指示も、これを前提に「音楽の形式や構成がより明確になるような」組み合わせとして提示されているようです。　未音亭の楽器には16フィート弦付きといった特殊仕様ではありませんので、16’の指示は下段鍵盤の8’で読み換えることにして、早速カークパトリックのレジストレーションを試してみることに。その中で「オっ」と思ったのが第13変奏で、2つの鍵盤を用いるに際し、4フィートと8フィート（しかも後者は括弧書きで「Lute？」とある）の指定です。「ハテ…ウチの楽器、そういえば下段鍵盤で4フィートだけ鳴らすことも出来たかも…」とストップをあれこれ操作していると、それらしい音が鳴り始めました。ところが、いくつかの音では外したはずの8フィート弦も鳴っていることが判明し、十数本のプレクトラムを再調整することに。調整後にこの組み合わせで弾いてみると、下段4フィートと上段8フィートはいずれも弱音でバランスが取れ、件の第13変奏もこれまで聴いたことのない響きで弾けるとあって一人大いに悦に入っていました。　こうなってくると、カークパトリック自身がこのレジストレーションで弾いたのか知りたくなります。そこで、だいぶ前に彼の演奏の再販CDを購入していたことを思い出し、早速探し出して拝聴したところ、やはりこの楽譜にある指示通りにレジスターを変えている様子が手に取るようにわかりました。彼が使っている楽器はどうやらモダンチェンバロ（ノイペルト？）ですが、1959年と60年前の録音にも関わらず音も結構よく、レジスターを自在に駆使したハープシコード演奏の素晴らしさに改めて感動。（これに比べれば、グールドの演奏など…まぁ、やめておきましょう。）ちなみに前述の第13変奏、4フィートとリュートストップの8フィートで演奏しており、その面白い響きに感嘆。　それにしてもこの全音版楽譜（初版は何と1974年、元のシャーマー版に至っては1938年出版！）、おそらく国内のピアノ演奏者しか開かないであろう代物ですが、亭主も購入後30有余年にしてようやくその真の有り難みを発見するに至ったというわけです。（これもカークパトリックの先見性、そして優人クンの名解説のおかげ？）　　　　　　＊　　　　　　　　　　　　＊　　　　　　　　　　　　＊　ところで、先週土曜日の夕方、家事の合間に7時のニュースを聞こうとラジオをつけると、FM放送がN響定期演奏会の中継で塞がっています。そこでAM放送に切り替えてニュースを聞き、終わったところでFMに戻してみると、ちょうど演奏が終わったところでなにやら「…鈴木優人さんが客席に向かって挨拶をしています…」というアナウンスが流れてびっくり仰天です。「ナニィ？優人がN響を指揮しよるってェッ？ウソやろ？」という大珍事を見逃すわけにも行かず、結局演奏会後半のメンデルスゾーン・交響曲第５番「宗教改革」を生放送でじっくりと拝聴することに。というわけで、先週はすっかり優人漬けの１週間となってしまいました。　なお、この優人クンのN響指揮者デビューコンサート、亭主も後で色々と考えを巡らす機会になりましたが、それについてはまた改めて。

  December 1, 2019

  コメント(0)

• 

  第２の「糸巻きの聖母」byレオナルド・ダ・ヴィンチ

  今年はレオナルド・ダ・ヴィンチ（1452-1519）の没後500年とのことで、パリのルーブル美術館ではそれを記念した大展覧会が10月末から開催されているようです。（◎o◎）とはいえ、亭主がこの情報に接したのは「ダビンチ・ミステリー　第１集　幻の名画を探せ～最新科学で真実に迫る～」と銘打ったTV番組を見てのことで、迂闊にも今年がそんな記念の年とはまったく念頭にあらず。番組の放映自体は先々週の週末でしたが、「“万能の天才”の謎〜最新AIが明かす実像〜」と題された第２集共々この週末にまとめて録画で鑑賞しました。第１集で取り上げられたのは、「糸巻きの聖母」（「糸車の聖母」とも呼ばれる）と題された作品で、その真贋を最新のテクノロジーで鑑定する、というもの。実は亭主、3年前に江戸東京博物館で開催されたレオナルドの展覧会で同じ題目の作品を目にした覚えがありましたが（こちら）、その際に展示されていたのは英スコットランドのバクルー公爵が保有している作品で「バクルーの聖母」とも呼ばれているようです。それに対して、今回の主役は「ランズダウンの聖母」と呼ばれるもので、19世紀にランズダウン侯爵が保有していた絵だとか。ネットで検索すると、ウィキペディアでこの２作品について結構詳しい来歴などが紹介されており、その存在自体はだいぶ以前から知られているようです。ルーブルの展覧会では両者が並べて展示されるということで、専門家ならずとも大いに興味をそそられるというもの。番組でも２つの作品が比較検討されるシーンもいくつか挟み込まれており、それぞれについてレオナルドがどの程度深く製作に関わったと考えられるのか、鑑定で明らかにしようとしています。（このような展覧会は、美術館やその関係者にとっても準備段階で作品を詳細に調べる絶好の機会となるようで、TV番組はその様子に密着取材したもの。）鑑定手法の目玉としてクローズアップされていたのが軟エックス線によるイメージングで、これによって絵の具の厚み分布をコントラストとして画像化することができます。鑑定における主張のポイントは、レオナルドが多用した指で絵の具を延ばす「スフマート」という手法で、これを用いて描かれた絵では基本的に薄塗り（これをさらに指で延ばす）を何十層もの多層に重ねるため、絵の具の厚み分布がほとんどない、つまり軟エックス線イメージング画像ではほとんどコントラストが付かない（番組中では「絵が消える」と表現）ことになります。実際、この手法を「モナリザ」（明らかにスフマートが用いられている）に適用するとコントラストのない画像が得られるとのこと。で、「ランズダウンの聖母」はどうだったかというと、やはりほとんどコントラストが残らないことが番組中で示されていました。 ちなみにこのスフマート＋多層薄塗りという絵画技法、あまりに手間暇がかかる（これも彼の絵の作品数が極端に少ない理由とか）のでレオナルド以外の画家が真似する気になるとはとても思えない、ということで、彼が完成に深くコミットしたという証拠になるようです。ルーブルの展覧会では、同美術館所有の有名な3作や「糸巻きの聖母」など絵画７作品が集合していますが、いずれもこのようなエックス線画像などと一緒に展示されているとのことで、鑑賞者自らも真贋についての手がかりを目にすることができるという点でも従来にない新機軸ではないかと思われます。ところで、この特集番組の第２集は、第１集と違ってなんともお粗末な作りで亭主を大いにがっかりさせることに。謳い文句に「AIを使ってレオナルドの手稿を解析！」とあるので、あまり期待せずに見たところ予想通り。レオナルドの文章中に出てくる単語の使用頻度や単語間の相関を調べて何かを導き出そうとしたようですが、これは自然言語で普通に行われているコーパス解析と似たようなもので、特に「単語間の相関」についてはいわゆる慣用表現を抽出するような目的では有用ですが、それをもって思考の中身について手がかりを得ようというのはなんとも虫が良すぎる話です。そもそも、巷間喧しいAIの効用なるものについて、多くの皆さんはおそらく重大な誤解をしていると思われます。何かというと、AIが人間のように何かを「理解する」という大誤解です。現在流行のディープラーニングも含め、AIソフトが行なっているのは強化学習による「パターン認識」ですが、これはAIが画像のような複雑な対象をある基準にそって区別できるようになる、というだけのもの。AIが「飛行機」という画像を他と区別できるからといって、AIが飛行機という「概念」を「理解」したわけではないことに十分注意する必要があります。国立情報学研究所の「東ロボくん」プロジェクトが失敗した理由もここにあります。まぁ、番組ディレクターに多少同情的なコメントをすれば、AIにレオナルドの絵画・デッサンを学習させて、「レオナルド風の絵」を描かせてみる、という企画であればまだ面白かっただろうに、というところでしょうか。（もし同じ企画をやるのなら、せめて斎藤泰弘さんの「ダ・ヴィンチ絵画の謎」を読んでからにしてほしいもの。）

  November 24, 2019

  コメント(0)

• 

  ジャン=フランソワ・ダンドリュー 〜F.クープランの高弟

  11月も半ばを過ぎ、関東平野の秋も随分と深まってまいりました。未音亭の近所でも、日当たりのよい場所にあるイチョウなどは既に紅葉も終わって半分ほど葉が散っています。さて、依然として続いている17世紀〜18世紀前半のフランス・クラヴサン音楽探求の旅、先々月のシャルル・デュパール（Charles Dieupart）に次いで今度はジャン=フランソワ・ダンドリュー（Jean-François Dandrieu、1682頃-1739）です。生年（1681年としている資料もあり）から見るとラモーと一歳違いのほぼ同意時代人。とはいえ、ラモーが遅咲きの天才だったとの比べると、ダンドリューはいわゆる神童だったようで、5歳の時にルイ１４世の午前でクラヴサン演奏を奏上したということですから、同じような歳頃にマリア・テレジアの前でチェンバロを弾いたというモーツァルトを思い出させます。ダンドリューの名前を知ったのは、おそらくこの探求シリーズで購入したCDのいずれかのライナーノート中あたりだったと思われます。早速音源を調べてみると、予想通り手に入るCDは限られていましたが、ベティ・ブリュイラン（Betty Bruylants）という演奏家の比較的新しい録音（2002年）がまだ手に入ることを知り、先月末に注文しておいたところ先週になって到着。この週末じっくり鑑賞しました。ライナーノートやウィキの解説によると、この元天才少年、二十歳代の若い頃にクラヴサン曲集3巻を出版（1705年）していたものの、彼は後年それを「若気の至り」と思ったようで、20年ほど後の1724年になって改めて「第１巻」と銘打ったクラヴサン曲集を世に出しています。その後1728年、1734年と都合3巻の曲集を出版しており、これら（特にはじめの2巻）が彼の代表的な作品とされています。（ライナーノートによると、1705年の曲集は伝統的な舞曲集のスタイルだとか。）ちなみにこの出版のパターン、ラモーのそれと実によく対応しているところが面白いところ。ラモーも1706年に最初のクラヴサン曲集を出しますが（あのプレリュード・ノンムジュレや伝統的舞曲を含むなどルイ14世時代そのものと言ってよい作品集）、同じ1724年になって全く雰囲気の異なるクラヴサン曲集を出版しています。（亭主の1715年＝分水嶺説のもうひとつの裏付け？）さて、CDに収録されているのも主にこの第1、2巻からでしたが、一聴するなりすぐに感じるのは「あ、フランソワ・クープランの世界観だな」という印象。ちなみにクープランのクラヴサン音楽もルイ14世の没した1715年以降とそれ以前ではかなり雰囲気が違いますが、ここではもちろん後期のそれをさします。実際、これらのクラヴサン曲集の出版年から見ても容易に察しがつくというもの。ダンドリューは、年少の頃にルイ14世の宮廷に仕えていたジャン=バティスト・モローにその才能を見出され、彼を生涯師と仰いでいたようですが、一方でクープランを大いに尊敬していたようで、例えばLa Lyre d’Orpheeという作品はあの「神秘のバリケード」のような左右の手の音のズレが延々と続く独特の響きを聴かせる佳作。この曲も含め、全ての曲にはお題がついていて、性格的小品集のような曲集になっているところも似ています。なお、面白いことに、ブリュイランはこれらの作品を収録するにあたり、出版譜に掲載された順番に関わらず色々と並べ変えて演奏しており、言ってみればこのCD１枚が「ダンドリューの音楽帳からの作品による組曲」といった感じに仕上がっています。（実際、IMSLPから楽譜をダウンロードして眺めると、各巻それぞれ相当数の作品が収まっており、全部音にしようとするとかなりの長尺になりそうです。）ちなみに、亭主も早速手すさびをしようとファクシミリ版のPDFを開いたところ、例によって音部記号が17世紀風（？）で使うのを断念し、代わりに現代譜に清書されたものをダウンロードし直して遊んで見ました。（印刷するのが面倒なので、たまたま自宅に持ち帰っていたMacBookに入れて譜面台に置いて見たものの、画面が上下方向に狭くてすぐにスクロールする必要が出るためどうも使い勝手がよくありません。やっぱりGUIDOが要るかなぁ…）

  November 17, 2019

  コメント(0)

• 

  識者と愛好家のためのクラヴィア曲集 by C.P.E. バッハ

  久保田慶一さんの著書「バッハの四兄弟」を読み、この兄弟の作品を色々と聴いてみたくなった亭主、まずは最も気になる音楽家であるカール・フィリップ・エマニュエル（以下では単にエマニュエル）の作品、それも鍵盤作品を録音したCDを物色し始めました。ネット上で情報を集めたところ、どうやら「C.P.E. Bach Edition」（Brilliant Classics）という廉価版ボックスにP.J. ベルダー（最近は「ベルデル」と表記されることも多い）の比較的最近の演奏がまとまって収まっていることを知りゲット。先週ぐらいから聴き始めたところ、これが大変面白くハマり始めています。この30枚組のエディション、エマニュエルの作品をかなり網羅的に含んでいるようですが、そのうち９枚は鍵盤作品（協奏曲を含む）になっており、これからだけでも彼の作品の中での重要性がうかがい知れるというもの。残念ながら、前々回に触れた「変奏反復付きソナタ集」は収録されていなかったものの、亭主がそれに劣らず気になっていた表題の曲集全6巻がまとまって入っているとあって、まずはこれから聴き始めました。この曲集、正確には「識者と愛好家のためのソナタ・ファンタジア・ロンド集」と題されており、３楽章形式のソナタに加えてファンタジア、あるいはロンドと題された単楽章の作品がいくつも含まれています。これらのうち、つまみ食いのように聴いた限りで亭主が最も強烈な印象を受けたのが「ロンド」です。ロンドといえば、一つの主題的な曲とその変奏が交互に現れる形式（フランス・クラヴサン音楽など）を思い浮かべますが、エマニュエルのそれは「ラプソディー」と呼ぶ方がふさわしいと思えるほど変化に富んだ作品で、時に劇的な表現が聴くものを捉えます。もうひとつのジャンルであるファンタジアは、父バッハの影響を感じさせる数少ない作品で、18世紀以降の「ファンタジア」というジャンル名が想起する自由さ（以外と17世紀のプレリュード・ノンムジュレに通じる？）を体現しているように思われます。もちろん、３楽章形式のソナタも実に多彩な響きを持ち、とにかく聴く者を飽きさせないという意味ではスカルラッティのソナタにも通じるところがあります。それにつけてもこれらの鍵盤作品、全体として実にスポーティーで「カッコイイ！」というフレーズが目白押し。初期のウィッテンベルク・ソナタ集でも既に隠れもなかった彼の華麗な鍵盤テクニックが、これらの作品では文字通り全開です。それはハイドンやベートーヴェンを先駆けていて、なおかつ彼らに勝るとも劣らない、といった感じで、これらの作品が彼の「ハンブルク時代の精華」と称される所以も大いに納得。ちなみに、これはかなりの部分、ベルダーの目が覚めるような演奏にもよっています。彼はこの曲集の録音にあたり、フォルテピアノとクラヴィコードという２つの楽器を適宜使い分けていますが、いずれの楽器の扱いも実に的確で、音響的にも驚異的に素晴らしい響きが実現しています。（これがCD１枚150円〜200円で聴けるのは実に有難いところ。Brilliant Classics様サマです。）ここで亭主にフツフツと湧いてきたのが、「エマニュエルは現代の古楽、あるいはクラシック音楽いずれのレパートリーの中でもあまりに不当に無視されている！」という想いです。実際、この曲集の楽譜をググってみましたが、現代譜として出版されているものは無いに等しいようです。（そのうちベーレンライターあたりから出る？）こんなことになった理由は、19世紀の音楽シーンにおける父バッハの「復活」（メンデルスゾーンによるマタイ受難曲の再演など）と、それに引き続いて起きた彼に対する異様な礼賛にあったと言われているようです。とはいえ、父バッハの復活を促した背景が何であったかを考えると、亭主にはどうしても「これは国粋主義に流された独逸音楽史家の策謀ではないか」という妄想が湧いてきます。早い話が、「偉大なる独逸音楽の伝統」を描く上で二人のバッハは話を面倒にするだけだから、息子たちには消えてもらおう、と考えたのではないか。いずれにせよエマニュエル・バッハという音楽家、全面的に面目を一新して亭主の前に立ち現れ始めました。

  November 10, 2019

  コメント(0)

• 

  ジャン・ロンドー　チェンバロ・リサイタル in 東京

  昨日（11月3日）東京文化会館小ホールで催された表記音楽会、久しぶりに「生ロンドー」を見聞する機会となりました。今回は手回しよく半年ほど前にチケットを予約しましたが、このところ記憶力が低下中の亭主にとってはあまりに先のことで不安になり、リビングのカレンダーに大きな印を付け、下にチラシまでぶら下げておくことに。その甲斐もあってか、無事忘れることなく14時の開演を目指して会場へ出かけることができました。ごった返している上野駅前の人混みをかき分けてホールに入ると、こちらも結構な混雑です。（小ホールも満席となるとこうなる…）前回（2017年春）の日本デビューではバッハのゴールドベルク変奏曲一本勝負でしたが、今回の公演プログラムは多分本人が最も得意とするフランス・クラヴサン音楽。（どうやら主催者「アレグロ・ミュージック」の強い要望で実現した模様で、他の4公演は全てバッハ＋スカルラッティのみのプログラム。何やら特別感もあります。）開演時間から5分ほど遅れてステージに現れたロンドー、例によってラフな格好をし（腕まくりシャツにジーンズ）、トレードマークであるライオンヘアはポニーテールにまとめられています。載っている楽器もU楽器のジャーマン（ミートケモデル）と、会場から何から一昨年のデビューリサイタルの再現。短い拍手の後、楽器の前に座ると、少し間をおいてわらわらと緩やかなアルペジオのフレーズを弾き始めました。何やらプレリュード風ですが、どうもプログラムにあるラモーのそれではありません。「はァ〜ン、例によって即興の指慣らしを始めたな…」と思いながら聴いていると、案の定、途中からほぼ切れ目なくラモーのプレリュードに入って行きました。前半のノンムジュレ（小節線なし）の部分から後半に移ってもそれほどテンポが変わらず、じっくりと聴かせる雰囲気の演奏です。演奏はそのまま「新組曲集」のアルマンド、クラント、サラバンドと続きましたが、この3曲も中庸のテンポで、あの込み入った装飾音を実に自然な感じで弾き分けているのが印象的。ちなみに最初に奏されたプレリュードは、新組曲集より20年近く前に出版された彼の最初のクラヴサン曲集の冒頭にある作品ですが、ラモーはその後このようなプレリュードを残していないようなので、彼の作品だけで17世紀風の「組曲」を組もうとするとどうしてもこのプレリュードを冒頭に持ってくることになるようです。（例えばスキップ・センペによるラモーのCDでもこういう組み合わせになっています。）さて、17世紀風「組曲」ならこの後ガヴォットやメヌエット、そしてジグで締めくくるところですが、ラモーはここで「３つの手」というF・クープラン風のお題が付いた作品を置いています。ロンドーはここでガラリとテンポを変え、まるでスカルラッティ・ソナタのように手の交差が頻繁に入るこの曲を超高速で駆け抜けます。前半最後の「ガヴォットと６つのドゥーブル」（ヘンデルの向こうを張ったと言われる作品）もやはり猛ダッシュ。最後の２曲は彼の名人芸を誇示するかのような見せ場となりました。休憩後のプログラムは、フランス・クラヴサン音楽のレパートリーでは欠かせないF.クープランの作品が４曲。演奏の冒頭、「クラヴサン奏法」のプレリュードが始まると思いきや、またも違う音が鳴り始めます。これもどうやら即興（あるいは自作自演？）のようですが、今度はルイ・クープランのプレリュード風で結構イケてるな、と思いながら聴いていると、いつの間にか本題の曲が出てきていました。これはブログを書きながら気づいたことですが、続いて演奏されたアルマンド（「暗闇」、ハ短調）、サラバンド（「陰鬱」、ハ短調）、そして２つのシャコンヌ-ロンドー（「お気に入り」、ハ短調）は、最初のプレリュード（ハ長調）と合わせて関係調（ハ調）による一つの17世紀風「組曲」になっています。（またもセンペの例をとると、彼もF.クープランを取り上げた最初期のCD[1990年]で、これらと全く同じ作品を含む「組曲」を録音しています。）ロンドーの演奏はいずれも中庸のテンポでじっくり聴かせるスタイル。やはりF.クープランは洒落たサロン音楽としてじっくり（しっとり？）響かせるのが似合っている、ということでしょうか。さて、ラモー、クープランそれぞれによる２つの「組曲」の後、当日最後に取り上げられたのがロワイエによる２曲です。彼の「スキタイ人の行進」はハープシコードにおける名人芸的レパートリーとして有名ですが、今回はもうひとつ「敏感（La Sensible）」という亭主に馴染みのない作品も演奏されました。この曲、ラモーとロワイエを録音したロンドーのCD「Vertigo」にもなく、初めて耳にするものでしたが、同じロワイエの作品ではLa Zaïdeに似た感じの作りです。（ちなみに、ウジェル版の楽譜ではこの作品が最後から２番目、そして最後が「スキタイ人の行進」となっているので、クラヴサン曲集の最後の２曲という位置付けかも？）さて、「スキタイ人の行進」の演奏を彼の生演奏で聞くのは、前回のアンコール以来2回目でしたが、今回の演奏は前よりリラックスした感じで、自由自在に鍵盤上を走り回る爽快感が際立っていました。ところで、今回亭主が陣取っていた席は前方右側、彼の手元は見えませんでしたが、代わりにその表情を至近距離からつぶさに観察する機会に。演奏の間、ロンドーはほとんど鍵盤に目を落とすことがなく、表情や上半身の動きからは曲の中に没入している様子がよく伝わってきます。終曲の「スキタイ人の行進」でも、長大なアルペジオのパッセージでは明らかに目をつぶり、頭を大きく振りながら弾いています。その姿はまるでテレビで見る盲目のピアニスト、辻井伸行さんのよう。（要するに、このレベルに行くと「目が見える」かどうかは問題ではない？）楽器と一体になるとはこういう状態を指すのでしょう。また、ロンドーはアンコールも含め、全ての作品を暗譜で演奏し、これらのレパートリーがもはや体の一部（？）となっているようです。というわけで、今回も聴衆は万雷の拍手で彼の名演奏に応えていました。（なお、最後に気になったこととして、主催者によるプログラムノートによると、この演奏会ではフランスの大家の製作によるフレンチ・モデルの楽器が特別に用意される手筈になっていたところ、最後になって話が流れた、という記述が目を引きました。こう書かれると、ファンとしては色々な妄想がとめどなく湧いてきてしまいます。せめてコピー元の楽器が何だったか知りたいところ...）

  November 4, 2019

  コメント(0)

• 

  バッハの四兄弟 by 久保田慶一

  クラシック音楽の最初期といえば、誰でもすぐにモーツァルト、ハイドンといったいわゆるウィーン古典派の音楽家たちが念頭に浮かびます。彼らが活躍したのは18世紀後半から19世紀初めで、後期バロックの著名な音楽家たち（例えば1685年生まれの父バッハ、ヘンデル、スカルラッティなど）の活動期とちょうど入れ替わる感じになることもあり、音楽史的にはこれで話が済んでしまうと錯覚しがちです。が、当然この中間期に活躍した音楽家も数多くいたはずで、表題の本に取り上げられたフリーデマン、エマニュエル、フリードリヒ、クリスティアンの4人もまさにそのような世代に該当します。実際のところ、彼らを含む世代こそは、古典派以降の音楽を準備した世代でもありますが、これまでのところその作品や生涯を詳しく取り上げた著作はあまりなく、音楽そのものについても接する機会は限られているように思われます。そのような状況の中で、この著作はバッハ四兄弟の活動を通して18世紀中葉から後期にかけてのヨーロッパの音楽シーンをたどることができる、という点でも実に面白い内容になっています。この四兄弟の中でも最も著名なのがエマニュエル（C.P.E.・バッハ、1714-1788）ですが、この本を読んでまず思い知らされたのは、亭主が彼の音楽について如何に知らないか、ということでした。エマニュエルといえば、まず思い浮かぶのが彼の著作「正しいクラヴィーア奏法」（1753、1762）ですが、これは彼以前のバロック音楽における「お作法」の集大成という印象が強く、彼自身の音楽を語るものではないと思いがちです。一方、亭主が知っている数少ないエマニュエルの鍵盤作品としては、プロイセン・ソナタ集（1742年）、ウィッテンベルク・ソナタ集（1744年）などがありますが、実はこれらは彼の最初期の作品で、この本を読むと他にも膨大な作品が残されており、鍵盤音楽に限ってもいくつもの重要な作品があることを知ることになりました。そのような作品の中でも特に気になり始めたのが「変奏反復付きソナタ集」と題された作品です。（このソナタ集、1760年から1761年にかけて都合３巻出版されていますが、実際に表題通りに作曲されているのは1760年にでた最初の巻だけらしい。）なぜ気になるかというと、例えば二部形式では前半・後半いずれも一度ずつ反復して演奏するよう指定されることが多く（スカルラッティのソナタも然り）、反復に際しては演奏家が適宜変奏を加えることが期待されているわけですが、これがロクに知識もない演奏家によっていい加減になされていることにエマニュアルはフンガイし、自ら範を垂れることを意図してこれらのソナタを用意した、とのこと。これは、ある意味で先の「正しいクラヴィーア奏法」の実践版とも思われ、具体的な変奏の流儀を知る上で格好のお参考例になりそうです。その他にも、彼の晩年に書かれた「識者と愛好家のためのクラヴィーア曲集」（全６巻からなる）も全く馴染みがなく、その「多感様式」（文学における「疾風怒濤」運動に呼応した？）がどういうものか、大いに興味をそそられるところ。エマニュエル一人についてすらこの状況なので、他の三兄弟については推して知るべし、というところです。とにかく同じ音楽家と言っても、4人それぞれ活動の場もヨーロッパ各地に散り、辿った人生行路も様々。この本を読むと、そこに描かれた彼らの活動を通して18世紀中葉から後期に至る西洋音楽全体の変化を追体験することができます。それからもうひとつ、今年は東西冷戦終の結後からちょうど30年ですが、この間に旧東側からもたらされた新たな音楽資料により、バッハ四兄弟の研究も大きく進展したことが本書から伝わってきます。著者である久保田さんもこの進展の只中で活躍されているようで、亭主のような素人にもそのような研究の最前線での成果を伝えてくれる好著でした。

  October 27, 2019

  コメント(0)

• 

  岸田劉生展

  先週末に台風19号が関東から東北を襲ってから１週間経ちました。この間、各種報道から日を追ってその爪痕の大きさを思い知らされることに。とは言え、台風が通過した直後、14日の時点ではそのような甚大な被害が出ていることを知る由もなく、また当日午後の後半には神保町に用事があることもあり、ついでとばかり連れ合いと表記の展覧会に出かけることに。会場は東京駅にある「東京ステーションギャラリー」です。当館に足を運ぶのは６月にあった「メスキータ展」に続いて２度目で、今年は何だか妙に縁があります。当日お昼過ぎに東京駅に着いてみると、やはり台風直後のせいかいつもよりはずっと人出が少なく、昼食を取ろうと入った駅隣ビルのイタリアンレストランも閑古鳥が鳴いている感じです。これなら展覧会もそれほど人出はないだろう、とタカを括って会場に入ると、予想を大きく超えた入りにびっくり。思うに、先月末にテレビ放映された「日曜美術館」で取り上げられたことも影響しているのかも。（ちなみに、亭主のお目当ての一つである「バーナード・リーチの肖像」がこの展覧会で展示されているのを知ったのもこの番組だったことを考えると、前説を自らの行動で証明しているようなものですが…）さて、岸田劉生（1891-1929年）の「没後90年記念」と銘打ったこの展覧会、入口で作品リストをもらって眺めてみると、展示されている作品が160点を数える大展覧会であることがわかり、午後後半の予定を気にしながら足早に見て回ることになりました。後で調べたところ、前回（？）没後80年の折にも損保ジャパン美術館で回顧展が開催されたようですが、この時には肖像画ばかり80点ほどで構成されていたようなので、今回の展覧会は岸田劉生の全貌を知る上で貴重な機会だったと言えそうです。実際、展示されている作品を眺めると、彼が16歳頃（1907年）に描いた水彩画から始まって、その最晩年となった1929年に渡航先の大連で描いた油彩の風景画まで、その生涯にわたる画業が俯瞰できるような内容になっています。亭主も含め、日本美術の門外漢にとって劉生といえばあの有名な「麗子像」しか思い浮かびませんが、この展覧会から受ける第一印象は、自己固有の絵画表現という近代の理想に取り憑かれ（「自分のゆく道」）、それを求めて彷徨する画家の姿です。解説によれば、劉生は17歳の時に画家を志して黒田清輝の門下生となりますが、1911年に「白樺」派の人たちと出会い、黒田の印象派的な画風から変わってセザンヌ、ゴッホらポスト印象派の画風で描き始めます。（「白樺」に紹介されたポスト印象派の作品から受けた衝撃がいかに大きかったは、本人がこれを「第二の誕生」と呼んだことからも伺えます。）件のバーナード・リーチ像（「B.L.の肖像」: 1913年）もちょうどこの頃のもの。そうこうするうちに、今度はデューラーやレオナルド・ダ・ヴィンチといったルネサンス期の画家達の影響を受けた画風に目覚め、彼らの肖像画に想を得たような作品を描き始めます（1915年〜）。ところで、数ある麗子の肖像を最初に描いたのは1918年、彼女が5歳の折ですが、ちょうどその頃からまた画風が変わり始めます。当時は肺の病気を疑われて医者から外出を禁じられたという外的要因もあって、もっぱら鵠沼や鎌倉の自宅室内で製作していたこともあり、「麗子像」が量産されることに。この時期の最も著名な作品があの「麗子微笑」（東京国立博物館蔵）です。これらの麗子像を眺めると、いずれもデフォルメ（横方向に拡張）された構図になっており、それまでの「写実」を捨てて、目に見えない物を描くような感覚（象徴主義に通じる？）が窺えます。そうこうするうちに、劉生先生、故あって京都に移り住むとともに、今度は東洋美術に目覚め、宗元風の文人画や花鳥画を描き始めます（1922年〜）。つまり、西洋近代絵画をぐるっと回って明治以前の日本の美意識の世界に戻って来た、というわけです。こうして劉生の画業を眺めていると、あの「鮭」の油彩画で有名な高橋由一の時代から半世紀以上も経っているにも関わらず、当時の日本人が依然として西洋美術を越える・超えられない（？）といった前近代的な思考に囚われていたように見えることが「時代」を感じさせます。なお気づいたことをもうひとつ。麗子像もそうですが、劉生の肖像画は人物の皮膚の色が（実際以上に？）浅黒く、静物画も含めて室内で描かれた作品は全体に画面が大変暗い印象です。一方で、風景画を始め外光の下で描かれた作品は、どれも真夏の陽光が燦々と輝くような画面で、空もほぼ真っ青な青空一色に塗られていることがほとんどです。（例えば、これも有名な作品である「道路と土手と塀（切通之写生）」がその典型。）この対比に劉生が込めた意図が何だったのか、ひとつ謎をかけられたような展覧会でした。

  October 20, 2019

  コメント(0)

• 

  ダングルベール クラヴサン曲集 by セリーヌ・フリッシュ

  昨夜関東地方を直撃した台風19号、亭主の住むあたりはまさにストライクゾーンど真ん中でしたが、幸い前の15号の時のような停電などの影響もなくなんとか無事やり過ごすことができたようで、今朝は台風一過の秋晴れ（？）でした。とはいうものの、ほとんどの交通機関はまともに動いておらず、あちこちに浸水被害が出ているなど、どこかに出かけるという雰囲気でもありません。そこで、今日は日がな表記のCDを聴きながらダングルベールの世界を探索することに。Alphaレーベルから2005年に出たこのCD、実は前から気になっていたのですが、８月、９月と立て続けに「古楽の楽しみ」で取り上げられたのを機にアマゾン（マーケットプレイス）で落手。（どうやらいわゆる「新古品」だったようで未開封の新品でした。）折りたたみ4面のジャッケットの表紙は、ルイ14世時代に肖像画家として活躍したピエール・ミニャール（Pierre Mignard、1612-1695）の手になる少女像。彼女は国王ルイとモンテスパン侯爵夫人との間に生まれたルイーズ-マリー-アンヌ（1674-1681）とされています。その生没年からも伺えるように、ルイーズ-マリー-アンヌは7歳で夭折しましたが、この肖像画は彼女が亡くなった後で描かれたものだとか。吹くらませているシャボン玉がその人生の儚さを象徴しているかのようです。（これに限らず、AlphaのCDジャケットには必ず音楽に即した絵画が取り上げられ、それについての詳細な解説がつくのでそれも大きな楽しみの一つ。解説記事の最後にあるモットー「Music is painting, painting is music」が生きています。）一方、肝心の音楽の方は、1689年に出版されたダングルベールの曲集からの抜粋となっており、ト長調、およびト短調の組曲を中心に、リュリのオペラ・バレエ音楽からの編曲を加え、さらに2枚目ではその室内楽版をカフェ・ツィンマーマンと演奏したものが収まっています。そして最後はこれらをオルガンのための５つのフーガで締めるという構成。セリーヌ・フリッシュの演奏の特徴を一言で言うなら「イキがいい」でしょうか。絶妙なテンポの揺れを伴うフレージングや装飾音が音楽を溌剌と響かせている感じで、スコット・ロスやルセのどちらかと言うと「格調が高い」演奏に比べると気分が明るくなる感じが気に入っています。このCDで亭主がもうひとつ感心したのがライナーノートの楽曲解説。ダングルベールの曲集にはリュリの作品を基にした編曲が数多く含まれていますが、亭主は「編曲＝二次的作品」と言う先入観もあって、これらについてあまり真面目な関心を払ってきませんでした。ところが、この解説を読むと、ダングルベールの編曲は元の作品の単なる「要約」ではなく、むしろハープシコードのために作曲し直したと言えるほど精緻な作品になっているとのこと。ちなみにこの時代、リュリのオペラ・バレエからのハープシコードへの編曲は様々な音楽家によってなされており、その数は元の作品で220曲、総数は400曲にものぼり、リュリはハープシコードのレパートリーの中でも最も知られている作曲家だとか。逆に言えば、今回改めて17世紀フランス音楽界でリュリが果たした役割がいかに大きかったかを思い知らされることに（実際当時は貴顕の紳士淑女のみならず、巷でもリュリのオペラのアリアなどが口ずさまれていたらしい）。こうなると、ダングルベールのみならず17世紀クラヴサン音楽全体を深く理解する上で、今まで「（声楽作品がメインなので）専門外」としていたリュリの音楽を探検してみる必要を大いに感じさせられました。

  October 13, 2019

  コメント(0)

• 

  インタヴュー記事 in「音楽の友」

  音楽雑誌といえば、かつてはプロ・アマ（あるいは単なる野次馬）を問わず新鮮な情報をいち早く入手するための主要な手段。亭主も以前には書店でクラシック音楽関係の雑誌をよく眺め、たまに購入することもありました。とはいえ、年齢とともに趣味や娯楽に割ける時間が急速に減ったことに加え、インターネット時代では欲しいと思った情報はネット検索で簡単に手に入る（？）こともあり、こういった雑誌を手に取ることがなくなって久しいものがあります（最後に「レコ芸」を買ったのが15年ほど前）。そんな折、月刊誌「音楽の友」10月号にスカルラッティ関係の記事が掲載されるという情報を入手し、ウン十年ぶりにこの雑誌を手に取りました。お目当ての記事は、「特別記事-interview-桒形亜樹子＆花岡千春　ドメニコ・スカルラッティとラルフ・カークパトリック〜その音楽はチェンバロの範疇を超えている」（取材・文＝堀江昭朗）という長いタイトルの記事です（154-155ページに掲載）。記事の前半では、「演奏家の音楽性が問われるスカルラッティの作品」というお題の下、ハープシコード奏者である桒形（クワガタ）亜樹子さんとピアニストの花岡千春さんが、それぞれの立場でドメニコの鍵盤作品の魅力を語っています。一方、後半では「カークパトリックの研究は凌駕されていない」という小見出しの下、昨年10月に音楽之友社から邦訳が出たラルフ・カークパトリックの著作「ドメニコ・スカルラッティ」が取り上げられており、彼の研究とアレッサンドロ・ロンゴとの関係や、著作の特徴（例えばドメニコの音楽についてだけでなく周辺的な情報も網羅的に集められていることなど）、さらには現代ピアノによる演奏について肯定的に検討を加えている点などが、お二人の会話を通して手短に紹介されています。ところで、件の記事中には「出版から50年以上経つ今も、カークパトリックの『ドメニコ・スカルラッティ』を凌駕するものは出ていませんね」という花岡さんの言葉が紹介されていますが、実際のところこれは誇張ではなく、「まとまった書籍として出版された」スカルラッティ音楽の研究書という意味ではまさにその通り、とも言えます。というのも、カークパトリックの最終版が世に出て以降のスカルラッティ関連のモノグラフとしては、マルコム・ボイド（1987年）、W.ディーン・サトクリフ（2004年）による2冊がありますが、前者はカークパトリックがほとんど取り上げなかったドメニコの声楽曲に力点が置かれ、どちらかというとカークパトリックの著作を補完するものになっていること、また後者はそのような音楽研究の著作というよりも「スカルラッティ音楽の受容の歴史」といった評論的な内容であるからです。もちろん、ドメニコの音楽や彼にまつわる歴史上の事績についての研究は、専門家の間で今日まで着々と（遅々として？）進んでいるようですが、それらの成果はもっぱら音楽史の専門雑誌中の論文という、専門家の目にしか触れない形でしか出ていないようです。（時折「論文集」のようなものは出版されることもありますが、いまのところ全て外国語です。）ところで、この状況を鑑みて亭主が（ヒマになったら）どうしてもやってみたいと思っていることがあります。それはカークパトリックと並ぶスカルラッティ研究の泰斗、ジョエル・シェベロフの博士論文「ドメニコ・スカルラッティの鍵盤音楽： 諸原典に基づく現有知識の再評価」の日本の読者への紹介（邦訳）です。この博士論文、現在ではネットでPDF版を購入・ダウンロードできますが、実質的には1970年にブランダイス大学に提出されたきり、未出版のままお蔵入り状態となっています。亭主はそのPDF版を10年ほど前に入手、読み始めたところ、その推理小説を読むような面白さに文字通り「書措く能わず」状態となってしまい、一気に読了したことが今でも思い出されます（こちら）。亭主が勘ぐるに、このように極めて重要かつ興味深い仕事が「未出版」になっている理由は、どうやらそれが先達カークパトリックの著作に対する「挑戦状」のような内容になっているからだろうと推測されます（なのでなおさら面白い！）。「カークパトリックを凌駕する」試みは、まさしくこのシェベロフの仕事から始まり、そして現代にまで至っている、というのが亭主の見立てです。

  October 6, 2019

  コメント(0)

• 

  「リーチ先生」　by 原田マハ

  先週前半、亭主はとある国際学会に参加するために岡山に出張しました。やはり学会で2010年春に訪れて以来、およそ10年ぶりの再訪です。あまり考えずに飛行機を使う出張パック旅行を使ったところ、往路で折悪しくも台風17号がちょうど付近の日本海側を通過するタイミングにぶつかり、羽田出発便もかなりのフライトが影響を受けることに（岡山便は結局1時間程度の遅れ）。幸い、帰路は特に支障もなく帰り着きましたが、この間往復10時間あまり、久しぶりにゆっくり読書をする機会となり、積ン読状態だった表題の本を堪能。　「リーチ先生」とは、前世紀に日英両国で活躍した著名な英国人陶芸家、バーナード・リーチ（1887-1979）のことで、同書では青年時代にリーチが初来日し、柳宗悦らとの交流を通じて陶芸に目覚める前後から、英国南西端のコーンウォールで濱田庄司らと「リーチ・ポタリー」を立ち上げて活躍する壮年期までが小説仕立てで描かれています。先行する「楽園のキャンバス」、「暗幕のゲルニカ」といった美術史に取材した小説と同じく、リーチ本人に加え、高村光太郎、柳宗悦、濱田庄司、富本憲吉といった実在する人物が関わる歴史上の出来事を踏まえながらも、これらの人々と濃密に絡む架空の人物を作者の分身として登場させ、彼らを狂言回しにしながら歴史の「If」が自由自在に展開される、という仕掛けです。　亭主はこの本を読みふけりながら、「楽園のキャンバス」を読んだときと同じ様に自身の過去との接点を思い起こしていました。　例えば、亭主が最初に東京に出て来て数年暮らしたのが駒場公園の近所でしたが、この公園には有名な近代文学館とは別に日本民藝館という小ぶりな展示施設がありました。駒場公園にはもっぱら友人と散歩や運動のために行っていましたが、ある時興味本位で同館に足を運ぶことに。そこで出会った名前が「柳宗悦」でした。（当時は「これなんて読むんだろう…リュウソウエツ？日本人？」という無知ぶりでしたが、展示から彼が「民藝運動」の主導者だったことを知ることに。）そこには柳以外にも、武者小路実篤を筆頭にした白樺派の活動にまつわる諸々の品が展示されていたことが、かすかに思い出されます。　また、時は降って前世紀の終わり頃、亭主はおよそ8年間を我孫子市で過ごしました。我孫子の地を選んだ理由は家庭の事情によるものでしたが、偶然にもそこは前述の白樺派の関係者が暮らしていた場所でもあり、その当時は別荘地（！）だっただけあってなかなか風光明媚です。亭主が住んでいたマンションは手賀沼公園の入り口に近く、よく家族で散歩に出かけたものでした。散歩の途中でちょっと目立つ石碑に行き当たり目をやると、「バーナード・リーチ碑」とあります。当時はなぜこの様な石碑がここにあるのか、あまりよく分かっていませんでしたが、この小説を読むと、リーチが我孫子にあった柳の家の庭に窯を作り、本格的に陶芸を始めたという縁ある場所であったことを知ることに。　一方で、亭主は同じ頃仕事で頻繁に英国オックスフォード近郊に滞在することがあり、その頃から英国南西端のコーンウォール地方は、一度訪ねてみたい観光スポットとして有名でした。（今読みかけのカズオ・イシグロの小説「日の名残り」の舞台でもあります。）リーチ・ポタリーは同地のサント・アイヴスにあって、前世紀の終わりに一旦活動を停止したものの、主人が代わって2008年に再度オープンしたとのこと。　ちなみに、奇遇のトドメは今朝放送された「日曜美術館」。そこで取り上げられた岸田劉生は、他でもない白樺派同人の一人です。番組中で彼の手になるゴッホ風のバーナード・リーチの肖像画が流れたときには、思わず身を乗り出してしまいました。気づいたら、今年はリーチの没後40年でもあり、東京ステーションギャラリーで展示されているという劉生の肖像画は、偶然にもそれを記念することになったのかも。

  September 29, 2019

  コメント(0)

• 

  シャルル・デュパール　〜バッハとフランス・クラヴサン音楽

  このところハマっている17世紀〜18世紀前半のフランス・クラヴサン音楽探求の旅、先のガスパール・ル・ルー（Gaspard Le Roux）に次いで遭遇したのはシャルル・デュパール（Charles Dieupart、1667頃-1740頃）です。生没年（はっきりしないようですが）を見ると、かのフランソワ・クープラン（1668-1733）とほぼ重なっており、彼とはまさに同時代人。彼の「6つの組曲」は、1701年にアムステルダムの出版社ロジェから出版されましたが、面白いことにハープシコード独奏版と独奏楽器と通奏低音のための版が同時に出版されたとのこと。亭主が手にしたのはもちろん前者で、ジョゼフ・ペインの演奏によるCDです。同時代人ということで、デュパールの音楽はクープランのそれと似ているのかと思いきや、CDを一聴するなり随分と違っている（というか、なんだかバッハのハープシコード組曲を聴いているかのような）印象を受けます。それもそのはず。まず目につくのは、6つの組曲が全て前奏曲（Overture）と6つの舞曲という、きっちり同じ構成でできている点です。しかも、舞曲の形式および順序についても、「アルマンド→クーラント→サラバンド→ガヴォット→メヌエット→ジグ」という順番が堅持されており（ただしメヌエットは１曲だけパスピエとなっていますが）、「組曲」すなわち「定まった組み合わせと順序による舞曲の提示」という形式に大きなこだわりがあったことが窺われます。実際、ライナーノートによると、このような固定メニューによる「ハープシコード組曲」という形式は、このデュパールの作品が初めてのもので、それ以前では例えばルイ・クープランの場合に典型的なように、演奏者がアルマンド、クーラントなど舞曲の種類ごとにまとめられている自分の音楽帳から、同じ調性のものを演奏ごとに適当に見繕って披露するのが普通だったというわけです。また、バッハはデュパールの組曲のチェンバロ独奏用の楽譜を6曲とも自ら筆写して持っていたことから、彼がこれらの作品を仔細に研究し、後々の創作活動に役立てていたことが推測されます。なお、ライナーノートによると、バッハはイギリス組曲第1番の前奏曲でデュパールの組曲第2番、ジグのテーマを借用しているとのことでしたが、かなり注意して聴かないとわからない感じです。何れにせよ、同時代に特段の評判を呼ばなかったらしいデュパールの組曲にバッハが入れ込んでいたことは、彼の３大組曲（イギリス、フランス、パルティータ）の構成や内容からもよくわかるというもの。ところで、デュパールはフランス生まれの音楽家であるものの、その主な活躍の場はどうやらロンドンだったようで、記録によると1703年ごろには当地でコレッリのソナタの演奏会を行なっていたとのことから、おそらくそれ以降ロンドンを拠点に活動したと想像されます。また、ヘンデルがロンドンに現れるとともに到来するイタリアオペラブームもあり、一時期オペラ興行にも関わっていたようですが、主にはコレッリの音楽の伝道者として活躍していたようです。こうして眺めると、デュパールの組曲はフランス・クラヴサン音楽の延長上にあり、いわばその最後の集大成とも言えるものをロンドンにわたる直前に世に出した（出版社はなぜかパリではなくアムステルダムでしたが）、ということかも知れません。バッハもきっとその辺を嗅ぎ付けて彼の作品を研究した、と思えばそのスタイルがよく理解できる感じです。

  September 22, 2019

  コメント(0)

• 

  ビウエラとリュート

  先週後半、岐阜大を会場にして開かれた学会に参加するために、亭主は初めて岐阜市を訪ねることに。地理オンチな亭主には、そもそも岐阜県がどこにあるかも正確には分からない状態（！）でしたが、新幹線で名古屋まで出て東海道線で大垣方面に20分余り乗車するとJR岐阜駅に到着。当日は台風一過後の夏空が広がり、駅に降り立つなり猛烈な暑さにゲンナリ。強い陽射しの下、駅改札を出てホテルへとペデストリアンデッキを歩いていると、なんだかキンキラキンの彫像が屹立しています。台座に目をやると「織田信長公」と大書されていて、ニブイ亭主もようやくここが美濃国、織田信長の城下町であったことを思い出しました。さて、学会も無事終わり、帰宅した金曜夜にテレビを見ていたところ、「ららら♪クラシック」（NHK）でまたもや織田信長の名前を目にすることに。この回のお題は「戦国武将を癒やした音色」とあり、取り上げられたのは信長や豊臣秀吉が何度も耳にしたはずという、ビウエラとリュートでした。中でもビウエラはリュートに比べると一般に馴染みがないこともあるせいか、「幻の楽器」として大きく取り上げられることに。よく知られているように、イエズス会士フランシスコ・ザビエルがキリスト教布教のために上陸した16世紀半ばの日本は、ちょうど戦国時代の真只中。番組では、キリスト教とともに日本にやってきた「クラシック」と称し、織田信長、豊臣秀吉それぞれが聴いたであろうルネサンス期の作品を流すとともに、「幻の楽器ビウエラと花形楽器リュート」というお題の下、それぞれの楽器をゲストのビウエラ／リュート奏者、佐藤亜紀子さんのスタジオ演奏で拝聴することに。もう一人の番組ゲストである音楽史家の今谷和徳氏は「古楽の楽しみ」で亭主にはお馴染みでしたが、佐藤さんについては存じ上げず、「日本人ビウエラ奏者」がいることにびっくり。ビウエラ（正確にはビウエラ・デ・マノ）とはイベリア半島で16世紀ごろに流行したギターによく似た撥弦楽器で、亭主もスペインの古楽で用いられていることは知っていました。ただし、ギターについてもルネサンス・ギターという楽器がビウエラとは別にあったようで、ビウエラの調弦はリュートと同じなので、むしろリュートの仲間？（クリスティーナ・プルハルによる南米音楽を紹介したCDによると、ビウエラあるいはルネサンス・ギターを先祖とする楽器としてチャランゴやクアトロといった楽器が取り上げられています。）番組中、信長公が聴いたかもしれない作品としてはルイス・デ・ミランの「ファンタジア」、秀吉についてはルイス・デ・ナルバエスの「皇帝の歌」が演奏されました。後者はどうやらジョスカン・デ・プレのシャンソンが元ネタとなっているようで、フランドル楽派の巨匠の音楽がヨーロッパの辺境であるイベリア半島を経て戦国時代の日本にまで伝わっていたかもしれないと思うと、色々と妄想が膨らみます。それで思い出したのが、以前に読んだ片山杜秀氏の「音楽放浪記・日本之巻」にあった一節で、1981年にTBSの創立30周年記念番組として放映された７時間ドラマ「関ヶ原」の冒頭場面で、いきなりハープシコードが現れたという話です。大阪城の大広間、居並ぶ諸大名の前で、天正遣欧使節のキリシタンの面々が演奏するハープシコードを秀吉が上機嫌で聴いている、というシーンが展開するそうで、いったいどのような曲がどういう風に演奏されたのか見てみたいと思って試しにググったところ、なんと動画が落ちていました。（てっきりハープシコード独奏かと思っていましたが、これを見る限り合奏曲という設定です。いずれにせよ、これも楽しい妄想の一つというところでしょうか。）ちなみに、当時イタリア・フランスで人気の楽器だったリュートがイベリア半島で用いられず、代わり（？）にビウエラが流行った理由として番組中で言及されたのが、「リュートはキリスト教徒の敵であるイスラム由来の楽器だから」という宗教上のものでした。が、亭主はこれにやや合点がいかず。というのも、あのオスマン帝国による攻囲戦に勝った後に当地ウィーンで流行したのが「トルコ風」の音楽だった（モーツァルトの作品にも頻出します）、というエピソードがあるくらい、当時の人々は新しいもの好きだったからです。何れにしても、先週のオラショ「ぐるりよざ」と言い、後期ルネサンス期と日本とのつながりを意識させられる内容にホッコリ。とはいえ、これを「クラシック」と称するのには大いに抵抗も感じますが…

  September 16, 2019

  コメント(0)

• 

  音楽の泉

  今朝、AMラジオを聴きながら朝食を取っていると、８時のニュースが終わったところでいつものようにシューベルトのピアノ曲「楽興の時」とともに「音楽の泉」の放送が始まりました。普段であれば、わざわざAMラジオで音質が落ちた音楽を聴くまでもないと思い、さっさとチューナーをFMに戻すかネットラジオに切り替えるところです。が、たまたま読みさしの新聞を抱えていたので席を立つのが億劫になり、そのまま聞き流していると、皆川達夫さんのナレーションで今日の放送がこの番組の放送開始70周年を記念したプログラムであると分かり、びっくり（*o*）。70歳といえば、人間であれば古希（「古来稀なり」）にあたります。平均寿命が延びた近年では古希を迎える人はそう珍しくもなくなりましたが、放送番組の寿命でこのように長いものは、少なくとも亭主は他に知りません。改めてウィキペディアの記事を眺めてみると、放送開始は1949年9月11日とあり、初代のパーソナリティーは何と堀内敬三氏で、大田黒元雄や野村光一といった戦前から活躍した音楽評論家の世代。彼が1959年まで務めた後を引き継いだのが村田武雄氏で、亭主が若かりし頃には彼の案内による放送を時々拝聴していたことを思い出します。1988年まで（29年間）務められたということなので、まさに戦後〜昭和世代の象徴と言ったところ。そして皆川達夫氏へとバトンが渡り、平成の30年余りを担って来られたというわけです。（かく言う皆川先生も御歳92歳（！）、既に元号も変わり、いつ次へと引き継いでもおかしくない状況ですが…）ちなみに今朝の放送では、各パーソナリティーの初回に放送された曲目の一つが同じ録音で取り上げられ、堀内敬三さんの回からはサラサーテの「チゴイナーワイゼン」（亭主にとっては「チゴイネルワイゼン」、最近は「ツィゴイネルワイゼン」とも書くらしい）、村田武雄さんの回からはボロディンの「ダッタン人の踊り」、そしてご自身の回からはモーツァルトのオーボエ協奏曲から第３楽章が流れました。オーボエ協奏曲の演奏は往年の名手ホリガーにブルーノ・ワルター指揮、ニューヨークフィルのものでしたが、そこで皆川先生、ご自身がワルターの信奉者であることをカミングアウトし、若かりし頃にニューヨークに留学していた際にワルターの生演奏を聞く機会に恵まれたことを披露されました。彼によると、ワルターは何気無く舞台に現れ、また何気無く指揮棒を下ろすのですが、そこでオケから流れ出す音楽の包容力溢れた響きの素晴らしさに大いに感銘を受けたとのこと。その思いを満たすべくもう１曲、ワルターの指揮でモツレクの「ラクリモーザ」が掛かりました。（…ワルターを生で聴いた、という世代がまだ現役であられることに、亭主は大いに感銘を受けました。）続いて今度は趣向を一変、今年4月の放送で取り上げたという、隠れ切支丹のオラショ「ぐるりよざ」が再演されることに。これは、16世紀の大航海時代（後期ルネサンス〜バロック）に宣教師がキリスト教とともに日本に持ち込んだ音楽（主に教会音楽？）の伝来史に関わるもの。皆川先生はこの「ぐるりよざ」の原曲を探し求めて７年もヨーロッパの図書館に通い続け、近年ついにそれを発見したとのこと。ご自身のライフワークであるルネサンス-バロック音楽と日本の関わりをついに見つけた、という喜びが如何ばかりであったかは容易に想像できるというものです。（残念ながらその原曲を音にしたものは流れませんでしたが、そのうち聴いてみたいもの。）ところで、冒頭で「AMラジオで音質が落ちた音楽を聴くまでもない…」などと書きましたが、今回調べ物をするうちに、この番組が今年の4月から月曜日の早朝（5:00〜）にFMで再放送されていることを知りました（こちら）。というわけで、今度からはFMの方をネットで「エアチェック」の上拝聴することにしようかと思います。

  September 8, 2019

  コメント(0)

• 

  ガスパール・ル・ルー　謎の音楽家

  このところ17世紀〜18世紀前半のフランス・クラヴサン音楽探求の旅を続けている亭主、今回行き当たったのがガスパール・ル・ルー（Gaspard Le Roux）です。ル・ルーは1705年に出版されたクラヴサン曲集の作曲家として知られていますが、実はこれが今日知られている彼の唯一の作品のようです。また、その生涯についてもほとんど分かっていないということで、1660年-1706年（あるいは1707年）という生没年すらも不確か、という状況です。（あまりに出自不明なので、太陽王ルイの御落胤ではないか、あるいはダングルベールの隠し子ではないか（ルセ）、など、いろいろな珍説が出回っているらしい。）とはいえ、その名前だけはフラバロ（フランス・バロック）界でよく知られているようで、クラヴサン曲集についても幾つか録音があります。古いところではルセ（1995年）、ミッツィ・メイヤーソン（1998年）といった大御所、まだ比較的最近では芥川直子さん（2006年）がCDを出していますが、亭主が見たところ最も新しい録音がピーター・ヤン・ベルダーによるものでしたので（2016年にリリース）、これを落手の上早速聴いてみました。再生が始まるや、そのゴージャスで芳醇なハープシコード・サウンドにうっとりさせられます。が、少し鳴りがよすぎるなぁ、と思いながらライナーノートに目を落としていると、どうやら2台の楽器による演奏であることが分かり、なるほどと納得。これまで亭主が聴いたことがある2台のハープシコード演奏の作品といえば、F・クープランやラモーといった比較的新しい作品が多かったのですが、このCDを聴いて太陽王ルイの時代にもこのような作品が世に出ていたことを知りました。ところが、ベルダー自身によるライナーノートを読んでいると、ル・ルーがこの曲集を出版するにあたり、一体どういう人々をその購買者層として想定していたがよく分からないとも。今日ですら自宅に2台のハープシコードを持ち、それらを自由に弾けるような御仁は珍しい、というわけです。ベルダーは「ワインとタバコを嗜みながら（私自身はタバコをやらないが）、チェスや人生談義をする代わりに2台の美しいハープシコードを弾く2人の中年の紳士を想像してみよう、そうすれば情景が浮かぶというもの」と記しています。実際、ベルダーもこの録音で自宅にある2台の楽器（ルッカース・モデルとブランシェ・モデル）を使ったそうで、ライナーノートにはそれら美しい楽器の写真が掲載されています。ちなみに、この録音でベルダーの相方を務めているのは同じオランダのハープシコード奏者、シーベ・ヘンストラです。亭主は存じ上げなかったものの、ヨーロッパ・北米では名を知られた演奏家らしく、レオンハルトやトン・コープマンの薫陶を受けたとあることから、ベルダーよりも年長の世代かも？ベルダートの息がぴったり合ったデュオは実に華麗で、相方に勝るとも劣らぬヴィルトゥオーソであることが分かります。面白いことに、この曲集は2台のためだけでなく独奏でも演奏できるように譜面が書かれているとのことで、イ短・長調の組曲については１枚目にデュオ、2枚目にソロ・バージョン（ベルダー）の演奏が収められていて、聴き比べることもできます。（ベルダーに言わせると、ソロの演奏を入れた理由として、2台による演奏ばかりだと、その華麗な音が時に演奏者を疲れさせるから、とも。）それにしても、シャンボニエールが1670年に（心ならずも？）自身の作品集を出版して以来、クラヴサン曲集が印刷譜として連綿と世に出続ける様は実に壮観です。今から見ると、これらはフランス・バロックの粋とも思われるもので、印刷譜として出回ったことで、例えば父バッハもこれら一連の音楽を手にして研究するなど、後世にも大きな影響を及ぼしたと想像できます。実際、ベルダーの指摘にもあるように、彼のイギリス組曲第1番のプレリュードは、ル・ルーのへ長調組曲のジーグを彷彿とさせる旋律で、その影響を窺わせるものでした。

  September 1, 2019

  コメント(0)

• 

  トゥイードルダムとトゥイードルディ

  18世紀前半におけるロンドンでのオペラシーンを語る上で、ヘンデルのライバルとして必ず取り上げられる音楽家の一人がジョバンニ=バッティスタ・ボノンチーニ（1670-1747）です。ボノンチーニは例によってボローニャで音楽を家業とする音楽一家の出で、若い頃からローマ、ベネチア、ウィーン、ベルリンとヨーロッパの主要な都市でチェリスト兼作曲家として活躍していたようです。1710年ごろにはオペラ作曲家としての評判がロンドンにも伝わり、それもあってか1720年、英国マールバラ公ジョン・チャーチルの誘いを受けてロンドンを訪れることに。　ちなみに、このマールバラ公はあのウィンストン・チャーチルやダイアナ妃のご先祖に当たり、政治的にはホイッグ党に属していた（自身も英国国教会信者）ようです。一方、ヘンデルのパトロンであった国王ジョージI世はトーリー党（カトリック容認派）をその支持基盤としており、自らの意思とは無関係にヘンデル共々両者間の党派争いに巻き込まれることになったのではないかとも想像されます。（それにしてもこの当時の英国の政治状況というのは実に込み入っていて、何度資料を読み返してもスッキリ頭に入りません。）　さて、到着したロンドンでは既にヘンデルが大いに人気を博していましたが、ボノンチーニは（年の功もあってか）臆することなく自身の音楽活動を始めます。そうして1722年に例のウォルシュ社から出版したのがDivertimenti di Cameraという合奏曲集でした。ひょんなことからこれを元にしたハープシコード曲集を録音した新譜CDがある、ということを知った亭主、早速その中身を確認すべく落手しました。　CDのライナーノートによると、原曲は通奏低音とリコーダー、あるいはヴァイオリンによる合奏曲だったようで、人気が出たこともあってそれをハープシコード用に編曲したものが再びウォルシュから出版されたとのこと。残念ながらハープシコード版の編曲者が誰だったかは詳らかになっていないようですが、もともと２声部だったことを考えると原曲の雰囲気をよく伝えているものと想像されます。　この曲集、一聴しての印象は、やはりヘンデルのハープシコード作品に似ている部分が多々あるな、というもの。ヘンデルの最初のハープシコード組曲集は1720年に出版されており、ボノンチーニもそれを知っていたと想像されますので、この類似は偶然ではないでしょう。（例えば、ライナーノートにも指摘されているように、第1番ハ長調の4楽章は、ヘンデルによる1720年の組曲集中の第2番ヘ長調の４楽章と鏡像のような関係に見えます。）その点、以前にこのブログでご紹介したジャン=バティスト・ルイエのハープシコード曲集とも通底するものがあります。ロンドンでは スカルラッティの「練習曲集」が出版された1738年以降、「スカルラッティ風」が大流行しますが（相前後して同じことがパリでも起きます）、それ以前には「ヘンデル風」が大いに流行していたらしいことが読み取れます。　ところで、ロンドンで知らない者がいなかったこの２人のライバル関係を風刺するエピグラムとして有名になったのが、英国の詩人ジョン・バイラムによるそれで、日本語のウィキペディアにも紹介されています。引用すると、 Some say, compar'd to Bononcini That Mynheer Handel's but a Ninny Others aver, that he to Handel Is scarcely fit to hold a Candle Strange all this Difference should be 'Twixt Tweedle-dum and Tweedle-dee![4] ある者は言う、ボノンチーニに比べれば ヘンデルなどはただの間抜けだと 他の人は断ずる、ヘンデルに比べれば 奴などは燭台持ちがせいぜいだと おかしなことだ、こんな言い争いはすべて トゥイードルダムとトゥイードルディーの争いだろうに！ここで登場するトゥイードルダムとトゥイードルディー、元はイギリス童謡に由来するとされており、亭主もルイス・キャロルの「鏡の国のアリス」の登場人物（？）として知っていましたが、実は印刷された文章として残っているのはこのバイラムのものが最も古いもののようです。ところが、亭主が驚いたことにはこのバイラムのエピグラム、CDのライナーノートの引用とはどうも真逆になっているように見えます。具体的には、Some say, that Signor Bononcini,Compared to Handel's a mere ninny;Others aver, to him, that HandelIs scarcely fit to hold a candle.Strange! that such high dispute should be'Twixt Tweedledum and Tweedledee.とあり、こちらのバージョンでは「間抜け」なのはボノンチーニの方で、燭台持ち以下なのがヘンデル、というわけです。一体どういうことなのかと思い、さらにネット上を調べていると、英語のWikiquoteというサイトでこのバージョンが紹介されているのを発見。単なる「間違い」ではなさそうです。さて、しばらく沈思黙考した亭主、「ハァ〜ン…これはこのエピグラム自体をトゥイードルダムとトゥイードルディーに仕立てるためのメタ操作だな！」と勝手にガッテン。それにしても、この2人のライバル関係、いかに当時のロンドンで関心の的だったか、さらには英国人のこういった党派争い好きが、彼らに宿痾のように染み付いていたことがよくわかるエピソードでした。

  August 25, 2019

  コメント(0)

• 

  「マリアの生涯」 by ヒンデミット

  お盆休みから（金曜日1日の出勤を挟んで）週末にかけて、亭主は家中に溜まったモノの整理・分別・処理に時間を費やしましたが、その間に表題の作品を「FMエアチェック」で録音した昔懐かしいカセットテープを見つけました。モノの整理ということで、まず手をつけたのが冷凍・冷蔵庫。まぁ、これに関しては詳細を割愛しますが、この季節は特に混み合う収納スペースでもあり、「肥やし」と化した食品・その他諸々を思い切って始末することに。次に来るのが書棚です。というのも、この半年余りの間に新たに購入したり印刷したりと増えてしまった楽譜が書棚に収納できず、ハープシコードの脇にあるピアノ（蓋を閉めたグランドピアノは立派な作業机）の上に積み上がって目も当てられない状態に。そこで、書棚の本を並べ替えて楽譜が置ける棚（高さが必要で限られる）を広げようと一念発起、とはいえ元々どの棚も既に満杯で四苦八苦。結局、奥と手前と本が２列になった棚が増えることに。お次は当然のようにCDの整理となるはずですが、こちらも既に棚は満杯。一応作曲家の時代順に並べ直そうとはしたものの、満塁押し出しではみ出る音盤の行き先もままならず、手を拱いているうちに結局時間切れ。（収納スペースが限られている以上、モノが増えたらそれに対応した分を捨てるしかない、というわけですが、さすがにCDを捨てる気にはなれず。）こうなってくると、書棚を広々と占拠しているLP音盤のことが頭をよぎります。10年ほど前までは、LPはもう音源としては無価値だろうから中古レコード屋にでも売り払おうと思っていましたが、このところはLPの人気が再燃しているという噂も気になります。さらに、先月末の「古楽の楽しみ」（NHK-FM）で古楽のパイオニアの一人であるトン・コープマンの初期の仕事が紹介された際には、オンエアされたLP時代の録音の多くがCD化されていない、という渡邊孝さんの解説に驚かされるとともに、LPへの未練がジワリ。そこで、断捨離の本丸（？）、納戸の中を見回していると、箱詰めで棚晒しになっている古いカセットテープが目に入りました。これらはもう30年以上前、まだ携帯音楽プレーヤーがカセットテープを再生していた時代に亭主が使っていたもので、LPのコピー以外にFM放送のエアチェック音源なども混じっています。その中に、G. ヤノヴィッツが歌うヒンデミットの歌曲集「マリアの生涯」が混じっていたのを見つけて思わず手に取りました。今でもよく覚えているのは、夜7:30からのFM番組で件の作品が流れて来るのを聴き始めるや「心を鷲掴み」され、慌ててカセットテープデッキを回し始めたことです。（なので、第3曲からしか録音されていませんが…）聴き終わった後で、似たような作りの歌曲集として当時愛聴していたG.フォーレの「イヴの歌」に勝るとも劣らない、というほどの感銘を受けた記憶があります。テープの箱に付いているメモによると、流れていたのは1981年8月のザルツブルグ音楽祭でのライブ録音とあるので、おそらくその年の暮れに放送されたものでしょう。その直後、あの感動をもう一度とばかり音盤を探したところ、R.ロスラックという歌手がG.グールドのピアノ伴奏で録音しているLPを見つけて大喜びでゲット。ところが一聴するや、これが全くの別物で大いにショックを受けることに。というのも、「マリアの生涯」には初稿版（1922/3）と改訂版（1948）の２つの版があり、ロスラックが歌っているのは初稿版でしたが、これが亭主の嫌いな十二音技法的音楽だったというわけです。（当時はまるで詐欺にあったような気分で、LP代を返せ！と思ったほどでした。）それ以来、この曲を聴きたくなるとカセットテープが再生される、という時代がしばらく続いた後、再生装置がお払い箱になるとともに遠ざかっていましたが、4年ほど前にふとこの作品思い出してネット調べたところ、S.イソコスキ（ソプラノ）、M.ヴィータサロ（ピアノ）というコンビで1948版による演奏が出ていることを知りゲット。この音盤、演奏・録音ともに素晴らしく、ヤノヴィッツの歌唱に受けた衝撃的な感動を思い起こしながら時折耳を傾けています。繰り返しになってしまいますが、1948年版の「マリアの生涯」は、曲の主題のみならず響きの上でもまさにフォーレの「イブの歌」と対になるような作品で、亭主から見るとヒンデミットの代表作といってもよい気がします。当然、十二音技法などの実験主義的な音楽を至上と考える現代音楽関係者からは、この改作は堕落・退行として批判されたようですが、そのような「◯◯主義」を信奉するが故にこの作品に素直に感動できない音楽家がいるとすれば、何ともお気の毒としか言いようがないところです。ちなみに、よく調べたところ、ザルツブルク音楽祭の翌年、1982年にはヤノヴィッツとI.ペイジによる録音が行われてLPとして世に出た模様。しかも、2007年にはそれがCDとして再販もされたようですが、今ではもちろん廃盤となっており入手困難のようです。これが将来音盤として再販されるようなことがあれば、その時こそはこのテープもろともカセットテープをおさらばしたいものです。

  August 18, 2019

  コメント(0)

• 

  ピアニストだって冒険する by 中村紘子

  7月末の梅雨明け以来、関東平野でも連日の猛暑に亭主もゲンナリしていたところですが、ようやく週末→振替休日→お盆休み（半強制の夏季休暇）の連休に突入。とはいえ、連休とは溜まった雑用を片付けるためにあるようなもので、昨日は久々に曇天となり、伸び放題の植物群を手当てするために大汗をかきながら芝刈り機やヘッジトリマーを振り回すことに。連休のもう一つの効用は読書の時間を取れること。（何しろ交通機関の混雑や高速道路の渋滞が連日のように報道され、移動中の暑さを考えると遠出する気にもなれず。）このところ「積ん読」状態だった本を端から手に取っています。そのような中の一冊が表題の著作。2017年に単行本で出たものが、つい先月に新潮文庫の一冊となったのを機に一読。著者である中村紘子さんは惜しくも2016年に癌で亡くなられており（享年72）、本書は事実上の遺作となったもの。亡くなる直前まで月刊誌等に書き綴られた随筆を集めたものですが、その2年前には癌が見つかっていたことから、本人も自らの最期を意識しながら筆を執っていただろうという意味では「辞世の書」とも言えます。実際、もう「怖いものなし」状態になったらしいヒロコさん、本書中で次々と繰り出される思い出話の中には、いわゆる「業界裏話」のようなバクロ記事的なもの、さらにはまだ存命の関係者に批判的な内容の記事も数多く、一部は匿名になっているとはいえ当事者達はハラハラさせられているのではないかと想像します。文庫本を読み始めるにあたり、まずは巻末の解説記事を読むのが半ば習慣になっている亭主、本書の巻末をいくら探しても「解説」や「解題」が見当たらないのを不審に思っていましたが、読了後に想像するに、編集部が業界関係者やゆかりの方々に解説記事を頼んで回ったものの、皆からドンビキされてしまったのだろう、と妙に合点が行くことに。（いっそのこと夫君である庄司薫氏に書かせればよかった？）ちなみに、亭主が見るところ、お題の「冒険」とは自らを「ピアノ演奏及びピアノ音楽教育おける開拓者（パイオニア、特に邦人・女性としての）」と位置づけていることと表裏一体で、そのような開拓者としてのヒロコさんの体験がすなわち冒険、というわけです。まず演奏家としては、第二次大戦からの復興後、日本のクラシック音楽界が再度世界に開かれ始めた1960年代半ばに若き邦人女性ピアニストとして北米ヨーロッパの音楽界を体験し、彼我のあまりの落差に圧倒されつつも、「本場の流儀」をなんとか日本に持ち込もうと頑張るヒロコさんの姿があります（第1章）。次にピアノ（あるいは音楽全般）の教育という視点から、かなり若い頃から審査員として数多くの音楽コンクールに関わった体験（邦人の、しかも女性ピアニストとしては1970-80年代では稀だったろうと想像される）が綴られています。彼女自身はおそらく音大・芸大で教職に就いたことはなく、あくまでコンサートピアニストの立場に矜持を感じていたようですが、音楽教育の「出口」の一つであるコンクールの出場者を評価するという体験を通して、日本におけるクラシック音楽教育（古くは自らの師・井口愛子氏のスパルタ式から始まって今日の音大・芸大というシステムまで）を「演奏のプロ」の立場から批判的に眺めています（第２、３章）。それにしても、現役生活が半世紀を超えたコンサートピアニスト、というのはそれだけでも稀有な存在だったと思われます。実際、亭主にとっての音楽シーン（1970年ごろから始まる）の中でもこれほど長期にわたり演奏会のチラシでその名を目にするピアニストは他に見当たらなかったような気がします。（大体のピアニストはそれまでに指揮者に転向するか教師になる、というキャリアパスがほとんど？）半世紀を経るうちに、クラシック音楽やそれを取り巻く社会環境が激変していく様をコンサートピアニストとして体験した、という点でもヒロコさんはパイオニアだったと想像されます。そこで亭主が意外に思ったことの一つは、彼女がどうやらクラシック音楽そのものに対しては微塵も懐疑の念を感じていなかったらしい点です。例えば第４章、小・中学生時代の思い出話の部分で、「そしてあれから半世紀（！）、いまやクラスメート達は（男子生徒たちもリタイアの世代になって自由な時間も増えたらしく）、また小学生中学生の頃のように沢山の『応援団』を作って私のコンサートにきてくれるようになった」とあるのを読むと※、いまやクラシック音楽もファンが高齢化するとともにもっぱらオタク・好事家の愛好物となり、常磐津・清元と同じ境遇に入りつつあるという「クラシック音楽界の惨状」（三浦雅士氏談）に対する感想を訊いてみたかった気もします。兎にも角にも、日本のクラシック音楽界では恐らく「開拓者の孤独」を味わいながらも、それを物ともせず音楽ファンに支えられて現役ピアニストとしての人生を全うされたヒロコさん、既に4度目のお盆となりましたが、改めてご冥福をお祈り申し上げます。※）後から考えるに、ある程度の数の熱心なファンに囲まれた演奏家は、最近のネット用語でいうところの「フィルターバブル」といった状態に陥る（ファンが情報のフィルターになってしまう）のではないでしょうか？

  August 12, 2019

  コメント(0)

• 

  「夢見る雨」 by 武満徹

  最近、亭主はふとした偶然から表題の作品のことを知り、いわゆる現代音楽におけるハープシコードという楽器の立ち位置に興味を持ちました。この作品、ネットで検索するといくつも動画が落ちており、演奏を耳にすることができます。興味本位で再生してみたところ、スカルラッテやアルベロが繰り出すハープシコードの不協和音に慣れているせいか、現代音楽嫌いの亭主にとってもそれほど耳障りでない響きが…が、音だけ聴いてもピンとこない亭主、さらにググってみるとショット版の楽譜が売られていることが分かりゲット。譜面を追いながら改めて聴いてみると、臨時記号がやたらに多いことを除けば特に奇を衒った風でもありません。面白いことに、何度か聴いているとドビュッシーやメシアンの鍵盤作品が持つ雰囲気が強く感じられるようになり、結構親しみが湧いてきました。この作品、楽譜をめくると「エリーザベト・ホイナツカに捧げる。」とあり、アリエノール・ハープシコード作曲賞の委嘱により作曲され、1986年6月12日に、ワシントンで、ジョージ・ラクテンバーグによって初演された。」とあります。そこでさらに調べてみると、アリエノール・ハープシコード作曲賞というのはどうやら米国のSoutheastern Historical Keyboard Societyで1980年ごろに創設されたらしく、初演したラクテンバーグさんはその創設者とのこと。（この賞、および学協会自体はその後いくつか変転があったようで、現在では別の名前の組織・団体で運営されているようです。）一方で、この作品を献呈されたエリーザベト・ホイナツカさんは、現代音楽を専門に演奏するポーランド出身のハープシコード奏者とのこと。ただし、残念なことに2017年に77歳で他界されたとあり、作曲者共々鬼籍に入られた後でした。それにしても、この作品をきっかけに、亭主は図らずもハープシコードを古楽のためだけの楽器とは見なさず、楽器固有の表現の可能性を追求する音楽家たちが今日でも少なからず存在することを知ることになり、蒙を拓かれた気がします。考えてみると、スカルラッティのあの強烈なアッチアッカトゥーラ＝不協和音がゾクゾクするような快感をもたらすのは、ハープシコードの鋭くまた急速に減衰する響き独特の効果で、実は不協和音を多用する現代音楽と大変相性がいいはず。ハープシコードによる現代音楽は、もしかすると「一般聴衆との乖離」が言われて久しい現代音楽にとって一つの福音となるかも？

  August 4, 2019

  コメント(0)

• 

  ヨーロッパの若きR. カークパトリック

  ラルフ・カークパトリックの書簡集が2014年に出版されていたことを最近になって知った亭主、例によってAmazonで注文していたところ先週手元に届きました。まだパラパラとつまみ食い程度にしか読んでいませんが、これが予想以上に面白く、本気で読みだすと止まらなくなりそうです。というわけで今日はそのさわりを少々。カークパトリックは1911年6月10日に米国マサチューセッツのノース・レミンスターという町の生まれ。父親は心理学者で、あのフロイトが米国を初めて訪問した際に撮影された1909年の有名な写真（末尾、クラーク大学のホームページにあった記事から引用）にもその姿が写っているそうです（残念ながらどの人か亭主には分かりませんが）。まず、本書第1部「Selected Letters to Family」では、1931年9月のそれを皮切りに、家族あての手紙が時系列を追って並んでいますが、これらはカークパトリックが初めてヨーロッパに留学するに際して書かれたものです。最初の行き先は当時の古楽復興運動の中心、パリ。あのワンダ・ランドフスカとナディア・ブーランジェに師事するためです。まだ二十歳そこそこの若者だったカークパトリックの多感な目を通して、これら古楽界の伝説の人物たちの人となりが活写されるとあれば、これが面白くないわけがありません。ここでの手紙、その書き出しはいつも「Dear Family,」となっていて面食らいますが、この書簡集を編んだ甥の解説によると、カークパトリックは留学が決まると家族に対して「現地から記録代わりに手紙を送るからそれを家族内で回覧するとともに大事に保管するように」と頼んでいたそうで、彼からの手紙を受け取った母親がそれをタイプし直して家族に回覧していたとか。というわけで、少なくともこの部分は書簡体を借りた旅行記、といったところ。亭主は、ナディア・ブーランジェについては彼女の伝記を数年前に読んだ覚えがあって（こちら）多少とも馴染みがあったものの、ランドフスカについてはほとんど名前だけというレベルに留まっていたので、カークパトリックが描く彼女の姿は実に興味深いものがあります。とはいえ、書簡から見えるランドフスカは、いわゆる専制君主のように生徒に接する調教師、という感じで、カークパトリックとは全くそりが合わず、門下に入って間もなく極めてネガティブな評価を下しています。（これと対照的なのがブーランジェに対するそれで、彼女とはよい関係を維持した模様。）その様子は、例えば留学からわずか一月足らず、1931年10月27日の手紙の終わりの方の以下のような文面に明らかです。今日午後にランドフスカの講義の一つを受講するためにサン・ルーに出かけた。彼女はさらにいくつかの練習課題、完璧にすごいものを私に与えた。思うに彼女は私の時間の相当部分を無駄にしてくれるが、特に正確さと強さという残り物のご利益には価値がある。私はむしろ解釈について（彼女と）仕事をすることを恐れる、というのもいろいろな点で私は彼女を真似しようとは絶対思わないし、ましてや議論をするなど問題外だからだ。質問することなく単に全てを飲み込んで、一人でこっそり吐き出す。彼女は自分の生徒については、ほとんどあらゆる活動において完全に支配するという実に無用なことを欲している。今日の午後、彼女が持っているクープランの「L’Art de Toucher le Clavecin」の稀覯本を拝読できないかと尋ねたところ、「ええ、二人でそれを段落ごとにじっくり読みましょうね」とのたまわった。これは国立図書館で読むしかない！最後の方はだいぶ意訳しましたが、「先生と生徒」という人間関係においてランドフスカがどう振る舞っていたかを彷彿とさせる記事です。ところで、本書第2部の冒頭、ナディア・ブーランジェへの手紙を拾い読みしていたところ、1935年10月3日付のベルリンから手紙の中で、エタ・ハーリッヒ=シュナイダーへの言及があるのに気がつきました。彼女とはランドフスカのところで知り合ったようで、カークパトリックはベルリン到着後、新居探しを手伝ってもらったり、自宅でハープシコードを使わせてもらうなど色々と世話になったようです。ハーリッヒ=シュナイダーといえば、専門家として日本に初めて古楽を伝えた人物として最近話題にもなっているようで、日本に来る前の活躍ぶりが垣間見えるようです。その他にも亭主にとって興味深い人物の名前があちらこちらに散見され、本書は前世紀前半の古楽界を知る上で貴重な文献かも？

  July 28, 2019

  コメント(0)

• 

  クラヴサン音楽の分水嶺--1715年

  この二月ほど、亭主はエリザベト＝クロード・ジャケ・ド・ラ・ゲール（1665-1729）のクラヴサン音楽をiPodに入れて持ち歩いています。聴いているのはブリリアント・クラシックというレーベルから出ているフランチェスカ・ランフランコの演奏になる音盤で、録音は2017年と比較的最近のもの。演奏・録音ともにイケている感じです。ジャケ・ド・ラ・ゲールは1665年パリ生まれということで、かのフランソワ・クープラン（1668-1733）とほぼ同世代に当たります。このところフランスのクラヴサン音楽を少し体系的・網羅的に聴いてみようと音盤を集めている亭主ですが、ジャケ・ド・ラ・ゲールの名前もその中で急浮上。ファーストネームからも容易にわかるように、この時代としては大変珍しい女性の音楽家で、幼少期にはいわゆる天才少女として名を馳せ、太陽王ルイ14世の宮廷で活躍したようです。ランフランコの音盤は、録音が新しいだけでなく、ジャケ・ド・ラ・ゲールが出版した2巻のクラヴサン曲集（1687年と1707年に出版）の全作品を収めており、参照音源として大変重宝します。楽譜の方はファクシミリ版しか市場に出回っておらず、例によって現代譜と異なる音部記号（右手はハ音記号、左手はヘ音記号で、いずれも音高が五線譜上で現代譜より3度下がって記載される）を使っているので亭主には役に立ちませんが、幸いIMSLPには現代譜にタイプセットし直したPDFがアップされていて、亭主はこちらを利用しています。ジャケ・ド・ラ・ゲールの音楽を聴いていると、何と言ってもまず思い起こされるのがルイ・クープランやダングルベールのクラヴサン音楽です。もちろん、ルイ・クープランは彼女が生まれる４年前に他界しており、ダングルベールも40歳近く年長ですが、1687年、1707年いずれの曲集もこれら先達の「舞曲を基にした様式」をベースに彼女自身の音楽を展開しており、亭主がイメージする「17世紀クラヴサン音楽」、リュートを巨大にしたような共鳴楽器としてのクラヴサンを存分に響かせる音楽に、新たなレパートリーを付け加えるものと感じられます。ちなみに、ダングルベール唯一の出版譜として知られているクラヴサン曲集が世に出たのが1689年（没年の2年前）ですから、それに2年先駆けて出版されたジャケ・ド・ラ・ゲールの最初の曲集が同じ雰囲気（例えば小節線なしの前奏曲など）を持つのも驚くにはあたらないのかも。一方で、こうなると気になってくるのがフランソワ・クープランの音楽です。というのも、フランソワの音楽といえば、亭主のような素人には「神秘のバリケード」など、いわゆるお題を伴ったサロン音楽のようなものがその典型と想像されるだけに、同じ世代であるはずのジャケ・ド・ラ・ゲールとの大きな落差は、単に個性の違いといったもの以上に何か説明を要する気がします。そこで、フランソワのクラヴサン曲集を改めて眺めてみると、1713年に出た第１曲集の中では、依然として前世紀の舞曲形式による作品が半分近くを占めているのに対し、第2巻(1716-7年)以降ではその割合が激減し、作品のほとんどがお題付きサロン音楽となっているように見えます。この2巻の間に何か時代の空気が変わるようなことがあったのかと詮索しているうちに行き当たったのが、太陽王ルイの死（1715年）による「グラン・シエクル」の終焉、という一大事でした。よく知られているように、ルイ14世は宰相マザランの摂政時代も含めると、何と72年もの長期に渡り国王であったということで、ギネスブックの世界記録にも認定されているとか。つまり、フランスにとってクラヴサン音楽が全盛を迎える17世紀後半とはまさに太陽王の時代、というわけです（今更ですが…）。それが終わりを告げた1715年の前後では、音楽に限らずあらゆる文化領域で大きな変化が起きただろうと想像できます。（これはちょうど200年後、第一次世界大戦（1914-8年）を境にして「古き良きヨーロッパ」が崩壊していく様子と似ています。）こうして見ると、ジャケ・ド・ラ・ゲールはあくまで「太陽王」の時代の子としてその音楽人生を全うしたのに対し、フランソワ・クープランは（既に人生後半にあったにもかかわらず）むしろ新しい時代に応じた創作活動を行い、それが後世の高い評価につながったのかもしれない、などと愚考を巡らせた亭主でした。

  July 21, 2019

  コメント(0)

• 

  音楽史の休日 by 武川寛海

  最近、たまたま日本語ウィキペディアの「ドメニコ・スカルラッティ」の記事を眺めていたところ、例のヘンデルとの鍵盤演奏腕くらべのエピソードについて、「…チェンバロの勝負は両者引き分けだったが、オルガンの勝負ではスカルラッティが先にヘンデルの演奏を聴いただけで自分の負けを認めたという。しかしこの逸話を証明できる資料は存在しない。」という記載があり、表題の著作を出典として引用していました。　このエピソード、ジョン・マナリングによるヘンデルの最初の伝記（1760年）の中で紹介されているものが元ネタと思われ、亭主もかつてファクシミリ版を入手して読んだ覚えがあります。そこでの記述は、チェンバロの腕比べについてはいろいろな報告がある．何人かはスカルラッティの方に分があると言ったようである．しかし、オルガンとなるとどちらが勝っていたかについて疑いをもつような雰囲気はまったくなかった。スカルラッティ自身が競争相手に分があると断じ、彼の演奏を聴くまでこの楽器にこれほどの力があるとは思わなかった、と率直に認めている。というもので、チェンバロでの勝負が「引き分け」であったとか、ドメニコが「先にヘンデルの演奏を聴いただけで」負けを認めたといった記述は見当たらないようです。　こうなってくると、武川寛海さんが何を書いているのか気になり始めます。そこで例によってネット通販で数日前に古書をゲット。中身を調べてみることに。以下、少々長くなりますが該当部分を引用してみます。　ところはローマである。枢機卿オットボーニの宮殿にはローソクの火がつけられて、金色の広間が燦然と輝き出す。チェンバロを中心にして、半円形に椅子がならべられる。今日は特別にその数が多い。この宮殿の主人は音楽が好きであり、毎水曜日の夜はお気に入りの音楽家を呼び、親しい友人達を招いて一夕を音楽芸術の鑑賞にすごす、というのがならわしであった。今晩はちょっと凄いのである。いままでに考えられなかったほどの大試合が楽しめるというのである。挑戦者はなんとドイツのゲオルグ・フリードリッヒ・ヘンデルであり、受けて立ったのはドメニコ・スカルラッティであったのである。（中略。ここで武川さんは、ヘンデルがローマに来るまでの経緯を簡単に記すとともに、ドメニコについてもヘンデルと同年生まれであることや、ローマでガスパリーニやパスクィーニについて修行していたこと、二人が既にヴェネチアで懇意になっていたことなどを紹介しています。）　拍手が起こった。最初にあらわれたのはスカルラッティのほうであった。黒い髪であった。足早やにチェンバロに歩み寄り、腰を下ろすやいなや演奏をはじめた。まことに華麗なる演奏が行われた。上体をつねに動かしながら、あらゆる困難なる技巧が克服されて行く。顔からは柔らかい笑いがつねに消えない。終わったとき枢機卿はかれに好意のある顔付でうなずいて見せた。　つぎはヘンデルである。これはまた大変にゆっくりとした入場ぶりである。それに身体が馬鹿でかいのである。頭髪はローソクで金色に光る。そしてそのお辞儀の大袈裟なこと。深々と頭を垂れる。チェンバロの前に座る。まず頭を下げてじっと瞑目。手を鍵盤の上にあげる。突然頭を上げてひき出した。上体は全く動かない。腕もずっと同じ高さである。目はどこか遠くを見ているみたいである。なにか霊感があって、それが指に伝わるようである。笑顔はない。しかし聞くものは何か胸を打たれていたのである。　審査委員たちは首を集めて相談する。枢機卿になにか報告した。彼は重々しくうなずく。結果が告げられた。それによると、勝敗がつけがたいので、今度は楽器を変えてもう一度試合をやらせることにするというのである。楽器はオルガンに変えられ、場所は聖ロレンツォ教会ときまった。　ここはさきの会場とあまり離れていないので、みんなそのままこの教会に入った。ローソクがともされ、準備がととのい、いよいよ試合開始である。このたびの先攻はヘンデルである。　かれは前のチェンバロのときと同じテーマをまず提示した。それが多くの声部で合唱のように響いたあと、変奏曲になり、妙技が展開され、おしまいは壮大なフーガになったのであった。一同は一瞬声なしである。まるで感激してしまったからである。やがて簡単の声がざわめきとなって起こり、それから大拍手となった。　つぎはスカルラッティの番である。かれはヘンデルの降りてくるのを広間で待っていた。やがてヘンデルが降りてくる。審査員はスカルラッティに、早くオルガンのほうに上るようにと眼で合図をした。かれは審査員の方に頭を振って演奏をしない、という素振りを示し、ヘンデルを指差して拍手をして、ヘンデルの勝ちであることを告げたのである。枢機卿も審査員も異論のなかったことはもちろんである。スカルラッティの人気はしかしこれによってぐんと上り、二人の親交はさらに緊密になったのである。1709年のことである。どうでしょう。まるでその場で見てきたような記述で、映画のシナリオのようなそれらしさです。　ドメニコが若い頃の演奏の様子についての情報は乏しく、あとはチャールズ・バーニーの著作にある英国の鍵盤奏者ロージングレイヴからの伝聞（上記にある「黒い髪」は、おそらくこれが典拠か？）ぐらいしか知られていません。引用部分が武川さんの想像に基づいた脚色であろうことは容易に想像がつきますが、それにしても（斯界の「原田マハ」かと思わせるほど）見事なものです。　ちなみに、亭主は十歳代の終わりに友人から勧められて彼が書いたベートーヴェンの伝記のような著作を読み、（内容は綺麗さっぱり忘れてしまったものの）えらく面白かった記憶が鮮明に残っています。おそらく、その頃出版されたばかりの「ベートーヴェンの虚像をはぐ」（1977年）だったに違いありません。表題の本中で取り上げられているエピソードも亭主が知らないものが多く、例えばバロック時代のそれでは、J.C.バッハがロンドンに出るまでの経緯を描いた小話はなかなかの傑作です。　当時はまだ日本のクラシック音楽受容がドイツ音楽、「大作曲家」中心だったこと、その中にあって、かなり偶像破壊的な内容を持つこのような著作が講壇アカデミズムからは異端視されたであろうことを想像すると、少し早く世に出すぎたのかも？何れにしても、亭主にとっては実に面白い内容で、梅雨の憂さ晴らしにぴったりです。古書としてたくさん巷に出回っているのも、それだけよく読まれたという証でしょう。このほかにも数多くあると思われる武川さんの名調子、活字を大きくして復刊して欲しいものです。

  July 14, 2019

  コメント(0)

• 

  ラ・ディリンディーナby D.スカルラッティ

  このところ関東地方は梅雨らしい陽気で、ほぼ毎日曇り時々雨。気温も低めに推移していて、冷房がある部屋では寒いぐらいです。未音亭の音楽室でも既に除湿機が活躍中ですが、思ったほど湿度が上がらず、除湿機をかけっぱなしにしておくと「低湿度」の警告ランプが点灯することも。ところで、数ヶ月前に例によってネットでCDを購入しようとググっていたところ、偶然にも表記の作品がDVD化されて売られているのに気づき、まとめ買いの一品としてゲット。最近眺める機会がありました。ドメニコ・スカルラッティと言えば、鍵盤ソナタの作者というイメージがあまりに強いために、彼が若い頃（ローマ時代~1719年頃まで）にはオペラやカンタータなどの声楽作品を書いていたことはあまり知られていないかもしれません。例えばオペラについては15作ほどもあったようですが、今日それらが上演される機会は皆無に近いようです。「ラ・ディリンディーナ」はいわゆる幕間喜劇と言われるジャンルの作品で、ローマのカプラニカ劇場で上演されたドメニコのオペラ「アンブレート」の幕間用として、ジローラモ・ジリの台本に基づき1715年に作曲されたものですが、直前になって取り下げられ、「牧歌的幕間」という別の作品に差し替えられたことが知られています。（その後、ルッカでは実際に上演されたとも言われています。）この間の事情について、カークパトリックの著作中では、作者側が自主的に差し替えたのか、それとも教会の検閲による上演禁止の措置などがあったのか不明とされていますが、1987年に出版されたマルコム・ボイドの著作の中では、ジローラモ・ジリ自身が1715年にフィレンツェの知人に当てた手紙の中で、事の顛末について詳述した内容を紹介しています。それによると、どうやら上演に反対したのはオペラ歌手たちだったようです。というのも、この幕間喜劇の内容はというと、オペラ歌手、さらにはオペラそのものを強烈に風刺したもので、数年後にマルチェッロによって書かれた有名な「当世流行劇場」をより過激にしたような内容でした。自分たちが攻撃されたと感じた歌手たちが市当局や教会に手を回し、上演禁止の措置を出させた、というのがことの真相だった、というわけです。著作の中でボイドは、生涯にわたり君侯に仕えたドメニコが、彼の庇護者をもっとも喜ばせる芸術だったオペラをこれほどまでにコケにした作品をモノしたことに驚くとともに、ドメニコが喜劇というスタイルに習熟していたことに感嘆しています。また、同ジャンルのペルゴレージの「奥様女中」とペアで現代に容易にリバイバル可能な作品とも断じており、以来時々復活上演もされている模様。くだんのDVDが出たのは2016年と割合最近ですが、それも多分これまでの実績があったからかもしれません。というわけで、見る前からワクワクでしたが、実際に見ても実に楽しい幕間劇になっています。音楽の中にも時折後年の鍵盤ソナタのスカルラッティをしのばせるようなフレーズも現れたりと、彼のファンにとっては必見の作品。それにしても、「ラ・ディリンディーナ」を観劇する日が来ようとは、つい数年前までは想像すらできなかっただけに、感慨ひとしおでした。

  July 7, 2019

  コメント(0)

• 

  「メスキータ」展

  この週末、夕方に東京に出る用件があり、それならついでにということで、連れ合いに誘われて表記の展覧会に足を運びました。場所は東京駅々舎の北側に付設された「東京ステーションギャラリー」。例によって展示の内容もよく知らないまま、こちらも来るのが初めての会場に足を踏み入れることに。ところがこの展覧会、モノクロの木版画の作品群を中心にした実にインパクトのある内容で、会場を出る頃には作者やその作品を詳しく知りたくなり、久々にカタログを買い求めるとともに、帰宅後早速色々とネットで調べ物をすることに。展覧会の主人公はサミュエル・イェスルン・デ・メスキータ（1868－1944）というオランダの作家ですが、年譜にある「ポルトガル系ユダヤ人の家庭に生まれ、…」というところでまず引っ掛かります。姓がラテン系であること、名がいかにもユダヤ系（旧約の司祭の名？）であることはすぐに察しがつきますが、ポルトガル系でなおかつオランダに住んでいる、というのが一見謎めいて見えます。そこで調べたところ、出てきたのが「セファルディム」という言葉。ウィキの記事をそのまま引用するとセファルディムは、中世にイベリア半島（スペイン、ポルトガル）に住んでいたユダヤ人の子孫を指す。1492年、イベリアに残る最後のイスラム政権を滅ぼしたスペインにおける大規模な排撃で、その多くが南ヨーロッパや中東、北アフリカなどのオスマン帝国の領域に移住し、少数ながら、オランダやイギリスにも移り、20世紀にいたる。とあります。民族離散の後、主にドイツ語圏・東欧に移り住んだユダヤ人を「アシュケナジム」と呼ぶのに対し、イベリア半島を経て地中海沿岸に移り住んだ人々がセファルディムと呼ばれているようです。これでオランダのポルトガル系ユダヤ人という出自の謎が氷解。（ちなみに、ウィキには有名なセファルディムの人物・家系のリストがありますが、なかなか錚々たる名前が挙がっています。亭主に馴染みのところでは、例えばピアニストのホロヴィッツやペライアなど。）ついでにもう一つ、姓であるメスキータはスペイン語でイスラム教のモスクを表しますが、別の記事によると、イベリア半島のユダヤ人はイスラム教徒とキリスト教との間の潤滑油のような役割を果たしていたとのことで、人々が平和に集う場所を暗示しているのかも？さて、作家の背景が見えてきたところで、改めてその作品をじっくり眺めてみると、やはり木版画の作品群が際立った印象を与えます。想像するに、メスキータはドライポイント（エングレーヴィング）やエッチング、あるいはリトグラフといった他の版画手法と違い、（凸版としての）木版の表現力の源泉が均質な「面」にあることを見抜いたのでしょう。彼は作品中で、多くの版画作家が頼りにする「彫りの白線」ではなく「彫り残した面」、それも漆黒の黒で対象の本質を開示してみせます。（もちろん、その対比として大きく彫り取られた「白」の面も多用されます。）さらに、この面による表現を追求した必然の結果として、彼は対象を幾何学的に単純な形（面）の組み合わせとして高度に意匠化し、グラフィックデザインの先駆けとなるような完成された表現に到達しています。（その昔、パソコンの画面がモノクロ２値だったころ、描画対象を白と黒だけで表現するために行われた様々な工夫を思い出します。）木版画といえば、19世紀末に日本から大量の浮世絵版画がヨーロッパに持ち込まれ、その（遠近法によらない）面的な表現が当時の印象派の画家たちに大きな影響を与えたことはよく知られています。なので、この時代の木版画といえばすぐに浮世絵風多色刷り木版からの影響が語られますが、メスキータの表現は「対象の高度な意匠化」という点で浮世絵、あるいはその模倣者の装飾的表現（アールヌーボーにも見られる）とは全く違っているように見え、むしろ第一次大戦前後に始まったバウハウスの先駆けのようです。いずれにせよ、亭主の貧しい知識を総動員して調べた限りでは、この時代に木版画によるグラフィックアートのような表現にはあまり類例がなく、メスキータが木版画という手法に新たな表現を与えた先駆的な画家として大いに評価されて然るべきではないかと感じられました。この展覧会、これらの作品だけでも版画好きには見逃せないイベントだと思われます。一方、リトグラフなど他の技法の版画作品については、むしろ先行する象徴派の影響を強く感じさせるものがあります。少し調べてみると、1909年にはアムステルダムでルドンの大規模な個展が開かれており、メスキータも彼の一連の「黒」による表現、あの不気味な「目玉」の世界を知っていたのではないかと想像させられます。その点、彼の「ファンタジー」と呼ばれる一連のドローイングについてもそうですが、幻想絵画といえば何と言ってもオランダにはヒエロニムス・ボスという大先達がいますから、こちらはいってみれば「お家芸」かも？なお、最後にどうしても付け加えなければならないこととして、あのアンネ・フランクに先立つこと半年あまり、メスキータもナチの毒牙にかかり、家族もろとも強制収容所でガス室の露と消えたことも記憶に留められるべきでしょう。この悲劇が彼の晩年、創作活動から遠ざかった後だったこと、またエッシャーなど関係者が彼のアトリエから作品を救い出し、今日まで伝えてくれたことがせめてもの慰めかもしれません。

  June 30, 2019

  コメント(0)

• 

  ジャン=バティスト・ルイエ 「組曲とレッスン」

  最近、ひょんなことから表題の作曲家のハープシコード作品集の楽譜と音盤を手にすることに。というのも、同じジャン=バティストという名前でフォルクレのことを色々と調べているうちに、例のle pupitreシリーズの一冊としてルイエの作品集が出版されていたことを偶然知ることになり、校訂者が橋本英二先生と知ってどうしても中身を覗いてみたくなったからでした。一方で、譜面だけを基に自分でゼロから音にするのも大変なので、いい音盤はないかと探してみたところ、ルチアーノ・スグリッツィという演奏家による録音が数年前にワーナーの「オリジナーレ」シリーズの１枚として復刻リリースされていたことを知り、こちらも早速落手。この音盤、今や珍しい完全国内版仕様で、山下道子さんという方による詳しい解説を日本語で読むことができる、という大ボーナスが付いています。ルイエといえば、音楽一家の例に漏れず同姓同名の別人が何人もいたりして以前には混乱もあったようですが（音盤の解説記事にも詳しい）、お題の人物は「ロンドンのルイエ（1680-1730）」として現在では広く認知されているようです。誕生年からみてテレマン（1681-1767）とほぼ同時代人。1705年にロンドンに渡って活躍し、そのまま当地で没したことから「ロンドンの」というあだ名が付いています。ルイエはどちらかというとフルートなど管楽器奏者としてロンドンで名を馳せていたようですが、ハープシコード用の作品集も２巻出版しています。ひとつは「ハープシコードまたはスピネットのためのレッスン集」(1712年)、もうひとつは「ハープシコードまたはスピネットのためのレッスンからなる組曲集」（1723年ごろ、当時メジャーなロンドンの音楽出版業者だったウォルシュにより刊行）と題されており、le pupitreの楽譜にもこの順番で収められています。（ただし、1712年の曲集については音盤のトラック名に第1巻、第3巻などとあるのに対し楽譜にはそのような記載がなく、しかも第1巻のジーグは譜面のそれに対応していないようです。音盤の演奏が1971年であるのに対し、楽譜の出版が1982年とあるので、多分その後の研究を反映した結果かも？）ところで、スグリッツィによる演奏を聴いていると、随所にヘンデルのハープシコード組曲中の作品を思われる曲がいくつもあります。特に「組曲集」がそうで、ジーグなどはヘンデルの作品と言われれば信じてしまうかも。それもそのはずで、18世紀初頭のロンドンといえば、まさにヘンデルが活躍し始めた頃に相当します。ヘンデルが最初にロンドンを訪れたのは1710年、その2年後に定住し始めたと言われていますので、二人のキャリアにはおよそ20年近くの重なりがあったことになります。さらに、ヘンデルの最初のハープシコード組曲集が出版されたのが1720年ですから、ルイエは当然そこに収められた曲を熟知していたことでしょう。想像するに、ヘンデルの人気に目をつけたウォルシュがルイエに類似の組曲集の作曲を促したのかもしれません。一方、最初に出版された曲集の方には、面白いことにかのパーセルの曲集を思わせる作品が含まれています。（そもそも曲の題名にも「ホーンパイプ」などがあり。）また、出版時にフランスの大作曲家リュリをカタったとも思しき名前を使っているなど、やはり売れ行きを優先した形跡が濃厚。というわけで、もともと今のベルギーあたりに出自を持つルイエさんも、郷に入れば郷に従うの諺通り、ロンドンの音楽シーンに合わせた作風で大いに稼いだらしく、音盤の解説によれば50歳で亡くなった時の遺産が16,000ポンドと見積もられたとのこと。（「カネオくん」的に詮索すると、あのファリネッリのスペイン宮廷での年俸が2000ポンドだったことから、多分今の貨幣価値で数億円というところか？）なお、音盤の演奏者であるルチアーノ・スグリッツィは1910年ボローニャ生まれ、R. カークパトリックとほぼ同世代のイタリアの鍵盤奏者で、1994年に亡くなっています。録音が半世紀近く前である上に、使われている楽器も当然のことながら「モダンチェンバロ」ですが、ピリオド楽器に慣れた耳にも十分楽しめる響きです。また、何より演奏がとても素晴らしく、アーティキュレーションやテンポの取り方も現代の演奏家に全く引けを取らない鮮やかさが印象的。前世代の演奏レベルの高さを伝える貴重な録音だと思われます。

  June 23, 2019

  コメント(0)

• 

  音楽放浪記・日本之巻

  先月、片山杜秀さんによる評論集「音楽放浪記・世界之巻」を読んで著者に興味をそそられた亭主、月末の上海出張のお供に対になったもう一冊に当たる表題の本を抱えて往復し、最近になってようやく読み終えたところですが、この本によって彼の人となりが何となく分かった気がしたので今日はその辺をメモっておきます。まず、本書の冒頭、「極私的追悼・伊福部昭」と題された評論では、片山少年の「原点」である伊福部昭の音楽との邂逅が回想されます。時は1968年、5歳の時に見た「怪獣総進撃」という特撮映画で流れていた音楽にドハマリしてしまった片山少年、これが伊福部昭によるものだったことを小学生になって知ることになります。（この映画、1954年の「ゴジラ」から数えてシリーズ第9作目とかで、シリーズの人気が落ち目になり、これで怪獣映画も打ち止めになる予定だったという作品だそうです。その後若干人気が盛り返したものの、結局1975年の第15作をもって終了。）伊福部昭とは、後に長時間のインタビューをするほどの間柄になったようです。興味深いことには、同じ頃にヴァイオリンを習い始めた片山少年でしたが、そこで与えられる教材に前述のような自分の大好きな音楽がないことに閉口し、クラシック嫌いになったとのこと。別の文章（30）でも「私は、幼いころから長くやらされたヴァイオリンの反動で、クラシック嫌いを自認していた。好きな音楽といえば、映画やテレビの劇伴ぐらいだった。その種の音楽を、テレビからカセット・テープに録音して集めていた」と語ります。さらに別のところでは（35）、「小学生のころから日本映画とその音楽にこだわり、名画座やフィルムセンターに平日の昼でも行けることを優先すべく就職も怠り、結果、武満が音楽を付した約百本の映画も、六、七本を除いては観てしまい、さすがにこの年齢になるとそんな人生を悔みもし、それでも今もCSで日本映画の放送を一日九時間平均で録画し、まったく観切れず困っている、…」と、まぁ凄まじいオタクぶりを自嘲気味に披露されています。一方、「ゴジラ」の付随音楽から日本の現代作曲家に興味を持った片山少年は、中学・高校と長じるにつれて芋づる式に色々な作曲家やその演奏を追いかけるようになります。何しろ「生まれてはじめてみずからの意志で買い求めたクラシック音楽のレコード」が「A面に村松禎三《管弦楽のための前奏曲》、B面に伊福部昭《リトミカ・オスティナータ》の入った、日本ビクターのLPだった」ということですから、見るからに筋金入りの現代音楽オタク少年です。当然の流れとして、このような現代作品につながる音楽の系譜、さらには日本における西洋音楽受容の歴史に関わる文献・資料を博捜するようになります。（この評論集の文章の過半はその種の蘊蓄で占められているといってもよいほどで、亭主も大いに勉強になりました。）こうして見ると、片山さんが日本のクラシック音楽作曲家の作品の「良き理解者」であり、その主要な作品提供の場であった映画などの付随音楽に至るまで実にマメに聴き込んでいることがよくわかります。というわけで、彼が（特に日本の）現代音楽界にとって誠に好都合な評論家（しかもある程度若い！）として業界に迎えられ、その御用達として今日に至ったものと想像できます。出版された評論集が吉田秀和賞を授与されるといった絵に描いたような展開も、この手の賞が業界関係者のリクルートのためにあるという常識を踏まえれば驚くこともない？それにしても、やはり彼自身「もう少し早く生まれたかった」と感じていることでしょう。たどり着いて見ると、彼がその付随音楽を愛してやまない映画などの全盛期はとうに過ぎ、いはば「宴のあと」だったわけですから。遅れてきた現代音楽オタク、というわけです。

  June 16, 2019

  コメント(0)

• 

  「暗幕のゲルニカ」by原田マハ

  先月半ば、上海に先立って1週間のバンクーバー出張が入ったのですが、その際に成田空港の書店をぶらついていて目に入ったのが表記の文庫本です。この本、3年ほど前（2016年）に単行本として出版されて以来気になっていたものですが、いつの間にか（奥付を見ると昨年）文庫化されていたというわけです。旅のお供に読みさしの文庫本を１冊入れていたものの、往復の長距離フライトでいずれは時間を持て余すと踏んで読み物を探していた亭主、早速書棚から取り出して中身拝見。例によって巻末のページに目をやると、「解説」を書いているのは何と著名なジャーナリストである池上彰さんであることにびっくり。それもそのはず、この小説は2001年の米国同時多発テロを主要な背景として展開する作りになっており、そのメッセージは米国第一を唱えて大統領となったトランプの米国とも響き合うものが少なくない、というわけです。というわけで、当の文庫本はそのまま亭主の旅の道連れとなり、帰路の機中で堪能することに。原田マハさんの美術に取材した作品としては「楽園のカンヴァス」、「ジヴェルニーの食卓」以来です。表題からも明らかなように、この小説の主題はもちろんパブロ・ピカソの著名な作品の一つである「ゲルニカ」です。一方で、小説そのものは「ゲルニカ」を製作する前後のピカソと彼に関わった人たち（架空の人物も含む）を中心に回る歴史小説的な部分と、それから60余年を経た21世紀の米国とヨーロッパを舞台に、「ゲルニカ」を展覧会の目玉にしようと奮闘するニューヨーク近代美術館（MoMA）のキュレーターを巡って起きるドラマを描いたフィクションが交互に現れる二重構造になっています。よく知られているように、この巨大な壁画は、スペイン内戦（ファシストであるフランコが共和国政府に仕掛けた戦争）のさなかにナチスがスペインの小都市ゲルニカを無差別空爆し、多数の市民が犠牲になった、という一報をパリで受け取ったピカソがものした作品で、亭主もその昔、世界史の教科書で写真を目にした覚えがあります。とはいえ亭主、白状すれば、この小説を読むまでは「ゲルニカ」が現在どこに展示されているかも知りませんでした。（池上彰さんの解説でも、その点をいきなり突っ込まれる感じです。）そこで、小説を読む傍らネットで色々と「ゲルニカ」を巡る歴史をたどることに。例えばウィキペディアの記事を読めば、作品の製作過程から始まって、それがどのような運命をたどるのかについて、一通りの知識は得られます。が、原田マハさんによる主人公の流麗な語りによって、そのような歴史的事実が眼前に生起しているかのような臨場感を楽しむことができます。一方、同時多発テロ（といっても小説の上ではこれもフィクション）を契機に、「ゲルニカ」を狂言回しとしてアートと政治の攻防をサスペンス仕立ての小説にした部分は、何処とはなく前作「楽園のカンヴァス」に似ている感じです。実際、登場人物も主人公が女性キュレーターである点、さらにはMoMAのティム・ブラウンなど再登場する人物もいるなど、シリーズ物的な印象を受けます。何れにしてもこの「アート小説」、先行作品と同様に元気な女性が大活躍する点が痛快なだけでなく、様々な事柄が女性の視点で見るとどう見えるのか、という点でも亭主によっては新鮮で、大いに楽しませてもらいました。（おかげで復路9時間を退屈することなく過ごすことができました。）なお、読みながら一つだけ気になった点として、21世紀サイドの主人公である女性キュレーターの幼少時についての年代設定が、後述の部分から想像される彼女の年齢と辻褄が合わないように思われました。細かいこととはいえ、フィクションもそれなりに首尾一貫している方が「リアリティ」がある？

  June 9, 2019

  コメント(0)

• 

  ゴールドベルク変奏曲on上海航路

  先週前半、仕事で中国・上海にある復旦大学を訪ねる機会があり、上海という中国屈指の大都会を初体験することになりました。　往路は成田発の中国東方航空（JALとコードシェア便）。機内AVサービスで一体どのような音楽が流れているのか、とメニュー画面を繰っていたところ、バロック音楽として唯一並んでいたのがバッハのゴールドベルク変奏曲、しかもハープシコードによる演奏でした。演奏者と思しきSheng Yuanという名前は初耳でしたが、上海到着までの2時間あまりを潰すのにちょうどよかったので早速拝聴することに。演奏は全体として奇を衒わないオーソドックス（古風？）なもので、好感を持ちました。　帰国後にネットで調べたところ、弾いていたのは盛原（Yuan Sheng）さんという鍵盤奏者で、北京にある音楽院の教授とあります。彼のプロフィルが掲載されているWebページ（こちら）を見つけましたが、このページ自体はとある音楽家集団のそれらしく、そのリンク先を覗くと北京周辺で開催されているクラシック音楽関連のイベント情報などを垣間見ることができます。Yuanさん、普段はピアニストとして活躍しており、どうやらハープシコードの市販音盤は見当たらないので、中国東方航空のためのオリジナル録音かもしれません。　ところで亭主は、ちょうど10年前に初めて中国、それも首都である北京に出向いたことがあります（やはり仕事ですが）。当時は北京オリンピック（2008年）直後ということもあって、空港、地下鉄といった公共施設などインフラが真新しく快適だったことなど、東京にいるのとほとんど変わりない印象を受けた覚えがあります。というわけで、10年ぶりの中国が一体どのような変貌を遂げつつあるのか、興味津々で上海に降り立ちました。　玄関である浦東（Pudong）国際空港は、名前の通り海に面した上海の東端にあり、そこから宿泊先のホテルがある中心市街まではおよそ30 kmとかなりの距離があります。迎えに来てくれた招聘元研究室の学生さんと無事合流の後、空港から高速道路と思しき道をタクシーで移動する間、図らずも上海大都市圏を眺めることになりましたが、とにかく多数の高層建築をはじめ建物がびっしりと並びかつ無限に続くかのような眺めが印象的です。さらに、高架道を降りて市中心部に入ると、どの通りも片側5車線、場所によっては6車線という広い道が縦横に走り、しかもその端の車線は他の車線と分離帯で仕切られたバイク・自転車専用道（もちろん歩道も別にある）となっています。それほど広い道路にもかかわらず、無数の車が先を争い、幅一杯に奔流のように流れている様は壮観。到着したホテルは日本で言えば中の上といったところでしたが、ロビーも部屋も広々としていて快適でした。　ホテルと大学の間の移動もタクシーでしたが、亭主が驚いたのはタクシーの予約（呼び出し）がスマホアプリで簡単に行えることで、応じたタクシーの現在位置も時事刻々スマホの地図画面に表示され、何分後に到着するかも分かります（このシステムは全てのタクシー会社が共通に使っているとのこと）。目的地に着くと、運賃表示されたタブレット上にQRコードが現れ、客は自分のスマホでそれを写して決済操作を行えば支払い完了。このようなスマホによるQRコード決済はタクシーに限らずあらゆる業種に浸透しつつあるようです。普段から携帯電話を持たない亭主、こんな環境で生活できないことは明らかです。（そもそも、ホテルのインターネット接続にSMS認証が必要なため、ネットにすら繋がらない状態でした。）　復旦大学の広壮なキャンパスも印象的です。特に物理学科の入る建物は昨年新築されたものだとかで、こちらも大変モダンで快適です。学部学生、大学院生に囲まれての昼食会や若い専任教員たちとの会合からは、教育・研究に対する彼らの熱気や勢いを感じることができ、これも日本の1970-80年代を思わせるものがあります。　帰路、先方は亭主に上海ご自慢の「磁気浮上式（マグレブ）列車」乗車体験を用意してくれました。このマグレブ列車、日本では「リニアモーターカー」と呼ばれるもので、上海北郊外の駅と浦東空港を結んでおり、最高時速は420 km/h（便にもよる）というもの。当日はわざわざタクシーで4-50分をかけて郊外の駅に行き、そこから空港行きの列車に乗車。この便の最高時速は300 km/hでしたが、それでも30 km先の空港までわずか10分足らずの短時間で到着しました。JRの山梨実験線はちょうど上海のそれと類似の規模ですが、上海では既に商業運転を始めて15年という実績があり、自信のほどが伺えます。　全体としてこれらの印象を一言で総括すれば、上海は日本の大阪みたいなところ、と言えるかもしれません。　もちろん、上記は一旅行者の皮相的な印象記に過ぎず、各種報道から推察するには、実際の中国内政は大きな貧富の格差、大気汚染などの公害、都市の過密と地方の過疎化など様々な問題を抱えているようです。とはいえ、こういった問題、実は過去に高度経済成長期の日本でも起きていたことでもあり、中国も周回遅れで同じような経験をしているだけ（もちろん物事のスケールという点では桁違いなところもありますが）とも言えます。　噂によると、このところ中国では日本の中古ピアノが飛ぶように売れているそうで、いわゆる中流家庭で子弟にピアノを習わせることがブームとか。（どうやらピアノだけでなく英語などの習い事が広く行われているようです。）これもちょうど日本の高度成長期とよく符合します。「歴史はくりかえす」とすれば、これから30年後の中国ではきっと「古楽ブーム」になっていることでしょう。この勢いなら中国で多数のハープシコードが製作されるようになる日も遠くないかも、などと妄想させられる上海訪問でした。

  June 2, 2019

  コメント(0)

• 

  シャンボニエールの出版譜

  先日のラ・フォル・ジュルネでスキップ・センペが弾くシャンボニエールの舞曲を聴いて、改めてその作品群に興味をそそられた亭主。IMSLPのライブラリに落ちているPDFファイルでは飽き足らなくなり、ネット上で色々なパターンの検索をかけていたところ、米国のアマゾンで出店している古書店と思しき店の出物がヒットしました。その時の検索語は「Jacques Champion De Chambonnieres Oeuvres Completes : Edited by Paul Brunold and Andre Tessier…」といった長めのもの。（実はこれ、前述のIMSLPライブラリにあったPDFの元の楽譜にある情報です。）ただし、発送オプションに海外発送がなく、値段も米国内のみの送料込みのそれとなっていたので、アマゾン経由で価格も含めた交渉の結果、なんとか日本へのプライオリティメール発送込みでお互い折り合える値段になり、交渉成立となりました。とはいえ、ブツが到着するまでは半信半疑のところもありましたが、先週無事到着。メールのやりとりから予想していた通り、ハードカバーのかなり立派なエディション（1967年刊行）でした。以前にボーアン手稿のファクシミリ版を購入したところ、音部記号がト音記号/ヘ音記号とは違うために（少なくとも亭主には）役に立たなかった経緯がありましたが、この出版譜では元の音部記号を最初に参考として記した後で、現代譜と同じ上声部＝ト音記号/下声部＝へ音記号に移してあるので、演奏にも使うことができます。それにしても、50年以上前の出版譜（しかも、くだんの古書店によれば「新品」）が手に入ったというのは、よく考えると実に稀なることかもしれません。実際手にした感じでは、表紙が経年変化でややスレた感じですが、内部のページは確かにあまり開いた形跡がなく、どこかで在庫として眠っていたものと想像されます。これに味をしめて、他のマイナー音楽家の出版譜についても検索用語設定を工夫しながら探してみようと思います。

  May 26, 2019

  コメント(0)

• 

  ボヘミアン・ラプソディ

  今日は最近見る機会があった表題の映画について、「哲学界のロックスター」、マルクス・ガブリエル風に語ってみましょう。皆さん、この映画から読み取れるメッセージは何でしょう？「人生は存在しない」です。なぜ存在しないか？それは人生が何者にも属さないからです。この世界に「存在」するものは全て、必ずそれを包摂する何かに属しています。例えば、リンゴは「果物」に属し、果物は「食料」に属し…といった具合です。ところが、一人ひとりの人生はその人にとって全体であり、すべてであり、それが属すべき何者もありません。だからそれは存在しないのです。でも、これでは少し分かりにくいかもしれません。そこで少し別の見方をしてみましょう。「人生が存在しない」とは、「人生には目的がない」と言い換えることができます。目的というものは、何かそのために作られたもの、道具や機械、あるいは学校、会社などの組織が持っているものです。では、人は何かの目的のために、誰かに作られたものでしょうか？キリスト教徒ならば、即座に「神が自身を賛美させる目的で、自らに似せて創りたもうたのだ」と答えるでしょう。でも、人によって宗教や信条は様々です。なぜかというと、それらも人が作り出したものだからです。何の目的かはもうお分かりでしょう。とはいえ、私も含めて大多数の人間は、「人生には目的がない」という現実を簡単には受け入れられず、耐えられない思いをしています。そもそも、そんな精神的な悩み以前に、世の中を見渡せば社会的に虐げられた人々、あるいは戦争や貧困に苦しみ、明日をも知れぬ困難な人生を歩まざるを得ない人々で溢れているように見えます。そのような人々にとって、「人生には目的がない」とは「人生は生きるに値しない」と言っているに等しい。では、人生は本当に無価値なのか？「ボヘミアン・ラプソディ」のラストシーンでも歌われる「We are the champions of the world」という歌の中にその問いへの答えがあります。ここで、特に日本の読者が注意しなければならないこととして、英語championには２つの異なる意味があります。ひとつは誰もが知る「勝者、覇者」という意味（カタカナ語にもなっている）ですが、もうひとつの関連する重要な意味として「（弱者・主義などの）擁護者、支持者」という意味があります（動詞でも使われます）。例えば「a champion of the oppressed」とは「虐げられし者の擁護者」です（「虐げられし者の王者」ではありません）。そして第１の意味が競技と関連することからも分かるように、この「擁護者」は闘う擁護者でもあるのです。これを踏まえて歌詞を眺めれば、「We are the champions of the world」が「私たちはこの世界の擁護者だ」を意味していることは明らかです。では、歌詞全体の文脈中で「世界」が意味するところは何か？先行する歌詞が示唆するように、ここでは困難な人生を抱えて生きる人々にとっての世界、映画の表題となっている「ボヘミアン・ラプソディ」の歌詞にも通底する世界です。（「ボヘミア」はヨーロッパの辺境であり、流浪の被差別民であるロマ [かつてはジプシーとも呼ばれた] を想起させる地名でもあります。）はじめに「人生は存在しない」と言いましたが、「世界も存在しない」という意味では世界と人生は等価なものです。これらの歌詞は、「私達はそのような困難な人生＝世界を肯定し擁護する、そして人生の最後まで闘い抜く」、つまり、どのように困難で惨めな人生も擁護する価値がある、と高らかに宣言しているのです。（なんだかニーチェ哲学の香りがします。）ここまで来たところで、まだ釈然としない読者のために、今度は知人の進化生物学者の言葉を借りてみましょう。彼（無神論者ですが）によれば、人に限らず、生物全般にとって生きることに目的や意味などはない、と断言します。（これは生物の進化には目的がない、と喝破したダーウィンの考えそのものです。）一方で、彼はこうも言います。「生物にとっては『生きること』、『生存』それ自体が目的なのだ」と。哲学者から見ると、これは「生きるために生きる」と言っているようなもので、何も説明しない自己目的化の論法にすぎません。けれども、これは実践上の知恵としては大いに有効です。人も生物としてこの世に生まれた以上、生き延びることこそがその本懐なのです。つまり、どのように困難で惨めな人生であれ、生き延びることそのものに意味があり、価値があるのです。…ガブリエルさんに怒られないよう、下手なモノマネはこのぐらいにしておきますが、「ボヘミアン・ラプソディ」は、誰もがそう感じる通り、辛い人生への応援ムービーです。主人公自身も社会的マイノリティー（インド系ペルシャ人、LGBT）であり、最後にはAIDSという汚辱を背負いながら、同じように汚辱にまみれて苦しむ大勢の人々を応援するために舞台に立ち続けた、というのがこの映画から亭主が受け取ったメッセージです。クラシック音楽、とりわけオタクの世界に閉じこもっている「現代音楽」にはない、原初的な音楽の力を見せつけられる映画でもあります。ところで、その音楽という観点から映画で展開する物語を改めて眺めると、18世紀音楽界のスーパースターだった男性ソプラノ歌手（カストラート）を頂点とするオペラの世界と驚くほど似ているようにも思われます。（映画のところどころでもオペラの重要性も暗示されています。）この類似についての考察は、また別の機会にでも。

  May 19, 2019

  コメント(0)

• 

  クリムト展

  先週末土曜の朝、ラ・フォル・ジュルネでスキップ・センペの奏でる17世紀クラヴサン音楽に浸った後、午前10時半に5月の明るい陽光の下に放り出された亭主共は、気を取り直して上野に向かい、かねてチケットを購入してあった表記展覧会に滑り込みました。グスタフ・クリムトといえば、いわゆるヨーロッパ世紀末芸術を代表する画家の一人としてつとにその名を知られています。ちなみに彼の生没年（1862-1918）にどうも見覚えがあると思い確認してみると、やはりドビュッシーと全く同じでした。（しかも、生没の日付ともに１ヶ月少々ぐらいしか違いがなく、まさに同時代人。）昨年は二人の没後100年という記念の年で、この展覧会もそれに合わせて企画されたとのこと。亭主は学生時代にヨーロッパ世紀末の象徴派運動にハマっていた時期があり、クリムトも「ウィーン・セセッション（分離派）」の頭目として多少は知っているつもりでしたが、今回の展覧会では初めて目にする作品も少なくなく、昔を思い出す一方で色々と刺激を受けることに。これだけまとまった数の作品を見ると画家の作法のようなものが分かってくるのが面白いところで、クリムトが描く人物像では、肉体部分の描写は印象派風であるのに対し、衣装や背景は平面的かつ装飾的で、その対比が独特の視覚的効果を生んでいる感じです。これは当時ヨーロッパで流行していたジャポニズムの影響とも考えられ、琳派の屏風絵や蒔絵のような平面的で様式化された描写を取り入れたことは明らか。展示されていた素描などではロートレックを思わせるような作品もあり、同じくジャポニズム全盛だったパリ画壇の影響とも思われますが、金箔の多用などはクリムト独自の特徴として語られます。ただし、これは弟と立ち上げた装飾工房で金箔の使用が日常化していたことの自然な延長とも思われます。工芸との親和性という点では、やはり世紀末を飾ったアールヌーボー運動とも通底しています。一方、意外なことに彼は風景画も結構描いており（解説によると郊外の保養地などにいるとき限定だったそうで、ウィーンでは決して描かなかったとのこと）、こちらはまさに後期印象派のそれを思わせる画風です。また、前述の人物を配した絵画の画題は象徴派を思わせるものが多く、「目に見えないもの」を描こうとした世紀末美術の典型と言える感じです。こうして見ると、クリムトの作風というのは当時のヨーロッパ画壇における芸術運動全体を折衷したものとも考えられ、この変幻自在な無節操さがウィーン分離派の身上なのかも？なお、この展覧会では副題に「ウィーンと日本1900」と謳っていますが、そのココロについてはよくわかりません（調べてみると、クリムトが分離派を立ち上げたのは1897年）。単に「世紀末」を象徴する年、ということかもしれませんが、芸術・文化史の時代区分という意味では、第一次世界大戦を「世紀末」の区切りとする方が一般的なようです（フランス革命も同じような位置づけ）。いわゆる「古き良きヨーロッパ」は、ヨーロッパを戦場にしたこの破滅的な戦争（1914-1918）によって終焉を迎えたと言われています。ドビュッシー、クリムトいずれもまさにその終戦とともに他界しているのはなんとも象徴的です。というわけで、昔読んだフィリップ・ジュリアンの「世紀末の夢」をまたぞろ見返したくなりました。

  May 12, 2019

  コメント(0)

• 

  スキップ・センペ　ソロリサイタルin東京

  空前の長丁場となった今年の「ゴールデンウィーク」ですが、通常の週末に相当する時間（〜4日間）はほぼ定型の家事雑用に明け暮れるので、エキストラな時間は6日間とそれほど長くもありません。不急とはいえ色々と溜まっている家事諸々（物の整理・掃除[断捨離]、庭いじり等※）をこなすうちに、退屈する暇もなくいつの間にか連休も残り１日余りとなってしまいました。　そのような連休中の数少ない外出イベントだったのが、5月3日〜5日と東京・有楽町で開催されたラ・フォル・ジュルネ、例の「熱狂音楽祭」です。昨年初めてこの音学祭に繰り出し、ピエール・アンタイのリサイタルで味をしめた亭主共、今回はスキップ・センペが来るとあってだいぶ前から気にしていたのですが、ちょうどチケットが売り出されたのが年度末の繁忙期だったために失念放置。4月も20日になってようやく思い出し、ギリギリセーフで何とか4日9:30~の演奏会のチケットをゲット。　今回の会場となったのは7階にあるホールD7。6階ロビーでチケットをもぎられる際に「プログラムはホール入口にあります」とのアナウンスがあり、演目が書いてあるのかと勇んでテーブル上のそれらしい紙片を手にとると、「スキップ・センペのカルト・ブランシュ（＝白紙）」とあるのみ。あっさり肩透かしです。（いわば「シェフにお任せ」という趣向。）　ホールに入ってみると、座席数180席とアンタイの時のそれよりかなり小さめですが、階段席になっているため見晴らしがよく、亭主共が座った最後列（9列目）からも楽器や奏者の様子がよく見えます（ちなみに楽器は例によってU楽器のジャーマン・ミートケモデル）。朝早くとあって、開演直前に来る客もかなりの数いましたが、最後にはほぼ満席状態に。　さて、定刻になって間もなく舞台に現れたセンペ、姿を見るのは一昨年暮れのアンタイとのデュオ・コンサート以来ですが、ソロリサイタルを聴くのは初めてです。何を弾くのかと目と耳をこらしていると、まずプレリュード・ノンムジュレらしき曲から始まり、舞曲がふたつ続きました。（いずれも亭主にはすぐに思い出せない曲…）4曲目にして亭主の贔屓であるルイ・クープランのプレリュード・ノンムジュレが始まり、続く「ブランクロシュ氏のトンボー」では早くも大興奮。その後しばらくルイの作品が続いた後、ダングルベールの名作「シャンボニエール氏のトンボー」を挟んでルイのシャコンヌに戻ったところでブレーク。どうやらこれで一旦お開きだったようで（ここまで〜35分）、続いての演奏（アンコール）はフランソワ・クープランを3曲、センペ氏が英語で題目を紹介の後に演奏してくれました。　というわけで、終わってみれば17世紀フランス・クラヴサン音楽の名曲メドレー、終演後にメッセージボードに張り出された演目のお題も「フランソワ・クープランが聴いた音楽」と、まさにセンペが最も得意とするレパートリーを堪能した至福の45分間でした。（もっとたくさんの演奏を聴きたかったところですが…）　センペはこのリサイタルで17世紀の作法に習い、同名調のプレリュードと舞曲からなる「組曲」を自ら組んでプログラムにしています。会場に足を運べなかった方々のご参考までに、演奏曲目について帰宅後メッセージボードの記事と記憶を頼りに調べた結果を以下にメモっておきましょう。（なお、*はセンペによる昔の録音があり、彼の心境の変化？を知ることもできました。）I. Gの組曲 Prelude （ダングルベール、クラヴサン曲集[ウジェル版]、第1組曲第1曲、ト長調） Allemande dit L’affligée* （シャンボニエール、Maurice Senart版全集、124） Sarabande* （シャンボニエール、Maurice Senart版全集、120）II. Fの組曲 Prelude* （ルイ・クープラン、クラヴサン曲集[ウジェル版]第XIII組曲第1曲、ヘ長調） Tombeau de Mr. Blancrocher par Mr. Couperin* （同上第9曲、ヘ長調）III. Dの組曲 Prelude* （ルイ・クープラン、クラヴサン曲集[ウジェル版]第IX組曲第1曲、ニ短調） Courante* （同上第4曲、ニ短調） Sarabande* （同上第5曲、ニ短調） Canaries* （同上第7曲、ニ短調） Tombeau de Mr. de Chambonniéres*（ダングルベール、クラヴサン曲集[ウジェル版]、第4組曲第7曲、ニ長調） Chaconne （ルイ・クープラン、クラヴサン曲集[ウジェル版]第VIII組曲第6曲、ニ長調）＜アンコール＞Muséte de Choisi （F・クープラン、クラヴサン曲集第3巻第15オルドル第4曲）Muséte de Taverni （同上第5曲）Sarabande la Majesteuse （F・クープラン、クラヴサン曲集第1巻第1オルドル第4曲）アンコールの初めの2曲は、当時パリでも流行っていた（？）ミュゼットというバグパイプのような楽器の響きを模した作品らしく、左手のオスティナート・バスの上で速い走句が動き回る感じです。（ミュゼットといえば、ヴィヴァルディの贋作「忠実な羊飼い」の作者ニコラ・シェドヴィルを思い出します。）　なお余談をひとつ。コンサートがはねたところでエレベーターに乗ったところ、同乗者にどうも見覚えのある外国人がいます。彼のことは開演時から気づいて気になっていたので、思わずマジマジと顔を見てしまいましたが、後ほど写真で確かめたところ、やはりオリヴィエ・フォルタンに間違いないと確信。フォルタンもこの音楽祭に古楽アンサンブルの一員として来ていることは知っていましたが、まさかセンペのリサイタルに座っているとは思いもよらず。彼は以前にセンペとの共演でラモーの2台クラヴサン曲を録音するなど、既に立派なキャリアを持つ中堅演奏家です（1997年のブリュージュ古楽コンクールのハープシコード部門で2位という勲章も持つ）。その彼が勉強のため（？）に観客に混じって演奏を拝聴するということは、センペも今や師匠レオンハルトのような存在になった証かもしれません。　さて、エレベータを１階で降りて時計をみるとまだ午前10時半。東京のど真ん中でこの時刻といえば、通常はこれから何かイベントに出向くタイミングです。というわけで、亭主共も上野方面に移動することにしました。（続きはまた後で）（※：そういえば、連休の時間を使って本亭の記事を5年ぶりに少しだけ更新しました。）

  May 5, 2019

  コメント(2)

• 

  J.-B. フォルクレ　II

  ミッツィ・メイヤーソンが弾くフォルクレにハマッた亭主、早速楽譜を探したところ、やはりウジェル社のle pupitre 出版譜が入手可能と分かり、久しぶりに楽譜専門（？）のネットショップであるDi-Arezzoで注文してみました。発注した翌日の4月15日には、早くも「商品を発送しました」という連絡メールが飛んできましたが、なんだか日本語が変です。冒頭にある「もしもし」という一語、思わず吹き出しそうになりますが、どうやら英語でHelloという間投詞が電話でも使われることから、日本の電話用語に訳されてしまったようです。このDi-Arezzoというネットショップ、パリに本拠があるようで、ウェブサイトは各国語に対応しているものの、どうやら仏語以外は自動翻訳に頼っているフシがあり、結構怪しげな日本語が繰り出されてくるのが笑いを誘います。とはいえ仕事はきっちりやっているようで、メールにあるように翌週にはちゃんと航空便で手元に届きました。というわけでこの週末、改めて楽譜を眺めながらメイヤーソンの演奏をじっくり堪能。やはり「見ると聞くとでは大違い」ではありませんが、とにかく耳で聴いていただけでは分からないことが盛り沢山で、色々な点でフォルクレの音楽の奥深さを垣間見た気になりました。そもそも、音盤の解説記事にしてからが、演奏を聞いただけではピンとこなかったことが、譜面を見ながら聴いた後では俄然面白くなります。庭いじり以外に特段予定がないこの連休、少し本気を出してフォルクレのことを調べてみようという気になりつつあるところです。

  April 29, 2019

  コメント(0)

• 

  ジャン＝バティスト・フォルクレ—クラヴサニスト

  フォルクレ（Forqueray）といえば、亭主のようなウブな古楽愛好者は17世紀末から18世紀初めにルイ14世の宮廷で活躍したかのヴィオール（ヴィオラ・ダ・ガンバ）の名手を思い浮かべます。「天使のような」とあだ名されるマラン・マレと対照的に、鬼気迫る即興演奏から「悪魔のような」と形容され、息子を（嫉妬のあまりとか言われていますが）牢屋にぶち込んだりと、色々エピソードにも事欠かず、話題性も抜群。ところが、亭主はたまたまユーチューブでジャン・ロンドーが弾く「フォルクレ」のLa Portugaiseという曲を耳にし、そのデュフリやバルバトルに勝るとも劣らないかっこよさにたちまち惹かれてしまいました。そこで、ちょいとネットサーフィンしてみると、どうやらフォルクレの息子が父親のヴィオール作品をハープシコード用に編曲して1747年に出版したクラヴサン曲集というものがあるらしい、ということを知ることに。そこで、さらにこのクラヴサン曲集を入れた音盤を探していたところ、ミッツィ・メイヤーソンのCDが偶然目に留まりました。2002年リリースとやや古いものの、アマゾンでのカスタマーレビューが高評価だったこともあり、迷うことなく中古CDをポチり。先週聴き始めたところ、予想をはるかに上回る快演で、即座に「マイブーム状態」になってしまいました。ところで、フォルクレはこの時代に典型的な音楽家一族に属し、しかもあのクープラン一族と同じショーム・アン・ブリ（ブリーチーズの産地としても有名）に出自を持つとか。こういう場合によくあることとして、似たような名前の音楽家がゾロゾロ出てきて、素人には誰が誰だかよくわからないことがあります。実際、CDに付属していたピエール・ジャクィエさんによるライナーノートを読見始めたところ、この名前の問題で最初は頓挫。気を取り直して亭主なりに整理したところでは、多分最も著名なフォルクレ（ヴィオールの名手）はアントワーヌ・フォルクレ（1671-1745）で、その息子の一人、ジャン=バティスト・アントワーヌ・フォルクレ（1699-1782）が、クラヴサン曲集の「編者」ということになります。（ミドルネームに父親の名前が入っていたのが亭主を混乱させた原因でした。）ちなみに、ライナーノートは大変な力作で、ウィキのような簡略な記事にはないウンチクが色々と詰まっています。特に興味深い点として、ジャン＝バティストが亡くなった際の遺産目録中、ヴィオールが1台も無く、楽器といえばクラヴサンが1台あるのみだったことが挙げられており、彼が音楽家としてのキャリアの半ばでヴィオールを捨て、クラヴサン演奏に中心を移していたことを示唆するものとされているようです。CDジャケットに用いられた絵は、ジャン＝バティストの妻でクラヴサン奏者としても著名だったマリー＝ローズ・デュボア夫人を描いたもので、ジャクィエさんはその左側奥に描かれているクラヴサンこそが遺産目録にあった楽器ではないかと推測しています。そもそもジャン＝バティストは幼少時から大いに才能を発揮したようで、15,6歳ごろには既に音楽家として名を成すほどになっていたとか。父フォルクレは、息子とすったもんだあった挙句1720年代半ばに引退し、その後は息子がヴィオール奏者として父親に代わって宮廷や公的な場で活動し始めますが、ヴィオールという楽器自体の人気は（父親の引退もあってか）下火になり始めたようで、この頃からクラヴサン音楽の作曲も手がけていたと推測されます。音楽一家である上に、母親や妻もクラヴサン奏者として鳴らしており、おそらくジャン＝バティストがこの楽器に熟達していたことは間違いないでしょう。1747年に出版された曲集では「父フォルクレのヴィオール作品を編曲した」ということになっていますが、どうやらこれは売らんがための出版上の方便で、実際には彼自身のオリジナル作品が相当数含まれているのではないか、と推測される所以です。何れにしてもこのクラヴサン曲集、今日的にはジャン＝バティストのクレジットに帰されるべきものに見えますが、その音楽は実にフレッシュで、亭主にとっては新しいレパートリーの発見と言ってもよいぐらい強烈なインパクトがありました。（ミッツィ・メイヤーソンの演奏も素晴らしい！）これまで（亭主にとっては）父フォルクレの名声の影に隠れていましたが、大いに認識を新たにしたところです。ところで、ここで見られる音楽家の父と息子の関係、バッハやスカルラッティのそれと大いに通底するものがありそうです。特に、父親の圧倒的な影響という点では、まさにスカルラッティ親子のそれを彷彿とさせます。ファミリービジネスとして音楽に従事する中で、「偉大な父」を持った息子達が自らの音楽の道をどうやって切り拓くか。いわゆる「家業」を持つ現代の若者にとっても共通の悩みというところでしょうか。

  April 21, 2019

  コメント(0)

• 

  リコルディ版スカルラッティ全集--第９巻

  ドメニコ・スカルラッティのソナタ全曲の原典批評に基づく校訂譜といえば、現在手に入るのはケネス・ギルバートによるウジェル社の版が唯一です。イタリアの出版社リコルディでも1978年からエミリア・ファディーニ校訂によるスカルラッティ全集が刊行され始めましたが、1995年に第８巻が上梓された後は待てど暮らせど続巻が現れない、という状態がずっと続いていました。亭主もこの状態に慣れてしまい、このところ注意を怠っていたところ、つい最近になってたまたま見にいったウィキペディアの記述で、2016年に第９巻が出版されていたことを知ってびっくり（知らぬは亭主ばかりなり？）。早速大急ぎで件の巻をゲットし、この週末は久しぶりにスカルラッティのソナタで手遊びです。ウィキの記事にもあるように、この巻ではファディーニに加えてマリオ・モイラギさんという方が校訂者として加わっており、どうやらこのプロジェクトはモイラギさんに引き継がれつつあるようです。というのもファディーにさんは1930年生まれということで、特にこの10年ほどは年齢的にこのお仕事を続けることが難しくなっていたものと想像されます。とはいえ、手にした第９巻を眺めた限りでは、その辺の事情も含めモイラギさんのクレジットに関わる説明は一切なし。（冒頭に付された校訂に関する説明記事も、第８巻以前と何も変わっていないように見受けられます。真新しい楽譜を手当たり次第に開いて弾き散らかしていましたが、K.551を弾いているうちに「あれっ？」と引っかかった音があり、譜面をしげしげと眺めて見ることに。問題の箇所は65小節目で、ソプラノの第４音ナチュラルのミが耳に逆らう感じなので、ウジェル版を取り出してみるとわざわざフラット（元々の調号でもフラットがついている）が振ってあります。そこでさらに巻末の校訂注を眺めると、いずれについても逆の可能性が言及されていました。そこで、さらに全音版（橋本英二校訂、100のソナタ第３巻所収）、および音友版（中山靖子校訂、第３巻所収）を眺めてみたところ、いずれもナチュラルのミとなっていてまたびっくり。要するに、ギルバート版（一番古い）以降の校訂者は全員ナチュラル・ミと判定しているので、原典批評の結論としてはこちらが「正しい」ということに落ち着いているようです。この例にも明らかなように、500曲以上もあるソナタから特定のソナタについての情報を得ようとした場合、やはり「全集」版は辞書的な便利さがあるために、亭主のようなモノグサな人間はどうしてもまずウジェル版に手が伸び、リサーチが疎かになってしまいます。その意味でも、リコルディ版が完結することが大いに待たれるところ。（一方で、こういう理由でせっかくの橋本・中山両先生の仕事が必ずしも広く認知されないようなことになっているとすると、いささか残念なことですが…）ところで、新たに校訂者として名を連ねているマリオ・モイラギ（Mario Moiraghi）氏、情報が少ない中でウィキからリンクがあったCorsi Popolari Serali di Musicaという団体（？）のページにあるCVらしきものを眺めてみると、1997年にピアノ専攻でミラノの音楽学校を卒業し、その後研究の道に進んだとあるようなので、現在40歳代半ばぐらいの方のようです。また、リコルディ版スカルラッティ全集の最終巻である第10巻は彼の責任の下で近く出版される予定とのこと。あまり待たされずに「練習曲集」全曲が収まった巻を目にしたいものです。

  April 14, 2019

  コメント(0)

• 

  トムとジェリーとクラシック音楽

  4月に入っての最初の週末、亭主は暖かい陽気に誘われて久しぶりに庭いじりを少々。金曜日ごろからの気温の上昇にともない、近所でもコブシに続いて桜がようやく満開となるなど、未音亭周辺も徐々に季節が進み、春爛漫の様相に。冬枯れで殺風景だった亭内の花壇でも遅まきながらスイセンが見頃に。芝生もジワリと緑が戻り始めたので、ポコポコと芽吹き始めた雑草取りをしようと地面に顔を近づけてみると、何と芝の花も地味に満開状態です。（この快適な陽気、せめて連休ぐらいまで続いてくれると有り難いのですが…）ところで、そのような花金の春の宵、新聞のテレビ欄で表題のような予告がされていた某番組を興味津々で拝見。自身の幼少期に（そして30年後に子供と）見た懐かしいアニメのシーンを思い出すとともに、映像と音楽の関係などを巡って色々と考えさせられました。「トムとジェリー」（T&J）といえば、ドタバタアニメの「クラシック」としておそらく日本でもある年齢以上で知らない人はいないと思われます。基本はネコとネズミが他愛もない追いかけっこをする短編もので、ストーリーも比較的単純、ほとんどセリフが入らないこともあり、サウンドトラックを流れるのはほぼ効果音と音楽のみです。とはいえ、亭主は今回の番組を見るまで、音楽の内容とアニメのシンクロが正確無比なこと、そしてそれがあの抱腹絶倒の笑いの核心だったことをあまり意識していませんでした。この点で興味深かったのは、ゲストとして招かれた上水樽力さん（「うえみずたる ちから」と読むらしい）というお若い方のお話で、彼は大学生になるまでこのアニメを知らず（！）、友人に初めて見せられて音楽と映像のシンクロの完璧さに驚愕、何とそれを研究対象にして博士号までとってしまったそうです。「博士号」と聞いて亭主も思わずテレビの前でのけぞってしまいましたが、考えてみると、幼少期の感覚にはT&Jでの音楽と映像のシンクロがあまりに自然なので、あたかも空気のように意識されなかった（それほど一体化していた）のに違いありません。（「大人」になってその凄さが初めて意識されるようになる、というわけです。）ちなみに、音楽を担当したのはスコット・ブラッドリー（1891-1977）という米国の作曲家で、ウィキによれば彼がMGMでT&Jの音楽を担当していたのは1940年~58年と、初めの5年間は第2次世界大戦と重なっています。このころ、米国ではファシズムを逃れてヨーロッパから渡ってくるクラシック音楽関係者も多く、ハリウッドでもコルンゴルドが映画音楽で活躍。また1940年といえば、音楽と映像の融合という点で記念碑的な作品であるディズニーの「ファンタジア」が封切られた年でもあります。（正直なところ、T＆Jがこれほど古いアニメだとは意識していませんでしたが、今になって思えば2000年代半ばに購入したT＆Jの「ワンコインDVD」はおそらく日本での著作権切れに伴って再販されたもの。）クラシック音楽を看板に掲げていることもあり、番組ではT&Jでも特にクラシック音楽を直接映像化したような「ピアノ・コンサート（リストのハンガリー狂詩曲）」、「星空の音楽会（シュトラウスのこうもり序曲）」が詳しく取り上げられていましたが、改めてT&Jに使われている音楽を思い起こすと、ブラッドリーはいわゆるクラシック音楽に限らず様々なジャンルの音楽を自在に使い分けています。作曲技法の面からも、十二音技法をさりげなく用いたという「猫はやっぱり猫でした」、あるいは陰鬱な平行４度がスリルを感じさせるライトモチーフのような「天国と地獄」の指摘は興味深く、もう一度全てのアニメを音楽の視点で「鑑賞」し直してみようかという気にさせられます。このようなブラッドリーの音楽、実は映像と組み合わされてストーリーを「語る」という点でバロック音楽と通底するものがあります。かつてアーノンクールが言っていた「しゃべる音楽」としてのバロック音楽です。そこでは、あるフレーズは何かの動きを表す、といった様々な「お約束」（音楽語彙）があり、聴衆もその語彙を理解していた、というわけです。これは、識字率が低かった時代に、絵画が聖書の物語を絵解きしたのと同じ構図でもあります。翻ってT&Jも、まだ字がよく読めない子供向けだったことが、ブラッドリーの音楽に「語り」としての磨きをかけさせた、と言えるかもしれません。そしてT&Jが、言葉の壁を超えて世界的な漫画アニメとなった所以もそこにあると思われます。こうして考えるに、映像と音楽の究極の一体化がどのようなヴァーチャルワールドを作り出せるものなのか、かなり気になってきました。

  April 7, 2019

  コメント(0)

• 

  遅れて来たクラシック音楽オタク

  昨日、週末の買い物ついでにふらりと立ち寄った書店で、何気なくずらりと並んだ文庫本新刊のコーナーを散策していたところ、片山杜秀さんの「音楽放浪記 日本之巻」、および「音楽放浪記 世界之巻」と題する著作（2019年、筑摩書房）が２冊、ディスプレイ用のラックに縦置きで鎮座しているのが目に留まりました。 片山杜秀さんと言えば、博覧強記を武器に新聞・雑誌の音楽批評やクラシック音楽ネタの記事を書きまくり、あるいはラジオ番組でしゃべくりまくる牛乳瓶底メガネの何だか暑苦しいオッサン（失礼！）、という印象がまず先に立ち、亭主はこれまでずっと敬遠して来た経緯があります。それでも連れ合いが書棚から一冊引っ張り出して眺めているのにつられ、「世界之巻」編の方を手にとってパラパラとめくり始めました。亭主に限らず、書店で初見の文庫本を手にして最初に読み始めるのは巻末の解題記事、という方は少なくないはず。（文庫本はほぼ例外なく既刊本の廉価版として世に出されるので、再刊にあたり解題記事をつけることはどうやら斯界の常識のようです。）件の著作、巻末をめくるとお約束通り三浦雅士さんによる「解説　もうひとつの片山杜秀論」という記事がありました。ところが、これを読み始めたところあまりに面白くてやめられなくなり、そのままお買い上げという仕儀に（筑摩書房にマンマと乗せられてしまった…）。この記事、要約してもつまらないので、以下冒頭部分を引用にてご紹介しましょう。あまり大きな声では言えないが、ほんとうは、いわゆるクラシック音楽なるものはあと何年もつか、というのが、稀代の天才軽業師・片山杜秀の潜在的な主題である。ほとんど華麗とも言うべき身のこなしで、あるときは音の細部を、あるときは文化史を、あるときは作曲家、演奏家のゴシップを語りながら、少しでも延命させようとしているように見えもすれば、ああ、これはクラシック音楽なるものの最後の瞬間を生きているようなものだぜと、なかば長嘆息の風情で身を投げ出しているように見えもするのだが、結局は余命を計っていることに違いはない。音楽の座標が失われ、音楽の主体なるものが希薄になってしまっているからだけではない。音楽享受のありようそのもの（たとえばユーチューブ！）が劇的に変化してしまっているからである。この天才にとってさえも、先は見えないのだ！　周知のように、と、つい言ってしまうのだが、1960年代一世を風靡したモダン・ジャズがいまや常磐津・清元と同じ境遇に入ったのと同じように、19世紀から20世紀にかけて世界を制覇したドイツ観念論（カント、ヘーゲルからマルクス観念論！まで）ならぬドイツ・クラシック音楽（主流がロマン派だから紛らわしいのだが）もまた、常磐津・清元と同じ境遇に入ってしまったのである。そのことは、いまはもう10年前、街から消えてしまった大型CDショップの棚の並びを思い出して見るだけで実感できる。当時すでに、ジャズもクラシックも好事家（！）の対象として店のわずかな一隅をしめるに過ぎなくなっていたのだ。あるいは、オペラはむろんのこと、コンサート・ホールの客層を見るだけでわかる。老齢化（平均年齢70歳！）にマニア化（その道の若き「通」つまり「オタク」たちだけ！）が凄い速度で進行している。例外は音楽学校の演奏家志願者（若い！）と教師（比較的若い！）だけで、彼らだけがドイツ音楽の栄光は未来永劫に続くと全身で思っているのである。彼らに限っては、いわゆる現代音楽と称される先端部分がひねくれればひねくれるほど（たとえば35「ヘラーが丸く収めます」に描かれた状況のなかで片山がどこに立っているかよく考えること！）、有難みが増すようにさえ見えているらしいのだ。　ああ、昔は文学全集も音楽全集も刊行され、これら必須の教養は、目にも見えれば手でもさわれていたのに！（…中略）　冒頭の言を繰り返せば、クラシック音楽業界のこのような惨状を一手に引き受けて、どのようなかたちでも打破してみせようと八面六臂の活躍をしているのが、片山杜秀なのだということである。私の印象では、ほとんど片山杜秀ただ一人と思えるのは、この巨大なタイタニック号が沈没しかかっていることを常に意識しながら丁々発止を展開していると思えるのは彼一人だからである。他は大学教授か業界人なのだから、話題にすること自体がはばかられるのだ。（以下略）亭主も古楽に転向して以来の最近10年ばかり、クラシック音楽業界が「裸の王様」のような状態であることを薄々感じてはいましたが、ここまで明確に「王様は裸だ！」と言ってのける三浦雅士さんとはどういう方なんでしょう？早速ググってみると、生まれは1946年とまさに「団塊世代」。学生運動が収束した1969年、あの青土社に創業とともに加わり、雑誌「ユリイカ」や「現代思想」の編集長を務めた、とあり、音楽業界外の立場にいることも含め、大いに納得。年齢から見ると、まさにコンサート・ホール客層を支えている世代でもあります。一方で「王様の軽業師」である片山杜秀さん、こちらは1963年生まれということで、いつの間にやら50歳代半ばにお成りのようですが、「音楽放浪記」に収録されている記事の初出は2000年〜2008年と、著者がまだ30歳台後半〜40歳代のもの。月刊紙「レコ芸」に連載されたCD評を集めたものということで、今から思えばちょうどクラシック音楽の「黄昏」が始まった頃（iPodの発売は2001年、ユーチューブが始まったのが2005年と、音楽享受のモードが大きく変化し始めた頃に対応）なのかもしれません。いずれにせよ、「クラシック音楽」が光り輝いていた団塊世代に遅れること20年弱、その世界に分け入ってみると、内部は依然として前近代的な伝統芸能の世界。インターネット・ICTの急激な発達という黒船来襲で市場価値も凋落し始めていた（？）というわけです。（最近のスポーツ界で自浄の動きがあることと比べて、クラシック音楽の世界が相変わらず無風状態のように見えるのは亭主のひが目でしょうか？）コンサート・ホール客層の高齢化は亭主も肌で感じているところですが、このままあと20年経過すると、団塊世代（現在約1千万人ほど）の平均年齢は90歳、人口で２割程度にまで減る上に、高齢でコンサートへ足を運ぶこともなくなると予想されます。たとえば、典型的な伝統芸能である歌舞伎は基本的に歌舞伎座と国立劇場でのみ興行されていますが、20年後にはいわゆるプロのオペラやオーケストラは一握りの集団によって担われることになるのかも？この状態になれば、こんにち的な意味でのクラシック音楽の命数は尽きる（？）のかも知れません。そう遠くはない未来の話です。

  March 31, 2019

  コメント(0)

• 

  ヴィヴァルディのエッセンス＝和声

  先日HMVのセール広告メールに反応し、久しぶりにウェブサイトを覗くと、ファビオ・ビオンディとエウローパ・ガランテによるヴィヴァルディのボックスセット（9CD）が何と¥1,490というお値打ち価格で手に入ることを知り、早速他の数枚とともにポチリ。この週末に片端からプレーヤーに掛けまくっています。収録されているのは、L’Estro Armonico（調和の霊感）、La Stravaganza、Il Cimento Dell’Armonia e Dell’Invenzione（和声と創意の試み）、Conerti per Viola D’Amore、Conerti con Titoli、Conerti per Mandolini、Conerti con Molti Strumentiとなっていますが、ここで気になり出したのが括弧で付した和文の表題です。Armonicoはイタリア語でArmonia（英語でharmony）の形容詞、つまり両者は同じ意味を表すはずの言葉ですが、op.3の表題では「調和の」と訳され、op.8では「和声」と訳されています。2つの作品の表題中のarmonia、日本語だけ眺めていると別の意味に取られるでしょう。もちろんヴィヴァルディ自身が意図して別の意味を持たせた可能性もなくはありません。が、亭主はビオンディによるヴィヴァルディを浴びるように聴いているうちに、忽然と「これは『和声』と統一するのが正しい訳に違いない」と閃きました。以前このブログでも触れたように、ラモーの「和声論」邦訳の解題の中で、訳者の伊藤さんはharmonyという言葉がラモー以前には（単旋律聖歌などにおける）逐次的に響く音の関係を指し、同時に複数の音が鳴り響く「和音」を前提にしていなかったと書いています。つまり、通奏低音（数字付きバス）が発達し、その帰結として和音とその進行（コード進行）が音楽の強力な構成原理であることを「発見」したのがヴィヴァルディをはじめとした後期バロックの音楽家達だったというわけです。「四季」であれ「調和の霊感」であれ、ヴィヴァルディの音楽を聴いていて気づくのは「ムキ出し」と言ってもいいほど露わな和声進行と、それに付随する単純な音形の繰り返しです。例えば「四季」の楽譜を見ると、その譜面づらの単純さは驚くばかり。順繰りに和音が響いていくだけという、現代のミニマルミュージックにも通じる作りが一目瞭然です。たまに旋律のようにも聞こえるフレーズが出てきますが、それすらも「引き伸ばされた和音の展開形」とみなすこともでき、要するに音楽全体がコード進行のためにあるといった感じです。基本のコード進行の上で即興性を帯びた音楽が鳴る、という点では現代のジャズやポップスにも似ており、改めて両者の親近性を示すものと言えそうです。一方で、L’Estro Armonicoをはじめ、ヴィヴァルディの協奏曲については先達であるコレッリの影響が当然のように語られます。しかしながら、これらの作品がコード進行（それも時に劇的な）を身上とする点では、コレッリが重視した「旋律の美しさ」とは対極にあるとも言えます。L’Estro Armonico は、1711年に出版されるやヨーロッパ中でヴィヴァルディの名を轟かせたほどインパクトがあった作品ですが、その理由がコレッリ風の上品さではなく「ムキ出しのコード進行」という斬新なスタイルにあったことは明らか。このように考えた時、同じような「コード進行」メインの作品で鍵盤奏者によく知られた例の一つは、セバスチャン・バッハの平均律クラヴィア曲集第１巻第1番の前奏曲でしょう。これに限らず、第１巻の前奏曲は、いずれもコード進行に装飾を施したような作り（後期バロックの新しい作法）になっているように見えます。これら前奏曲と対になったフーガが17世紀以前の対位法（古い作法）に由来することと実に好対照で、バッハの意図がよく現れている気がします。というわけで、ここまで来れば、L’Estro Armonicoという表題、「和声の霊感」、あるいは「和声の閃き」と訳されるべきだった、というのが亭主の結論です。　 　　　＊　　 　　＊　　 　　＊ところで件のCD、廉価版ボックセットには珍しく、冊子体で入っていたライナーノートを眺めると、録音は1998年から2008年ぐらいまでのもので、ビオンディ（1961年生まれ）が37〜47歳と、恐らくは全盛期（？）の仕事を納めています。解説記事によれば、パレルモ出身のファビオ・ビオンディは、1980年代までに確立したピリオド奏法による古楽復興の立役者として斯界を伸していたピノックやホグウッドの「英国風」ヴィヴァルディに物足りなさを感じ、もっとイタリア的な響きを追求しようと自分たちの古楽オケ（これが他でもないエウローパ・ガランテ）を創設、1990年に彼らの「四季」を録音。翌年に仏Opus 111というレーベルで世に出したところ、これが「爆弾を落としたような」大反響を巻き起こしたとか。それからは破竹の勢いでヴァージン・クラシックやエラートからヴィヴァルディ作品の録音を次々に送り出して今日に至っています。（ちなみにこのボックスセットに入っている「四季」の録音は2000年とあり、10年目に録り直したもののようです。少し前に出たカルミニョーラの圧巻の演奏を聴いて対抗心を燃やし、それを越えようとしたのかも？）いずれにせよ、亭主から見ればヴィヴァルディの音楽はジャズのようなもの。演奏家それぞれのヴィヴァルディを楽しむべし、ということでしょうか。

  March 24, 2019

  コメント(0)

• 

  「スカルラッティ555」フェスティバル

  先週夜のFM番組「ベストオブクラシック」4日目に、フレデリック・ハースによるドメニコ・スカルラッティのソナタ演奏会の録音が放送されました。当日、亭主はあいにく出張中でまともに聴く時間を取れませんでしたが、ストリーミングキャプチャでパソコン上に「録音」しておいたものを、この週末にじっくり拝聴。このリサイタル、調べてみると昨年7月14日〜23日にわたって行われたラジオ・フランスによる表題のスカルラッティ・ソナタ全曲演奏会の最終回として開催されたもので、会場は南仏モンペリエにあるアサス城とのこと。アサス城といえば、このブログでも以前にご紹介したように、かつてスコット・ロスが近所に住まいを構え、この城にあるクラヴサンを用いて多くの名録音を残したことで知られており、いわばクラヴサン奏者や愛好家のメッカとも言える場所です。そして、いまさら断るまでもなく、スコット・ロスといえばドメニコのソナタ全555曲を初めて録音、CDとして世に送り出したハープシコード奏者であり、ちょうどドメニコの生誕333年という記念の年（？）だった昨年に、改めて全曲を生演奏で聴くというチクルス・コンサート（＝フェスティバル）が企画されたようです。ネット上にアップされていたこのフェスティバルのpdf小冊子を眺めると、わずか10日間の間に35回ものリサイタル（当然1日に複数、多い日は4つの連続リサイタル）が開催され、関わった演奏家もジャン・ロンドーやフランチェスコ・コルティといった若手からルカ・グリエルミやケネス・ワイスといった重鎮まで30人となかなか壮観です。日本人では曽根麻矢子さんと郡司和也さんがエントリー。（ちなみに会場がアサス城だったのは初回と最終回のみ）FMで流れた番組では、赤塚健太郎さんによる丁寧な楽曲解説を挟みながら演奏が流れ、おそらく多くのリスナーにはそれほど馴染みのないドメニコのソナタの世界へのよき案内役となるような作りになっていました。それにしても、プログラムの最後にかかったK.120で多用されている手の交差については、やはり演奏を目で見なければその凄さがなかなか伝わらないもの。そこでもう一度ネット上をググったところ、件の演奏会の様子が丸々ユーチューブ動画としてアップされていることを発見し（下記リンク）、早速ハースの名人芸をチェック。このスピードでよくぞここまで破綻のない演奏ができるものだと大いに唸らされました。

  March 17, 2019

  コメント(0)

• 

  1969年--分水嶺

  もう先々週になりますが、3月1日朝の「古楽の楽しみ」で、当日は1969年にNHKでFM本放送が始まって50年の記念日に当たることを番組冒頭の紹介で知りました。MCの大塚直也さんによると、この日の朝6時35分から「バロック音楽の楽しみ」という番組名の下、シュッツのドイツ・レクイエムが放送されたとのこと。爾来半世紀、番組名は変わりつつも連綿と古楽専門のプログラムが続いているというのは何とも驚くべきことです。　今は古楽オタクの亭主も、さすがに当時（〜小学生）はそのような番組があることすら知りませんでしたが、FM放送の開始そのものにワクワクしたことをよく覚えています。自宅にあったヤマハの家具のような「セパレート型ステレオ」には既にFMチューナーが内臓されており、AMラジオとはまるで別世界のハイファイ音響に大興奮。当然のことながら、少し長じては高校・大学とLPレコードを買う代わりに放送をラジカセ（www古い…）に録音して聴き回すエア・チェックにも手を染めたものです。　それにしてもこの1969年という年、亭主には別の感慨を抱かせる年でもあります。というのもこの年は庄司薫の小説、いわゆる「薫クン四部作」の舞台となった年でもあるからです。四部作とは言うまでもなく「赤頭巾ちゃん気をつけて」、「白鳥の歌なんて聞こえない」、「さよなら快傑黒頭巾」、そして「ぼくの大好きな青髭」です。特に最後の作品が出たのは丁度亭主が大学受験前後の頃で、同じぐらいの年齢の薫クンに感情移入もしやすく、友人に進められて四部作を一気に読むとともに、色々と考えさせられた覚えがあります。　これらの作品、今の若い世代にはあまり知られていないかもしれないので簡単に紹介しておくと、第１部「「赤頭巾」は1969年の2月、ちょうど大学受験を控えていた日比谷高校生である薫クン（1950年生まれという設定）が東大入試の中止という事態に直面し、おまけに様々な災難にあって意気消沈しながらも、これからの自らの生き方についてある方向性を見つける、というお話で、背景として前年に起きた東大紛争や、世界的に広まった学生運動（社会に対する若者の異議申立て）があります。　第2部「白鳥」のテーマは「死」。舞台が春から初夏というと新しい生命が輝きを増す季節であるだけに、テーマ（沈みゆく夕日の魅惑に例えられる）との対照が目につきます。小説中では、薫クンが幼馴染である由美から聞かされる、末期に近い老人の姿を下敷きに、まだ自らの死を想像すらできない若者たちの当惑や、死のアンチテーゼとしての生（とまとめてしまうとつまらないですが）について思いを巡らすお話です。亭主が今でも思い出すのは、くだんの老人が膨大な蔵書を擁し、しかもその全てに目を通したと思しき痕跡（書き込みや線など）を主人公たちが見つけて考え込むくだりで、今やその老人の年齢に近づきつつある亭主としては、たいしたこともない蔵書（それもかなりの部分は「資料」と称してつん読状態）を前にして、「で結局お前はそこから何を得たのか？」という問いに悩まされる今日この頃でもあります。　第3部「黒頭巾」は、第１部の背景であった大学紛争の当事者たち、薫クンの兄やその友人達のその後を、主人公の目を通して描いたもの。1968年に始まった東大紛争が、医学部の旧態依然とした封建的・階級的な構造、その中で免許取りたての若い医師が奴隷のように無給で酷使される「インターン」制度の改善という切実な要求から始まったことは今日では忘れられがちです。小説中では、そのような医者の卵である兄の友人の結婚式を舞台に、大学紛争が結局社会を微動すらさせることができず、大学を出れば既存の体制に巻かれていくだけ、という挫折感や苦悩をコミカルに描いています。　そして第4部「青髭」は、高校の同級生だった「高橋」が自殺を図った原因を探るために、夏（7月）の新宿を舞台に色々な人たちを訪ね歩く物語。冒頭に出て来る新宿紀伊国屋書店や、その奥にある喫茶店「ブルックボンド」には、当時小説を読んだばかりの亭主も何度か足を運んだ覚えがあります。1969年7月といえば、アポロ11号が初の友人月面着陸に成功、というニュースが世界中を駆け巡ったタイミングでもあり、小説中でもハイテクの最先端としての宇宙船と、新宿の小さな喫茶店「葦舟」（ヘイエダールの「コンティキ号」）が象徴的に対比されているのが印象に残っています。　こうして改めて小説の筋を追ってみると、作者である庄司薫が捉えた1969年という年は、高度成長の末期から石油ショックを経て、若者が脱政治化していく過程のちょうどターニングポイントだったのではないか、と思えてきます。ちょうど平成も終わるという2019年を、（30年ではなく）この50年の越し方を眺め、これから先の50年を俯瞰するヒントを見つけるような年にしたいものです。

  March 10, 2019

  コメント(0)

全795件 (795件中 251-300件目)

< 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 ... 16 >