未音亭日記

ジャン・ロンドー　チェンバロリサイタルin東京

4月10日（月）、東京文化会館小ホールで開催の表記コンサートを聴きに行きました。ウィークデーとはいえ、上野であれば19時の開演に間に合うよう職場を出ることは原理的には可能。とはいうものの、実際にやってみたのは今回が初めてで、常磐線が予定通り駅に到着（開演25分前）するや「桜の名所」上野公園には（きっと桜はもう散っているに違いない、と）脇目も振らず、連れ合いと会場へ直行です。亭主にとって、最後に東京文化会館でのコンサートに行ったのはいつのことだったか記憶にないほど久しぶりです。それどころか、直近でこの小ホールの椅子に座ったのは6年前、他でもないあの東日本大震災の翌日だったことを、会場の座席に収まって舞台上にある屏風を横にしたような反響版を眺めながら思い出しました。震災当日たまたま東京にいて帰宅難民となり、東京駅地下で凍えながら過ごした翌朝、何とか上野までたどり着いたものの行き場がなく、避難者に解放されていたこのホールの椅子に座って一息ついた時の情景がまざまざと蘇ってきます。あれから幾星霜、同じ場所でこうしてハープシコードのリサイタルに耳を傾けようとしていることに感慨もひとしおというもの。今回の本邦デビュー（西宮、東京、名古屋の3会場）でロンドーが持ってきたのはゴールドベルク変奏曲のみ。この誰もが知るレパートリーで「一本勝負」という意気込みが伝わってきます。ゴールドベルクといえば、亭主はこのところエスファハニの録音にハマっていることもあり、若いロンドーが難曲としても知られているこの作品にどういうアプローチを見せるのか、大いに興味あるところです。舞台上においてあるのは、おそらく東京古楽器センター所蔵のミートケ（ブルース・ケネディ作、以前に同社の佐藤さんから「レオンハルトが来日時に弾くということで購入した」と伺った楽器）です注）。やはりバッハといえばジャーマンモデル、楽器にも不足はなしです。（亭主の座席は舞台に向かってやや左寄り、鍵盤上の手の動きがよく見えるポジション。）...と、開演を待っていたところ、定刻の19時になっても始まりません。7-8分ばかり過ぎたところでようやくロンドーが登場。しかるにその出で立ちはといえば、真っ白なコットンシャツに黒っぽいジーンズ（？）、ポスターにあったボサボサの髪は一応ポニーテイル風に縛っているものの、まるで米国の大学生のようなラフな格好です。（ハァ〜ン？、少し緊張しているのかな...）さて、演奏が始まったと思ったところ、今度は何だかよくわからないハ長調（？）のアルペッジョ音形をわらわらと弾き始めました。（オォ...いきなりフェイントか？）おそらくその心はprelude non-mesure、リュートの調弦にその源を発する17世紀後半のフランスのクラヴサン音楽の伝統に従った楽器の試奏だったのでしょう。楽器の調子に満足したらしいロンドーは、ようやくアリアの演奏へと入って行きました。以後ダカーポでアリアに回帰するまでおよそ1時間強に渡り、ブレークなして30の変奏曲が披露されました。全体の印象を一言で言えば、バッハに対するロンドーの崇敬の念がにじみ出た演奏、というところでしょうか。装飾音の付け方などにフランス・クラヴサン音楽風な味があるものの、基本的にはオーソドックスな演奏という印象。3分の1程度の変奏では繰り返しを省略していたにも関わらず、演奏時間がゆうに1時間を超えたところからも、テンポの取り方がかなりゆっくり目だったことが知れます。（いろんな意味で慎重になっていたのかも？）なお、亭主の印象に残ったことの一つはロンドーの手の長さです。いくつかの変奏曲では左右の手がかなりの幅で交差しますが、彼の手は上体を全く動かすことなく楽々と鍵盤の上を動いて行きます。鍵盤演奏がスポーツの要素を持つことを考えれば、恵まれた体躯を持っていることは重要な資質の一つ。最後のアリアでは、一番最後の音が鳴った後、ロンドーが手を下ろすまで数十秒の時間が流れましたが、その間聴衆は息を殺して彼の様子を伺い、手を下ろして立ち上がるや否や割れんばかりの拍手が響きました。お約束通り何度目かのカーテンコールの後でアンコールのために楽器の前に座ったロンドーは、聴衆が見せた拍手までの「間」に感謝の言葉を口にし、アンコール1曲目としてクープランの「神秘のバリケード」を披露。これがゴールドベルクの修道僧のような演奏とは打って変わった躍動的なもので、亭主は思わず「やっぱこれジャン！」終わって鳴り止まぬ拍手に、今度は何とロワイエの「スキタイ人の行進」を弾き始めました。これがどんなものだったか、はご想像にお任せします。フランス・クラブサンの新星、生ジャン・ロンドーを満喫した一夜でした。注）これは見立て違いで、用いられていたのは梅岡楽器所蔵のジャーマン（ミートケモデル）でした。

彩の響～箏とチェンバロのための

昨日のNHK-FM番組「邦楽百選」の中で、表題の曲が放送されました。箏は米川敏子さん、ハープシコードは大塚直也さんというコンビです。弦をはじくという点では同じ発音原理、ということでこの２つの楽器、相性がよいのではと思われたりもしているようですが、亭主の想像ではむしろ逆で、似た者同士は返って反発し合うところもあるかも、とやや不安に思いながら珍しいコラボ演奏を拝聴。固唾を飲んで聴いていいると、曲の冒頭からしばらくは箏のみのパートが続き、途中から訥々とハープシコードが絡み始める感じで進みました。作曲したのが米川さんということもあり、やはり邦楽の５音階に調弦された箏の旋律が曲全体の雰囲気を決めている感じで、ハープシコードが時々５音階から外れた音や「和音」を弾くとやや浮いた感じにもなります。とはいうものの、全体の印象としては「邦楽」としてよくまとまっていて、時折ハープシコードがもたらす「異化作用」がスパイシーに耳をくすぐるところが斬新、というところでしょうか。亭主はラジオから流れる演奏を聴いている間にピッチが気になり始め、楽器のところに行って音高を確かめたところ、A=440 HzでC、D、F、G、G#のペンタトニックでした。つまり、箏は現代楽器のピッチに合わせて調弦されているというわけです。A=415 Hzに合わせてある亭主の楽器では半音上がってほぼ白鍵ばかり（写真の赤丸。この音列でリュートストップにして弾くと、もうほとんどお箏そのものです。）ところで、亭主の経験では邦楽の合奏といえばユニゾンしかない感じで、そもそも声部という概念すら持っていないように見えます。（雅楽では笙などが和音を出しますが、これはむしろペダル音やドローンのようなもので、独立した旋律声部を構成する楽器としては用いられないように見えます。）この点も、５音階と並んで邦楽がそのままでは洋楽と馴染まない理由の一つだろうと想像されます。今回は洋楽器であるハープシコードが邦楽の世界に（かき乱さないように）入ってきた、という感じですが、その逆は昔から随分行われているようです。例えば、亭主は最近某航空会社の機内誌で「琴・セバスチャン」というCDが紹介されていたのを目にし、サンプルトラックを聴いてみました。これは1960年代の終わりに箏と尺八の名手がジャズ演奏家と組んでバッハの有名な作品を端から音にしてみた、というもので、奏者の腕前は大したもののようですが、こちらも和楽器を用いることで出るべき特徴を消しているようにも感じられます。和楽器も洋楽器も、もっと自己主張をぶつけ合うことで真に新しい響きが生まれるのではないか、またそこに新しい作品が生まれる可能性もあるのではないか、などと妄想を膨らませている亭主でした。

宗教改革500年(II)--東方への道

昨日、例によって家事をしながらミュージック・バード（FM）を聞き流していたところ、「ウィークエンド・スペシャル」のゲストとしてヴィオラ・ダ・ガンバ（ヴィオール）奏者の平尾雅子さんが登場。＜雅なる古楽器ヴィオラ・ダ・ガンバの響き＞と題された番組では、平尾さんのトークを交えながらF.クープラン、マラン・マレといったフランスものをメインにしたヴィオールの作品が紹介されていましたが、冒頭近くで以前にジョルディ・サヴァールとともにフランシスコ・ザビエルにまつわる音楽を演奏・録音するというプロジェクトを行った話が出たところで、亭主はそのディスク「東方への道／フランシスコ・ザビエル（1506-1553）」を持っていることを思い出しました。このCD、というよりも厚さ2cmのCD付ハードカバー本がリリースされたのは2007年。サヴァール自身の解説によると、ことの始まりは彼が1996年にサン・フローラン・ル・ヴィエイユ音楽祭から、ザビエルが日本に到着した時代のスペインと日本の音楽のコンサートを行うよう招待されたことだそうで、そのちょうど10年後、ザビエルの生誕500年の折に再び'96年と同じ日墨の音楽家が集結して挙行したコンサートを基にして生まれたとのこと。平尾雅子さんもそのメンバーのお一人だったというわけです。（現在ではその抜粋版CDが入手可能）放送ではその中からペドロ・デ・エスコバール作のヴィリャンシーコ「ベルゲン・ベンディータ（永福なる聖母）」という1曲が流れましたが、残念ながら亭主には全く聴き覚えなし。そもそもこのCDブック購入の経緯すら全く記憶になく、気になって注文履歴を辿ると、亭主がこれを手に入れたのはなんと5年も前（！）。当時はおそらくザヴァールの名前すら知らなかったと思われ、謎は深まるばかりですが、この機に改めてじっくり聴いてみました。その印象はといえば、このところ17世紀以前の音楽にもだいぶ馴染んできたこともあり、実に面白くまた感動的でした。もともとスペイン出身で16世紀南欧の世俗音楽・宗教音楽にも造詣が深いサヴァールが、バスク人フランシスコ・ザビエルという強烈な個性にインスピレーションを受けて、「日本の古楽」までも射程に入れた音楽物語を編み上げたさまは見事なもので、このような脈絡に置かれた和楽器演奏は（物理的には同じサウンドでも）意識の上ではまるで別種のものに響き、実に新鮮な驚きをもたらします。（特に素晴らしいのが尺八と枇杷の響きで、亭主はこれらの楽器が奏でる響きに「ノベンバー・ステップス」以来の衝撃を受けました。）CDブックの内容も実に充実しており、ルネサンスが爛熟に向かうにつれて世俗権力が教会への対抗勢力となる時代背景（エラスムス、トマス・モアなど多くのユマニストが活躍し、マキャヴェリが「君主論」を書いた）を紹介するとともに、ルターによる95箇条の論題全文が掲載されていたりします。それにしても、フランシスコ・ザビエルはじめイエズス会士たちが「反宗教改革」（対抗宗教改革）の担い手として語られるのを眺めると、なんとも複雑な思いに駆られます。彼らパリ大学に集まった若き神学学徒が、瑣末主義的な神学議論に対して「それはキリストとなんの関係があるのか（Quid heac ad Christum?)」と発した時、彼らはまさに「懐疑」を旨とするユマニストでもあったはず。しかし、その純粋さゆえに見えなくなったものもあったということでしょうか。同じキリストの名の下に争うことの愚かさを繰り返し説いたユマニスト、渡辺一夫の著作が思い出されます。

「巨大な足場」--行間を聴く音楽

バッハによる無伴奏Vnのためのソナタ&パルティータといえば、今日では名曲として名高く、ヴァイオリニストにとっても最も重要なレパートリーの一つと考えられているようです。亭主も若いころにLPレコードで聴いたナタン・ミルシュテインの演奏、特にソナタ第３番のフーガのそれに圧倒され、こんなすごい曲が書かれた後に続かなければならない作曲家はさぞかし大変だろう、と嘆息したことを思い出します。ところで、亭主はこの10年バロック以前の音楽にどっぷり浸かったおかげで、今では改めてバッハの作品に向かう機会があると色々と発見することも多く、とても新鮮に接することができます。近頃そのような楽しみを与えてくれた作品の一つが無伴奏ヴァイオリンのための曲です。これらを改めて聴くことになったきっかけは、朝のFM放送で紹介されたアマンディーヌ・ベイエによる演奏で、最近になってそのCDをゲット。白状すると、亭主はこれまでモダン・ヴァイオリンによる演奏しかまともに聴いたことがなかった（！）ので、バロック・ヴァイオリンの響き自体も大変新鮮で、作品の魅力を改めて堪能しています。そして演奏に劣らず興味深いのが、バレエダンサーにしてバロック・ヴァイオリン奏者、なおかつ音楽学者（最近のヴィヴァルディのオペラ発見でも有名）という顔も持つマルチタレントのオリヴィエ・フーレ（Olivier Foures）によるライナーノートの解題です。それによると、これらの作品の清書自筆譜が1720年に作られたこと、それはバッハがケーテンの宮廷に仕えていた頃で、この年の夏に最初の妻マリア・バルバラを亡くしており、ニ短調のシャコンナは彼女の追悼という見方もある（とはいえ楽譜には全くそのような言及などがない）とのこと。とはいえ、亭主にとって興味深いのは、これらの作品全体の起源、すなわちバッハがなぜこのような作品を作るに至ったかです。もちろん仮説にすぎないものの、重要な要因としてケーテン時代にヨハン・ゲオルグ・ピゼンデルというヴァイオリンの名手と交流があったことが挙げられています。ピゼンデルは今日では18世紀前半のドイツを代表するヴィルトゥオーソと考えられている上に、彼はバッハによるこれらの作品の筆写譜を所有していたことが分かっており、バッハが彼の名人芸に触発された可能性を示唆しています。さらに、これらソナタとパルティータはヨハン・パウル・ヴェストホフなど、同ジャンルで先行するドイツの音楽家の流れ（影響）の下に成立したと見るのが自然なようです。（このCDにはピゼンデルによる無伴奏作品も1曲収録されていて、大変面白く聴くことができます。）もう一つの外的な要因として、当時ケーテンのヤコブ教会にあったオルガンが嘆かわしい状態に置かれており、バッハは創作において他の楽器へと向かわざるを得なかったという状況が推測されるとのこと。とはいえフーレは、この時代、イタリア音楽がドイツにも深く浸透したおかげで楽器の中心としてのオルガンはヴァイオリンにとって代わられ、ヴァイオリンはそれまでにない役割を担わされつつあったと言います。鍵盤楽器の多声音楽を流行の旋律楽器であるヴァイオリンで表現する、このフラストレーションこそがひね者バッハを無伴奏作品の創作へと駆り立てた動機ではないか。そこでは、鳴っていない音をあたかも鳴っているかのごとく感じさせるイリュージョンを引き起こすために、ありとあらゆる技巧が試みられることになります。書かれた音符はどうしてもスケッチ足らざるを得ず、建築でいうなら足場に過ぎないかもしれません。しかし、例えば第３番ソナタの長大なフーガを聴くと、巨大な足場の高みに立つことで初めて幻視することができる大伽藍を思わずにはいられないというもの。足場はいつしか崩れ去り、バッハも演奏家も地面に叩きつけられる、そしてそこからまた新たな創造が始まる、とフーレは語っています。

アサス城のクラヴサン

しばらく前のFM放送で、フランソワ・クープランの「神秘なバリケード（Les baricades misterieuses）」によく似ている作品として、デュフリのクラヴサン曲集第１巻にある「ロンド（Rondeaux）」がオンエアされていました。亭主はこの放送で初めて聴きましたが、確かによく似ていてびっくり。ウジェル版の楽譜を眺めると、第１巻の中でロンドと題された作品は3曲ありますが、この作品は３番目（ハ長調）に登場します。この時代のフランス・クラヴサン作品の中には、「神秘なバリケード」に似ているもの、あるいは引用していると思われるものが他にも色々とあり、クープランの原曲が大流行していたらしい様子が伺えますが、これはほとんどパクリに近い作品です。ところで、この時に放送されたのはエリザベス・ジョワイエによる演奏で、2009年にAlphaレーベルから刊行されたCDであることがわかったので、早速これを通販にて落手。ライナーノートを眺めると、使われている楽器はかのアサス城（Chateaux d’Assas）にある18世紀オリジナルの楽器の一つ（作者未詳とか）で、以前にここでも紹介したジャン・ロンドーのデビュー２作目のアルバム、「Vertigo」の録音で使ったのと同じものです。録音自体もこのシャトーの一室で行われていて、ライナーノートに収められた録音の様子を伝える写真も「Vertigo」のそれと同じような雰囲気。ちなみに、南仏にあるこのアサス城、スコット・ロスがその一帯を気に入り、そばに自宅を立てて住んでいたそうで、彼のラモーやクープランの録音もここで行われたとか。その後数多くの名演奏がここで録音されたこともあり、ロスのファンのみならず、今や多くのハープシコード音楽愛好者にとっても巡礼地の一つとなっているようです。ところで、AlphaのCDを購入する楽しみの一つはジャケットのデザイン。今回は使われたクラヴサンの蓋に描かれた絵画のカットがあちらこちらに用いられており、ライナーノートではケベック、ラヴァル大学のD.グルニエさんによる詳しい解題が寄せられています。それによると、絵の中の主人公はギリシャ神話のアポロン、バッカス（パン）、そしてミダス王です。ミダス王といえば、歓待の返礼としてバッカスから「触れたものは何でも金になる」能力を与えられる話で有名ですが、ここで取り上げられているのはアポロンとバッカスの演奏腕比べのエピソードについてで、アポロンが弾く竪琴とバッカスの笛のどちらが優れていたか、という問いに対し、聴いていた森の住人始め皆がアポロンに軍配を揚げたのに対し、一人ミダス王だけがバッカスを贔屓にしたために、立腹したアポロンからその耳をロバの耳にされてしまう、という話。このCDの表紙になっているのはアポロンで、右手が指している先にはロバの耳にされたミダス王、その手前にはバッカスが描かれています。（裏表紙にその部分全体の図が入っています。）やれやれ、耳自慢の亭主も、ロバの耳にされないよう唇には気をつけねば…

「影と光」--スカルラッティ by ケフェレック

今年も晩柑類の季節が到来。未音亭ではこのところ毎年今頃になると、文旦を高知の直販農家から通販お取り寄せでゲット。その一際芳醇な香りを大玉で堪能中。どの柑橘類もそうですが、香りは皮にあるので捨てずにピール（砂糖煮）やジャムにします。（本日も３個分の皮で文旦ピールを作りました。そのまま冷凍で保存すれば次の文旦の季節まで使えます。）ところで亭主はヒョンなことからスカルラッティ・ソナタを入れた表題のCDの存在を知り、最近になって入手の上じっくり聴く機会がありました。ケフェレックといえば、亭主の世代は彼女が二十歳の時（1970年）にデビューアルバムとして録音したスカルラッティ・ソナタ集（今でもLPを所蔵）にイカれたクチです。日比谷公会堂（！）で行われた初来日（確か1978年）のコンサートには大学の音楽サークル仲間と聴きに行き、終演後には楽屋に押しかけてサインをもらったことが懐かしく思い出されます。（残念ながらサインを頂いたプログラム冊子はその後行方不明となり、今となっては何を聴いたかもさっぱり思い出せませんが…）そのケフェレックが、40年以上の長い時を経て再びスカルラッティ・ソナタに回帰したとあれば、そこでどのような演奏が繰り広げられているか、亭主ならずとも大いに興味をそそられることと思われます。ライナーノートによれば、録音が行われたのは2014年、フランス西部の都市ポワチエに新たに建立され、ヨーロッパ随一の音響を誇るTheatre & Auditorium de Poitiers (TAP)でのもの。とはいえ、CDを手にしてまず目につくのはその選曲です。五百曲を優に超えるソナタの中からどれを選んでアルバムとするかは、それ自体で既に演奏家からのメッセージでもあります。今回選ばれたソナタを眺めると、カークパトリック番号で若い方の作品が目につき、中でもどちらかというとフォルテピアノを念頭に書かれたのではないかとも考えられている作品が多い感じです。また、いわゆる「有名なソナタ」はほとんど含まれておらず、ケフェレックが555曲の森の中から自らの感性で自由に選んできたことが伺えます。また、嬉しいことに、今回のライナーノートにはこの録音についての彼女自身の言葉がフランス語と英語で書かれており、上記の想像があながち的外れではないことを教えてくれます。彼女の自由さは、例えば「調による対構成」についても、カークパトリックの説にこだわることなく、自らのセンスで対照となるソナタの対を選ぶことはもちろん、曲によっては指定された複重線での繰り返しを省略する、といったことにまで及んでいます。そのような（反復を省略した）例として言及されたK.279についてのくだりでは、この曲がフランスの民謡「もう森にはいかない」のイタリア版を暗示する、と語っており、大変興味深く感じました。（この民謡、例えば近代ではドビュッシーが自らの作品の中で何度も引用したことが知られています。）スカルラッティがソナタの中でスペインの「お国の音楽」を随所に散りばめていることはよく知られているところですが、こんなところにも、という感じです。いずれにせよこのCD、他にピアノの演奏で聴くことのないソナタも少なくなく、久しぶりに亭主のスカルラッティ・ピアノ演奏コレクションに加えられた貴重な1枚となりました。（なお、アルバムの副題「影と光」についてはCDを買ってのお楽しみ、ということで。）

商業主義と偽作

以前某テレビの音楽番組で、アルビノーニの作品に基づく「ト短調のアダージョ」と呼ばれる作品が、実は20世紀の音楽学者レモ・ジャゾットによる偽作だったことが紹介されました。番組によると、ジャゾットさんはアルビノーニの作品目録作りも手がけたその道の専門家であると同時に、音楽評論家としての顔も持ち、ラジオの音楽番組の監督を行うなどクラッシック音楽の宣伝・普及にも熱心だったようです。上記の偽作も「アルビノーニという素晴らしい音楽家の名を世に知らしめたい」という動機に基づくものではないかとの推測がされているとのこと。ネタバレした今から見ると、ジャゾットさんの行為は倫理上問題があることが明らかですが、亭主から見てヨリ根深いと思われる問題は、この作品が今日の音楽マーケットにおいてもトマゾ・アルビノーニの作品ではないことを曖昧にした形で流布され続けている点です。これと類似でもう一つの有名な事例が、ヴィヴァルディの作として出版された管楽器と通奏低音のための「ソナタ集Op.13『忠実な羊飼い』」です。この作品、実は同時代のフランスの音楽家であるニコラ・シェドウィル（1705-1782）の手になるもので、ヴィヴァルディの作と偽って1737年に出版されました。ミュゼット（バグパイプのような管楽器）奏者であったシェドウィルが、ヴィヴァルディの名を借りてこの楽器を流行させようとしたとも言われ、楽譜もそれなりに売れて儲かったようですが、後の1749年にこの出版事業の相棒だったジャン=ノエル・マルシャンという人物がシェドウィルによる偽作であることをバラしてしまったそうです。この作品のことが気になり始めたのは、中でもとりわけ有名な第2番が先週の「古楽の楽しみ」のリクエスト・ア・ラ・カルトで取り上げられたのがきっかけです。放送ではニコラ・シェドウィルの作品である旨が正確に伝えられていましたが、一方で少しネット上を調べてみればわかるように、この作品はいまだにヴィヴァルディの作品として堂々と流通しているフシがあります。この第2番は1970-80年代の一時期、冒頭のアダージョが「バロック音楽の楽しみ」のオープニング音楽としても流れており、亭主にとっても懐かしい名曲です。その頃は日本でもイ・ムジチ合奏団による「四季」が1960年代末にブレークし、バロック音楽がブームになっていた時期と重なりますが、当時出回っていた「忠実な羊飼い」のレコードジャケットにはランパルとラクロワによるエラート版も含め）ヴィヴァルディ作と大書されていました。この流れは今でも続いていて、例えば全音のサイトに行くと「バロック愛好家に広く親しまれている名曲をヴィヴァルディ研究の国際的権威、ヴァルター・コルネーダー博士が校訂しました。6曲から成り、現在ではフルート、リコーダー奏者必須のレパートリーとなっています」という宣伝文句までつけて、ヴィヴァルディの作品として楽譜を出版・販売しています。既に250年以上前、ヴィヴァルディの同時代に偽作であることが証明されているにもかかわらず、この体たらくです。このようなことがまかり通る理由は明らかで、要するに「あの有名なヴィヴァルディの作品」であるとする方が「売れるから」に他ならないでしょう。「アルビノーニのアダージョ」もしかり。その点で、現代の音楽関係者にシェドウィルを嗤う資格はないように思われます。それにしてもこの作品、久しぶりに改めて聴くと、イタリア的な明澄さを持つ名曲だと思います。多くの人がヴィヴァルディ作と騙されたのも頷けるというものですが、シェドウィルが正直に自分の作品として出版していたらどうなっていただろう、と想像するとやや複雑な思いに駆られるところでもあります。

Bach at His Workbench

この週末は、法事で九州の実家に一泊の家族旅行。とはいえ、この時期は大学入試を始めイベントも多く、駅も空港も人で溢れていて旅情を味わうどころではありません。こういう時の数少ない楽しみは、往復の機上・車中での読書。今回はしばらく放っておいたガーディナーのバッハ本に戻り、家に帰り着いたところで表題の第７章を読了しました。この章で、ガーディナーは主にライプチッヒ時代のバッハ（トマスシューレのカントルだった）の創作活動に焦点を当て、わずか１週間という短いサイクルでバッハが新作の教会カンタータを作曲し、写譜師とともに原曲をパート譜に落とし、合唱・楽団とリハーサルを行い、教会で会衆を前にして実際に演奏を指揮するという、素人から見れば大変な離れ業をどのように行っていたのかについて、残された資料から分析と推測を行なっています。亭主はこの章を読みながら、19世紀以降においては上記のような「音楽が生まれて実際の音になるまで」の一連の過程は、音楽の受け手が貴族や教会の会衆といった限られた（閉じた）集団からより幅広い市民層に広がったことで断片化、専業化が進んでいるので、そのような流れの成れの果てにいる我々現代人は、バッハの時代のように一人の音楽家がその全ての過程に関わる状況を理解するためには、そのような「近現代モデル」を一旦脇に置く必要があるのだ、と感じました。例えば、現代の作曲家は音楽を創作するにあたって、あらかじめ演奏に必要な音楽的リソースに何か具体的な制約を設定する必要はないのではないでしょうか？特に最近では、デジタル技術の発達もあって、素人である亭主は「作曲家（特にいわゆるクラッシック音楽の）は地上にあるあらゆる音源を前提に、自由に創作を行うことができるのでは（？）」と想像します。一方で、バッハ以前の時代には、あらかじめ演奏を担当する音楽家集団は決まっていて、作曲はそのような具体的な（限られた）リソースをいかに効果的に使うか、という問題の解決を日常的に迫られていたようです。例えばあの素晴らしい無伴奏ヴァイオリン・ソナタ/パルティータにしても、もしかするとバッハ自身が「ヴァイオリン１本しか手元にない状況で大伽藍のような音楽を聴かせる」という必要に迫られた結果生まれた傑作なのかも？

宗教改革500年

昨日は仙台方面に用事があり、秋保温泉で一泊。昨年末の伊香保温泉以来で、ほんのり塩味のする源泉湯を満喫。ところで、今年は1517年に宗教改革の発端として知られるマルティン・ルターの「95ヶ条の論題」がウィッテンベルク城教会の門扉に貼り出されてからちょうど500年という節目の年に当たっています。朝のFM番組「古楽の楽しみ」でも、1月に松ノ内が明けた最初の週でルター・コラールとそれに基づく宗教音楽が取り上げられ、2月になってからはその続編としてシュッツの音楽が紹介されました。現代人の多くにとって、ルターといえば、初めから社会変革を目指したマルクスやレーニンといった運動家というイメージを抱きがちですが、ルター自身は当時大学で神学を講じるアウグスティヌス修道会の一修道士に過ぎず、まさか自分がこのような歴史的役回りを演じることになるとは微塵も思っていなかったようです。神学者としてルターが免罪符に疑問を持っていたことは確かなようですが、ラテン語で書かれた「論題」は一般市民には全く分からないもので、それを「門扉に張り出す」というのも、学問的な内容について公開討論会を呼びかけるために当時の所定の手続きに従っただけだったとも言われています。（今日で言えば、専門家向けの研究会やシンポジウムの案内・提案書といったたぐいのものでしょうか？）とはいえ、当時のヨーロッパの政治状況は、昔からの教会権力（教皇庁）と世俗権力（皇帝）の間の争いに加え、交易（という名の金融業）により力をつけた商人階級（ルネッサンス運動のパトロンでもある）の台頭という背景の中で、商人からの借金に困ったローマ教皇庁が免罪符売り出していたこともあり、誰であれこれに疑問を呈することはこれら三つ巴の政治闘争に火をつける可能性を孕んでいたとも言えます。ルターはたまたまその引き金を引くことになり、キリスト教世界全体を巻き込む一大宗教・政治闘争となってしまった、というわけです。実際、カトリック教会の腐敗を糾弾する動きはルター以前からいくつもあり、直近のものとしては修道士サヴォナローラによる教会批判とフレンツェにおける神政政治が挙げられます。これ自体は最終的に弾圧されて、サヴォナローラは激しい拷問の後焚刑に処せられますが、やはりイタリアではまだ教会権力が強く、このような改革運動が成功する目は限られていたと想像できます。（かたやルターが声をあげたのはヨーロッパの辺境、ドイツでした）。ところで、サヴォナローラが刑死する直前に書いた神への懺悔の祈祷文「Infelix ego」がたちまちヨーロッパ中に広まったこと、さらに、当時フェッラーラの宮廷楽長だったジョスカン・デ・プレがこの政治的に敏感なテキストに曲をつけるにあたり、臆することなく歌詞が明瞭に聞こえるようなスタイルを貫き、その意味が明確に伝わるようにするとともに、当時は新しかった調性的な和声を用いた、という話を以前にこのブログでも紹介したことがありますが、一度は聴いてみたいと思っていたそのモテット「神よ、我を憐れみたまえ（Miserere mei, Deus）」が、偶然にも「古楽の楽しみ」の「16世紀のイタリアの教会音楽」で取り上げられました（1月31日の放送）。一聴するに、想像以上に素晴らしい作品でした。

ゴールドベルク変奏曲 by エスファハニ

昨年暮れにFM放送でその一部がオンエアされたのを聴いて以来、ずっと気になっていた表題のCDをつい先日入手しました。一聴するなりその魅力にドップリはまり、エスファハニのライナーノートを眺めながら聴き直しているところです。まず何と言っても素晴らしいのがそのサウンド。一体どんな楽器を使っているのだろうとライナーノートのページをめくってみると、1710年にグロスブライテンバッハ（テューリンゲン）のヨハン・ハインリッヒ・ハラス（Johann Heinrich Harrass）によって作られた二段鍵盤ハープシコードに基づいた楽器で、ヒュー・サンダースという製作家の手になる（2013年）ものとか。時代も地域もまさにバッハにゆかりの時と場所です。エスファハニは謝辞の中でもこの楽器について言及しており、「ヒュー・サンダースは、彼の妻マルタ・レイ博士に霊感を受け、素晴らしいビジョンを持ってこの信じ難い楽器を造った。これによって録音できたことを大変光栄に思う」と語っています。さらにもう一つ、ある種のタネ明かしとして、録音にあたって用いた調律がピタゴラス音律を基にしたカスタムメードのそれだったことがハープシコード技師（サイモン・ニール）によって語られており、ホームキーであるト音とニ音の長三度がよく響くように、それらの音の周りの5度音程をピタゴラスコンマの５分の1ほど調整したこと、さらにもう２つの音で５度をやや狭く取り、他の２音についてはやや広くとることで、イ、ホ、及びロ長調の三度をよりよく響かせ、短調の変奏曲において下がり気味の変ホ、変ロ音に暗い響きを持たせたと言っています。（亭主も真似してみたいところですが、具体的にどうしたものやら…）エスファハニがこの変奏曲について自身の言葉で語っている文章もまた大変興味深いものがあります。「バッハの『ゴールドベルク』変奏曲がどんなものか」など語るもおこがましく、宇宙論的なあるいは数占い的なおしゃべりにもうんざりだ、としつつ、これらの変奏曲を演奏しながら多くの物語や人生を想起させられた、と言います。以下、彼の語りを訳出してみましょう。...作曲家人生の最後の10年に由来する作品として、それら（変奏曲）は自身の数十年にわたる美意識の変遷を振り返り、かつ彼の周りの新しい流行や技法に反応する創造性に富む敏感な音楽家という見方を我々に与えてくれる。我々はそれを魅力的なポロネーズである最初の変奏曲（おそらく、ドレスデンのザクセン-ポーランド宮廷における伯爵の役割について言及している）や第5変奏のスカルラッティ的なアラベスク、さらには第16変奏の明らかに祝祭日のカンタータ・バンドの響きとしてと耳にする。かたやユニゾンのカノンの中にドレスデン風の管楽トリオが現れ（第３変奏）、5度の反行カノン（第15変奏）は、作曲されることのなかった受難曲からの歌詞無しの音楽のように響く。私はオクターヴのカノン（第24変奏）を弾くときには、いつもカンタータ「シバよりもろもろの人、来たりて」（BWV 65）の冒頭楽章にあるホルンと弦楽の大合奏を想起せずにはいられない。他の変奏曲は宇宙空間から来たもの（第25変奏）のように見える一方で、最後の9つの変奏曲は私にいつもダンテの地獄編最後の2曲を思い起こさせる。そして、我々が最後のクオドリベット（第30変奏）にたどり着くと、セバスチャンは我らがダンテにとってヴェルギリウスの役を演じ—我々が「再び星を見るために」地上へと歩み出ると、そこではバッハ一家が民謡を歌いながら心から笑い、「どう、これらの花火が全部終われば、結局人生の大事とはキャベツとポテトなのさ」と叫んでいるのを目にする。亭主はこの文書を読むまで知りませんでしたが、調べてみると第24変奏は確かにカンタータBWV 65の冒頭部分とよく似ています。また、クオドリベットは複数人がそれぞれちがう歌を同時に歌う宴会芸の一種で、バッハがここで当時の２つの流行歌（その一つには歌詞にキャベツが出てくる）を使っている、という話も思い出しました。（上記ではバッハの伝記作者フォルケルが伝えるバッハ一族再会時の宴も想起されています。）何れにしても、亭主はこれまでこの変奏曲を19世紀的な絶対音楽としか捉えていませんでしたが、エスファハニのおかげで（今頃になって）その中に秘められた多彩な音響の色彩感覚に気付かされた気がしました。

スカルラッティ鍵盤楽器ソナタ　演奏の手引き

先日ガルッピの楽譜を仕入れた際に、店先の書棚で偶然表記の本を発見。奥付を見ると2009年4月に全音から出版されたものですが、スカルラッティオタクの亭主も迂闊にしてその存在を全く知りませんでした。亭主が熱心にスカルラッティ関連の文献を博捜していたのがハープシコードを始めて間もない2007〜8年ごろ。当時日本語のスカルラッティ文献で（翻訳も含め）新刊書として手に入るものは皆無の状態だったので、まさかそれ以後に出版されたものがあるとは思いもよらず、今日に至ったようです。ちなみに亭主が購入したのは2013年に出た第2刷とあり、どうやらそれなりに売れているのかも（？）。というわけで、その内容やいかに、と早速購入してざっと目を通してみました。総ページ数は100ページを少々超えるぐらい、判型もB6版の大変コンパクトなもので、最初の10ページぐらいにわたってスカルラッティの人物、初期の声楽を含む音楽作品全体について手短に紹介し、さらにソナタの特徴やスタイルについて、主にカークパトリックの著作に依拠した解説が行われています。とはいうものの、大変興味深いことに、シューマッッカー先生はカークパトリックの引用に終始するどころか、その後に出たシェヴェロフやサトクリフの仕事についても言及しながら論を進めており、特に後者の著作が2003年に出たことを考慮すると、それ以後にスカルラッティについて書かれた最も新しいモノグラフということになります。例えば、有名なK.119の作品分析の部分では、前半の第56〜65小節で不協和音がどんどん積み重なりながら盛り上がっているところで、ギルバート版では省略されている「Tremulo nell’ A la mi re（アルト声部のA、E、Dにトレモロ）」の指示の曖昧さ（AはわかるがE、Dについてはどの音を指しているのか不明）について触れ、カークパトリックもサトクリフもこれについて口をつぐんでいることに不満を漏らしています。 この例も含め、スカルラッティのソナタについて論じた最新の手引書としてなかなか隅に置けない著作であると感じました。こうなるとオタクの亭主としては、元になった原書が大いに気になるところで、ネット上を色々と検索してみましたが、それらしい本は出てきません。そこで、ロチェスター大学音楽部・イーストマン・スクールのホームページにあるシューマッカー先生の紹介記事を読んでいたところ、「Publications for Zen-on Music (Japan) include study guides on Brahms, Albeniz, Rachmaninoff (expected 2006) as well as a new critical edition of Albeniz’s Iberia.」とあります。実際、全音の「演奏の手引き」シリーズではこれらの作曲家に関するものが既に出版されており、スカルラッティについての本はどうやら同シリーズのために書き下ろした（？）最新のテキストと想像できます。（ホームページガ2005年あたりから更新されていないことも透けて見えますが...）確かに全音にとって、一旦英文著作として刊行されたものを邦訳して出版することに比べれば、日本での出版を前提に英文で書き下ろしてもらったものを邦訳出版する方が色々とラクであろうことは明らか。こういうやり方もあるのだと妙に納得です。ちなみに、同書では後ろの80ページにわたり、厳選された24のソナタについて作品の分析と演奏上の手引きが述べられており、採り上げられているのは「練習曲集」からK.1, 3, 9, 20, 30の5曲、さらにK. 87, 96, 118, 119, 159, 162, 203, 208, 209, 319, 380, 421, 427, 454, 455, 466, 513, 544, 545のソナタです。K.421など、採り上げられることの少ないソナタの分析が目を引きます。

バルダッサーレ・ガルッピのピアノ・ソナタ集

先月、このブログでバッハのフランス組曲の楽譜を探しにヤマハのお店まで出かけた話を書きましたが、実はその際に表題の楽譜が書棚に並んでいるのを見つけました。バルダッサーレ・ガルッピは1706年生まれ、ヴェネチアを中心に活躍した音楽家で、同時代人としてロワイエ（フランス）、セイシャス（イベリア半島）、フリーデマン・バッハ（ドイツ）あたりが思い出されます。とはいえ、何しろガルッピといえば日本では名前すらほとんど知られていない作曲家であるのに加え、古楽マニアの亭主といえどもオペラの作曲家というイメージしかありません。（もっと驚いたことに、この楽譜、紛れもなく全音の楽譜です。このところ全音の「普及版」楽譜を目のかたきにしている亭主としては、結構ショッキングな発見…）当日は別の用事での来店だったこともあり、ガルッピの楽譜はちょっと覗いただけで目的の楽譜を購入してお店を後にすることに。とはいえ、やはり気になり始めた亭主、まずは音からということでガルッピのソナタを録音したCDをネット上で探し出し、海外サイトから通販でゲット。手に入れたのはイラリオ・グレゴレットという演奏家による4枚組のCDで、2012年にニュートン・クラッシックスとして再販されたものです。使用している楽器はエクサンプロヴァンスの製作家Pierre Donzelagueが1711年に作ったクラヴサンのコピーだそうで、大変素晴らしい音色を聴くことができます。ガルッピのソナタは（いくつかの例外を除いて）どれも３楽章形式で、アンダンテといった比較的緩やかな楽章から始まり、楽章が進むにつれてより速いテンポになるという構成。作曲年代は分かっていないようですが、内容・形式共にちょうどナポリ派とギャラント様式をつなぐものに見えます。一方で、後の多楽章形式を先駆けているだけでなく、曲想も時にハイドンやベートーヴェンの雰囲気を思わせるところもあります。いずれにせよ、CDに収められた26曲はとても多彩で、ライナーノートではスカルラッティと比較されるほど。そのライナーノートによると、ガルッピのソナタは130曲ほどが筆写譜として残っているとのことで、前世紀のはじめにトッレフランカという音楽学者がそのうち27曲について番号をつけて論文で紹介しているようですが、それ以外にあまり系統だった研究はなく、作品を同定する番号も定まっていないようです。ところで、これらのソナタの中でも例外的に有名なものとして、ハ長調の作品の冒頭アンダンテの楽章があります。このCDでは第６番として収録されていますが、亭主は中野振一郎さん編集の楽譜「チェンバロをひこう」の中にある一曲として知っていました。この作品が有名になった理由は、どうやら前世紀の大ピアニスト、ミケランジェリがレパートリーにしていたことによるとのこと。YouTubeにもその映像が上っています。さて、これだけ情報が集まると、全音の楽譜にも俄然興味が湧いてきます。というわけでこちらも本日落手。しばらくの間ガルッピのソナタ探求です。

古楽演奏は見るもの

先週のFM-ベストオブクラシックは「古楽・注目の公演」と題し、４夜にわたり昨年夏にヨーロッパ各地で行われた古楽コンサートのライブ録音を流していました。解説者として登場したのは、古楽アンサンブル・アントネッロの濱田芳通氏。濱田さんといえば、昨年「モンセラートの朱い本」（演奏は一昨年のもの）の演奏でツィンク（コルネット）を自在に操る姿を（録画で）拝見して鮮烈な印象を受けて以来、亭主にとってはその活動が大いに気になっている演奏家なので、この放送は彼の謦咳に接する機会という意味でも大変興味深いものでした。番組で取り上げられたのは、放送順にアルタセルセ、バロッカネルネ、アンサンブル・レオネス、ラルペッジャータの演奏会で、演目も（おそらく濱田さん好みの）17世紀以前のものが中心です。これらのうち、最初のアルタセルセはフィリップ・ジャルスキーがメンバーであることから演奏会やCDで耳にする機会も多く、亭主にも馴染みがありましたが、それ以外はほとんど知らない古楽アンサンブルでした。中でもアンサンブル・レオネスの演奏会は、15世紀に活躍したオスワルト・フォン・ウォルケンシュタインの作品を中心としたマニアックなプログラムで、合間に挿入された14世紀の「ザルツブルクの修道士」の作品（ミンネザングと呼ばれる）も含め、半ば民俗音楽とも思しき響きがとても新鮮で、「モンセラート」と同じく中世音楽の面白さを垣間見させてくれました。これらの放送で、濵田氏による楽曲の解説にもまして面白かったのが、登場する旧知の演奏家について披露される個人的なエピソードの数々です。例えばラルペッジャータの回では、「古くからの友人である」コルネット奏者、ドロン・シャーウィンについて、冒頭でいきなり「ドロンはこの日、なんと日本で買ったガクランを着ております。これを買った時一緒でしたが、新入生みたいにわざわざあつらえで作ったので結構高いと文句を言っておりました」とのこと。　あるいは、このアンサンブルの創始者であるリュート奏者のクリスティーナ・プルハル（あのホプキンソン・スミスの弟子）については、「バーゼルでは私も一緒の時期に勉強しましたし、その後ラ・フェニーチェというフランスのグループで何度も共演しました。その頃の彼女は完璧にフランス人形といった感じの風貌でした」と紹介しています。ところで、この記事を書くに先立って亭主がインターネットでラルペッジャータを検索していたところ、なんと偶然にも放送された当日のものと思しき演奏会がそのままHDの映像としてユーチューブに上がっていることを発見（！）。濵田さんのエピソードを聞いた後でもあり、興味津々で眺めました（下記リンク）。実際、左端でコルネットを吹いている人物は詰襟の学生服姿で、これがドロン・シャーウィンさんとすぐに目星がつきます。また、一番前に座っているリュート奏者は多分、「元フランス人形」の彼女…こうして映像を眺めていると、これらの奏者が手にしている楽器がどれも古楽器であることは当然ですが、そのような見慣れない楽器を自在に繰る演奏家自身が（ガクラン姿は言うに及ばす）個性的であることに加え、登場する歌手たちの表情や仕草もほとんど演技といってもよい領域にあり、まさに演奏会形式でカヴァッリのオペラを見ているよう。とにかくヴィジュアルなインパクトが強烈で、FM放送で音だけ聴いていては全く想像できなかった世界（！）です。会場の盛り上がり方も大変なもので、亭主も一度はこういう演奏会を生で見たいと思った次第。

バルバートル：クラヴサン、オルガン、およびフォルテピアノ曲集

昨年11月末〜12月初めに通販サイトで頼んでおいた楽譜、忘れかけた頃になって（年末年始にかけて）到着しました。一つはエマニュエル・バッハの「ビュッテンベルク・ソナタ集」で、ベーレンライターから出ているもの。とはいえ、亭主にとり最も嬉しかったのがもう一方の表題の楽譜（ウジュル版）です。（亭主は以前に「バルバトル」と表記しましたが、どうやら「バルバートル」と音引を入れる方が一般的なようです。）この楽譜、一時期（2年ほど前に）随分探したものの、どこの通販サイトを覗いてもなぜか「品切れ」や「入荷未定」となっていて、そのうち諦めてしまったのですが、昨年秋に朝のラジオで取り上げられたのがきっかけでまたぞろ探し始めたところ、ディアレッツォ（di-arezzo）という通販サイトで注文を受けているのを発見、早速発注をかけました。ところが、数日後には（案の定）「currently unavailable」のメールが来てガックリ。とはいえ、メールをよく読むと、2〜3週間ぐらいで入荷するはずだから到着次第発送するとあります。半信半疑、どうせまたキャンセルになるだけだろうと思っていたところ、新年になってA4ノビサイズのそれらしき国際郵便が到着。中身を見て思わずガッツポーズです。この通販サイト、日本語を含むマルチリンガル対応で何となく国籍不明の会社ですが、調べてみるとパリに本拠地を置いているとあり、どうやら同じパリにあるウジュル社（だいぶ前にアルフォンス・ルデュック社に買収されて、現在はブランド名のみ）へのアクセスがよい（？）ことがうまく落手できた要因ではないかと推測しています。といわけで、久しぶりに時間ができたこの週末は、ハープシコードでバルバートル三昧。ちなみに、ウジュル版の校訂者はカリフォルニア大バークレー校のアラン・カーティス。序文の日付は1973年となっており、彼が同じウジュル版でルイ・クープランの校訂譜を出してから3年後のことです。その冒頭で曰く、「ワーグナーやシェンカーに感化された人々にとって、バルバートルの音楽は耐え難く軽薄なものに見えるだろう。しかしながら、デュフリのクラヴサン曲集出版を喜んだ者は、この巻の中に多大な楽しみを見出すだろう。デュフリと同じく、バルバートルは最も純粋にフランス的で旧式な時に彼の最上のものを発揮する。実際、デュフリのLa ForquerayとバルバートルのLa d’Hericourtは1750年代の作品群の中でも最上の部類に属する。とはいえ、いくつかのより軽く「現代的な」作品はその質においてほぼ同じぐらい見事である。ほとんどのイタリア式のジグは—スカルラッティには期待すらできない—極度に自己陶酔的で魅力的なLa Lugeacに及ばない。」この校訂譜には全部で23曲が収められており、１曲目のフーガ（オルガン用）は1748年（1750年にバルバートルがパリに来る前）の作品、2から18曲目までは1759年に出版された「クラヴサン曲集」から、残りは1777年以降に作られた作品から取られています。特に、21曲目にクラヴサンまたはピアノとヴァイオリン、通奏低音、その他によるソナタ（室内楽）が収められているところなどは、カーティスがバルバートルの全体像を示そうという意図の表れかもしれません。また、最後の23曲目は誰もがおなじみのフランス国歌「マルセイエーズ」の鍵盤アレンジで、フランス革命の後にかつての「王室音楽家」が革命政府に何とか取り入ろうとした（？）涙ぐましい努力の跡として興味深いものがあります。ところで、この記事を書くに際してネットで調べたところ、アラン・カーティスさんは残念なことに最近（2015年7月）亡くなられていたことを知りました。彼の素晴らしい仕事に感謝するとともに、遅まきながらご冥福をお祈りしたいと思います。

ナディア・ブーランジェ

年明け早々、福岡を往復する用事があり、往復の機中にてジェローム・スピケによる表題の著作（大西穣訳、彩流社、2015）を読む機会がありました。亭主が彼女のことに関心を持ったのは、未だ読みさしの本、J.E. ガーディナーの「Bach: Music in the Castle of Heaven」の冒頭近くで、著者が1967年にブーランジェの下で学んだ経験に触れているのを読んで以来です。ガーディナーは、フォンテーヌブローの夏の学校での、当時既に80歳になっていたブーランジェによる「厳しい」指導も含めたクラスの雰囲気を伝えるとともに、自分がいかに多くを彼女に負っているかを語っており、否応無くその人物に興味をそそられることに。本書の副題にも「名音楽家を育てた“マドモアゼル”」とあるように、ナディア・ブーランジェ（1887-1979年）は20世紀前半に音楽の名教師としてその令名を馳せていましたが、もちろん自身も優れた音楽家であり、本書からは特にその人生の前半において作曲家、鍵盤奏者、さらには指揮者としても活躍していたことが分かります。では、何故音楽家としてよりも音楽教師として名を成すことになったのか。本書では、二十歳前後に２度応募したローマ賞で一等賞を逃したこと、その後同じ音楽の道に進んだ６歳年下の妹リリの才能を活かすことを優先したことなどが書かれていますが、亭主はむしろ当時の女性が作曲や演奏のプロとして生きることの困難さ、というフェミニズム的視点で全体を見通すことができる気がしました。というのも、まず所与の条件としてナディアが誕生した時の父親エルネスト・ブーランジェの年齢が72歳と高齢（母親は29歳でしたが、なんと43歳の年の差婚での第１子）であり、彼女が13歳の時に父親が他界すると、できるだけ早く母親と幼い妹を抱えた一家の大黒柱として収入を得られることが期待されたことが挙げられます。（「ロシア貴族の末裔」を名乗る母親にとっては、収入のために働くなどということは問題外だったのでしょう。）「艱難汝を玉にす」で、ナディアはパリのコンセルヴァトワールで猛勉強をして優秀な成績を収め、間もなく作曲家、演奏家として売り出す（ローマ賞でのゴタゴタもその一環）とともに、自宅で私的な音楽教室で稼ぎ始め、母校から生徒を紹介してもらっています。とはいえ、音楽の世界でもプロは男性優位であることは言を待つまでもなく、何をやっても紅一点のパイオニア、常に厚い「ガラスの天井」に阻まれます。おそらくその典型が「指揮者」としての活動で、初期には楽員から常に色眼鏡で見られていたことが伺えます。このような状況の中、1920年ごろからエコール・ノルマル音楽学校、さらにはフォンテーヌブロー・アメリカ音楽院で始まった教育活動が彼女の「自己実現」の場となったことは容易に想像できます。今日でもそうですが、流行り廃りの激しいステージ音楽家よりは、高等教育機関での教職の方が（それなりの名誉と）基本収入という点でも遥かに安定しています。こうして職業音楽家としての立場を確かなものにするとともに（置かれた場所で）「才能の産婆役」という自身の才能を開花させた、というのが亭主の見立てです。爾来半世紀以上、その「ゴッドマザー」ぶりは大変なもので、「弟子」は枚挙にいとまがなく、例えば古楽の世界でもラルフ・カークパトリック、ケネス・ギルバートといった面々が彼女の薫陶を受けているとか。また、20世紀初頭にランドフスカ（ほぼ同世代）と並び、バロック以前の音楽の発掘紹介にも務めていたようで、例えばモンテヴェルディのマドリガーレを再演（通奏低音はピアノだったとか）したりしています。なお、21世紀になったおかげで、ユーチューブを探すと高齢になったナディアのレッスン風景（おそらくモンサンジュの取材時に回したカメラの映像）や、その作品を音にした動画を見ることができます。特に後者では、フォーレ、ドビュッシーといった同時代のフランス音楽と軌を一にする作風の持ち主だったことが見て取れます。というわけで、音楽愛好家にオススメの一冊です。

謹賀新年

ビュッテンベルク・ソナタ by エスファハニ

先々週の「古楽の楽しみ」は、磯山先生によるバッハの新録音からの紹介でしたが、その初回冒頭で取り上げられたのは、他でもないマハン・エスファハニのハープシコード演奏によるゴルトベルク変奏曲でした。先日の来日公演では、フランス組曲でそれぞれに「前奏曲」を付けて披露したエスファハニですから、何か仕掛けてくるとのではと思っていると「やっぱり！」です。この曲では主題であるアリア、および変奏の全てが二部形式になっており、前半後半それぞれ反復記号が付いていますが、エスファハニはアリアの一巡目（反復記号の前）で譜面にある装飾音を間引いて弾く、という（亭主が知る限り）前例のない試みを披露しています。この一見大胆な解釈、主題をよりくっきり浮かび上がらせるという視点、さらには装飾の目的が繰り返しの演奏を飽きさせないためのもの、という観点からもむしろ自然で、磯山先生も「十分にあり得る」と納得のご様子。残念ながら放送は前半第12変奏までの抜粋でしたが、これを聴いた亭主は久しぶりに自分でゴルトベルク変奏曲を弾いてみたくなり、カークパトリック校訂の楽譜（これも年代物）を取り出してきました。考えてみれば、亭主が9年前にハープシコードを購入した際の動機の一つがこの作品だったものの、その後スカルラッティをはじめとした膨大で新鮮なレパートリーに魅せられて片隅に追いやられていたのでした。エスファハニは、このような「弾き古された」レパートリー（特にバッハのそれ）にも新鮮な響きを与え得ることを示してくれます。というわけで、このところマハン・エスファハニのハープシコード演奏が気になっていた亭主、これを機に世に出回っているCDをせっせと集め始めました。最近手にしたのはヒュペリオンからリリースされたラモー、およびエマニュエル・バッハのCDです。いずれもまだ聴き始めたばかりですが、特にエマニュエル・バッハの「ビュッテンベルク・ソナタ集」は、2014年にグラモフォン・アワードの栄に浴して話題となった録音で、確かに素晴らしい演奏を披露しています。ところで、このブログを書くにあたり１曲目、イ短調のソナタ（H30）を改めて聴いていたところ、亭主は「この雰囲気の曲は聴いたことがある」というデジャブ感に付きまとわれ始めました。エスファハニによるライナーノートを読んでいると、このソナタについてはイタリアの様式感についての言及があり、さらはドメニコ・スカルラッティの影響まで想像しています。ビュッテンベルク・ソナタは1740年ごろに作曲、1744年に出版されたとのことで、スカルラッティの「練習曲集（Essercizi）」の出版が1739年であることを考え合わせれば、エマニュエルが事前にそれを目にしていた可能性はなきにしもあらず。そこで、比較のために同じソナタをアスペレンの演奏で聴き始めたところ、第３楽章が始まってしばらくしたところでピーンと来ました。「これはまさにC. セイシャスのソナタとそっくりだ！」というわけで、今年は亭主の珍説でこのブログを締めくくることに。Merry X'mass!

「松本竣介と野田英夫」展

週末、関係者が出演する某学生オケの定期演奏会を鑑賞するついでに、ちょうど表記の展覧会（12月18日まで）を開催中だった群馬県桐生市の大川美術館を初めて訪ねる機会に恵まれました。当該美術館は、実業家として成功した大川榮二さんによる近代日本の洋画を中心としたコレクションを収蔵・展示しているとのことで、今回の展覧会のお題となっている松本竣介と野田英夫の主要な作品を所蔵していることでも知られています。亭主が松本竣介のことを知ったのは今から20年以上前、当時目利きの画商として名を馳せていた「現代画廊」店主、洲之内徹さんの随筆「絵のなかの散歩」で出会ったのが最初でした。（確認のために本棚にある著作を引っ張り出してみると、竣介の「ニコライ堂」を題材にした絵についての文章がモノクロの挿絵と共に載っていましたが、その内容はすっかり忘れていたことを思い知らされました。）その後、1998年に没後50周年を記念する展覧会と連動して制作・放映された某放送局の美術鑑賞番組で松本竣介が取り上げられ、それ以来ずっと気になっている画家の一人でした。というわけで、今回はそのような思いをようやく果たした訪問となりました。ちなみに、洲之内徹さんが集めた名作の数々（松本竣介「画家の像」や野田英夫の作品を含む）は、彼の没後に宮城県立美術館に寄贈され、その一部が「洲之内コレクション」として常設展示されているそうです。ところで、今回の展覧会のもう一人の主役、野田英夫のことはこの展覧会で初めて知ることに。とはいえ（亭主は忘れていたものの）、前述の「絵のなかの散歩」では、彼のことが松本竣介と共に取り上げられており、竣介が（その初期に）大きな影響を受けた日系米人画家としても夙にその名が知られている画家でした。この展覧会では、米国の元所有者が最近になって寄贈した「ポキプシー」という作品が目玉の一つで、竣介の代表作「街」とペアで展覧会のポスターにもなっています。（ちなみにポキプシーPoughkeepsieとはニューヨーク近郊の街の名前）解説によると、松本竣介は野田の「都会」という作品を見て衝撃を受け、その「モンタージュ」という手法を真似て描いたのが「街」であるとのこと。「ポキプシー」自体はモンタージュではなく実際の街の有様をグラフィックに描いた作品で、むしろ竣介の後年で中心をなす都市風景に近いと言えますが、一緒に展示されていた「汽車のある風景」などはまさにモンタージュによる作品です。（なお、モンタージュといえば、通常は映画の手法として知られており、亭主にとっては往年のエイゼンシュタインの代表作「イワン雷帝」などがその劇的な効果で鮮烈な印象を残していますが、絵画の技法と言われるとあまりピンとこないところがあります。むしろ「コラージュ」とする方が自然ではないでしょうか？）ところで、1998年に放送された番組については、亭主が当時の8ミリビデオで録画したものがDVDに焼かれて手元に残っています。先ほど久しぶりにこれを再生してみたところ、なんと大川美術館で学芸員の方が「街」を紹介するシーンも出てきました。18年もの時を経て実物を目にする機会に恵まれたことに感銘しきりです。ちなみにこの大川美術館、近代日本洋画のコレクションとしても大変秀逸な作品群を常設展示しており、近くに行く機会があれば是非とも訪れてほしい美術館の一つです。

フランス組曲 by バッハ

最近、表題の組曲中の第4、5、そして6番をまとめてエスファハニの演奏で聴いて以来、自分でも久しぶりにバッハの組曲を弾いてみたくなりました。そこで譜面棚から年代物の全音の楽譜を取り出して開いたところ、ふと冒頭にある「フランス組曲について」という１ページの序文らしきものに目が留まりました。ところが、読み始めたところその内容にビックリ。曰く、…そしてオルガンが楽器の王座をしめていたが、この頃よりクラビコードが広く愛用され始めた。バッハはこのクラビコードの曲を多く残した。複音楽形式即ち対位法音楽は構成的音楽ともいえる。この最高形式である「フーガ」をクラビコードのために作曲している。…（中略）クラビコードのための作品は、「平均律クラビア曲集」（全48曲）、「インベンション」（30曲）、「フランス組曲」（6曲）、「パルティータ」（7曲＝これはドイツ組曲ともいわれている。）その他などで、そのうち組曲形式によっているものが三つある。（以下略）確かに、一般論としてオルガンはおろかハープシコードですら大型のものは限られた場所にしかなく、家庭用の楽器としてクラヴィコードが普及し（ヘンデルの少年時代の逸話などからも窺えるように）練習用に重宝がられていたであろうことは容易に想像できます。とはいうものの、バッハの鍵盤作品がこの楽器を主要な対象として作曲されていた、と断定している上記の文章、どちらかというとかなり極端な珍説（？）ではないかという気がします。誰の文章だろうと文末を見ると、例によって「（全音出版部）」とあるのみの無署名記事です。この序文、くだんの部分だけでなく、全体の文章の雰囲気もドイツ音楽崇拝、バッハ崇拝の念に充ち満ちたもので、音楽に序列をつけたがる権威主義的思考ともあい通じる古色蒼然とした内容です。全音の楽譜といえば鍵盤音楽の初心者のための安価な普及版なのだから、そんなに目くじら立てることもないだろうという考えもあるかもしれません。しかし、亭主はむしろ真逆で、ものごとは最初が肝心だと感じています。初学者に対しても、バッハ以前の時代の音楽が、作曲家と演奏家が専業化した19世紀以降のそれとは性格的に大きく異なること、「譜面に残された作曲家の究極の意図」などという近代的な概念は幻想に過ぎないこと、あるいは原典といえども音楽の速記録のようなもので、テキストは知識ある演奏家に開かれたものであることなどをはじめから伝え、自らその世界を探求するように仕向けるのが教育的配慮ではないだろうか、などと考えを巡らせることしばし。というわけで、もう全音版はお払い箱にすべく、「バッハの楽譜ならわざわざネット通販で注文しなくても原典版ぐらい手に入るだろう」と、昨日は久しぶりに隣駅のヤマハの店舗に足を運び楽譜漁りをすることに。予想どおり楽譜はよりどりみどりで、原典版についてもヘンレ版とウィーン版が置いてありましたが、残念ながら「新バッハ全集」に依拠したベーレンライター版は見当たらず。亭主はすでにヘンレ版の「平均律」を持っていることもあり、フランス組曲もヘンレ版を購入と相成りました。（ついでにイギリス組曲もゲット。）ちなみに、もしやと思い、店に並んでいた全音版のフランス組曲の譜面を取り出して例の序文のところを見ると、なんと亭主が持っている30年以上前のそれと全く同じ（！）であることにもう一度ビックリです。（それにしても初学者をナメているなぁ…）自宅で早速ハープシコードに向かい、ヘンレ版のフランス組曲をポロポロ。こうして改めて眺めると、技術的にはインヴェンションをやや上回る程度のこともあり、バッハにしては音が少なめで弾きやすい感じです。ところで第5番を弾いていると、３曲目サラバンドの最終4小節が全音版のそれと全く違っているのを発見。調べてみると、これらは元になる筆写譜の違いによるものらしく、どちらもありのようです。亭主が持っているホグウッドの古いCDで確認したところ、後半の反復で１回目は全音版のそれ、２回目はヘンレ版のそれを弾いているようで、実はエスファハニもそのように弾いていました。また、彼はこのサラバンドの反復では装飾音の変化をはるかに超えて自由な変奏というレベルの演奏をしており、これこそは現代的古楽におけるバッハ演奏だろうと感じさせられました。

マハン・エスファハニ登場

10日ほど前、例によって常磐自動車道を移動中だった亭主は、FMラジオからハープシコード奏者であるマハン・エスファハニの来日コンサート（録音）が流れるのを偶然耳にしました。一聴してとても素晴らしい演奏もさることながら、プログラム自体もオッと思わせるものがあります。「しまったなぁ、録音を仕掛けておくんだった…」と一瞬後悔したものの、すぐに「そういえばベストオブクラッシックもパソコン上のストリーミングキャプチャで自動エアチェックをかけていた」ことを思い出し、帰宅後に（翌日の放送を上書きされないよう）放送終了を待ってファイルを確保。後日改めてじっくり拝聴することに。（これを書くにあたりまた聞き直しています…）エスファハニは1984年生まれのイラン系アメリカ人、まだ30歳そこそこの若手演奏家で、鈴木優人さん（1981年生まれ）などと同世代です。ウェブに出ている経歴を見ると、ハープシコード奏者としてデビュー後のキャリアのほとんどを英国で築いており、2015年からはギルドホール音楽演劇学校の教授を務めているとか。コンクール（業界団体のリクルートの場）経由ではなく、演奏会での評価を通して世に出た実力派というところでしょうか。コンサートは9月16日に東京・王子ホールで開催されたもので、彼にとっては2013年以来、2度目の来日だとか。（亭主はこの日付を見て、ちょうど金沢への学会出張と重なっていて行くのを諦めたことを思い出しました。おまけにFM放送で流れるとはつゆ知らず、偶然ラジオをつけていたことによる巡り合わせです。）プログラムはまず英国ヴァージナル音楽のレパートリーから3曲。最初に取り上げられたのはピーター・フィリップスの「悲しみのパヴァーヌ、ガイヤルド」。さすがは「英国古楽界のスター」というところでしょうか、この演奏が実に素晴らしく、一気に「モード」の世界に引き込まれます。そのままブレークなしでファーナビー親子の作品を１つずつ、「ファーマーのパヴァーヌ」、「誰のものでもないジーグ」が続いて奏されました。ところで、録音で聴くメリッットの１つは、譜面を見ながら鑑賞できることです。調べてみると、１曲目はドーヴァー版フィッツウィリアム・ヴァージナルブック第１巻p.321にあるPauana Doloroso Treg[ian]（LXXX）及びGaliarda Dolorosa（LXXXI）でした。ところが２曲目の作品は、同じヴァージナルブック第２巻p.465にFarmer’s Paven（CCLXXXVII）というそれらしい作品が収まっているものの、どうやらエスファハニはこれと全く違う作品を弾いているようで、残念ながらどの作品なのかを特定できませんでした（当日の演奏曲目がプログラムと違っていた？）。最後の3曲目はやはり第2巻p.162にあるNobody’s Gigge（CXLIX）でした。次に演奏されたのはバッハのフランス組曲第4番BWV815ですが、これがまたフツーでないことには、新バッハ全集に収録されているという異本（BWV815a）の前奏曲付きバージョンによる演奏でした。このところバロック音楽に親しむにつれ、これらの作品がフランス風舞曲の組み合わせ（アグリコラやフォルケルがそのように呼んでいたらしい）と言いながら、前奏曲がないのは変だなと思っていたところなので、こういう異本があることを知って目からウロコが落ちた感じです。さらに、引続くフランス組曲第6番BWV817では、前述のような前奏曲付きの異本もないらしく、エスファハニは平均律クラヴィア曲集第1巻から同じ調性の前奏曲（第9番）を借用することで「組曲」を完結させる、という面白い試みを行っていました。この後、F.クープランの第24組曲からの6曲を挟み、プログラム最後の演目として再びバッハのフランス組曲第5番が奏されました。ここでも冒頭に耳慣れない前奏曲風のもの（亭主には出典不明）が挿入されており、エスファハニのこだわりぶりが際立っています。そして、アンコールはなんとスカルラッティのソナタK.120。エスファハニはこのサルタレッロ風の難曲を誰よりも速いスピードで駆け抜けていきました。いやはや、なんとも恐るべき腕前です。以上、改めて聴き直して非常に印象的なのは、とにかくレジストレーション（弦やストップの組み合わせ）も含めて音色が実に多彩で、とても一つの楽器からの音とは思えないほどです。（彼が使っている楽器の情報が手元にないのはとても残念ですが。）王子ホールのウェブサイトに行くと、彼のインタビュー記事が掲載されていますが、これがまた大変興味深い内容です。8歳でハープシコードに目覚め、若い頃はカークパトリックを崇拝していたとか。彼が生まれた1984年はカークパトリックの没年でもあり、特別の思い入れがあるようです。（だとすれば、スカルラッティの演奏にもそれが現れていたのかも？）というわけで、また一人古楽界にハープシコード奏者の新星が現れました。（PS　そういえば最近「クラッシックカフェ」でもエスファハニのCD録音がオンエアされているのを耳にしました。どうやら日本でも急速にその名を知られる存在になりつつある？）

バルバトルによる「編曲」

すでに旧聞になりましたが、先々週はボージョレヌーボーの解禁日。巷では一時期ほどの盛り上がりはないものの、ワイン好きにとっては秋のヨーロッパのフレッシュな味覚を楽しむ機会として定着した感があります。同じボージョレヌーボーと言っても、価格を見ると握り寿司の「松竹梅」よろしく大雑把に３段階に分かれているようで、値段の開きも３倍近く。普段の年には「どうせ大差はないだろう」とタカをくくり、せいぜい「竹」ぐらいで済ませていますが、今年はとあるルートから「松」クラスのもの（古木のブドウ＝ヴィエイユ・ヴィーニュから出来る高級品だとか）を仕入れており、昨夜それを頂くことに。グラスに注ぐと芳醇でフルーティな香りがはっきりと感じられ、「松」だけのことはあった（？）ようです。　　　　　先週の「古楽の楽しみ」のお題は、他でもないこのボージョレの里であるブルゴーニュ地方。そのトップバッターとして登場したのがディジョン生まれのクロード・ベニーニュ・バルバトルでした。（以前このブログで「バルバートル」と書きましたが、どうやら音引きを入れない方が通りがよいようです。）バルバトルは亭主お気に入りの作曲家の一人。1724年生まれですから、フランス革命と共に終焉となるクラヴサン音楽の最後期に活躍した人です。先行する音楽家の作品をアレンジすることも多かったようで、特にラモーの歌劇「ピグマリオン」序曲は秀逸。以前にアンタイ-センペによる２台のバージョンを聴いたことはありましたが、独奏版があるのをこの放送で初めて知りました。カトリーヌ・ジメール（Catherine Zimmer）の演奏は大型のクラヴサンが持つさまざまなレジスターを効果的に使い、とても独奏とは思えない多彩な響きで聴衆を魅了します。ところで、そのような編曲の１つとしてドメニコ・スカルラッティのソナタK.95に基づく「エア」が取り上げられていました。とはいえ一聴した限りでは、多少の装飾音を加えた他はほぼ原曲をそのまま写したようにも聞こえます。これでなぜ編曲なのか、沸々とギモンが湧いてきます。原曲はハ長調、見開き２ページ程度の短くて簡素な作品ですが、右手が左手の上を頻繁に往復するように書かれており、実際に弾いた感じはまさに練習曲。（バルバトルはおそらくこのメカニックな部分に魅かれたと想像できます。）スコット・ロスをはじめ大抵の演奏家はかなりのスピードで弾いており、この上さらにバルバトルのように装飾音をつけて同じようなテンポで弾くには無理があります。（ジメールの演奏もかなりゆったりしていました。）というわけで、一聴「単に原曲を引き写しただけ」のようなバルバトルの「編曲」とは、「イベリコ・イタリアンな高速舞曲を音楽的性格が異なる『エア』（というよりメヌエット？）に移し替えてみた」ということだろうと勝手に合点した次第。面白いことに、このソナタはいわゆる「王妃の手稿」と呼ばれるヴェネチア手稿やパルマ手稿の中にはなく、パリで1740年代前半にボアヴァンにより印刷出版された「スカルラッティ氏のクラヴサン曲集」の中にのみ現れます。ボアヴァンは数回にわたってスカルラッティのソナタ集を出版していることから、18世紀後半にかけてパリの音楽サロンでも彼のソナタがそれなりに人気を博していたことが伺えます。おそらくバルバトルもボアヴァンの出版譜を通してK.95のソナタを知るに至ったのでしょう。ちなみに、これ以外で件のボアヴァン版に収まっているのは「練習曲集（Essercizi）」からの15曲とK. 66ですが、K. 66はヴェネチア手稿第XIV巻にも含まれてり、K. 95のみが「出典不明の印刷譜」として際立っています。

リュート組曲BWV997

11月も下旬を迎え、関東平野もいよいよ紅葉がたけなわの季節になりました。未音亭の近所の大通りの街路樹である唐楓も、黄緑から紅色への見事なグラデーションで町行き人々の目を楽しませてくれます。歩道に沿って植えられたドウダンツツジも、早いものは直方体に刈り込まれた全体が鮮やかな臙脂色に染まっています。このような季節に聴きたい音楽として、大塚直也さんお勧めのラモーの「エンハーモニック」もさることながら、亭主は今表題の曲にご執心。この作品、先にご紹介したジャン・ロンドーのデビューアルバム冒頭を飾っており、亭主も真似をしてみようと楽譜を探したところ、IMSLPのサイトにフリーの楽譜が置いてあるのを発見。早速ダウンロードの上プリンターで印刷しました。（IMSLPにはファクシミリ版まで置いてあり、今や音楽学者でなくとも一次資料に簡単にアクセスできるという意味で、つい10-20年前とは隔世の感があります。）さて、楽譜を譜面台において弾き始めるなり、なんだか音が高過ぎる気がします。そこで、ロンドーの演奏をもう一度聴き直してみると、明らかに譜面より１オクターブ低い音で弾いています。譜面を作り直すのも面倒なので、頭の中で自動的に変換しながら（これが結構な頭の体操ですが）弾くことに。幸い、バッハにしては音があまり多くない（これもリュートを想定してのことか？）ので、多少つっかえながらも音にすることができました。…ちなみに、ロンドーのテンポの取り方は、物思いにふけりながら秋色の公園を散策するかのようなしみじみ感があって、この季節にピッタリな雰囲気です。とはいえ、やはり１オクターブの差が気になった亭主、そもそもリュートの音域はどうなっているのだろうと思い、同じ曲についてユーチューブなどでリュートやギターの演奏を調べてみると、これらもやはり譜面より１オクターブ低い感じです。ますます納得いかない亭主は、最近親戚から引き取られて納戸にしまい込まれていた古いギターを引っ張り出し、これも年代物の入門テキストを片手に改めて調弦を試みることに。テキストによると、まず第5弦をAに合わせるとあるので、ピアノの側に行って音を比べてみると、なんとこのAは譜面上のA3（440 Hz）ではなくA2であること（というか、無理やりA3に合わせようとすれば弦がブチ切れる？）を発見。要するにギターという楽器の譜面は何故かもともと１オクターブ高く書いてあるといことをこの歳になって初めて知ったというわけでした。（笑）さて、藪から棒に引っ張り出されたギター、せっかく調弦したので試しにと思い、件のリュート組曲冒頭を音にしようとしましたが、これが超難しい！（だいたい左手でフレッドがうまく抑えられない上に、弦を乗り移るポイントもよくわからず、右手は右手でどの弦を弾いているのか自信なし。）ギターに比べればハープシコードでの演奏は笑ってしまうほど簡単に感じられます。というわけで、たちどころに意気阻喪してギターをそそくさとしまいにかかった亭主でありました。

ラドゥ・マリアン—The Male Soprano

亭主は日々進化するインターネット・メディアにこの数年というものついて行けず、フェイスブックやツイッターといった小道具を全く使いこなせません。何しろ最近まで「ハッシュタグ」がツイッターの検索に使われている仕掛けであることをよく知らなかった、という具合です。相変わらずツイッターそのものを自分で使う気にはなれないものの、先週ふと思いついて「#古楽の楽しみ」とキーワード検索したところ、「ラドゥ・マリアンさん、やっぱり女性の声にしか聞こえないところが凄い。イメージするのはふくっとした艶やかな若い女の人。」というツイートが目に入りました。愕然としてアゴが外れた亭主、録音してあった当日の「古楽の楽しみ：リクエスト・ア・ラ・カルト」を聴き直しながら番組ウェブページを確認したところ、アントニオ・マリア・ボノンチーニのカンタータを歌っていたのがこの歌手でした。（この作品、8月4日に一部取り上げられたとのことでしたが、なぜかその日の放送は亭主の録音から抜けていて、詳細は不明。ちなみに、このボノンチーニはイギリスでヘンデルのライバルだったジョバンニ・ボノンチーニの弟だそうで、兄とは違って生まれ故郷のイタリア・モデナを中心に活躍していたようです。）ソプラニスタ（男性ソプラノ：裏声を使うカウンターテナーではない）といえば、今年3月にロバート・クロウの歌声にびっくり仰天したことを書きましたが、スピーカーから流れてくるラドゥ・マリアンの声はクロウのそれよりもさらに高く澄んでいて、まさに超自然的な声です。というわけで、早速ネットで検索しまくることしばし。ほどなく幾つかそれらしい動画をユーチューブで発見しました（特にヘンデルが秀逸）。英語のWikipediaには彼の項目があり、1977年ルーマニア/モルドバ共和国生まれとあります。最初にその才能が世間に知られるようになったのが12歳の時とあるので、変声期に入る前から歌手として活動していたこと、そして（恐らくは体質的な原因で）声変わりすることなく今日に至っていることが伺えます。最高音はC4~C6とあり、確かにヘンデルのアリアを聴いていると、カデンスで途方もなく高い音が歌われます。性別によらずこのような高音を「自然に」出せる歌手はまず滅多にお目にかかりません。声の質も無機質と言ってもいいほど透明感があり、ノンビブラートのデュナミークだけで表現する古楽にうってつけです。とあるネット記事では彼のことをナチュラル・カストラートと呼んだりもしています。裏声でなく「自然な」高音を持つ男性歌手といえば、かつてのカストラートとの類比をしたくなるのも分かるというもの。いずれにせよ、古楽ファンにとって有り難いことに、ラドゥ・マリアンは18世紀以前の音楽をレパートリーの中心に置いているようで、これから日本の古楽ファンの間でも注目度が上がっていくのではと思います。

ラウテンクラヴィーア

先週の「古楽の楽しみ」リクエスト・ア・ラ・カルトの時間に、表題の楽器が取り上げられていました。この楽器（リュートハープシコード、リュートチェンバロなどとも呼ばれる）、名前がリュートとクラヴィーアの合成に由来していることからも想像されるように、どうやら「リュートに鍵盤を付けたような楽器」だったようですが、現存する楽器はおろか、図象や文献にも事欠く謎の楽器としてバッハ研究者を悩ませているようです。というのも、バッハの遺産目録中にはこの楽器を２台所有していた旨の記載があるからで、近年に至るまでその復元に向けて色々な試みが行われているとか。オンエアされたのはハープシコード奏者でもある山田貢さんがご自身で復元を試みた楽器による演奏で、確かにリュートのような響きが聞こえてきました。このCDは2010年に出たようですが、ネットで調べてみると、その2年前にはキース・ヒルが復元製作した楽器によるエリザベス・ファーの録音、2012年にはやはりキース・ヒルの楽器による渡邊順生さんの録音、さらに2014年にはウィリアード・マーチンの手になる楽器を用いたオリビエ・ボーモンの録音がリリース、と2年に1枚のハイペースで出ています。また、最近では今年の7月にも渡邊順生さんがこの楽器を用いたコンサートを開いており、この楽器のことが徐々に知れ渡るに連れて人気が出てきたのかも？ちなみに、亭主がこの楽器のことを気にし始めたのは、遅まきながら最近購入したジャン・ロンドーのCD「Imagine」の冒頭に取り上げられたリュート組曲(BWV997)についてのロンドーのライナーノートの記事を読んでからです。そこで引用されている同時代のアグリコラによる記事によれば、ラウテンクラヴィーアは何と「バッハ自身のデザインをもとにツァハリアス氏（Herr Zacharias）という人物が製作した」とあり、その楽器は大きさこそ小さいものの、その他の点において通常のチェンバロと瓜２つとされています。内部には２組のガット弦（通常のピッチ）と「little octave」と呼ばれるバス弦が張られていて、単独弦のストップで弾くとリュートというよりはテオルボの響きに近いが、通常の楽器にもある「リュート」ストップと「コルネット」ストップと同時に使って弾くと、ほとんどプロのリュート奏者も騙せるような響きになる、とあります。アグリコラの記事を読むと、ラウテンクラヴィーアがなぜ残っていないかは一目瞭然で、要するにバッハが楽器職人に作らせたものの他に需要がなく、そのまま忘れられたのだろうと容易に推察できます。（そもそもリュート奏者全員を敵に回すような楽器ですし…）なお、「古楽の楽しみ」でオンエアされたのは残念ながらバッハの作品ではなく、同時代のリュート奏者でバッハの知り合いでもあったワイスのそれでした。やはりバッハのリュート組曲をこの楽器で聴いてみたいので、そのうち前述のCDの一つでも手に入れてみようと思っているところです。

クラーナハ展

所用で東京の西の方に出かけた後、帰りに西洋美術館で開催中の表記展覧会を覗いてきました。「500年後の誘惑」という副題からも想像できるように、この展覧会はクラーナハ（Lucas Cranach、1472-1553）が描いた裸婦あるいは女性像が持つ独特のエロティシズムに焦点を当てたもので、この画家を主題とした展覧会としても日本初とのこと。ところで、この展覧会で一貫して使われている「ルカス・クラーナハ」というカナ表記、多少の違和感を持つのは亭主ばかりではないと思います。（何しろこれまではほぼ「ルーカス・クラナッハ」という呼称が標準的に流通していました。「ルー」、「クラー」と音引きを入れるかどうかはまあ微妙としても、クラーナハとクラナッハはほぼ別人の響きです。これが正統的なnachの発音なら、バッハはバハになってしまいます。）というわけで、亭主はあえてより馴染んだクラナッハと呼び続けることにします。名前問題はさておき、さすがは西洋美術館、展示されている作品はなかなかのもので、裸体画以外にも彼の代表作と呼ばれるような作品がかなりの数集められていました。特に、昔の記憶を呼び覚まされたのが、フランクフルトのシュテーデル美術館にある「ヴィーナス」で、30年近く前にこの美術館をふらりと訪れた時のことを思い出させてくれました。記憶の中でいつの間にか大きくなっていたこの絵、久しぶりに実物を前にしてA4版サイズと大差ない小品だったことに驚くことしばし。漆黒の背景に浮かび上がる、すらりとして陶磁器のような肌の裸婦像は、おそらくクラナッハ的な美意識を最もわかりやすい形で体現した作品だと思われます。クラナッハといえば、澁澤龍彦のファンにはおなじみの画家の一人で、彼の「エロティシズム」、「幻想の肖像」、「裸婦の中の裸婦」といった作品中で挿絵とともに頻繁に論じられています。「幻想の肖像」では、本展の目玉作品の一つでもある「ユディット」を取り上げ、ケネス・クラークの文章を引きながら、クラナッハの裸婦は「誘惑的なまでにエロティクでありながら、しかも美術品のように冷静に鑑賞し得る、新しい肉体美のタイプを創出する」という「エロティック美術の成功の鍵」という要求にぴったりかなっているので、「十六世紀のドイツという時代的・風土的限定の枠を超えて、現代の私たちにも直接に訴えかけてくる力を失ってはいないのである」と書いています。なお、この展覧会で一つ刺激的で面白かったこととして、「クラーナハ」という作家名と作品の関係を意図的に相対化して見せよう、という試みがあります。クラナッハは、ルネサンス期の大画家の例に漏れず大きな工房を構え、数多くのクライアントからの注文に応じて絵画を量産したことでも知られています。当時吹き荒れた宗教改革の嵐の中でも、ルター派とカトリック派の両方から注文を受けて作品を供給し続けたという点で、どちらかというと職人気質の画家だったことが伺えます。「ルーカス・クラナッハ」という名前は、現代風に言えば、「ピエール・カルダン」、「モリ・ハナエ」といったブランド名に近く、画家の個性と作品を同一視する19-20世紀的な作家-作品観は自明ではありません。この展覧会では、これも裸婦像の代表作である「正義の寓意」を100人の中国人画家に一定時間で模写させて、その腕を競わせた結果出来上がった100枚の絵を全品並べて見せる、という展示もあり、作品とは何か、コピーとは何か、といった美術史的な問題を正面から問いかけています。「工房での弟子たちによるコピー」が「クラーナハ」の作品として展示されている現実を前にすると、笑って済まされない大問題であることは容易に想像されます。

ラ・ミ・レの上で

10月も下旬となり、関東平野も徐々に秋が深まってきています。ところで、先週の「古楽の楽しみ」リクエストアワーで、冒頭にかかったのが表題の曲。作曲者不詳の作品とかで、亭主は初めて耳にしましたが、武久源造さんの演奏を聴いているうちに「どうもこういう雰囲気の曲には聞き覚えがある…」と考えることしばし。そして思い当たったのが吉松隆のピアノ作品「プレイアデス舞曲集」でした。そこで、久しぶりに田部京子さんのCDを…と探しますが行方不明。仕方なくiTuneにコピーされたバージョンで再生。冒頭の「さりげない前奏曲」がいきなりそっくりな雰囲気なのに驚くとともに、吉松隆のシンプルで純粋な響きに改めて感銘を受けました。このCD、クラッシック音楽にも古楽にも倦んだ時に、耳を洗い清めるのにもってこいのアルバムです。（この季節にもマッチしている？）

ジャン・ロンドー　VERTIGO

VERTIGOとは「めまい」、「眩暈」の意。ある世代より上の人々にとって、VERTIGOといえばキム・ノヴァクとジェームズ・スチュワート主演、アルフレッド・ヒッチコック監督による同名の映画を思い浮かべるのではないかと思います。映画そのものは1958年公開とかなりの年代物ですが、まだカラーフィルムがお粗末だった時代に「テクニカラー」という技術（映像を３色のフィルターで分解して白黒フィルムに収め、再生時には３色の光源を用意してカラーに合成）で撮られていたおかげで劣化・退色を免れ、亭主も1980年代に名画座で鑑賞した折にその美しい「天然色」映像とともに強く印象に残った作品です（その後間もなく、舞台となったサンフランシスコに連れ合いと訪れる機会があり、映画にも登場するレストラン「アーニーズ」でのディナーは今でも思い出の一つ）。とはいえ、本日の話題はもちろん映画ではなく、ジャン・ロンドーによる同じ題名のセカンドアルバムです（やっぱり買っちゃいました）。このアルバムについて本人が語っている映像（ユーチューブに上がっている）を眺めていると、彼もヒッチコックの映画のことは知っているらしく（おそらくアルバムタイトルを考えるにあたって調べたのでしょう）、それなりに意識しているようです。今回の録音で取り上げられているのはラモーとロワイエです。ロンドーの手になるラモーも興味深いものの、なんといっても亭主にとってこのアルバムは、それまで「スキタイ人の行進」ぐらいしか知らなかったロワイエという作曲家に画然と目を開かせてくれるものでした。スキップ・センペによると、ラモーはクラヴサンのレパートリーの中でもオペラティックな性格が際立っているとのことですが、亭主的にはロワイエこそがまさにラモーを超えてオペラティック＝劇場性を体現しているように見えます。それを示す典型的な作品が、アルバムタイトルにもなっている彼の作品、Le Vertigoです。この曲における緩急の対比の鋭さは、まさにめまいがするほど強烈。ロンドーの演奏を何度も聴き、自分でもハープシコードに向かって音にしてみましたが、とにかく「これがハープシコードのレパートリーなのか」と思えるほど凄まじい曲です。（ヴィヴァルディのある種の曲を鍵盤に移したらこうなる？）ところで、収録が行われたのはChateau d’Assasという古城で、スコット・ロスがスカルラッティの全曲録音をした等、いろいろな名録音の舞台になったことで知られているとか。半ば廃墟のような雰囲気の中で、18世紀にタイムスリップしたロンドーが、めまいにも似た幻影にインスパイアされて奏でるクラヴサンの音は、スペイン風に言えば「ドゥエンデが降りてきた」という感じ。なお、使用されているクラヴサンも18世紀当時のものらしく、なんとなく音が低い気がして調べてみるとやはりヴェルサイユ・ピッチ（A=392 Hz）でした。そこで、亭主も真似をすべく、久しぶりに自分のハープシコードの鍵盤を左にスライドし、392 Hzのキルンベルガーに調律し直してラモーなどを弾き始めたところ、その響きの意外さにビックリ。絵画でいうなら、今までよりも色彩がよりくっきりした感じです。おそらく亭主の耳が老化によってより低音を好む傾向にあることも原因の一つだとは思われますが、もう一度フランス・クラヴサンのレパートリーを全て弾き直してみたくなりました。（しばらくハマりそう…）

ハープシコードの新星　ジャン・ロンドー

先週にフィゲイレドの訃報について書きましたが、その後さらに調べていたところ、彼は2012年10月に来日して演奏会を開く予定だったものの、ドクターストップがかかって中止になっていたことを知りました。公演中止を告げる4年前のままのホームページには「在ブラジルの医師の診断によれば、今後最大7カ月の治療、場合によっては手術の可能性もあり」との記載があり、かなり深刻な状況であったことが伺えます。推測するに、どうやらこの頃から狭心症を患っていたのでしょう。（こうして彼の他界を徐々に納得し始めてはいるものの、やはり残念なことに変わりはありません。）先週は、彼がやはり夭折したセイシャスのソナタを入れたアルバムを久しぶりに取り出し、その素晴らしい演奏に聴き惚れながら早すぎる死を悼みました。　とはいえ、逝く者もいれば生まれ来る者もあり。最近亭主は、仮想空間上でジャン・ロンドー（Jean Rondeau、面白いことに姓は舞曲のひとつ「ロンド」と同じ）というハープシコード演奏家に遭遇しました。1991年生まれということで今年まだ弱冠25歳、おそらく最も若い世代の演奏家ですが、パリ音楽院在学中の2012年、ブリュージュ国際古楽コンクールのハープシコード部門で１位（マーク・エドワーズと優勝を分け合った）、ということで注目されて始めたようです。（ちなみに、この年の審査委員の一人はあのスキップ・センペで、彼がロンドーを押したのではないかと思わせるところがあります）。　YouTubeに上っている彼の演奏はどれも秀逸ですが、それに加えて映像では古楽演奏家というイメージとは懸け離れたポップな立ち居振る舞いが目を引きます。（頭が爆発したような髪型もトレードマークのひとつとか。）なんぼのものかとじっくり聴いてみたくなった亭主は、「BACH IMAGINE」と題された彼のデビューアルバム（2014年）をゲット。そして一聴するなり、そのゴージャスなハープシコードサウンドに一気にハマることに。　このアルバム、既に選曲からしてフツーではありません。いわゆるハープシコードのレパートリー、と思われる作品で取り上げられているのは「イタリア協奏曲（BWV971）」だけです。収録曲をトラックの順に書くと　1. リュートのための組曲第２番（ハ短調、BWV997）　2. 無伴奏ヴァイオリンのためのソナタ（ニ短調、W.F.バッハによる編曲？、BWV1003）　3. 無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第2番からシャコンヌ（J.ブラームスによるピアノ用編曲、BWV1004）　4. 無伴奏フルートのためのパルティータ（イ短調、S.デュルプラスによるホ短調でのハープシコード用編曲、BWV1013）　5. イタリア協奏曲　6. 無伴奏ヴァイオリンのためのソナタからアダージョ（ト長調、BWV968：ハープシコード用へのバッハ自身の編曲とされている）となっています。　このリストからは、これらの演目を通してハープシコードが持つリュート、ヴァイオリン、フルート、そしてオーケストラといった響きの多彩さを開示したい、というロンドーの（そして彼がそのように見立てたバッハ自身の）意図が透けて見えます。　なお最後の作品、原曲のヴァイオリンソナタではいわばプレリュードのようなもので、不完全終始で終わっています。「to be continued」という演出がなんとも洒落ています。この点も含め、CDのライナーノートは全編作品についての彼のモノローグで占められており、彼自身の言葉で語られる音楽も大変興味深いものがあります。…セカンド・アルバムも買っちゃいそうな予感。

ニコラウ・デ・フィゲイレド逝く

先週のFMラジオ（古楽の楽しみ）でニコラウ・デ・フィゲイレドが亡くなっていたことを知りました。突然の訃報にビックリするとともに、とても残念に思います。この件、日本国内では全く伝えられなかったようですが、ネットで調べてみると今年の7月、心臓発作のために故郷のサンパウロで他界したとのこと。仏紙ル・モンドのウェブ版に詳しい記事が出ていたので、邦訳を試みてみました。ハープシコード奏者、オルガン奏者、ピアノフォルテ奏者にしてブラジル人指揮者であるニコラウ・デ・フィゲイレド氏が、心筋梗塞のために7月6日、自身の出身地であるサンパウロ市で死去。同氏はヨーロッパでの長期の活動ののち故国に戻っており、11月に起こした最初の心臓発作から回復して演奏に復帰した矢先、２度目の発作に襲われてのものだった。　1960年生まれの若き音楽家は、ブラジルで教育を受けた後にジェネーブ音楽院のクリスチーヌ・ジャコッテの門下に入り（同時にオルガンをライオネル・ロッグに師事）、そこで1984年にハープシコードのヴィルトゥオーソとして一等賞を獲得した。その後、グスタフ・レオンハルト(1928-2012)、スコット・ロス(1951-1989)を含む様々なマエストロの下で研鑽を重ねている。　若いフィゲイレドが、1989年4月に開かれたマスタークラスの生徒として、スコット・ロス（この数週間後にAIDSの進行によって他界）の傍にいる姿をジャック・レナールによるフィルム映像の中に見ることができる。これはオリビエ・ベルナジとフランソワ・マンソーがアルテ（レーベル）のために集めた特別な音楽レッスンシリーズの一つとして撮影されたものである。このDVD（現在はハルモニア・ムンディ、HMD9909031）は亭主も持っており、数年前に見た覚えがありますが、２人いる生徒の一人がフィゲイレドだったことを完全に失念していました。このくだりを読んで慌ててディスクを取り出して確認。まだ20代の若々しい姿が何とも切なく胸を打ちます。　フィゲイレドはナント(1984)とローマ(1985)の国際コンクールで優勝、初めに通奏低音奏者としてルネ・ヤコブスとモーツァルトの「フィガロの結婚」及び「コジ・ファン・トゥッテ」の上演及びレコード録音（ハルモニア・ムンディ）で共演したことにより有名になった。ピアノフォルテでは、レシタティーフの伴奏を熱狂的な独創性をもって行い、応答やカデンスにおいて驚くべきヴィルトゥオージティで自身の音楽的性格をフルに引き出した。それは一部には邪魔な技巧と受け取られたものの、「乾いた」レシタティーフに生気を与えるものとして多くの人々に歓迎された。　2006年、フィゲイレドは「イントラダ」（レーベル）からドメニコ・スカルラッティのソナタを収めたCDをリリースして好評を博し、月刊誌「ル・モンド・デ・ラ・ミュージック」の「年間ベスト10ディスク」の１枚に選ばれるという栄に浴している。さらに、高級レーベルであるパッサカイユのために、2008年から2012年までアントニオ・ソレール（ファンダンゴで有名）、クリスチャン・バッハ、カルロス・デ・セイシャス、あるいは後代の作曲家ハイドンといった単一の作曲家に焦点を当てたリサイタルを挙行した。　ピアノフォルテよりもハープシコード（前者はその当時まだ後者に対して優位ではなかった）でハイドンを弾くという決断は、ハイドンの音楽が持つ古風さをより強調し、スカルラッティへと近づけることとなった。録音では常に創意に溢れた気質とともに、師のスコット・ロスから受け継いだある種の背筋のしなやかさといったものも垣間見える。　フィゲイレドは歌唱を好み、バーゼル・スコラ・カントルム(1990-2000)及びパリ音楽院(2004-2007)ではオペラとバロック解釈学の教授をも務めていた。また、多くの国で指揮者として活躍し、2011年にはセビリア・バロック・オーケストラの指揮者として、スペイン人カウンターテノールのカルロス・メナとともにドメニコ・スカルラッティの声楽曲、及び彼の鍵盤ソナタに基づくチャールズ・エヴィソンの協奏曲を録音[プロメテオ（レーベル）]している。それにしても56歳での夭折、残念としか言いようがありません。遅まきながら心からご冥福をお祈りします（合掌）。

「ヴェネチア・ルネッサンスの巨匠たち」展

表記展覧会、会期末も気になり始めたので、秋の長雨でパッとしない先週の連休最終日に乃木坂の国立新美術館へと足を運びました。「日伊国交樹立150周年記念」を冠した展覧会も、ダ・ヴィンチ、ボッチチェッリ、カラヴァッジョに続いてこれで４つ目。久しく縁がないイタリアへの旅行願望の代用とばかり、「イタリアに行かなくても向こうから来てくれるんだから」と毎度付き合っている亭主ですが、どうやらこれが最後のイベントのようです。乃木坂の駅側から会場に着くと、いきなり１階フロアに長蛇の列ができています。「…もしやこれに並ぶのか？」と一瞬動揺したものの、よく見ると同時開催中の「ダリ展」の行列と判明し安堵。（…やはり渋いルネッサンス美術よりもダリの方が人気アリです。）さて、２階にあるお目当ての会場に入るなり最初に対面したのが今回の目玉作品の一つ、ジョバンニ・ベッリーニの聖母子像です。ベッリーニ（弟）といえばやはりこのテーマで、ロンドンのナショナルギャラリーにある作品などが有名ですが、この聖母子像は、理想化されたイメージというよりは巷間の親子をそのまんま描いた感じです。（ただ、赤一色で描かれた頭部と翼だけの6体の天使が宙を舞っているのが印象的で、連れ合いは気味悪がることしきり。）このコーナーでは、その他にもカルロ・クリヴェッリ、ヴィットーレ・カルパッチョ（料理の名前で有名）といった15世紀の画家の佳作が並んでいましたが、その中で亭主にとってひときわ懐かしかったのがアントニオ・デ・サリバの「受胎告知」です。この作品、巷ではあまり話題になりませんが、かつてヴェネチアのアカデミア美術館を訪ねた際に目にした絵画群の中でも亭主の記憶に鮮明に刻まれた数少ない作品の一つ（多分「名作」）です。次に来るのがティツィアーノとその周辺画家の作品。ティツィアーノといえば美術史に燦然と輝く大画家ですが、残念ながらその代表作はウフッツィ、ピッティといった他のイタリアの美術館、あるいはロンドン（ナショナルギャラリー）、ルーブル、プラドといった大美術館に収まっていて、ヴェネチアに残されているものはわずかです。今回持ち込まれた「受胎告知」は、そのような数少ない代表作の一つとか。とはいえ、亭主の感想は失礼ながら「なんだか画面が暗くて汚いな」というもの。サン・サルバドーレ聖堂内の壁から外してきたというこの作品、陰影を強調するためか「黒」を多用しているようで、これが（特に印象派絵画に慣れた目には）画面全体を煤けた感じにさせる原因かもしれません。ちなみにこの印象、他の周辺画家の作品にもある程度共通しています。やはり「明暗法」の完成にはカラヴァッジョを待たなければならなかったのかもしれません。続いては、ティツィアーノの後継者であるティントレット、ヴェロネーゼ、バッサーノといった著名な画家たち、さらにはマニエリスム期の画家の作品が並び、15-16世紀ヴェネチア・ルネッサンス絵画の歴史をある程度俯瞰的に眺めることができますが、作品の総点数は60点程度とあまり多くはなく、１時間強で見て回れる感じでした。ところで美術館を後にし、東京駅に向うついでに日本橋で久しぶりに丸善に立ち寄ったところ、版画展示即売会の会場で有元利夫の作品に遭遇。２つ並んでいたうちの一方、「春」と題されたリトグラフが特に亭主の目を引きました。有本といえば、やはり15世紀ルネサンスを代表する画家、ピエロ・デラ・フランチェスカに影響を受けたことで知られており、この作品は代表作の一つのようです。思わず欲しくなりましたが、お値段を見てびっくり。目の保養に止めることに。（というわけで、「ルネサンス三昧」の1日でした。）

ヘンデルのヴァイオリンソナタ ニ長調（HWV371）

先週は仕事（学会）で金沢へ。昨年春に開業した北陸新幹線に初めて乗れるとあって、「鉄ちゃん」ではない亭主としても久しぶりにワクワク。それまで関東からはとても行くのが面倒だった金沢まで、「かがやき」に乗ると乗り換えなしの２時間半で到着。確かに便利になりました。とはいえ、20年ぶりに降り立った金沢駅は、昔の記憶を辿る縁を見つけることが出来ないほどガラリと様子が変わってしまいました。最終目的地である金沢大学も、以前は兼六園近くの金沢城址にあったものが、今ではバスで30分以上かかる郊外の山あいに移転しており相当に不便でしたが、広い敷地とのトレードオフとして致し方ないところなのでしょう。ところで、このひと月余りの間に表題の曲（とその原曲であるフルートソナタOp.2-5、HWV378）がFM放送で3回もオンエアされました。その最初はお盆に放送された西村朗・羽田美智子の対談風トークによる「あなたの知らない作曲家の素顔」と題された番組中のこと。この作品、鈴木のヴァイオリン教本にも採り上げられるほど有名な作品で、亭主にとっても馴染みの曲のハズでしたが、ヒロ・クロサキとウィリアム・クリスティのデュオによる演奏はとても新鮮で、胸に響くものでした。その次はやはり8月の下旬、大塚直也さんの司会による「古楽の楽しみ」の特番で、フラウト・トラベルソの演奏家である中村忠さんを迎えての回でのこと。そこではこのソナタが、もともとはフルートのための作品としてヘンデルのイタリア修行時代（1707年頃）に作曲され、冒頭の楽章はその後もホ短調のフルートソナタやオペラ「アレッサンドロ」（1726年）の序曲にも使われた、という興味深いエピソードも紹介されました。（ちなみにホ短調のフルートソナタとしては3曲ほど知られているようですが、HWV379でほぼそのまま出てきます。）そして３回目は、なぜかやはり大塚直也さんによる「古楽の楽しみ：リクエストアワー」の回（9月9日）で取り上げられたアンドルー・マンゼとリチャード・エガーによる演奏で、この時は第１楽章Affettuosoの冒頭、レ-ファ#-ラ-ミ〜（ニ長調）で始まる旋律に不意を突かれた感じで、不覚にも涙腺が緩みそうになりました。こうなってくると、手元にCDの一枚も欲しくなるのは人情です。ネットで調べてみると、寺神戸亮による録音が簡単に手に入ることがわかり早速ゲット。一聴したところ、ハープシコードをクリストフ・ルセ、チェロ（通奏低音）を鈴木秀美が務める演奏はとても素晴らしいものでしたが、最初のきっかけになったヒロ・クロサキの演奏に比べると何か物足りない感じもします。そこで、後者の演奏をもう一度ネット上のサンプルで聴いてみたところ、ヴァイオリンとハープシコードの音量バランスが全く違うことに気づきました。寺神戸亮の演奏では、ハープシコードの音がほぼ完全に背景に退いてしまっていて、2つの弦楽器で音楽のほとんどを構成しているのに比べ、クロサキ-クリスティのそれはヴァイオリンとハープシコードがほぼ対等に響き（チェロ等による通奏低音もなく）、近代のヴァイオリンソナタのようにとても緊張感のある演奏に聴こえます。譜面を眺めると、ハープシコードのパートもヴァイオリンのそれに劣らず充実しており、これが聞こえるかどうかは曲の印象を大きく左右することが容易に想像できます。というわけで、改めて（中古CDが充実している米国アマゾンで）ヒロ・クロサキのCDを手に入れることに。「あなたの知らない作曲家の素顔」の中で、西村さんはこのヴァイオリンソナタを「幸福な時代のヘンデルがよく表れている傑作」と紹介していましたが、こうしてじっくり聞いてみるといかにもと頷けるところです。作品自体はヘンデルが栄光も挫折も味わい尽くした後であろう晩年（1749/50頃）に成立したようですが、彼が二十歳そこそこのイタリア時代から生涯にわたり忘れなかった旋律を、晩年になって最高傑作のひとつへと昇華させた、ということでしょうか。

ラケル・アンドゥエサ&ラ・ガラニア

「愛の苦悩─17世紀イタリア・スペインの音楽─」と銘打った、スペイン・バロックの歌姫、ラケル・アンドゥエサのコンサート（東京・王子ホール、６月７日）を録画で堪能する機会に恵まれました。伴奏を受け持ったのはテオルボのヘスス・フェルナンデス・バエナとバロック・ギターのピエール・ピツル。思い起こせば今年の1月、最近のヨーロッパでの古楽演奏会の１つとしてFM放送で流れた彼女のコンサート（バエナとのデュオ）を聴いて、ブログでも「バエナとのコンビで是非日本でも演奏を披露してほしいもの」と書きましたが、迂闊にもそれから半年もしないうちにこの二人（＋ギター奏者）の来日コンサートが実現していたとは知りませんでした。招聘元のアレグロミュージックのウェブサイトによると、この来日公演が実現したきっかけは、彼女自身が昨年（2015年）2月にこの会社にメールで連絡してきたことで、それからあれよあれよと言う間に公演が決まったようです。通常はこういう「売り込み」が実際の招聘につながることはほとんどない、ということで、それだけ彼女の歌唱が強烈なインパクトを持っていたということでしょう。録画とはいえ、そのライブ映像を眼前にすると、FM放送での声だけでなく、身振りや表情も含めた（オペラ的な）音楽表現をも楽しむことができます。今回のレパートリーは彼女らが得意とする17世紀の作品が中心ですが、結構音域が広いのが印象的です。じっくり聴いてみると、彼女の声質は思ったより複雑で、低音部ではややハスキーなところもあることに気づきました（後で見たチラシの謳い文句にもそうあります）。一方で、その高音部はやはりすっと抜けるような清澄感があり、エマ・カークビーを思い起こさせるものがあります。ところで、この演奏会でアンドゥエサの歌唱に劣らず印象的だったのがバエナとピツルの演奏です。亭主はハープシコードにハマって以来、同じような響きを持つリュート族の楽器にもただならぬ親近感（執着）を持つようになりましたが、彼らの楽器捌きを眺めていると実にクールで格好よく、そこから紡がれるサウンド共々嘆声措く能わずといった状態でした。（本当は亭主もテオルボを始めてみたいところですが、いまのところは夢のまた夢です。）

旅の楽しみ

先週初め、台風10号接近で蒸し暑い日本を脱出した亭主は、ほぼ１年ぶりのバンクーバー滞在を満喫中。いつものように高原の陽気でホッと一息ですが、８月末ということで既にベストシーズンも過ぎていて、天気も変わりやすく朝夕は肌寒さを感じます。それでも到着直後は20℃程度だった最低気温は月の変わり目を境にどんどん下がり、昨日今日は10℃台前半、日本で言えば10月—11月の陽気と言ったところ。8月とともに夏は駆け足で去り、秋の空気が街を包み込んでいます。実際、常宿がある大学付近を歩いていると、メイプルリーフも一部紅葉が始まっているのが目に入るなど、いたるところに「小さい秋」を見つけることができます。ところで、バンクーバーも街の変化が早いのは相変わらずで、宿の近くのショッピングモールに出向いたところ、昨年にはなかった小さなリカーショップがオープンしていました。店内を覗くと、それほど大きくないショーケースにクラフトビールと思しきものがいろいろと並んでいます。早速ラベルにGoose Island IPAとあるビールをゲット。宿に持ち帰ってその素晴らしいホップの香りを堪能しました。ネットで調べてみると、このビールは米国シカゴのマイクロブリュワリーで作られているようで、そのようなビールが西海岸の「End of the Earth」ともいうべき当地で飲めるとは驚きです。やはり近所で買い込んだチーズクラッカーをつまみに、IPAの香りを楽しみながら旅行作家本のページをめくる、というのは、何かと仕事に追われる日本ではなかなか得難い贅沢な時間です。

ジョルジョーネの「ラ・テンペスタ」

昨日、BS-TBSで放送された「石坂浩二と雨宮塔子のヴェネツィア美術紀行」という番組を録画で見る機会がありました。この番組、現在東京で開催中の「ヴェネツィア・ルネサンスの巨匠たち」という展覧会の宣伝も兼ねてのものらしく、そこで展示されている絵画（主にヴェネツィアのアカデミア美術館所蔵）を、石坂・雨宮の二人が先回りして現地を旅しながら紹介するという企画。石坂さんはもう何十年とヴェネツィアに通い詰めているとかで（なんとも羨ましい…）、ヴェネツィアの街を隅々までよく知っている風です。また、絵画・美術史にも通じているらしく、相方であるTBSキャスターの雨宮さん（実は大学で西洋美術史を専攻）を案内する役回り。番組ではアカデミア美術館の絵画を見て回るシーンもありましたが、そこで石坂さんが（展覧会の作品そっちのけで？）どうしても見せたい絵があるといって雨宮さんを強引に連れて行った先に掛かっていたのが表題の絵です。この作品を見ると、亭主は三十有余年前に読んだ、林達夫の「精神史—一つの方法序説—」という論考（著作集第１巻「芸術へのチュチュローネ」所収）を思い出します。この絵には「ラ・テンペスタ（＝嵐）」と明確な題名がついているにもかかわらず、描かれているものが何を意味しているのか今でも謎とされているようです。番組中の二人は、前世紀にX線画像で左下の人物（男性）の下に水浴する裸婦像が描かれているのが判明したことはご存知のようでしたが、やはりしきりに首をひねっていました。ところで、林達夫の論考には、上記のX線画像に基づいたとてもわかりやすい解釈が紹介されています。その部分を引用すると、…それによると、例の右側の、子供に乳を与えている女の場所には何の人影もなく、そして左下に立てる兵士の場所には、小川に両脚をひたして浴みしている裸体の女がいるのである。バッティスティはこの二つの画面の連関性に着目して、ゼウス（ユピテル）と河の女神イーナコスの娘イーオーとの田園詩をそこに見出そうとする。『あらし』の名が示すように、この画の後景は雷と稲妻をはらんだ、ただならぬ雲行きの波乱含みの青空の光景であり、それが三人の人物のいる前景の静まり返りと奇妙な対照をなしている。こうした「青天の霹靂」をなし得るのは、神々の王、ゼウス（ユピテル）以外にはない。この美術史家は、かの稲妻に化身した元素を見て、この時代ひろく読まれ始めていた（と彼が見る）オウィディウスの『転身物語』を解読のためのコードとするのである。「下がき」はゼウスに誘惑される直前の情景であり、完成品はその後日談、数奇な運命にもてあそばれて、結局、河の源に帰るのだが、かの若者はその誘導に当たる仮のすがたのゼウスか、あるいはその神の委託を受けているヘルメス（メルクリウス）だとする……自由恋愛のアレゴリー？……どうでしょう、なかなかそれらしい解釈ではないでしょうか？

ファミ・アルカイ　ソロリサイタル

このところ、テレビだけでなくFM放送までオリンピックや高校野球にハイジャックされて閉口しているのは亭主だけでしょうか…　ほとんど垂れ流し状態のオリンピック番組を前にして、この状況は何かに似ているな…とふと思い当たる。そう、他でもない戦時報道だ（特に第二次大戦前の）。実際、オリンピックは「スポーツの祭典」といった甘ちょろいものではなく、国家がその威信をかけて競う戦争のようなものだ（実際に死人が出るわけではない、という点ではヴァーチャルなものだが）。国旗を背負って戦っているのは（実際の戦争と同じ）十代・二十代を中心にした若者達だし、メダルを取れなければその戦は敗北だ。メディアはもっぱら日本人選手が活躍する場面ばかりを報道するが、これも戦時報道と同類。要するに大局には無関心で局地戦（しかも日本が優勢な競技）を中心に見せて、国民を鼓舞するという仕掛けに手を貸している。　以前に蓮實重彦が、やはり国旗を背負って戦うサッカーW杯を「スポーツとは似ても似つかぬもの」とコキ下ろしていたが、W杯にしろオリンピックにしろ、これらは国家間の代用戦争であると割り切って伝えるのが正しい報道の仕方（？）なのだ。選手がメダルにこだわることも至極当然で、「ゲームを楽しいみたい」などとコメントする選手は自らの置かれた立場を理解していない、と思わせるぐらいが丁度良い。　この観点から見ると、メディアの報道姿勢は一貫して勝利（＝メダル獲得、特に「金」）を選手個人の超人的な努力（とその関係者の厚い支援）という「物語」に解消してしまうが、これも戦時報道と同類の大局観のなさの表れで、やはり最も問題にすべきなのは国別のメダル数だろう。日本が国家として本気でオリンピックに参戦している、と考えるのであれば、メディアはその本気度を検証し、人口で２倍の米国が日本の3倍、英国に至っては半分の人口なのに1.5倍のメダル（金メダルでは倍以上）を取っているという事実にもっと目を向け、その理由を探るべし！！…以上、この二週間のうっぷんばらしでした。ところで、5月初頭にこのブログでファミ・アルカイについて書いてから３ヶ月ほど経ちましたが、最近表題の演奏会を録画で見る機会がありました。亭主は迂闊にも、アルカイが来日して演奏会を開くということは全く知りませんでしたが、演奏会は5月12日に王子ホールで行われたとのことで、今から思うとブログのネタになったミュージックバードの特集も、彼の来日に連動してのマルチメディア広告だったのかも。　映像で見るアルカイ氏は、黒革のスーツと黒い細身のネクタイ姿で、黒い巻き毛の長髪との組み合わせがビートルズを思い起こさせるような雰囲気（楽器をちょいと横向きに抱えればもうそのもの）です。　演奏プログラムも彼らしく、マラン・マレといったオーソドックスな作品もあれば、ガスパール・サンスといったスペインの古楽、あるいはカタルーニャ民謡「鳥の歌」の自作変奏曲、さらにはジミー・ヘンドリックスのアレンジまでやってしまう、というもので、自由自在にジャンルを越境していきます。　それにしても、彼の演奏を聴いていると、ガンバという楽器を「古楽器」と呼ぶことにはほとんど何の意味もない、という思いが湧いてきます。本来古楽器とは、その楽器のヴィルトーゾが絶滅し、レパートリーも失われた楽器についてのみそう呼ばれるべきもので、再びその楽器の名手を得て、なおかつ素晴らしいレパートリーを獲得した楽器はもはや現代の楽器でしょう。それを「古楽器」と呼ぶのは、古楽の世界の外にいる人たちに対して誤解を振りまくだけではないかと思います。

特別展「古代ギリシャ—時空を超えた旅—」

西日本では連日35℃を超える猛暑が続いているようですが、なぜか関東地方は最高気温が30℃前後、風もあって日陰では比較的過ごしやすい日々が続いています。（おそらく偏西風の蛇行によって北の空気が張り出している？）というわけで、どうせ猛暑だろうから、と家に閉じ籠っているつもりたったお盆休みの予定を変えて、東京は上野の国立博物館で開催中の表記展覧会に足を運びました。古代ギリシャといえば、その昔世界史の授業で習った知識が断片的に頭に残っている程度。その当時教科書の写真で見たような古代遺物を、直接この目で見るというのもこの展覧会の楽しみですが、亭主にとってはやはりヨーロッパで14世紀以降に盛り上がったルネッサンス運動の原点となった古代彫刻を眺めるのが主要な目的です。会場は博物館の左奥、「平成館」と呼ばれる建物です。亭主は以前に訪ねた記憶がなく、おそらくこれが初めての来館でした。なかなかバブリーな雰囲気で、後で調べてみると1999年に開館とあり納得。お盆休みの真っ只中で、さぞかし家族連れなどで混雑しているに違いない、とある程度覚悟して入場したところ、思いの外にすいていてびっくりです。展示の方は、紀元前4000-3000年ぐらいの新石器時代から紀元数世紀のヘレニズム・ローマ時代までの遺物が年代を追って並べられており、展示品の数も（小間物が多いにしても）300点を優に超えるという、今にして思うとなかなか壮大なものです。例によって何の準備もなく飛び込んだ亭主は、1時間ほど順に見て回ってかなり疲労を感じ始めたところで、まだようやく「アルカイック時代」にしかたどり着いていないことに気づき、お目当のヘレニズム彫刻へとネジを巻き直した次第。ところで、一つ面白いと感じたのがアンフォラ、オイノコエといった陶製のかめや壺に描かれた様々な意匠の変遷で、初期の壺にはイルカ、巻貝、タコ（さかなくんが見たら泣いて喜ぶ？）といった海洋関連の絵柄が多く見られるのに対し、途中から「幾何学様式」と呼ばれる規則的な図形文様の反復が出現することです。中には現代のラーメンどんぶりの淵によくあるような四角い渦巻きや、卍といった見慣れた文様もあり、思わずニヤリ。さらに時代が進むと、例の赤土の地に黒のペン書きで描かれた神話の人物像が出てきますが、これらも現代の漫画に通じるところがとても面白く感じられます。それにしても、デロス島のアルテミス像をはじめ、出品された古代彫刻を眺めていると、その人体や衣服の表現における完成度の高さに大いに感心させられます。動きの一瞬を捉え、それを大理石の中へと永遠に閉じ込める、という造形芸術の一つのピークが既に二千年前の世界にあったという感慨に耽る一方で、そういう人間の営みが（ルネッサンスも含め）この二千年大して変わっていないことにも改めて思いを致す機会ともなりました。

オールド・スパニョレッタ

先週の金曜日に放送された「古楽の楽しみ」、リクエストアワーの冒頭に流れたのがフィッツウィリアム・ヴァージナルブックに収められている表題の曲でした（ドーバー版では第2巻の巻末近く、471ページのCCLXXXIX [289]番）。一聴するなり、「コレはどこかで聞いたことがある…」しばらくしてレスピーギの「リュートのための古風な舞曲とアリア」第3組曲の3曲目、「シチリアーノ」と題されたそれであることを思い出しました。この曲、英国で16世紀末〜17世紀初頭に活躍したヴァージナリスト、ジャイルス・ファーナビー（1560-1640）作として上述の楽譜に収まっています。少しネットで調べてみると、同曲とレスピーギ作品との類似は広く知られているようで、レスピーギが参照した原曲がこの作品だったという話もあるようです。しかしながらさらに調べを進めると、ファーナビーに先行するイタリアの舞踊家・音楽家であるファブリチオ・カローゾ（(1526/1535-1605/1620)が1581年に出版したIl Ballarinoという舞踏指南書の中に、スパニョレッタというよく似た曲が含まれているようです。同じように、少し後のドイツのミカエル・プレトリウス（1571-1621）の有名なテレプシコーレ（1612）にも、スパニョレッタというよく似た曲が収まっているとのこと。といわけで亭主が想像するに、これらの作品はグリーンスリーブスなどと同様、スペイン-南伊あたりの民謡（舞曲）として受け継がれていた旋律が、16世紀中葉になって様々な音楽家の目に止まり、編曲された形で世に出た、というのが真相なのでしょう。ちなみに、レスピーギの作品が「シチリアーノ」と題されている点についても、原曲の時代のナポリ・シチリアが長きに渡ったスペイン属国時代の真只中にあったことを思えばそれほど不思議でもなく、当時のシチリア風とはスペイン風に他ならなかった、ということかもしれません。ところでふと気付いたことに、表題の作品は偶然にもグリーンスリーブスと同じドーリア旋法で書かれているように聞こえます。フィッツウィリアム・ヴァージナルブックの序文を改めて読んでみると、収められた膨大な作品がいずれも教会旋法の影響を強く受けたものであることが解説されています。さらに、題目がAlman、Galliarda、Fantasiaといった一般的な名前である場合、他の同名の作品との区別を兼ねて、どの教会旋法で書かれているかを題名の右側に鍵括弧で表示されているローマ数字（例えば[I]はドーリア旋法）で表したとあります。そこで改めて巻頭の曲目リストを眺めると、そのような一般的な題目を持つほとんどの曲にローマ数字が付されており、17世紀の初頭という時代が依然として教会旋法の強い影響下にあったことが一目瞭然。それにしても、同じ「Bにフラット」の音階、Fを中心に動けばヘ長調に聞こえるのに、Gを中心だと（ドーリア旋法と言われるまでもなく）別種の調べに聞こえる不思議。この違いはどこから来るのでしょうかねぇ…

フローベルガーのトッカータ集 by アスペレン

巷ではあまり盛り上がっていないようですが、今年はヨハン・ヤコブ・フローベルガー（1616-1667）の生誕400周年の記念の年にあたります。（そういえば、先週のNHK-FM「古楽の楽しみ」でも鈴木優人さんがそのことに触れていました。）亭主は一昨年あたりにフローベルガーの音楽にハマり、AEOLUSレーベルから出ているボブ・ファン・アスペレンの演奏による全集のCDを集めるとともに、ベーレンライターから出版されている原典版を第４巻まで手に入れ、手当たり次第に弾いて楽しんでいましたが、当時アスペレンのCDは第７巻までしか出ていませんでした。そこで、最近になってAEOLUSのホームページを覗きに行ったところ、表記作品を入れた第８巻が最終巻としてこの5月にリリースされていたこと（生誕400週年に合わせてのものとか）を知り、早速入手。このCDもあって、このところまたフローベルガーに回帰しています。実はこのCD、全部で23曲ほどあると言われているオリジナルのトッカータ（アドラーが21番まで番号をつけた作品[欠番となっている17番を除く]とChigi手稿の3曲）のうち16曲が収められており、他の7曲は先行する第5,6巻に分散しています。その理由の一つは、これらトッカータをオルガンとハープシコードといずれで演奏すべきか、という問題に絡んでおり、アスペレンがオルガンを選んだ作品は先行する巻（全てオルガンによる演奏）に収められたということのようです。ちなみに、最終の第8巻ではハープシコードの演奏がメインですが、幾つかの作品はオルガンで演奏されており、トッカータ第２番に至っては両方の楽器による演奏が収められています。（第5,6巻に収められた作品で、第8巻で改めてハープシコードの演奏を入れたものもあります。）使われている楽器は、ハープシコードがケネス・ギルバートのコレクションであるイタリアン・タイプの楽器（1677年製）で、オルガンはボローニャ、およびピストイアにあるものとか。録音自体は2001年から2003年にかけて行われたとあり、すでに10年以上も前のことですので、CDリリースがなぜ最近になったのか若干訝かられるところです。亭主が想像するに、答えはその充実したライナーノートにあるのかもしれません。何しろアスペレンは、このCDに限らずフローベルガー作品についての音楽学的な研究の成果をふんだんに盛り込んだライナーノートをそれぞれのCDにつけており、実に読み応えがあります。実際、これら全8巻のライナーノートを1巻の書に集めれば、それだけで立派なフローベルガー研究の参考書となるでしょう。（しかも著者による演奏付き！）なお、アスペレンの演奏について評を書くなどというのは野暮なだけですが、今回特に面白かったのがハープシコードとオルガンの両方で演奏されたトッカータで、全く違った響きになるにもかかわらず、いずれもが大変魅力的な響きを放つことに驚かされました。改めて先行するオルガン演奏のCDも聴き直し、亭主の好みでもあるフルート管の響きを堪能しているところです。

Al Ayre Espanol Edition「知られざるスペイン・バロック」

以前にこのブログで独ハルモニア・ムンディスから出ているスキップ・センペ　エディション（CD）について紹介しましたが、実はこのCDと同時にHMVから購入したのが、やはり同レベールから出た表題の廉価版ボックス（CD8枚組）で、このところ折に触れて「スペイン風バロック」の響きを楽しんでいます。収録されているのは主にアントニオ・デ・リテレス（1673-1747）やホセ・デ・トーレス（ca.1670-1738）といった17世紀末〜18世紀のスペイン人音楽家によるオペラ、サルスエラ、あるいはカンタータといった声楽作品です。リテレスやトーレスといえば、スペイン宮廷でドメニコ・スカルラッティの同僚だった作曲家で、これらスカルラッティも耳にしたであろう音楽がどのようなものだったかを知る上でも貴重な録音です。演奏している「アル・アイレ・エスパニョール（英訳するとin the Spanish way）」は、サラゴサ出身のチェンバリスト、エドァルド・ロペス・バンソEduardo López Banzoによって1988年に結成された古楽器アンサンブル。HMVの紹介記事を引用すると、バンソ率いるアル・アイレ・エスパニョールの演奏は、しっとり透明な音から濃厚な音色まで自在に操り、リズムもときに激しくフラメンコのような迫力も帯びるというワイドレンジかつ刺激的なもの。　しかもとりあげる作品が、古楽の中でも独自の世界を築き上げたことで知られるスペイン・バロックが主体で、そのユニークな味わいには驚かされることが多々 あります。彼らのもたらした音楽的な刺激は非常にインパクトのあるもので、このセットに収められたアルバムも、各国で様々な賞を受賞したものが多く含まれています。とのこと。バンソ自身は1961年生まれ、クリストフ・ルセと同じ歳ですが、ハープシコードをレオンハルトに師事したそうです。どの録音も面白いのですが、例えばCD4枚目に収められている「四大元素Los Elementos」はリテレスのオペラの中でも比較的よく知られているもの。CDの副題にもOpera Armonica al Estilo Ytaliano（イタリア様式による）とあるように、一聴して父スカルラッティに代表されるナポリ派のオペラに似た雰囲気ですが、亭主にはむしろイタリア・オペラより洗練されたていて、なおかつ所々に入るカスタネットの響きが興を添えるなど（演奏によるのかもしれませんが）、なかなかイイ感じです。その他、よりスペイン風を楽しめるサルスエラ、ヴィリャンシーコといった作品も収録されており、大変充実した内容であるにもかかわらず3000円程度で手にはいる、というとてもお買い得なCDボックスです。

温泉と地ビールの夏休み

海の日を入れて三連休、少し早めの夏休みということで、実家の予定に合わせて久しぶりに軽井沢で合流して涼んできました。前回同じように合流したのは10年ぐらい前のことだったと思っていたところ、実際には15年前（2001年）の8月だと言われてびっくり。年齢を重ねるにつれ時間の経過が早くなっている（10年と思っていたら実際には15年経っていた！）ということの表れかもしれません。軽井沢といえば西●グループ創業の地。今回も駅の南側の広大な敷地を誇るプリ●スホテルに滞在と相成りましたが、予想外だったのは温泉付きだったことです。チェックインに際し、フロントで温泉施設があると言われて早速情報収集してみると、どうやら10年前ぐらいにホテル敷地内で温泉を掘り当てたものらしく、パンフレットには「軽井沢矢ヶ崎温泉」と紹介されていました。泉質は塩化物泉で源泉温度は43.5度とあり、実際に入湯して湯船で顔を洗うと、口元でほんのり塩味が感じられます。たまたま宿が取れた「ホテルイースト（東館）」の内湯ということで、2日間にわたって温泉を満喫。ところで、軽井沢といえば今や地ビールの雄、ヤ●ホーブリューイング創業の地でもあります。今では「地ビール」というよりは全国ブランドの「クラフトビール」で、近所のスーパーでも買えるという意味では珍しくなくなりましたが、どうやらご当地ビールとして「軽井沢高原ビール」ブランドを堅持しているらしく、軽井沢中の店ではこちらが目につきます。そんな中、旧軽銀座の少し奥まったところにある酒屋にふらりと立ち寄ったところ、なんだかとてもキッチュなデザインの「信州浪漫」という地ビールに出くわしました。一缶ゲットしてホテルに持ち帰り、早速試してみると、なんとこれが英国のパブエール（ビターエール）を彷彿とさせる味です。日本でもついにここまで来たかと大いに感激。ちなみに缶ラベルをよく眺めると、造っているのは軽井沢ではなく諏訪にある麗人酒造という醸造メーカーであることが判明。（なるほど、軽井沢ではこっそり売られていたわけです。）それにしてもこの缶デザイン、「アルクマ」という長野県のゆるキャラマスコットを前面に出してのものですが、このゆるキャラ自体が熊本県のそれと比べるとイマイチ中途半端で、奇抜さで目を引くところはあるものの本格英国風ビターエールのイメージにもそぐわない感じです。いっそのこと中身をもっとアピールするような缶デザインに一新してはどうでしょうか？

チェンバロ・フェスティバル in 東京（続）

このフェステイバルのメインイベントは、3回の「チェンバロ・リサイタル」と２回に分けてのバッハのチェンバロ協奏曲全曲演奏会です。　亭主が足を運んだ最終日の午後前半に行われた第３回の演奏会は、渡邊順生さんと大塚直哉さんによるデュオ・リサイタルと銘打たれていましたが、実際のプログラムでは合間にそれぞれの演奏家によるソロも披露され、選曲も含めて大変楽しめる内容でした。　開演に先立って行われた展示楽器の説明会（先週このブログでご紹介）が12時半に終わったところでホールに足を踏み入れると、舞台には4台ものハープシコードが所狭しと並べられていてなかなか壮観です。　中でももっとも目立つのは、中央左手前にある白磁を模した装飾のフレンチタイプの楽器で、昨年暮のリサイタルで曽根麻矢子さんが披露したそれとすぐに察しがつきます。その右隣に置いてある黒塗りの大きな楽器、古楽の演奏会でよく見かけるジャーマン・モデル（ミートケ）ですが、ロビーに張り出されていた楽器情報によると、これは東京古楽器センター所蔵（ブルース・ケネディ作）とのこと（以前に同社の佐藤さんから「レオンハルトが来日時に弾くということで購入した」と伺った楽器）。残りの２台はフレンチおよびフレミッシュタイプの楽器で、左右舞台袖近くのやや奥まったところに置かれていることから、今日の主役が前述の２台であることがわかります。　さて、開演冒頭の演目はフランソワ・クープランによる合奏組曲集『諸国の人々』の4組曲中の1つ、「フランス人」です。この作品、亭主にはあまり馴染みがありませんでしたが、調べてみると全部で30を超える曲からなる組曲で、当日はその中から5曲を選んでの演奏でした。　舞台に登場した渡邊さんは白磁風フレンチの前に、大塚さんはミートケの前に座り、大塚さんが背後にいる渡邊さんに対して肩越しに合図を送りながらタイミングを合わせての演奏です。同じデュオでも、ピアノの場合には2台のフルコンが（時には蓋を取り外して）舞台に平行に置かれ、演奏者が向かい合って目で合図を交わしながらの演奏が普通ですが、（想像するに）音量が小さいハープシコードでは反射板としての蓋を取り外してしまうと音が十分に客席に届かず、蓋の向きを考えるとこの配置しかない、ということだろうと思われます。　当日配られたプログラムの解説によると、この作品についてはクープラン自身が「2台のクラヴサンでも演奏できる」という言葉を残しているとあります。この記述だけからは作曲者自身がそれ用に編曲したかどうかは明らかではなく、演奏されたのは演奏者ご本人による編曲かもしれませんが、やはり2台のチェンバロは（ピアノと違って大音量に悩まされることもなく）表現の幅が広がり、独奏にはないよさがあると感じられます。　この他にも、デュオの演目ではラモーの第5コンセールからの3曲、およびバッハのブランデンブルグ協奏曲が披露されました。一方が片方の背中を見ながらの演奏、ということでどちらかというとインテンポの演奏でしたが、曲自身の持つ溌剌とした雰囲気や掛け合いの楽しさが十分伝わる演奏でした。バッハの協奏曲も然りで、こういう演奏を聴いているとまたもや2台目の楽器が欲しいという思いが頭をもたげてきます。　とはいえ、亭主にとってこれらデュオに劣らず興味を引いたのがお二人のソロ演奏。特に印象に残ったのが渡邊さんの弾くルイ・クープランによるハ長調の組曲です。まず冒頭のプレリュード、ハ長調のそれは3曲が知られていますが、選ばれたのはボーアン手稿で第9番目に現れる曲で、3曲の中でも最も長大で美しい作品です。続くアルマンド、クーラント、サラバンド、そして最後のパッサカリアは、おそらくウジュル版（アラン・カーティス編）の組み合わせを踏襲したものに聞こえました（パッサカリアは時間の関係で一部省略？）。いずれの舞曲も、時には鈴のような、あるいはまた沢山の保続音で楽器全体が共鳴するような響きが素晴らしく、名手、名器、名曲の三拍子が揃った実にゴージャスな時間を満喫。　一方、大塚直哉さんの方はバッハの有名な無伴奏ヴァイオリンソナタ第2番の鍵盤編曲版で、バッハの娘婿アルトニコルによる筆写譜で伝わっているものとか。昨年のコンサートで、パルティータの方をご自身で編曲したバージョンの演奏を拝聴したことを思い出しながら、こちらも大いに楽しませてもらいました。　なお、リサイタル終演後、帰宅しようと会場を出ると無料の「レクチャー・コンサート」があることを知り、せっかくなのでこちらも参加することに。その様子はまたの機会に譲りますが、とにかくSunday harpsichordistには大満足の充実した1日でした。（主催者側から見たフェスティバルの様子は曽根麻矢子さんのオフィシャルサイトで。）

チェンバロ・フェスティバル in 東京

一昨日から東京築地の浜離宮朝日ホールで催されている表記音楽会。滅多に生で聴くことのないハープシコード二重奏のプログラム（渡邊順生さんと大塚直哉さんによる）を目当てに、連れ合いと最終日の午後前半のコンサートに出かけました。　記憶をたどってみると、前回このホールに来たのは7-8年前、曽根麻矢子さんのバッハ・チクルスでゴールドベルク変奏曲が取り上げられた回の演奏会だったので、ずいぶん久しぶりです。今回はコンサートの前に築地で昼食を摂ってからということで、少し早めに地下鉄築地駅に向かい、そこから場外市場の前を歩いてお目当てのお寿司屋さんへ。とはいえ、外はうだるような暑さです。　お寿司屋さんを出て会場に着くと、会場のロビーにはたくさんのはープシコードが展示されています。これだけまとまって色々な楽器を目にする機会もあまりないので人だかりに混じって眺めていると、そのうち拡声器を持った紳士が現れて「これから楽器の紹介をします」ということで、それぞれの楽器の解説が始まりました。　ちなみに解説者はあの久保田チェンバロ工房の久保田彰さん。そして、それぞれの楽器の試奏を担当したのは、何と大藤莞爾君という小学生です。久保田さんの紹介によると、すでにオランダでバッハの全曲演奏プログラムに参加してコンサートデビューを果たしているとか。（後ほどネットで調べたところ、今年10歳とのことですから小学校4年生！）　大藤君は、最初のプレンチモデルの試奏ではデュフリのアルマンド（クラヴサン曲集第１巻の冒頭の曲）を弾き、その後もう一台のフレンチモデル、２台のイタリアンモデル、さらにはフレミッシュ・ヴァージナルの試奏をこなし、曲もバッハのインヴェンションから３曲とスカルラッティのソナタK.159（冒頭のホルンコールやギャロップのリズムが狩りのシーンを彷彿とさせる有名な作品）と、一台ごとに楽器の性格に即した曲を堂々と弾いて見せてくれました。　というわけでこのフェスティバル、本番のコンサートが始まる前から色々と盛りだくさんのイベントで来場者を大いに楽しませてくれます。（次回へつづく）

古楽マニア（？）の楽しみ

新しい年度に入ってから早３ヶ月。このところ「古楽の楽しみ」（NHK-FM）を聴いていて感じるのは「なんだか益々マニアックな番組になってきたなぁ…」という印象です。まず今谷和徳さんの担当回では、4月以降「17世紀前半に活躍したイタリアの作曲家」、「17世紀に活躍したイタリアの作曲家」、「17世紀後半に活躍したイタリアの作曲家」と、3回にわたって日替わりで17世紀イタリアの音楽家が12人も登場しましたが、この中で亭主が知っていたのはカリッシミとパスクィーニぐらい（レグレンツィも名前だけ）、といった具合。それだけに、毎回どんな音楽に出会えるのかと楽しみである一方で、限られた時間の中では受け止めきれず、その場限りになりがちです。そのような12人の作曲家の中でも、特に亭主の印象に残ったのは、奇しくも初回に取り上げられたシジスモンド・ディンディアの作品群で、同時代ではモンテヴェルディぐらいしか知らなかった亭主にとってはパッと視界が開ける感じでした。早速いくつかCDをゲットし、その華麗なるマドリガーレの世界に浸ることしばし。その他、「前期」ではビアージョ・マリーニの合奏曲など「歌抜きのマドリガーレ」風の器楽作品もとても新鮮に響きました。次のシリーズ（「中期」？）で取り上げられた作曲家の中では、亭主にとって全く初めて耳にする音楽家であるジョヴァンニ・フェリーチェ・サンチェスが比較的強い印象を残しました。「後期」になると、さすがに亭主も馴染みのある世界に近づいてホッとしますが、いずれにせよ中期バロック音楽の奥深さを垣間見させてくれたプログラムでした。マニアックと言えば、もう一方の雄は関根敏子さんの回で、このところはフランスの北西部（ノルマンディー）、ロワール地方、プロヴァンス地方、と「地域」ごとにゆかりの音楽を集めてのシリーズものです。フランス文化は昔からパリ一極集中という印象がありますが、時代を遡ると必ずしもそうではないこと、また音楽が洗練されるにつれてパリの宮廷へと徐々に吸い寄せられていくさまを教えてくれるプログラムです。とはいえ、取り上げられる曲の過半は聴いたことのないものばかりで、全体的にはフランス音楽マニア向けの教養講座のような感じ。さて、このお二人の向こうを張ってか否か、当番組初登場の鍵盤奏者、渡邊孝さんのデビュープログラムは、ジョヴァンニ・ベネデット・プラッティという、これまた亭主にとって初耳の音楽家を丸々4回にわたって紹介するという大胆な内容。プラッティは1697年生まれということで、バッハ・ヘンデル・スカルラッティよりは一回り後の世代に属しています。長くバイエルンの司教の下で活躍したようで、取り上げられた作品も雇用主が好んだ器楽曲、合奏協奏曲が中心でしたが、コレッリを範とした作風ということもあり、印象はどちらかというとおとなしく地味です。残念なことに聞き逃した初日（6/13）の放送で語られたのかもしれませんが、「今なぜこの作曲家なのか」は知りたいところ。これらに比べると、磯山雅さんの回はとてもわかりやすく、アーノンクールの追悼シリーズ、バッハのヴァイオリン協奏曲特集、さらには形式ジャンル別の器楽曲特集と、同じ教養講座的な内容とはいっても初心者にも楽しめる親しみやすい内容です。（おかげさまで、パッサカリアとシャコンヌをあまり区別する必要がないことや、ファンタジアとトッカータの違いなどが分かった気にさせられました。）それにしても、このような（クラッシック音楽から見ると）サブカルチャー（！）的な番組がすでに長い間続いていることを考えると、18世紀以前のヨーロッパ音楽がいかに日本に浸透しているかが窺えて大変興味深いものがあります。

マルシャンのクラヴサン曲集

このところ、クリストフ・ルセによる表記のCDを通勤の車中で流しています。このCD、アマゾン経由で中古として入手したものですが、ほぼ新品同様。ルセによるライナーノートも充実しています。ルセによれば、18世紀の初頭以来パリで数多くのハープシコード音楽の出版が盛んになるに際し、その鏑矢となったのがマルシャンの曲集だったとか。彼の少し先人であるダングルベールが楽譜を出版したのが1689年と、マルシャンのそれより10年ほど早いようですが、ルセによればマルシャンこそが出版ブームの口火を切った音楽家となるようです。いずれにせよ、マルシャンは世代としてダングルベールに近く、ルセに言わせるとその音楽スタイルについてもそうだということ（基本的にルイ14世時代のそれ）ですが、亭主の耳にはもっと大胆でモダン（？）に響きます。その典型が、例えば（センペのCDでも取り上げられた）ニ短調のレリュードやシャコンヌといった作品で、これらを聴いているとむしろジャック・デュフリといった2世代後に活躍したクラヴサニストに共通する新しさを感じます。ルセの演奏も（センペのそれほどではないにしても）そのようなマルシャンの持つ多彩な特徴をよく出していると思われます。ちなみに、録音に使われた楽器はDonzelagueというリヨンの製作者による18世紀初期のオリジナル楽器を使用しているとのこと。リヨンはマルシャンが生まれ育った街ということで、その縁で選ばれたようですが、すでに鍵盤の音域は下がFまであり、それ以前のフランスの伝統的な楽器（G’-Bショートオクターブ）の音域ではなくなっているようです。フランス・クラヴサン音楽は低音域に対する偏愛があるようですが、すでにマルシャンの音楽もこの傾向を明瞭に示しており、彼のころには既に確立した趣向だったのでしょう。なお、この録音自体はどうやらスタジオ録音（あるいはそれに近い比較的小ささな部屋）で行われたようで、あの鈴のような音色がとても澄んで明瞭なのですが、ほとんど残響らしいものがないのがやや難点。教会のような、もう少し残響の豊かな空間で録音されていれば文句無しに名盤になっていたと思われます。

20世紀音楽とハープシコード

遡ること30年以上前のLP時代、亭主が集めたレコードの中でも特に気に入っていたものの１つに、EMIから出た「フンラス音楽のエスプリ」というシリーズがあります。これは19世紀末〜20世紀初頭に活躍した近代フランスの作曲家の作品を集めたもので、当時は他でほとんど聴く機会のなかったフランクの弦楽四重奏、あるいはルーセル、ダンディ、ショーソンの作品、さらには「フランス６人組」のミヨー、プーランクといった作曲家の作品をワクワクしながら聴いたことを思い出します。また、このシリーズ全30枚のレコードジャケットはすべてアルフォンス・ミュシャの版画で飾られ、タイトル等に使われた文字フォント共々とても洒落たデザインで、できれば全て集めたいと思ったほどです（残念ながらサイフとの相談で、10枚程度購入したところで諦めましたが…）。というわけで、2014年にワーナーからCDとして再販（ジャケットも当時のまま！）された時にはだいぶ心を動かされましたが、もはやさすがに音源としては古くなった（ほとんどが1970年以前の録音）上に、結構いいお値段なので結局手を出さずじまい。ところで、このシリーズの中でも一際充実していたのがプーランクの作品群で、そこで出会ったのが「田園のコンセール」というクラヴサンを含む合奏曲です。今朝のミュージックバードの放送でたまたまこの録音が流れているのを耳にして懐かしく思い出すと同時に、記憶にあるより音が随分よく聞こえたのでびっくり。いわゆる「デジタルリマスター」の効果でしょうか？この作品が、クラヴサン復活の立役者、ワンダ・ランドフスカからの委嘱によって生まれたことは有名ですが、くだんのLPのライナーノートを読み返してみたところ、ハープシコードを現代音楽に取り上げた最初の作曲家はプーランクではなくマヌエル・ファリャであることを知りました。ただし、その契機はプーランクと同じで、やはりランドフスカからの委嘱によるものとか。実際にはファリャのハープシコード作品は２つあり、最初のものは「ペドロ親方の人形芝居」という人形劇作品の付随音楽として書かれたもの。YouTubeで映像付きで公開されている演奏を聴いてみると、確かにハープシコードはところどころ聞こえてはくるものの、それほど目立った役割を果たしていません。ところがもう一つの「クラヴサン協奏曲」と（日本語題目で）して知られている作品は、文字どおりクラヴサンを中心にした小編成の「コンセール」で、やはりYouTubeに上がっている演奏を聴いてみると、大変楽しめる作品に仕上がっています。興津憲作氏の著作を引用したウィキペディアの記事によると、どうやらこの作品はランドフスカのお気に召さなかったようで、そういう経緯もあってか今日でもあまり知られていないようですが、ハープシコードの今日的な可能性を考える上でも、もっと取り上げられてもよい作品だと感じます。

耳自慢

この週末、なんとか１週間落ちずに残っていたJune Berryの実を収穫（ボウルに一杯〜800 g程度）、早速ジャムにしてしまいました。（ポイントは裏ごしをしてタネを取ること。これでブルーベリーよりも美味なジャムになります。）さて、先週の金曜日、例によって常磐自動車道を飛ばしながらNHK-FM「ベスト オブ クラッシク」を聴くともなく流していると、いつもとは少し違うピアノの音が聞こえてきました。オンエアされていたのはコンスタンチン・リフシッツのピアノリサイタルで、演目はラフマニノフの「24の前奏曲」です。24の異なる調性を網羅したひとまとまり前奏曲といえば、誰もがショパンのそれ（Op.28）、あるいはバッハの前奏曲とフーガといった作品を思い浮かべますが、ラフマニノフのそれは異なる３つの時期に作曲されたものが合わさって、最終的にすべての調性をカバーする形になったようです。ところで、亭主が気になったのはリフシッツの演奏というよりは、使われている楽器そのものの音色です。ピアノコンサートといえば、判で押したようにスタインウェイのフルコンが登場しますが、FMラジオから流れてくるピアノの音は、特に高音部の響きがスタインウェイのそれとは明らかに違って聞こえました。（ちなみに、スタインウェイに次いでよく使用されるヤマハのピアノは、おそらくスタインウェイのような響きを理想（目標）としているらしく、実際それとよく似ていています。）この印象、騒音レベルの高い車中で聴いていたせいかとも思い、帰宅後も放送を続けて聴いていましたが、やはり印象は変わりません。FM放送のウェブサイトを調べると、流れていたのは今年の2月23日に東京の紀尾井ホールで催された演奏会の録音とありますが、使われた楽器の情報はなし。しかしながら、リフシッツ本人に関する情報を探ると、どうやらベヒシュタインを好んで使っているらしいことが分かり、当日もそうだったに違いないと睨んだ次第。（仮にもし実際に使われた楽器がスタインウェイだったとすると、例外的に個性的な楽器だったということでしょうか。）これで思い出すこととして、亭主は以前、ヴァイオリンのレッスンに通い始めた小学生の息子のためにそれなりの楽器を購入する、という折に、自分の耳試しをしたことがあります。こういう場合、通常は専門家であるヴァイオリン教室の先生に楽器を選んで頂く、というのが常識でありまた先生への礼儀だとも思われますが、こんな機会は2度とはあるまいと考えた亭主は、自分の耳で楽器を選んでみようと、独断で家族を連れて吉祥寺にある弦楽器専門の楽器店を訪ねました。そして、店の人に予算や音色（明るくよく響く）についての希望を伝え、10指に余る楽器を息子本人あるいは店の人に試し弾きしてもらうことに。それらの音色を一つ一つ注意深く聴きながら、「最もよく響く」（下手が弾いてもよく鳴る？）楽器を探していたところ、とある一丁の中古楽器が一際よく響くように思われたので、その場で購入、お持ち帰りとなりました。この（傍目には全く無謀な）暴挙、ヴァイオリン教室の先生からはだいぶ顰蹙を買ったようですが、とりあえず息子は破門にはならず、しばらくレッスンに通っていました。が、ある時何かの拍子に楽器胴体の中心部にある「魂柱」が外れてしまい、専門家に修理をお願いすることに。その際、胴体内側にスコープを入れて中の様子を調べていたところ、この楽器があのストラディバリウスをコピーしたものである旨の記載が見つかり、驚かされることに。あの響きの正体はこれだったのだ、と納得です。「弘法は筆を選ばず」とはよく言いますが、やはり道具の善し悪しは見分けられるに越したことはないかも？

鈴木優人さんon Media

５月とは思えない初夏の陽気が続いたせいか、自宅の玄関先に植えてあるジューンベリーの実が早々と色づき、いつもより早く収穫時期になってしまいました。（今週末は忙しくてちょっと無理ですが、果たして来週まで実は落ちずに残っているでしょうか…）さて、先週の「古楽の楽しみ」（NHK-FM）は鍵盤奏者の鈴木優人さんが案内役でした。彼にとっては４月末以来、２回目の登場です。第１回目の担当では４日間すべてがバッハの作品によるプログラムだったので、「ふぅむ、やはり父親と同じくバッハオタクなのか…（だとしたらイマイチ面白くないなぁ…そもそも磯山先生のお株を奪って大丈夫か？）」などと気を揉んでいたところですが、今回は（２日目以外は）バッハ以外の作曲家の作品を中心としたプログラムで、大いに楽しむことができました。中でも亭主にとって面白かったのが３日目、「プレリュード・ノンムジュレの世界」の放送で、セリーヌ・フリッシュの演奏になるダングルベール、あるいはビビアーヌ・ラポアントによるニコラ・ルベーグの組曲といった、これまで知らなかった演奏や作曲家の作品に接するよい機会になりました。また、クリストフ・ルセによるマルシャンの演奏を聴いて、このCDを以前から探していたことを思い出し、これも含めてこの日オンエアされたCDをまたぞろネットでさがし始めたところです。ところで案内役の鈴木優人さん、このところすっかりメディアへの露出度が上がっているようで、驚いたことに最近A新聞で毎週末掲載される求人情報欄の「仕事力」という大きなコラムにも登場されています。こちらも昨日が４回シリーズで掲載予定の２回目。１回目ではご自身の生い立ちの概略を語っておられましたが、今回は中・高校時代に自身も加わっていた学生オケの演奏会を自ら企画し実現するまでのストーリーなどを披露されています。鍵盤奏者の活動と求人欄コラムのお題である「仕事力」、いったいどういう脈絡でつながるのか、と訝かられる感じですが、まず第１回目のメッセージは「自分のやりたいことは自分で見つけるしかない」というもの。東京芸大という国家まる抱えの芸術家養成機関（？）で学びながら、「大学で学んだことは何もない」と言い放つあたり、日本でも「古楽」関係者はクラッシック音楽界とは距離を置いていることが垣間見えて興味深いものがあります。そして今回のメッセージは、「すべてを自分でやってみる」。学生オケの外部での演奏会を思い立ち、チケットのデザインから指揮者（まだ学生だった下野竜也さんに指揮をお願いしに行ったとか）や会場の手配といったあらゆる雑用をこなして実現させた15歳の経験は、彼の仕事観の原点になっているとのこと。どうやらこれからは鍵盤奏者というよりは興行者としてのご活躍が期待される（？）ようです。

樫本大進&小菅優&クラウディオ・ボルケストリオ

表題のメンバーによるベートーヴェン・ピアノトリオの演奏会に足を運びました。（詳しくはこちら）ヴァイオリンの樫本大進とピアノの小菅優は、ともに若手（U39?）のホープとして活躍中の演奏家で、日本のクラッシック音楽ファンにはすでにお馴染みです。亭主もこれまで音楽メディアを通してその演奏に接する機会は度々ありましたが、ライブでは初めて。チェロのクラウディオ・ボルケス（Claudio Bohorquez）は初めて名前を目にする演奏家ですが、プログラムの紹介記事を読む限り、先の二人と何れ劣らぬ名手と見え、このトリオが一体どんな演奏を聴かせるのか興味津々というところ。ベートーヴェンのピアノトリオといえば「大公」（Op.97）が有名ですが、亭主が聴いた演奏会のプログラムにはこの曲はなく、Op.1の3、およびOp.70の1と2という三曲からなっていました。ちなみに「大公」は出版順から行くと第7番ということで、他に6曲もあることすら知らなかった亭主にとってはどれも耳にしたことがなく、とても新鮮なレパートリーです。Op.1-3はベートーヴェンによって最初の作品番号が付けられた3曲組からなるピアノトリオで、彼がピアノの即興演奏家としてウィーン・デビューを果たした際に（1795年）、数年前から書き溜めておいたものをいわば自身のプロモーション用として出版したもの。この頃（20歳代）の作品は、とかく「ハイドンやモーツァルトの強い影響下にある」と言われがちですが、亭主の耳にはむしろロマン派の先駆けと言ってもよい響きに聞こえます。また、ピアノパートではところどころに後のピアノソナタ（ワルトシュタインなど）を思わせるフレーズも出てくるなど、いかにもベートーヴェンらしい個性にあふれた作品でした。一方、Op.70の2曲は、最初の小節が鳴り始めた途端にラズモフスキー四重奏曲のような中期の作品群を思い起こさせる、あの自由自在さにあふれた曲でした。樫本やボルケスの弦楽器パートもさることながら、当日の演奏で一際輝きを放っていたのが小菅のピアノ。ほとんどサスティンペダルを使わずに紡ぎ出される音は粒よりで、特にアレグロやプレストのパッセージではスタインウェイのキラキラした高音部とマッチして実に素晴らしい響きで曲全体を包み込みます。このメンバーでメンデルスゾーンのピアノトリオを弾けばきっとスゴいことになるだろう、などと妄想を膨らませながら、ゴージャスなサウンドで耳の保養をさせてもらった2時間でした。

アーノンクール—クラッシック音楽へのアンチテーゼ

ニコラウス・アーノンクールが3月5日に他界してからひと月あまり、日本国内でも彼の追悼記事や業績を振り返る音楽番組をあちこちで見聞きします。アーノンクールは（特に近年）どちらかというとバロック以降の時代の音楽に多くの時間を割いていたこともあり、新聞などの短い記事では古楽復興の立役者としてよりは「クラッシック音楽に斬新な響きをもたらし、聴衆に支持された巨匠」という総括のされ方が目に付きます。これらの記事、一見彼の功績をたたえているように見えますが、行間からはその書き手であるクラッシック音楽村の住人のスタンスが透けて見える気がします。何しろ「クラッシック」という言葉が「模範的な、定評ある」という意味を持つことからも想像されるように、クラッシック音楽界とはとりもなおさず伝統主義・権威主義で成り立っている世界（日本では特にこれが顕著）です。この業界に足を踏み入れようとすると、「〇〇先生（著名な演奏家）の下で研鑽を積んだ」という経歴がモノを言い、そこではよい演奏、よい音楽（＝正統的な音楽）の判断基準が権威主義的な師弟関係を通して代々引き継がれていく、という伝承システムが依然として幅を利かせています。（いわば伝統芸能の世界で、日本でのようにこれと儒教道徳が結びつくとどれだけ息苦しい世界になるかは容易に想像できます。）これはレパートリーについても同じで、「模範的な、定評ある」レパートリーとは主に18世紀以降の、いわゆる「大作曲家」と呼ばれる音楽家（しかもドイツ語圏の作曲家が中心）による作品群からなっており、それ以外の作品はおまけのような扱い（例えばピアノ音楽でも、いまだに「ドビュッシーやラベルは女子供に任せておけばよい」といった言説がまかり通る？）です。アーノンクールはチェロ奏者としてウィーン交響楽団に入ったわけですが、入団後わずか1年でそのような世界に疑問を感じ、古楽器オーケストラ「ウィーン・コンツェントゥス・ムジクス」を立ち上げます。亭主が想像するに、彼らがわざわざ「古楽」を活動の中心に据えた理由のひとつは、おそらくバッハ以前のレパートリーがクラッシック音楽界の伝統主義・権威主義からある程度自由で、余計な干渉を受けずに彼らが理想とする音楽を追求することができる、との戦略もあったと思われます。伝統主義・権威主義にもよいところはあり、特に音楽をビジネスとして成り立たせるためには便利な代物です。大作曲家とその作品は、結局のところ商品の世界でのブランドと同じで、「このブランドのモノなら間違いない」という安心感で売れるわけです。自分の耳に自信がないスノッブも、ブランドを頼りこの世界に閉じこもっていれば安全というもの。このような状況に反旗を翻し、古楽の研究と演奏を通して独自の美学を打ち立てたアーノンクールが業界内で冷たい扱いを受けるのは当然の成り行きでした。もしも彼らの活動に「聴衆の支持」が集まらなかった（＝売れなかった）ならば、恐らく業界内で潰され、今日彼が得ているような評価はあり得なかったでしょう。（あの「帝王」カラヤンがベルリン･フィルハーモニー管弦楽団との共演を禁ずる指揮者の一人として名前を挙げたのがアーノンクールだったとか。まるで秀吉と利休のようです。）アーノンクールが北米ヨーロッパの聴衆に受け入れられた背景には、健全な個人主義社会の発展があったと思われます。第二次世界大戦後、人々の間で伝統主義・権威主義に対する懐疑が広がり、特に若者の間でこの思いは広く共有されただろう（学生運動が華やかだったのも1950-60年代）と想像されます。自分の耳を信じ、権威筋がなんと言おうともよいものはよい、と思えること。このような自由な空気なくしてアーノンクールの成功はなかったでしょう。省みるに、日本の現状はどうなんだろう、と心配になるのは亭主だけでしょうか…

ミの旋法

気がつくと、いつの間にか連休も最終日。連休とはいっても、亭主のそれはカレンダーどおりの切れぎれで、しかも色々と宿題を抱えてのものだったので、家事や庭仕事以外の時間は机に向かっているという、傍目には退屈なものでした。それでも終わってみるとあっという間です。ところで、昨日も家事をしながら聴くとはなしにラジオから流れてくる「ミュージックバード」（FM放送）に耳を傾けていたところ、「スペイン音楽の楽しみ」と題された特集番組がオンエアされていました。番組ホームページで調べてみると、「4月24日・5月1日／セルバンテス没後400年、グラナドス没後100年、ロルカ没後80年、ファリャ没後70年記念～スペイン音楽のたのしみ」ということで、「スペイン音楽を愛して65年『日本のスペイン音楽の父』とも言える音楽評論家、濱田滋郎さんと、その愛娘でスペイン文化研究家・大学講師の濱田吾愛（わかな）さん親子をスタジオにお迎えして、濱田家所蔵の貴重なCDを約60枚お持ちいただき、スペイン音楽の魅力をじっくりと伝える12時間をお送りします」とあります。（ちなみに、亭主が耳にしていたのは翌週土曜日に流れる再放送で、昨日は5月1日放送の「スペインの名曲を味わい尽くす」と題された第２回でした。）ところで、放送を聴いていて「なるほどそうだったのか！」と膝を打ったのが、「スペイン音楽はミの旋法」という濱田先生の解説です。ドメニコ・スカルラッティのソナタ群にハマって以来、スペイン音楽のことは多少知っているつもりになっていましたが、スカルラッティのみならず、グラナドス、ファリャ、果てはフラメンコといった音楽を耳にするなり直に「あ、スペイン風だ」と感じられるあの音の動きの秘密はこの旋法、つまりミを中心音とする音階の使用にあったのですねぇ。（こんなに基本的なことを今まで知らなかったとは…）これを聞いた半可通の亭主は「…ということは、スペイン音楽＝フリギア旋法だ！」と勝手に早合点していましたが、ブログにメモるにあたり念のために調べてみると、どうやらそうでもないらしいことが分かってきました。偶然ヒットした関西シティフィルハーモニー交響楽団のサイトと思しきページから引用すると、…スペイン音楽、なかでもアンダルシアをはじめとする地中海沿岸で広く用いられる旋法はミの旋法と呼ばれるものです。ちょっと聴いたところ、ミの旋法による曲は短旋法による曲、すなわち短調に聞こえなくもありません。しかし、短調なら終始音はラになるところですが、ミの旋法ではミの音が終始音になるのです。ミが主音になる旋法は実はグレゴリア聖歌の中にもあり、これはフリギア旋法と呼ばれています。しかし、スペイン音楽のミの旋法においては、フリギア旋法とは違った特徴が見られます。ミの旋法では曲の中途でラの音がしばしば支配的で（このため短調に聞こえるのです）、ラへの導音的な働きを持たせるために、しばしばソの音にシャープがつくのです。シャープのある、なしの二通りのソを持つこの旋法は時に「ナチュラル調」と呼ばれます。短調ではソにシャープがつくことと区別した呼び名です。大ざっぱにいえば、ミの旋法とは、フリギア旋法と短旋法を足して2で割ったような旋法ということになりますか。　…スペイン音楽にも特徴的なカデンツがあります。Am→G→F→E、すなわち、ラ、ソ、ファ、ミと下行してくる形です。この場合、ミの半音上のファが長旋法のシ、短旋法のソ・シャープと同様、導音の働きをするわけです。　…音楽理論上、ミの旋法という考え方が成立したのはそう古いことではありません（それは実に1930年代のことでした）。それまでは単に短調の属音に終始する音楽と考えられていたのです。しかし、ミの旋法におけるメロディーとミの音との結びつきはそんな緩いものではありません。行き着くべくしてミに行き着くのであり、ラの代理ではありません。作曲家達は理論は知らずともその直感と感性でスペイン音楽の本質を捉えていたわけです。　実はこのミの旋法、スペイン音楽の専売特許ではありません。地中海沿岸周辺からインドまでの非常に広い範囲で用いられているのです。例えば、イスラム音楽やユダヤ音楽にも広く用いられます（R. コルサコフの「シェーラザード」の冒頭や、サン＝サーンスの「サムソンとデリラ」のバッカナーレを思い出して下さい。異国情緒の出所はここにあったのです）。　このように広い範囲で用いられてきたミの旋法ですが、アンダルシア地方でジプシー達とであったとき、新たな地平線が開けてきたのです。アンダルシアの音楽とジプシーの出会いが生んだフラメンコ音楽に関しては、また別項で。ここまで来れば、と思い、さらにフラメンコについて調べると、フラメンコで使用される音階=ミの旋法はフリギア旋法に長3度の音を加えたもので、「現代のコード・スケール理論ではスパニッシュ・8ノート・スケールと呼ばれる」とあります。要するに、フラメンコ音楽の世界では常識すぎて話題にもならない基本知識、というわけです。亭主も専門の異なる研究者と話をして時々びっくりすることがありますが、ある世界では常識であることが、一歩そこから出ると知られていないし語られもしない、という基本知識というものはどこにでもあるようです。