劇場通いの芝居のはなし

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• ギリシア悲劇を日本語に。(26)『トロイアの女』(11)

  アンドロマケはトロイ王家での自分の生活が辛いものであったことを告白します。立派な女性という評判を得るために、彼女はいつも家の中に留まり、貞淑な妻であろうとしました。夫の前では無口で、慎み深い目つきをして過ごしてきました。しかし夫が死んだ後、そうして築いた評判がかえって仇となり、彼女は夫を殺した男の息子から、妻として迎えられることになったのです。新しい夫に心を開くなら、前の夫を裏切ることになり、新しい夫を憎むなら、彼の不興を買います。そうなれば、幼い息子に未来はありません。結局、彼女は自分の息子のためにも、新しい夫に従うという惨めな運命を受け入れるしかないのです。彼女はだから、死んだポリュクセネの方が自分よりましなのだと言うのです。ヘカベも、ヘクトルの忘れ形見を守り育てるために、アンドロマケの決心を認めます。その子どもがやがて成人して、トロイの国を再建することを希望して。そこへタルテュビアスがやって来ます。彼はつらそうに、アンドロマケに告げます。オデュッセウスの提案で、アスチュアナクスの命を奪うことが決められたと言うのです。勇士ヘクトルの息子を生かしておくことは、ギリシアのためにならないというわけです。まだ幼い、こんな子どもを恐れるギリシア人は、なんと愚かで無慈悲なことかと、女たちは悲しみます。もし彼女が言うことを聞かず、新しい主人たちを怒らすことになれば、この子どもは埋葬もされず、憐れまれることもないまま、その死体はうち捨てられて、獣や鳥の餌食になるであろう。だから、おとなしく渡す方が、あなたにも子どもにも良い事なのだ。このように諭されて、アンドロマケは泣く泣くアスチュアナクスをギリシア兵士の手に渡します。自分は貞淑だという評判をとったために、夫の仇の息子の妻にされてしまう。この子は父親が英雄として名高かったために、将来を恐れられて殺される。喜ばしいこととしてあったはずのことが、今、いずれも裏目に出て、大きな不幸をもたらしてしまった。運命の残酷さ、皮肉さに、アンドロマケは嘆きます。ギリシア人はなんと凶暴で、考えがないのか。彼女のギリシア人に向けた非難の歎きを、観客はどのように聞いたのでしょうか。アンドロマケは船へ、アスチュアナクスは投げ落とされるために塔の上にと、連れて行かれます。　ヘカベとコロスたちは、幼子の哀れな運命を嘆き悲しみます。ギリシアの守護神であるパラス・アテナへ恨み言を言います。そして、神々がトロイを憎み、破滅させたのだと歌います。by　神澤和明

  2019.04.16

• ギリシア悲劇を日本語に。(25)『トロイアの女』(10)

  ヘカベは大地に身を伏し、死んだ息子や夫のことを悼みます。勇敢な息子たちや優しい夫がギリシア兵士の手によって殺されることを見てきました。高い地位の者と結婚させることを願い、立派に育て上げた娘たちも、敵であるギリシア人たちの愛人にされてしまいます。そしてその惨めさの頂点に、人生の晩年を迎えた自分が、憎むべき敵のはした女にされ、奴隷の暮らしを耐えて行かねばなりません。人間の運命は見通せないもの、死が訪れるまでは、自分が幸せであったと言うことなどできないのだと、彼女は嘆きます。コロスたちは、木馬を城内に運び込んだときのことを思い出して語ります。ギリシア兵たちが隠れている命取りの罠を、見せかけの勝利に浮かれて城壁の中に運び入れた。そしてその夜、祝宴に疲れた人々が寝静まるのを待って、ギリシア兵による大虐殺が行われました。その凄惨な様子、血だまりと首を斬られた死体の山。彼女たちの悲しい記憶が言葉で再現されてゆきます。そこへ、ヘクトルの妻であるアンドロマケが、幼い息子のアスチュアナクスを胸に抱いて、車に乗せられて登場します。彼女はアキレスの息子の戦利品として、ギリシアへ連れて行かれるのです。ヘカベとアンドロマケの対話には、あまり互いへの愛情が感じられません。ともに先ず、自分の惨めな状況を嘆いていて、相手のことに同情している様子がありません。二人ともヘクトルの死を嘆いていますが、ヘカベは自分の息子として、アンドロマケは自分の夫として、その死を悼んでいます。嫁と姑の関係、というややこしい感情の行き違いがあるのでしょうか。アンドロマケはトロイの破滅を、もはや仕方のないことと諦めています。そしてパリスがヘレネーをトロイに連れてきたことが、その遠因であり、従って彼に原因があるとはっきり言っています。ヘカベはそのことには触れません。この戦争の原因には触れず、自分の夫と息子たちが死んでしまったこと、娘たちが奴隷にされることだけを、繰り返し嘆いています。アンドロマケは自分の運命を仕方ないこととして受け止めようとしています。その地で、子どものアスチュアナクスを生き延びさせたいと願い、そのためには苦しみに耐えることを決意しています。彼女はポリュクセネがアキレスの墓の前で、死者への捧げ物として殺されたことを告げます。そして自分のように、これから惨めに生きるよりも、死んで仕舞うことの方が幸せだと言います。ポリュクセネについては、先ほどタルテュビアスがほのめかしたのですが、ヘカベはそれを理解しなかった。いや、理解しようとしなかったのです。カサンドラも、自分の死を予言していました。ですから、彼女の子どもたちは皆死んだ、もしくはこれから死ぬわけなのです。その子どもたちの中に、ヘカベはアンドロマケを入れていません。by　神澤和明

  2019.04.15

• ギリシア悲劇を日本語に。(24)『トロイアの女』(9)

  カサンドラは若い王女です。予言の力を身につけていますが、神によって、人々は彼女の予言を信じないようにされてしまいました。未来が見えるのに、誰も自分の警告を聞いてくれない。これは大変につらいことです。彼女はパリスの存在がトロイを滅亡に導くことも、木馬を城内にいれることが大惨事に結びつくことも、はっきりと警告したのですが、誰も聞いてはくれませんでした。未来が見えるだけに、彼女の悲嘆は極めて絶望的なもので、あるいはトロイで最も悲劇的な人物なのかもしれません。彼女がアテナの神殿で陵辱されたことが、女神の怒りを買い、ギリシア軍は帰国の際に大変な苦労をします。そして彼女を手に入れた総大将のアガメムノンは彼女とともに、帰国した日に妻とその愛人によって殺されます。そのことを彼女は予言の力で知って居ます。ヘカベたちの前で彼女は、自分とアガメムノンを待っている運命をほのめかし、そして彼の一族の恐ろしい未来を予言します。ただ、これも誰からも信じられず、戯言とされてしまいます。彼女がうわごとの様に語る言葉は、戦争というものの悲惨さを暗示しています。負けた者も勝った者も、戦場にのこされた死体は十分に弔われることもなく、うち捨てられる。のこされた妻は後家となり、子どもをもつこともなく生を終わる。トロイの人々はまだ生きている間、家族と過ごすことができた。しかしギリシアから遠征してきた人々は、家族と切り離され、異国の地で土となる。妻から経帷子を着せてもらう事もない。戦争は避けるべきもの。だが、避けられないのならば、高貴な死を遂げて、いつまでも忘れられない名誉を手にするべきだ。カサンドラの言葉は、人々にはうわごとのように響きますが、戦争のむごさを語るとともに、当時の（今でもか）名誉ある死についての考えを伝えています。彼女の言葉は、他国に攻めてきて死んだ兵士たちの哀れさが、示されています。つまり、ギリシア人が愚かなことをしたのだと、暗示しているわけです。その愚行によって滅ぼされたトロイは、哀れな被害者です。彼女はギリシアに連れて行かれることで自分が死ぬことを、ここで既に予言しています。そしてトロイを滅ぼしたアガメムノンとその一族も滅びることになるとも。アトレウス家の悲劇はトロイ戦争が大きな原因で起こります。更に彼女は、計略をもってトロイを滅ぼしたオデュッセウスが、10年の長い時間をかけて、様々な苦難を経験した上で、ようやくと故郷に帰れることも予言しています。誰も彼女の言葉を信じないのですが。自分の死を覚悟しながら、それがトロイを滅ぼしたアトレウス家の滅亡に繋がることを知り、ある意味で晴れやかに、カサンドラは船に向かいます。彼女は狂気にとらわれていると皆が受け止めていますが、むしろ死を覚悟して、トロイを滅ぼした者たちに復讐を遂げようという、英雄的な精神を持つと考えて良いかもしれません。一種のジャンヌ・ダルクかも。by　神澤和明

  2019.04.13

• ギリシア悲劇を日本語に。(23)『トロイアの女』(8)

  ヘカベは尋ねます。アポロンの巫女であり、狂気にとりつかれた娘のカサンドラは誰の者になったのか。その答えは、アガメムノンが自ら彼女を選び取ったというものでした。トロイを滅ぼした者の奴隷になるのか、と嘆くヘカベに、奴隷ではなく彼の愛人となるのだと、タルテュビアスは教えます。彼はそれを偉大な栄誉だといいますが、トロイ王家にとっては、大変な屈辱です。もう一人の娘、ポリュクセネはどこへ連れて行かれたのか、とたずねられて、タルテュビアスは、アキレスの墓を守る役目を与えられたと答えます。ヘカベはそれで、彼女が一生敵の戦士の墓守として終えるのだと考えますが、実はもっと過酷な運命であったと後でわかります。英雄ヘクトルの妻であったアンドロマケは、彼を倒したアキレスの息子が手に入れたと知らされます。これも奴隷ではなく、妻として迎えられるということです。彼女のことを尋ねるヘカベの態度には、あまり親密さが感じられません。そしてヘカベ自身については、なんとも耐えがたいことに、オデュッセウスが奴隷として選び取ったということが知らされました。トロイの人々をおとしいれた、トロイの木馬という大欺瞞の計略を案出した人物。ヘカベたちにとって、最も憎らしく、軽蔑すべき人物です。老齢の自分を、奴隷として連れ帰る意図は、彼女を辱めることでしかありません。ヘカベは悔しさに頭を両手で打ち、胸をかきむしって嘆きます。『イリアッド』やトロイ戦争に関する伝説、物語では、オデュッセウスという人物は策略家、人の心を操る腹黒い人物として描かれることが多いです。シェイクスピアの『トロイラスとクレシダ』という芝居でも、オデュッセウスは腹に一物ある人物、皮肉な人間として描かれています。陰謀を巡らしてトロイを滅亡させた人物として神にも嫌われ、彼の船は船団から離れ、方々を漂流し、何年もかかってやっと本国に帰ることができます。ですが、『オデュッセイア』というホメロスの叙事詩では、彼はまた一人の英雄として、巨人や怪物を倒し、数々の冒険を切り抜けてゆきます。英雄なのか悪者なのか、興味深いが、よくわからない、不思議な人物です。王家の女性たちの運命は知らされました。他の女たちも、自分たちの運命を知ろうとして、タルテュビアスに尋ねます。しかし彼は、それには一々答えません。そして部下に、カサンドラを連れてきて、将軍の船に乗せるように命じます。その時、火の手があがります。女たちが奴隷としてギリシアに連れて行かれるのを拒み、焼け死のうとしているのかと、彼は心配します。しかしそこに、松明を手にしたカサンドラが，興奮状態で登場します。by　神澤和明

  2019.04.12

• ギリシア悲劇を日本語に。(22)『トロイアの女』(7)

  この『トロイアの女』という芝居はですから、「反戦劇」としてとらえられてきています。芝居で描かれるのは、負けた側のトロイの女性たちの悲劇、奴隷となり悲惨な人生を送ることになる彼女たちの歎きではありますが、同時に、戦争の問題点は負けた国の人々が悲惨な運命に落とされるだけではなく、勝った側にも苦しみがついて来ることを、わたしたちに語っています。ポセイドンとアテナが退場すると、人間世界の話が始まります。唯一人、大地にうつぶせに横たわる、トロイの女王ヘカベの姿があります。夫も息子も失った哀れな老女です。しかし彼女は同時に、他国に打ち負かされ、滅ぼされたトロイという国そのものを象徴する存在でもあります。登場する他の人物たち、ヘカベの嫁や娘、そしてコロスである、夫や父や兄弟を失った女性たちも哀れな存在ですが、個人の悲劇を体現するに留まります。彼女たちももちろん、故国をうしなったのですが、ヘカベのように自分と国とが同一であるとは、とらえられていません。ですからヘカベにおいては、失われたものが重層であり、苦しみはより深いのです。ヘカベはトロイの滅亡を歎き、その原因となったヘレネーへの恨みを語ります。彼女さえトロイへ来なければ、この国は滅びることなく、人々は穏やかな生活を続けていたのに。一夜で運命が変わってしまった我が身を歎き、倒れ死んだトロイの若者たちを悼みます。そこへ囚われ人となった、トロイの女性たちがやって来ます。彼女たちは捕虜として、ギリシア軍の天幕に、分けられて閉じ込められていました。ギリシアの船団が出航する、その船に奴隷として乗せられる前に、彼女たちは生まれ故郷の地に別れを告げに出て来ました。彼女たちの心を占めているのは、殺された肉親のことであり、奴隷となった自分たちがどこの国へ連れて行かれるのか、そこでどんな運命が待っているのかという、不安です。トロイの国に対する懐かしさと、それが失われた歎きはもちろん強くありますけれど、自分たちの身の上がより重要であることは、当然です。彼女たちは今でもヘカベを、女王として尊敬しています。というよりも、彼女をリーダーとして頼るしかないのです。ヘカベも彼女らとともに、肉親の死を哀しみ、奴隷の身にされることを嘆きます。うちひしがれていても、ヘカベにはまだ威厳があります。神の目からは弱々しい人間ですが、同じ立場の彼女たちからは、格が上の存在です。ギリシア人たちも、彼女に対しては他の女性たちとは少し接し方が違います。彼女たちのところに、ギリシア軍の使いが来ます。タルテュビアスという名前の兵士です。彼は総大将アガメムノンの伝令士です。かつての女王に呼び出しをかけに来るのが、名だたる将軍ではなく兵士であるところが、ヘカベの立場を表しています。彼は女たちに、出発する船に乗る準備をするように命じます。そしてヘカベの生き残った家族が、誰の奴隷とされたかを告げ知らせます。by　神澤和明

  2019.04.11

• ギリシア悲劇を日本語に。(21)『トロイアの女』(6)

  『トロイアの女』は、ポセイドンの独白で始まります。自分とアポロンとで築き上げたトロイの城壁が崩され、人々は虐殺されてしまった。都市の至る所に死体と血だまりができ、神殿を始め、建物は壊されている。10年の長きにわたった戦争は、ギリシアの勝利に終わった。トロイの財宝はすべてギリシアの軍船に積まれ、この土地から運ばれて行く。そして生き残った女たちは全員が奴隷として、ギリシアの国々に連れ去られる。ポセイドンはそのように語り、かつて繁栄したトロイの滅亡を哀れみ、猛火の灰におおわれ廃墟となった国に、別れの言葉を贈ります。 そこへ、パラス・アテナがやって来ます。ギリシアの強国アテネの守護神であるこの女神は、ギリシア軍を支える助けてきました、トロイ滅亡の張本人の一人です。ポセイドンは彼女を厳しい言葉で非難します。アテナは頭痛に悩むゼウスの頭を割ったところ、そこから甲冑姿で生まれ出たと言われています。ゼウスの娘ということになりますので、ポセイドンとは叔父・姪の関係です。アテナは、かつて敵であったトロイの人に喜びを、味方であったギリシア人には後悔を与えるつもりなので、手伝ってほしいとポセイドンにたのみます。ポセイドンは、彼女がそんなに気まぐれに気持ちを変えるのをいぶかしみます。それに対してアテナは、ギリシアの戦士が、アテナの神殿に逃げ込んだトロイの王女カサンドラを陵辱し、アテナの権威を穢した。ギリシア人は誰もそれを咎めなかった。そのことで自分は非常に怒っている。神への敬意を思い出させるために、彼らの禍の種を作ろうと思うのだと語ります。 具体的には、ギリシアに帰る彼らの船団の船路を妨げ、歎きに満ちた旅にすることです。ゼウスも嵐とヒョウを降らせ、雷を落として船を燃え上がらせることを約束しています。海の神ポセイドンには、エーゲ海の海峡をうねる大波と渦巻きで荒れ狂わせ、多くの船を難破させてほしいというのです。ポセイドンは、彼の神通力を持つ武器である三つ叉の鉾を振り上げ、それは自分の気持ちにも合うことであるから、アテナの願いを聞き届けようと約束します。そして二人は退場します。開幕の場面が神の対話、というのは変わった趣向です。トロイ戦争が神によって仕組まれたものであり、神々の目が常に注がれていたこと、つまり人間の力を超えたところで、様々な事態が創り出されて行き、人間の努力はほとんど無力なものであったということが、暗示されている場面です。しかもその神々は気まぐれであることも示されます。人間としては、なんともやるせない気持ちがします。またこの場面は、戦争が終わった後に、勝利者であるギリシア軍に悲惨な状態、まだ続く苦しみが襲ってくることを語っています。作者の意図にないかもしれませんが、戦争というものは、負けた者は勿論、勝った者にとっても幸せではない、つらい結果が続くのだと言うことを、語っているような気がします。by　神澤和明

  2019.04.10

• ギリシア悲劇を日本語に。(20)『トロイアの女』(5)

  このとき、トロイでは木馬を城内に入れてはいけないと、大声で叫んだ人が二人いました。一人は王女のカサンドラです。彼女はアポロンの巫女として、真実を言い当てる予言の力を持っていました。ですが、彼女の予言は誰も信じてくれないという、致命的な定めをもっていました。一般に知られている説では。彼女はアポロンに愛され、彼と結ばれるという約束で予言の力を与えられたのですが、彼に貞潔を与えることを拒んだため、神の怒りを買って、その予言は誰からも信じられないことにされたと言われています。折角予言をしても、それが信じられないのなら、何の意味もありません。むしろ、先のことが解っているのに、それを防ぐように忠告しても聞いてもらえないのですから、これは悲劇的な状況です。もう一人は神官のラオコーンという老人です。彼はこの木馬がギリシア軍の計略だと見抜き、城内に引き入れることに抵抗します。そのとき、アポロンが大蛇を放って、彼とその息子たちを殺してしまいます。この情景はギリシア時代の彫刻に写されて、大変有名になっています。アポロンは本来トロイの肩をもっていたのですから、このときのアポロンの行為の意図がわかりません。まあ、ギリシアの神々は気まぐれで、あてにならないということです。そんなわけで，木馬はトロイ城内に運び込まれ、その夜の大虐殺を引き起こしました。トロイ中で、殺戮に苦しむ声がうめき声が聞こえます。王のプリアモスは、祭壇の下で殺されました。カサンドラは、アテネ女神の神殿に逃げ込んだのですが、そこでギリシアの兵士に凌辱されました。神殿を穢されたアテネは、これを憎んで、ギリシア人たちの帰国を妨げることになります。戦争の原因を作ったパリスは、戦闘において矢を射かけられて傷つきます。その時、神の力によってトロイから運び去られます。医療の女神オイノーネーの元へ連れてこられました。しかしこの女神はかつてパリスに捨てられたということがあったので、彼を治療することを拒みます。それで仕方なくトロイへ連れ帰られる途中で、パリスは絶命したと伝えられています。なんと嘘くさい。こんなわけで、トロイは陥落し、男たちは死に絶え、生き残った女たちは、奴隷としてギリシアに連れて行かれることになりました。これが、『トロイアの女』が始まるまでの状況です。トロイの陥落の時に、ヘクトルと並ぶトロイ方の英雄であったアイネイアースがトロイを脱出し、トラキアに至って、新たに都市を建設したという伝承があります。後にローマが建国されたとき、ローマ人たちは彼を自分たちの建国の祖として名指ししました。真偽の程はわかりません、多分嘘でしょう、しかしトロイという国が滅びてしまうのは残念という気持ちが広くあったのだろうと思われます。by　神澤和明

  2019.04.09

• ギリシア悲劇を日本語に。(19)『トロイアの女』(4)

  ヘラは、自分を選べば小アジア全体の王にしてやると言い、アテネは戦争での勝利と智恵を与えると約束、そしてアプロディティは、人間の内で最も美しいヘレネーとの結婚を約束しました。分別のある人間なら、ヘラかアテネを選ぶところですが、彼はアプロディティにリンゴを渡します。若い男って、仕様がない。ところが、ヘレネーはこのとき、スパルタ王メレラオスの妻になっています。それでパリスは客としてメネラオスの城に招かれたとき、アプロディティの助けを得て、ヘレネーと連れて城を逃げ出し、トロイに帰ってきます。女房に逃げられたメネラオスは、男らしく諦めればよいものを、ヘレネーを取り返すためにトロイを攻めることを決意します。しかし、スパルタ一国で攻めていっても、勝ち目はありません。そこで兄である、ミュケーネ王のアガメムノンに泣きつきます。人望者であったアガメムノンはギリシア全土の都市国家に声を掛け、多くの賛同を得ました。そしてギリシア連合軍として船団を組み、トロイに攻めて行くことになりました。要するに、逃げた嫁を取り返すために、一国が動いたというわけです。なんだか馬鹿馬鹿しいのですが、神様に踊らされているのですから、仕方ありません。戦況は一進一退。どちらにも神様がついているから、危なくなると盛り返します。トロイにはパリスの兄の英雄ヘクトルがいる。ギリシア軍には不死身のアキレスがいます。アキレスは、この戦争で死ぬと予言されていたので、仮病を使って出陣を渋っていたのですが、オデュッセウスの計略で引っ張り出されてきました。このヘクトルとアキレスの一騎打ちの場面が、『イリアッド』の白眉です。城壁の周りを戦車で７巡りしたとあります。シュリーマンは遺跡を見つけたとき、この場面を思い出したそうです。アテネの助けでアキレスはヘクトルを倒しますが、城壁の上からパリスが放った矢が、アキレスの唯一の弱点であったかかとに当たって、彼も絶命します。どうやってそんな狙いもつけにくいところに当たったのか、なぜそれくらいの傷で死ぬのか，突っ込みたくなりますが。ヘクトルが倒れてもトロイは陥落しない。長期化した戦争に、ギリシア軍の士気は大いに下がり、帰国を望む声が高まる。そこで一か八か、オデュッセウスの計略に賭けることになります。ある日、トロイの人々が海岸を見ると、ギリシアの軍船が一隻もいなくなっている。そしてその代わりというように、大きな木馬が一頭、残されています。トロイ人たちはギリシア軍が諦めて帰国したと思い、この木馬をアテナへの捧げ物として残したのだと信じて（何故なんでしょうね）、城内に引き入れます。そして勝利の大宴会が、町中で開かれます。ところがその暗闇に乗じて、木馬に隠れていたギリシア兵士たちが外に出て来て、城の門を開きます。沖合にはギリシアの船団が戻ってきていました。これが「トロイの木馬」です。by　神澤和明

  2019.04.08

• ギリシア悲劇を日本語に。(18)『トロイアの女』(3)

  『イリアッド』によれば、トロイ戦争は神々の「代理戦争」です。オリンポスの神々といっても、そんなに仲が良いわけではない。のべつ他者を妬み、恨み、恋をしては平気で捨て、気にくわない人間は獣に変身させ、人間以上に人間的欠陥を持っている方々ですから、よくぶつかります。勢力争いもしょっちゅう。中でも根深いのが、ゼウスとポセイドンの兄弟です。父であるクロノスは、自分の子どもに勢力を奪われるという予言を恐れて、子どもが生まれるたびに、それを飲み込んでいました。末っ子のゼウスもそうなる筈だったのですが、母のガイアと乳母たちにかくまわれて、命拾いし、成長して、企てによってクロノスに薬を飲ませ、飲み込まれていた者たちを吐き出させました。そしてゼウスたち神の一族と、クロノスたち巨人族の間で、支配権をかけた大きな争いが行われ、最後に神の側が勝利して、世界を手に入れたのです。勝利した神の一族は、三柱の男神、ゼウス、ポセイドン、ハーデスの間で取り決めをし、ハーデスが冥界を、ポセイドンが海洋を、ゼウスが天界と地上を支配することになりました。ゼウスが他の神々をクロノスの体から解放し、神の軍を率いて戦ったのですから、まあ妥当なところかもしれません。しかしゼウスは末っ子ですから、ポセイドンやハーデスの方が「兄」になります。当然、面白くない感情が起こります。まあ、ハーデスは死んだ者たちが財産をもって冥界にやって来ますので、いくらでも富が得られる。彼はオリンポスに顔出しすることもありません。それで特に文句を言いません。しかし海の神ポセイドンは、海上交易をして発展している人間たちに、非情に敬われています。ゼウスに負けないだけの神通力の持ち主です。だからよく、衝突します。トロイ戦争は、ギリシアの側に立つゼウスと、トロイの側に立つポセイドンの争いを、人間ｇ代わって行ったわけです。オリンポスの神々もどちらかの側について、応援しました。代表的なところで、パラスアテナはギリシア側に、アポロンはトロイ側についています。戦争を起こすには理由が入ります。そのために神々は策略を巡らします。トロイの二番目の王子パリス（別名アレクサンドロス）は美少年として有名でした。実は彼は、成長して国を滅ぼすと預言されていました。神々は三人の女神の美人コンテストを催し、その審判役にパリスをつれてきます。女神たちというのは、ヘラ、アテナ、アプロディティです。パリスはゼウスから、一番美しい女神に、黄金のリンゴを手渡すよう命じられます。このリンゴはもともと、神々が集まった中に、争いの女神エリスが、「最も美しい女に与える」と言って投げ込んだといいますから、間違いなくいさかいの種としての行為です。by　神澤和明

  2019.04.06

• ギリシア悲劇を日本語に。(17)『トロイアの女』(2)

  『トロイアの女』の悲劇のもとになる「トロイ戦争」は、ギリシア神話・伝説における一大テーマです。ヨーロッパで広く知られた「話」なのですが、かなり前までは、実際にはおこらなかったことと考えられていました。あくまでも神話の一コマ、詩人の空想の産物とされていました。ドイツ人のシュリーマンがその遺跡を発掘して、初めてこの事件が現実に起こったことであると、証明されました。この人は専門的な学者ではありません。彼は子どもの頃にトロイ戦争の話に魅了され、貧しくて学校にも行けなかったそうですが、船員見習いをしながら勉強し、実業界に身をおいて大成功しました。そして築き上げた莫大な富を使って、大発掘調査を行い、見事に話に聞いたとおりの遺跡を見つけだしたのです。彼の自伝が『古代への情熱』という題名で岩波文庫に昔から入っています。まあ、大した人です。ともに海上交易によって繁栄していた、古代ギリシアと小アジアの大国が対立して、戦争になるということは、今の時代で考えても、おおいにありそうなことです。それなのに、現実の出来事ではないと考えていたのは、「トロイ戦争」についての客観的な証拠、遺跡が見つかっていなかったことと、それについて語られた「物語」が、あまりにも神話的であったからだと思われます。「トロイ戦争」について語られた物語と言うと、古代ギリシアの詩人、ホメロスが遺した『イリアッド』『オデュッセイア』の、二つの長編叙事詩です。書いた、のではありません。彼はこれを語った、それを誰か後の人が書き留めたのです。ホメロスが実在したかどうか、これは疑問です。おそらく複数の詩人の手によって作られたのではないかと、考えられています。それでもホメロスという人物は有名で、ヨーロッパのことわざに「ホメロスでさえ居眠りする」と言うのがあります。また、「ホメロスがいたかいなかったかはわからないが、彼が盲目であったことは確かだ」と言われたりもしています。これだけの長編詩を作った彼の勤勉さ、またこうした吟遊詩人の多くが盲目であったこと（日本の琵琶法師と似ています）と関連して、言われることです。『イリアッド』はトロイ戦争が何故起こったのか、その原因から語り、ギリシアの英雄たちがこの遠征に参加してくるいきさつ、さまざまな事件が語られます。そしてトロイの地での両軍の戦いぶり、英雄たちの戦死が語られ、どちらが勝つとも知れない状況であることが示されます。最後にギリシア軍が起死回生の秘策として「トロイの木馬」作戦を考案することが暗示されて、この叙事詩は終わります。『オデュッセイア』はいわば、その続きという赴きですが、ギリシア軍がトロイを滅ぼして帰国するところから始まります。「トロイの木馬」という「卑怯」な戦法を考えついたギリシア軍オデュッセウスは、そのためにトロイに同情する神々の憎しみを買い、船団の他の船から離れて漂流を続けます。そして命がけの冒険を繰り返した後、７年経ってようやく故国に帰りつきます。そして、彼が死んだと思って、彼の妻ペネローペに求婚してきた多くの男たちを全員殺して仕舞います。英雄物語です。by　神澤和明

  2019.04.05

• ギリシア悲劇を日本語に。(16)『トロイアの女』(1)

  エウリピデースのこの作品は、日本で一般に『トロイアの女』と呼ばれています。サルトルがリライト（翻訳？）した脚本がよく上演されるのですが、そのタイトルは『トロイアの女』とされています。本来、この国の名前は、「トロイア」ではなく、「トロイ」とするのが普通です。「トロイ戦争」「トロイの木馬」と言いならわされてきています。故事にちなんで名付けられた、コンピュータウィルスの名前も、「トロイの木馬」です。「女」の方も、元は複数形で書かれています。当然で、この悲劇の主要な女性の登場人物は、女王ヘカベ、長男の嫁アンドロマケ、ヘカベの娘カサンドラ、ギリシア王メネラオスの妻でトロイに駆け落ちしてきたヘレネー（ギリシアの女ですが）と四人います。そして、戦に敗れ、奴隷としてギリシアに連れて行かれる運命を嘆いているコロスである市民の女性たちがいます。彼女たちもトロイの女です。更に、殺されていて登場はしませんが、ヘカベの娘ポリュクセネも、この悲劇的運命を与えられた人物です。誰か一人の悲劇ではなく、トロイとともに滅びてゆく多くの女たち全員にとっての悲劇です。ですから『トロイの女たち』と訳すのが適切です。しかし、『トロイの女』ではなんとなく散文的で、音がもっちゃりしてしまい、緊迫感が弱まります。「トロイ」は母音でいうと「オオイ」ですから、音の進行が沈み込んでしまいます。「トロイア」ですと、「オオイア」ですから、最後の「ア」で音が上に跳ね上がります。勢いが出ます。３音よりも４音の方が力がこもるということもあります。「ニホン」と「ニッポン」の音の違いもそうです。（日本語では促音の小さな「ッ」は１音価をもちます。）「女たち」というのも、「女」と言いきった時と比べて、少しダラッと聞こえてしまいます。英語では単数形の "woman" も、複数形の "women" も同じ音価で言い切りますので、間延び感はしないのですが、日本語は「女たち」だと弱く感じられます。「トロイアの女」という語句の作るリズムは、「トロイアノ（休）オンナ（休）」と、間に休符が入る５拍ですが、「トロイの女たち」だと、「トロイノオンナタチ（休）」と間に休符が入らない平板調の５拍になります。口にしたときの勢いがかなり違ってきます。そんなわけで、論理的には『トロイの女たち』とするべきだと思いながら、『トロイアの女』とわたしも訳しています。もし上演する機会があれば、また考えるつもりです。by　神澤和明

  2019.04.04

• ギリシア悲劇を日本語に。(15)『オイディプス王』(9)

  両眼から血を流し、オイディプスが登場します。その姿に恐怖を覚え、嘆く長老たち。この不幸な出来事はあなた故に起こったのだ、というコロスの言葉は、主人公に対して冷たい気がします。彼らはここで、登場人物であるよりも、はっきりと観客の不安、恐れの気持ちを代弁しています自分の運命を歎くオイディプス。自分が赤ん坊の時に死んでいれば、こうした不幸の一切は生じなかったのにと悔やみます。しかしそれは彼のせいではないのです。神の前に無力な人間、父祖が犯した悪事のために、その子孫が呪いを受けるという不条理を、しかし彼は受けなければならない。それは彼一人におこることではない。オイディプスは人間という大きなものの業を背負った存在になっています。それはリア王と共通するかもしれません。彼の両目は、大事なことが何も見えなかった。そしてこれからも、善いものをみることはできない。忌まわしいものしか、彼の前に現れないだろう。それ故に、彼は盲目になることを選びました。盲目であっても、ティレシアスのように大切なものを「見る」者もいます。しかし、ティレシアスでさえ、真実を見ることが幸せであるか、わたしには疑問です。オイディプスは自分が宣告していたとおり、ライオスの殺害者、穢れた者である自分がテーバイから追放されることを望みます。自分の惨めな姿をさらし、人の嘲りの中に生きることが、彼の贖罪（彼が罪人であるかどうか、わたしは疑問なのですが）なのでしょう。彼はクレオンに後の事、特に残された二人の幼い娘の後見を頼みます。二人の息子については、男で大人だからとして、何もたのみません。更に言うと、彼は親を見捨てたこの親不孝な二人の息子に、戦い合って死ぬだろうという呪いを、かけることになります。二人の娘についても、結婚して子どもをもつことはできないだろうと予測しています。それによって、自分の一族にかかった呪いは終わるということを、期待しているのです。娘に手を引かれて退場してゆくオイディプスの姿を、コロスが歌います。スフィンクスを倒した名高き英雄のオイディプス。その威勢は大きく、人からうらやまれた。だが、見よ、彼がどのような悲運に見舞われたか。苦悩にとらわれずに此の世を超えてしまうまでは、いかなる人も、幸せだと言うことはできないのだ、と。偉大な人物が破滅させられる、その姿を見て、可哀想と思い、心に涙することで、観客の精神が浄められる。典型的な「カタルシス」です。『オイディプス王』には続編となる『コロヌスのオイディプス』があります。隠棲しているオイディプスを、テーバイに連れ帰ろうとして息子たちがやって来ます。オイディプスが亡くなった地は祝福を受けるという神託が出たからです。しかしオイディプスは彼らを追い返します。二人の息子、エテオクレースとポリュネイケースの戦死については、アイスキュロス『テーバイに向かう七将』という作があり、娘のアンティゴネとイスメネの運命については、ソフォクレス『アンティゴネ』などで知られます。『アンティゴネ』も名作ですので、読まれることをおすすめします。 by 神澤和明 

  2019.04.03

• ギリシア悲劇を日本語に。(14)『オイディプス王』(8)

  ギリシア悲劇を日本語に。(14)『オイディプス王』(8) 4/2しかしまだ彼には、母との結婚というおぞましい予言が残っています。だからコリントスへも帰れません。彼がそのことを口にすると、コリントスからの使者は、彼の心配をはらすために、隠されていた真実を話します。オイディプスはコリントス王の実の子どもではない、自分がテーバイの羊飼いからもらってきた赤ん坊を、子どものない王が養い子にしたのだ、だからコリントスに留まっていても、父親を殺す心配はなかったし、今コリントスに帰っても、母親と結ばれる心配はないのだと。彼としては良かれと思って言ったのですが、オイディプスとイオカステーにとっては、致命的な真実暴露になりました。使者に赤ん坊を渡した羊飼いというのが、今呼び出している、ライオス王殺害の現場を目撃した、唯一人の生き残りだと知れます。イオカステーは、オイディプスのためにもそれ以上の探索は止めてくれと願いますが、彼はもはや、真実を知らずにはいられません。イオカステーは耐えられずに館に逃げこみます。自分は拾われ子であり、卑しい血筋の出かもしれないことを、彼女は恥じているのだろうとオイディプスは考えます。このあたり、彼の判断力は少し鈍いように感じられますが、自分の破滅につながることを考えたくない心理とすれば、別の考えに逃げる態度もわかります。コロスはオイディプスの運命がまもなく明らかになるだろう、アポロンの神託が正しかったかどうか示されるだろうと予想します。そして羊飼いがやって来ます。彼は惨劇の唯一の目撃者だったのですが、スフィンクスを退治したオイディプスがテーバイに迎えられたとき、逃げるようにテーバイの町を去っていました。彼は証言を拒もうとしますが、オイディプスの追究に、もはや逃げる事が出来なくなり、自分が使者に渡した赤ん坊はライオスとイオカステーの間に生まれた子どもであること、そしてその子が父親を殺すと予言されたために、赤ん坊を殺すようにイオカステーに命ぜられたことを話してしまいます。ここではライオス王殺しの犯人の名指しはしませんが、彼が世にも不幸な運命を負った人間だと語ることで、オイディプスに与えられた予言が実現した、彼が実の父であるライオスを殺し、母であるイオカステーと寝床をともにし、子どもをもうけていたことが示されてしまいます。オイディプスは絶望に駆られて、館に走りこんで行きます。コロスはオイディプスの忌まわしい運命を哀れみ、このような不幸な人間と出会い、その破滅の様子を目にしたことを、嘆きます。館から第二の使者が現れ、イオカステーが首をくくって死んだことを伝えます。そしてオイディプスがイオカステーの上着のピンで、自分の両目を貫いて盲目になった有様をコロスを相手に語ります。古典劇で頻繁に使われる、「語り」の技法で、舞台上でその場面は演じないで、報告という形で伝えられます。by　神澤和明

  2019.04.02

• ギリシア悲劇を日本語に。(13)『オイディプス王』(7)

  オイディプスはライオスがどのような姿であったかをイオカステーに尋ねます。そして自分が殺した老人と彼とが似ていることを知ります。彼の疑いは強まります。しかし、ライオスを殺したのは盗賊たちであったという事が、彼をかろうじて救います。ライオスの殺害者が複数であったのなら、それは自分ではないはずです。そしてライオスが受けた神託と自分のそれとが相似しているにしても、それはあくまで偶然であって、神託が実現しなかった実例になります。オイディプスは恐れをもちながらも、ライオスが襲撃されたとき、唯一人生き残った召し使いを呼び寄せることを決めます。そしてイオカステーに、自分が受けた神託のことを話します。そして四つ辻で老人を殺したことも告白します。彼は今、この上なく混乱しています。そして、ライオス殺害者にかけた呪い、穢れた者として悲惨な結末を遂げよという呪いが、自分に返ってくるのではないかと恐れます。イオカステーも長老たちのコロスも、オイディプスの告白を聞いて、非情に驚き、恐れます。しかし、呼び出される目撃者の話を聞くまでは、オイディプスがライオス殺害者ではない、アポロンの神託は実現されないという希望をもとうとします。イオカステーはなお、目撃者の話で殺害者は多人数であったから、オイディプスがその犯人であるはずはないこと、また自分たちの子どもは父親が死ぬずっと前に死んでいるのだから、神託は信じるに値しないことを繰り返し強調し、二人は館に退場します。コロスは、人々の心が傲慢になり、神を軽んじる傾向が出て来ていることを歎き、神がそのことで怒り、人間たちにおそろしい罰を下すのではないかと恐れます。そして神に許しを乞う歌を歌います。イオカステーも、正気を失って悪い事ばかり考えているオイディプスを心配し、その心を安らげてくれるよう、アポロンに祈りを捧げます。そこへ、オイディプスが後にしてきたコリントスからの使者が到着します。彼は良い知らせと悪い知らせを携えてきました。良い知らせとは、オイディプスを王として迎え入れるためにやって来たということ。悪い知らせとは、前の王であり、オイディプスの父であったポリュボスが病で亡くなったということです。オイディプスは自分が父親の殺害者となることを恐れて、コリントスを出ました。父親が死んだ以上、彼が父殺しの罪を犯すはずがない。イオカステーとオイディプスは喜びます。ということは、オイディプスは混乱しているけれども、まだ自分がコリントス王の子どもであるということは疑っていなかったということです。by　神澤和明

  2019.04.01

• ギリシア悲劇を日本語に。(12)『オイディプス王』(6)

  権力者であるよりも、権力者の庇護にある方が、気楽に生きられる。自分が責任をもつ立場につくと大きな苦労をせねばならない。それよりも、その傘の下にいる者は、権力者に気に入られたいと願う者からちやほやされて、苦労も責任もなく、楽しくいられる。誰がわざわざ好んで、苦労の大きな地位を奪おうなどと思うものだろうか。クレオンはそのように言い、自分には王になる野心などないことを説明するのですが、オイディプスは聞きません。おそらく彼は、クレオンに対しても一種のコンプレックスをもっているのではないでしょうか。長老たちもクレオンの肩をもっているようで、彼はますますいらだちます。これは若者が、年長者のもったいぶった態度に反感をもつこと共通する感情かもしれません。ティレシアスが、オイディプスこそライオスの殺害者だと言ったのは、クレオンが言わせたに違いない、とオイディプスは決めつけます。ティレシアスが予言の力で見抜いたのだとは認めません。もしそれを認めたとしたら、彼はこの国での立場を失い、さらにアポロン神託通りのおぞましい状況に今いることになります。オイディプスは、ライオスが殺された時にティレシアスが何も言わなかった、自分を殺害者だと発言もしなかったことを言って、ティレシアスには予言の力などないのだと言います。クレオンを追放する、いや死刑にしたいという彼の怒り方は、ただ汚れを祓うというのではなく、対立する可能性がある者を排除して、自分の立場を安全にしてゆきたいという考えが見えます。二人の論争が沸点に達しかけたところに、イオカステーが登場します。オイディプスの妻であり、クレオンの姉である彼女だけが、今の熱した状況をなだめる力があります。ここで、同じ場面で台詞を語る人物が三人登場することになります。ソフォクレスの劇では、役を演じる演技者が三人いたことが、証明されます。この後、登場人物が三人の場面が続きます。イオカステーとコロスのとりなしで、オイディプスはクレオンを処罰することを、とりあえず諦めます。しかしそれは、自分の意志ではなく、長老たちの言葉を聞いたのであり、この報いを受けるのは長老たちであることと言い、怒りがおさまったのではないことを示します。クレオンが退場し、イオカステーは二人の争いの原因を尋ねます。そして、ティレシアスの言葉が、オイディプスを激怒させたと知ります。彼女は夫をなだめるために、予言というものは不確かであることを証明しようとして、ライオスにかつて下された神託について語ります。かつてライオスは、イオカステーとの間に生まれた子どもに殺されるという神託を、デルポイから宣告された。しかし、実際は彼は、四つ辻で名もしれない盗賊たちに殺されてしまった。また、二人の間の子どもは、生まれて三日も経たぬうちに、両方のくるぶしをピンで貫いて、山中に捨てられた。ライアスは神託を恐れていたけれども、子どもによって殺されはしなかった。預言というものは、このようにあてにならないものだ。そう彼女は語るのですが、これが逆に、オイディプスの不安をかき立てます。ここで彼は初めて、自分の運命とテーバイ王家にまつわる呪いとの関連に気づき始めるのです。by　神澤和明

  2019.03.30

• 11○ギリシア悲劇を日本語に。(11)『オイディプス王』(5)

  アポリネールの戯曲に『ティレシアスの乳房』というのがありますが、彼はヨーロッパで知られた名前です。あるとき山で交尾している蛇を見て、杖で打った彼は女性に変身します。九年後に再び蛇の交尾に出会い、男性に戻ります。こうした両性の経験をもつ彼に、ゼウスとその妻のヘラが、男女の歓びはどちらが大きいかと尋ねたとき、女性がはるかに大きな快感を得ると答えました。これにヘラが怒り、彼を盲目にしてしまいます。例によって、神はわがまま勝手です。ゼウスはこれを憐れんで、彼に予言の力を与えました。それで彼は、高名な予言者になりました。他にも説がありますが、これがよく知られた、ティレシアスの伝説です。オイディプスは、誰も解けなかったスフィンクスの謎を解いて、テーバイの王となりました。自分が賢人であるという、強い自信をもっています。ですから、今回でも昔の事件の犯人探しをやり遂げられると信じています。その彼に、アポロンに次ぐ智恵者、この事件を見通せる唯一の人間として皆から認められているティレシアスの存在は、快くはなかったと思います。ティレシアスは立ち去るときに、一人の男が自分の子どもの兄弟で同時に父親になり、その腹から生まれた女の息子で夫になり、自分の父親と同じ腹に種をまき、かつその殺害者となるという言葉を残します。これはオイディプスが気にしているアポロンの神託を繰り返しているのですが、怒り狂うオイディプスは、その暗合に気づかないようです。オイディプスとティレシアスが退場すると、コロスが今の二人のやりとりについて、合唱します。彼らはティレシアスの言葉に非情に不吉なものを感じています。オイディプス自身がライオスの殺害者であるという言葉は強烈です。しかし、オイディプスはテーバイを救ってくれた恩人です。神ならぬ人間の言葉に、絶対の正しさがあるわけはない。ですから、その予言があたるのを確認するまでは、ティレシアスが行った非難に同意することはするまい、と決めます。そこにクレオンが、おそらくは慌ててやって来ます。彼はオイディプスが自分を、ライオス殺害の犯人だとし、処罰しようとしているのを知って、王に会いに来ました。彼はイオカステーの弟、このときは気づかれていませんが、オイディプスの叔父になりますから、それなりの年齢かと思いわれますが、あまり老人臭くはありません。むしろオイディプスと同年代のような感じがあります。ただ、クレオンの方が穏やかで、老成しているらしいことが、対話の仕方に表されます。クレオンとオイディプスの対話も、速いテンポで丁々発止と行われます。クレオンが自分を追い落とそうとしているときめつけているオイディプスが、きわめて感情的に、相手の言葉など聞く耳持たないという調子で、強く非難してくるのに対して、クレオンは相手の誤った思い込みを正し、落ち着いて話を聞いてくれと頼みます。by　神澤和明

  2019.03.29

• ギリシア悲劇を日本語に。(10)『オイディプス王』(4)

  一度、全員が退場し、テーバイの長老たちからなるコロスが入場してきます。彼らはテーバイの現状を歎き、神の助けが与えられることを祈る合唱をします。パロドスです。ゼウスやアテナ、アルテミスを讃え、彼らに願い祈る合唱で、芝居の展開を進めるものではありません。オイディプスが現れ、彼らにライオス王殺しの犯人について知っているならば、それを告げるようにと命じます。演技者とコロスとの対話です。その犯人だけでなく、彼をかくまった者にも厳罰が与えられることを宣言します。そしてこのとき、その処罰を厳格に行うことを強調するために、その犯人が仮に自分の家にいるようなことがあれば、その犯人にかけられる呪いは、自分の身にもふりかかるだろう、と言ってしまいます。これが後に、実際におこってしまうのですが。長老たちは、その犯人を名指すことができるのは、神託を下したアポロンだけであろうと言います。しかし神の口を人間が無理に披かすことはできない。であれば、それに次ぐ力をもった者、優れた予言者であるティレシアスに尋ねるのが最も良いであろう、と王に言います。オイディプスは、クレオンにそのように忠告されて、既にティレシアスを召喚していることを、彼らに伝えます。長老たちは、犯人は旅人であるという噂があったことを話します。旅人だと、彼にひっかかってきます。オイディプスは、その噂も聞いているが、目撃者はいないと否定します。そこにティレシアスが到着します。オイディプスとティレシアスの間の対話になります。コロスとの対話では、それぞれが長い語りを行い、互いに別々の演説をしている感じがしました。この対話は、それぞれが素早く短い言葉、問いかけとその答え、或いは拒否の言葉を交わす、テンポの良い展開になっています。テニスのラリーを見るようです。『勧進帳』で弁慶と富樫が交わす「山伏問答」のようです。『アンティゴネ』でもそうした対話があります。ソフォクレスが得意とする文体なのでしょうか。オイディプスはティレシアスから犯人の名前を聞きだそうとして迫りますが、盲目の予言者はそれを明かすことを拒みます。彼はそれがオイディプス自身であることを知っているのですが、それを告げることは、この王の家にまつわる忌まわしい出来事をすべて明らかにすることに繋がってしまい、それはオイディプスの破滅だけでなく、このテーバイの穢れをさらに深めることになると考えるからでしょう。しかしオイディプスはそのようなことは解りませんから、ティレシアスが真実を知っているのにわざとそれを明かさない、テーバイへの背信行為をしていると信じて怒り出します。そしてティレシアスが、この殺人に荷担しているのに違いないと言い出します。ここに至って、ティレシアスはその殺害者がオイディプス自身であることを口にします。激怒したオイディプスは、彼の言葉を信じないだけでなく、クレオンがこの予言者と謀って、オイディプスを王の地位から引きずりおろそうと画策しているのだと決めつけます。論理の筋を通そうとしながら、強い怒りがそれを踏み越させてしまうようです。この怒り方から見て、オイディプスは自分が責められた、攻撃されたことがほとんどないのかもしれません。また、ティレシアスに対する反感もうかがえます。ティレシアスは、アポロンがオイディプスに下した忌まわしい神託が、実現されていることをほのめかし、退場します。理性を失ったオイディプスは、クレオンを反逆者として告発し、処刑することを長老たちに宣言します。by　神澤和明

  2019.03.28

• ギリシア悲劇を日本語に。(9)『オイディプス王』(3)

  『オイディプス王』は、王の館の前にテーバイ市民たちが、嘆願のために押しかける場面で始まります。最初から緊迫した状況、少なくとも国全体が困難にあるという状況が示されています。館の前に設置された祭壇のところに、神官に先導され、市民たちが坐っています。老人も若者もいます。オイディプスが登場して、神官に、何故彼らがここへ来たのかを尋ねます。プロロゴスにあたる部分です。これが二人の語りで始まります。神官が先に口を切って、オイディプスが答えるという形と比べると、オイディプスがイニシアティブを持っていることがより強く示されます。この場面において、テーバイの国に疫病が蔓延しており、多くの市民が死んでいっていることが語られます。その苦難から国を救うのが王であるオイディプスの役目であり、かつてスフィンクスを倒してテーバイを救った、智恵に優れた人物である彼ならできるはずだ、と神官は言います。オイディプスは、今の国の窮状と市民たちの切なる願いを理解している、そして国のことを憂えている自分は、お前たちよりもずっと苦しんでいるのだ、と答えます。そして既に、この難儀を切り抜ける方法を神に尋ねるために、義弟のクレオンをデルポイの神殿に送り、神託を持ち帰るように命じた、と伝えます。クレオンは妃イオカステーの弟で、前の王ライオスが不在になったため、オイディプスが王に迎えられるまでの間、このテーバイの統治者をつとめていました。クレオンが神託を携えて戻ってきます。オイディプスとクレオンの対話になります。最初のエペイソディオンです。ギリシア劇における対話はあまり感情的にならず、極めて論理的に行われます。論争と言っても良いでしょう。哲学や弁論術がおおいに発達した時代、地域であることが反映されています。議論あるいはディベイトの趣があります。クレオンが持ち帰ったアポロンの神託は、この地に養われている穢れが疫病の原因であり、その穢れを払わねばならない、というものでした。その穢れの原因というのは、前王ライオスを殺した犯人であり、その人物を見つけ出して罰しなければならないというのです。オイディプスは、自分がこの国に来る以前の出来事であるから、その事件については知らない、と言って、クレオンに事情を尋ねます。何故、その事件が起こったときに、調査をしなかったのかとただし、その時はスフィンクスという目の前の大事があったため、調査に手が回らなかったと、クレオンは答えます。そして唯一人の生き残りの話では、大勢の盗賊によってライオスは殺されたそうだ、と教えます。オイディプスはその事件を始めから調べ直して、この犯人を見つけ出し、死刑か追放刑に処すことで穢れを払うと、宣言します。このとき彼は、自分がこの地に来る前におこった事件であり、かつ犯人が集団であるという情報から、これが自分に関わっているとは少しも思わず、安心して捜査に乗り出します。by　神澤和明

  2019.03.27

• ギリシア悲劇を日本語に。(8)『オイディプス王』(2)

  このアポロンの神託は、あまりに過酷なものです。最初にこの芝居に触れたときから、気になりました。なぜこのような不吉な運命がオイディプスに与えられたのか。これは彼の父親に原因があります。明かしてしまうと、オイディプスの父親は、彼に殺されたテーバイ王のライオスです。ライオスは若い時分、オイノマーオス国王、ペロプスのもとに身をおいていましたが、王子のクリューシッポスに恋をして彼を誘拐し（古代ギリシアでは同性愛はよくあることでした）、そのためにペロプスの呪いを受けました。アポロンはライオスに「男子を設けてはいけない。生まれた男子は父殺しとなり、一家の破滅の原因となるであろう」と神託を下したそうです。しかしライオスはその神託に反して、妻のイオカステーと交わって男子、オイディプスを設けてしまいます。それでライオスは息子を殺すことにする。身勝手な話です。ですから、ただ神が厳格というのではなく、その命令に背いたライオスに問題がある、と考えるべきなのでしょう。ライオスに下された神託では、「母との結婚」はまだ示されていません。なぜ、その宿命が付け加えられたのかはわかりません。夫とともに息子を殺すことに同意した、母イオカステーにも罰が与えられるべきである、ということなのかもしれません。「父殺し」のモチーフについてですが。ギリシア神話のはじまりで、天を表すウラノスと大地を表すガイアの息子であるクロノスは、ガイアと謀って、父であるウラノスの生殖器を切り落とし、彼をその地位から追い落とします。これは一種の「父殺し」です。クロノスは妹のレアを妻にしますが、ウラノスとガイアから、自分の子どもに支配権を奪われると予言されます。それで彼は生まれてくる子どもたちを次々と飲み込んでしまいますが、最後に生まれたゼウスは乳母たちに守られて無事に成長し、クロノスを倒して神々の王となります。息子が父親を倒すという行為が繰り返されるわけです。また、ウラノスはもともとガイアから生まれた存在ですので、彼がガイアと結ばれて子どもを作るということは、「母との結婚」のモチーフになります。ということは、オイディプスは神話の原初にあった二つのモチーフを再び体現しているといえるかもしれません。しかし、アポロンの行為はやはり、たちが悪いです。オイディプスが、自分は今の両親の本当の子どもかどうか尋ねに来た時に、それには答えずに、おぞましい予言をわざわざ告げたのです。こんなことをしなければ、彼は自分の運命について悩むことなく、穏やかにいられたでしょう。ライオスもオイディプスも、神託が実現しないようにと行動しました。しかし結局、その運命から逃れることはできなかった。オイディプスの場合は、そうするようにアポロンにしむけられた、ともいえそうです。神にとっては、人間が幸せになるかどうかではなく、自分たちの力が発揮される、予言が実現されることの方が、重要であるのだと思わせられます。by　神澤和明

  2019.03.26

• ギリシア悲劇を日本語に。(7)『オイディプス王』(1)

  『オイディプス王』のプロットは、一種のミステリ劇と言えます。前の王を殺した犯人を捜し出すその過程が、芝居の進行になっています。そしてその捜索全体に被さってくるのが、デルポイの神殿で授けられた、アポロンの神託です。この芝居が始まってすぐ伝えられてくる神託は、「前王ライオスを殺した人間がこの国にいる。その人物を探し出して処分しない限り、穢れは浄められず、このテーバイの国に蔓延している疫病を退散させることはできない」というものです。これが主人公オイディプスに、過去の殺人事件の犯人捜しをさせる動機となります。しかし実は、それ以上に重要な神託、この芝居のキーワードになる宣告が、オイディプスが生まれる前にアポロンから下されています。それはオイディプスの両親に対して下された神託です。それは、「お前の子どもはその父親を殺すであろう」というものであり、そのためにオイディプスの両親は生まれたばかりの赤ん坊である彼を、家来の羊飼いに殺すように命じました。ですがその男は赤ん坊を不憫に思い、殺さずにそれを外国の羊飼いに譲ります。その国の王に子どもがいなかったため、この赤ん坊はその国の王子として育てられます。赤児を山に捨てに行く時に、足首（ポド）にピンを貫いて運んでいったために足首が腫れていた（オイデイン）ので、オイディプスと名付けられたと言われています。彼が若者になったとき、知人から、自分は両親の本当の子どもではないと言われ、傷つきます。その真偽を確かめるためにデルポイ神殿へ参詣すると、アポロンはその質問には答えず、「お前は父を殺し、母親と結婚する」という、おぞましい宣告をします。これが彼の心にとりつき、彼はその神託が実現するのを恐れて、故郷を離れ放浪の旅に出ます。神託に抗しようとするわけです。放浪の途中で、彼はある四つ辻で老人を乗せた車と出会います。狭い道なのですれ違えない。しかしどちらも道を譲ろうとしないために争いになり、オイディプスは老人とその家来を殺して仕舞います。更に進んでゆくと、断崖にスフィンクスという怪物が坐っています。頭が人間、体はライオンというこの怪物は、旅人に謎をかけ、答えられない相手を食い殺すという、凶暴なやつです。その謎は、「声が一つで、朝は四つ足、昼は二本足、夜は三本足で歩くものは何か？」或いは「二人の姉妹で、一方が他方をうみ、また他方がいま一方を産むのは何？」という説もあります。前の謎の答えは「人間」、後の謎の答えは「昼と夜」です。オイディプスはこの謎を解き、スフィンクスは身を投げて死んでしまいます。彼が進んで行くと、テーバイの国があります。この国の人々はスフィンクスによってずっと苦しめられてきました。それを彼が退治てくれたのです。少し前にこの国の王、ライオスは所用で国の外へ出かけたのですが、帰ってこない。逃げ帰った家来の話では、盗賊団に殺されたとのこと。それでスフィンクスを倒した英雄オイディプスを王として迎え、女王のイオカステーを、彼の妃としました。これが芝居が始まるまでの話です。by　神澤和明

  2019.03.25

• ギリシア悲劇を日本語に。(6)

  すべての作品がこの構成をきっちりととっているわけではありませんが、役者による台詞のやりとりと、コロスによる合唱が交互に置かれ、コロスの退場で芝居が終わる（ということはコロスは登場したら出ずっぱりということです）ということは守られています。そういえば、能の地謡は、登場人物ではありませんが、舞台の進行を客観的に見ている存在です。最初から最後までずっと舞台にいます。衣装をつけず、紋付き袴の姿ですから、確実に観客の側にいるわけですが、現代の観客とは服装が違ってきましたから、見所から見ると、純粋に劇世界の人間として受け止められているかもしれません。アイスキュロス、ソフォクレス、エウリピデスと並べると、神と人間の関係性、登場人物の宿命ないし運命との向かい合い方に変化があるのが、感じられます。神とは人間を超えた存在であり、その意志によって人間を自由に操り、自分の定めたことに背いた場合には、非情なほどに厳しく罰を与える、ということは変わりません。人間は神や運命の力の前で無力である、という考え方も同じです。その上で、アイスキュロスの作品では、神が人間に下す運命はあまりにも強力であって、人間は抗す力すらもっていないように、描かれているように思えます。そして神が人間に対して語る言葉は、人間にはなかなか理解できない。起こってから、ああ、そういうことだったのかと気づくようなものです。人間は常に受け身であり、弱々しい存在に留まります。また、神は多数いるので、神が下す罰、運命もそれぞれあって、中には矛盾することもあります。オレステスのように、ある神が決めた、せねばならないことをしたために、別の神の怒りを買い、過酷な罰を受けてしまう。それは、人間が神の僕である以上、仕方のないことだという、救いのない考えがされているように感じます。ソフォクレスの場合、神の力は絶対であり、宿命も逃れられないものではありますが、それをどうしうようもないとあきらめて受け入れるのではなく、なんとかその宿命からのがれられないかともがく、そういう人間の姿が見えます。神に反抗するわけではないけれど、理不尽と思われる宿命からはできるだけ逃れでて、自分の人生を切り開きたいという希望があり、それに向かって努力をします。それでも神が定めた宿命からは逃れられないのですが、勝てない力に対して必死に自分を生きようとする、そういう人間像、意志の力に、観客は共感を覚えます。彼の作品には、シェイクスピア劇に共通するものを強く感じます。エウリピデスは、長生きしたソフォクレスと没年はほぼ同じ頃になりますが、かなり作品のテーマの置き方に違いを感じます。彼の作品は登場人物たちを、普通の人々に近い人格をもつ、まったく「人間」として描いています。その哀しみや怒り、驚きは、現在のわたしたちの周りに居る人たちと共通しています。そして神に対してひれ伏すので無く、理不尽な神の決めごと、得手勝手な行動に対して非難の声すらあげます。神の意志よりも、自分たちの思いの方が優先してくる、そんな描かれ方がしてあるように思います。by　神澤和明

  2019.03.23

• ギリシア悲劇を日本語に。(5)

  しかし観客の鑑賞レベルが上がるに従って、「阿国歌舞伎」が舞踊ショウから芝居である「歌舞伎」に変化していったように、古代ギリシア劇も必然的に演劇に変化してゆきます。資料によりますと、紀元前530年頃に、劇界の有力者であったテスピス（作品は断片すら残っていません。おそらくはプロデューサーのような立場の人でしょう）がコロスの他に登場人物が一名出る作品を、ディオニーシア（ディオニーソスの祭り）で上演したそうです。そこから対話のある演劇として、ギリシア悲劇が立ち上がってきました。アイスキュロスの時に、この対話する登場人物は二人に増え、ソフォクレスは三人にしたと言われています。残っている作品を見ると、確かに一つの場面で対話をする人物は、その作品の登場人物の総数にかかわらず、三人を越えません。逆に、多すぎても劇的興味が分散するようで、エウリピデスの時代でも、対話する登場人物が四人を越えることはありません。登場人物の総数はもっと多いのですが、これは一人の役者が何役も兼ねて演じたからです。仮面をつけて演技していましたので、その仮面を取り替え、衣装も変化をつければ、別の役を演じられました。演技者は男性だけで、女性の役も男性が演じましたから、ますます兼ねることは容易です。さらに、兼ねる役はいつも決まっているわけではありません。ですから前の場面でAを演じた役者が、次の場面でBを演じているところに、Aが登場してくるという場合があれば、他の役者がこの場面でのAを演じるということをしました。コロスの人数も時代によって変わります。始めは12人だったのが、次第に増えて15人を越えるようになってゆきます。これは、コロスをただひとかたまりの集団としてだけ扱うのではなく、一人一人に個性のようなものが与えられてきたからだろうと思います。ただ、登場人物が増えるのにつれて、芝居の中心が対話に打つって行き、コロスの役割は軽くなってゆきます。もともとはコロスの歌舞の演技が中心であって、それに登場人物が台詞や所作を行なって筋を展開する、「エペイソディオン」という部分が挿入されるという形をとっていました。多くの作品では、まず登場人物が幕開きの「プロロゴス」を語り、劇世界の設定を説明します。「前におかれる言葉」というような意味です。後の芝居で「口上役（プロローグ）」と呼ばれるものです。そしてコロスが登場して来て、歌います。「パロドス」と呼ばれます。「言葉」という意味です。それから俳優たちが対話をするエペイソディオンがあり、またコロスが歌い踊る場面がきます。これは「スタシモン」と呼ばれます。このエペイソディオンとスタシモンが繰り返されて芝居が展開され、大団円に至って、コロスが退場して芝居が終わります。この退場は「エクソダス」と呼ばれます。「脱出」です。このときに観客の心に「カタルシス（浄化）」がおこると定義されています。by　神澤和明

  2019.03.22

• ギリシア悲劇を日本語に。(4)

  古代ギリシア劇においては、コロスが主役だった、ということです。正しく言うなら、ギリシア演劇には始め、コロスしかいなかったのです。「コロス」は現在使われる「コーラス」の原義です。歌い踊ることが、この集団の本来の仕事です。日本で言えば、室町以前の「猿楽」や「田楽」といった、音曲や雑芸を演じる、バラエティショウを演じる集団だったと思われます。コロスがその集団だったのです。現存しているギリシア悲劇の戯曲は、古代ギリシアの演劇祭で上演され評価された作品です。古代アテネ市で、ディオニソス神を祀る「ディオニーシア」での催しとして毎年行われた演劇祭では、三日の間に三人の劇作家がそれぞれに、悲劇三編、滑稽な「サティルス劇」と呼ばれる笑劇一編の合計四作を上演し、順位をつけました。後には、同じ神を祀るレーナイアの祭りでも演劇祭が催されるようになりましたが、こちらは喜劇が中心に上演されていました。これはよく知られたことです。この演劇祭は、年に一度の大きな催しですが、それではそれ以外の時期は何もしていなかったのか？　そんなはずはありません。おそらく有力な劇作家のもとに職業的な演技者たちが集まって、恒常的に興業をしていたと推測されます。もちろん、地方にまだある村芝居のように、あるいは現在の市民劇団のように、農業などに携わっていた人たちがその時期だけ練習して上演を行った可能性もあります。当時の演劇状況についての記録、資料が乏しいので、なんとも断定はしにくいのですが、残っている作品の完成度、それが求める演技者の技量、また１万数千人を収容する野外劇場で演じる「度胸」を考えますと、劇場現場にいる経験から、やはり「プロ」が演じているだろうと考えるべきです。日本に例えるなら、大和の猿楽の「座」（「結崎座」等）や、近江の田楽の座のようなものだったと思います。歌舞が中心だったのなら、田楽の座に近いでしょう。そうしたいくつもの集団が覇を競ったのが、ディオニーシアの演劇祭だったのでしょう。当時の潜主であった、有力者のペイシストラトスによって始められたと言われます。足利義満のもとで、猿楽の座が「弓矢立合」を行い、有力者に認められて地位を得ていったような感じでしょうか。上演を行うのは三人の劇作家の集団ですが、作品は毎回公募されて多くの作品が集まっていたといいますから、最下位の三位でも、かなり優秀な作品です。三大作家といわれるアイスキュロス、ソフォクレス、エウリピデスの作品にしても、残っているものがいつも最高点をとっていたわけではありません。順位については、上演効果が大きく影響したはずです。アリストテレスが著した『詩学』には、古代ギリシア劇は元来、コロスの歌舞による、即興的な演芸であった、とあります。日本にもってくるなら、江戸時代が始まる直前の「阿国歌舞伎」のようなものでしょうか。これなら観客の知的・芸術テイストのレベルにかかわらず、楽しむ事ができます。歌とダンスだけのミュージカルショウと同じです。この段階では、コロスだけがあれば良いことになります。by　神澤和明

  2019.03.21

• ギリシア悲劇を日本語に。(3)

  ギリシア悲劇は、悲劇の伝統の先頭にあります。ですから当然、その言葉は韻文になっています。翻訳する際に、その要素はかなりが失われてしまうのは、仕方ありません。困るのは、言葉の並び方がかなり「自由」であること、使われる比喩が。わたしにわかりにくいことです。シェイクスピアよりも、かなり読みにくいです。作者の年代が古いほど、その困難は大きいです。それは文体の古さとか（英語訳も原文を写すので言い回しが古いです）、作劇術が洗練されていない、ということだけではありません。古い作品では、「対話」が少なく、多くの部分で、一人台詞が長々と続くからです。対話であれば、二人の人物が共通認識をもって言葉を発します。そこには客観性が生じますから、第三者であるわたしたちにも理解できる内容が展開されます。しかし一人台詞、特に相手を意識しないで語られる台詞は、語る人物の意見や感情を自分の言い方で表現する、極めて主観的な台詞ですので、その人物の人格、思想、知識を理解できていないと、ついてゆけなくなります。そして人物理解ということでは、古い作家ほど、わたしたちと考え方、感じ方のズレが大きい。それでアイスキュロスの作品は、ソフォクレスやエウリピデスよりもとっつきにくい、ということになります。ソフォクレスやエウリピデスの時代の人であるアリストファネスの喜劇作品は、散文ですので語順の問題はすくなくなりますが、バックボーンの知識が神話や伝説だけでなく、喜劇の本質として、当時の社会状況をかなり取り込んでいます。そこがちょっと、難しいところです。古代ギリシア劇を理解するには、コロスの役割をおさえなくてはなりません。劇中の人物とするのか、劇外の人物とするのか。その両方であるというのが、普通に認められている解釈ですが、上演する場合、宙ぶらりんの立場にしておくと、観客が混乱します。コロスは原則、その芝居の中でどんな人物であるのか、設定されています。『オイディプス王』であれば、テーバイの市民たちですし、『トロイアの女』であれば、滅ぼされたトロイの女たちです。その人たちに関して芝居が大きく動くという立場ではなく、芝居の動きを見つめて居るという立場にあります。観客と劇世界の間にいて、観客の気持ちや反応を表現する働きをもっています。傍観者と言うほど無責任ではありませんが、積極的に劇の事件に介入してゆくことも、原則としては、しません。外から見ていると言いましたが、ブレヒト劇のように批判の目で見るよりも、登場人物たちに同情、共感する態度をとっています。芝居が進行するのを助ける立場と言えるでしょう。現在の劇場で、わたしたちはよく「コロス」という役割を使います。この「コロス」たちは、主要な人物以外の役柄を、一人で何役も兼ねて演じます。一人の独立した人物を演じません。その芝居の世界から少し浮いた存在として、客観的に登場人物たちの行動を見ています。ですから、舞台では「従的」な存在のように思われがちです。しかし、古代ギリシア劇で活躍した本来の「コロス」は、そうではなかったようです。by　神澤和明

  2019.03.20

• ギリシア悲劇を日本語に。(2)

  芝居を読む場合、必ずその背景にある事柄を知っておかねばなりません。その芝居の事件が起こる時代について、様々な社会の出来事や政治形態、広まっていた宗教や思想、そしてその時代の観客が共通して知っていた知識。それは神話や伝説、歴史的な事件や人物など、広範囲にわたります。ギリシア悲劇の場合は、ギリシア神話及び伝説を知っていないと、ちんぷんかんぷんになります。ある出来事の原因は、その父祖の時代の行為の結果であるとか、この人たちやこの町がこう呼ばれるのは、これこれの神話的事件があったからだ、とかです。ギリシア神話は昔から好んで読んできていますが、翻訳する段になると自分がざっと知っている程度ではだめで、かなり詳しく、複雑な知識がいるので、かなり難儀をしました。ギリシアの神話や伝説は、同じ人物、同じ事件についても、諸説というか、本により、語る人によって、異同があります。劇作家がどの説によって書いているかを確認しないと、わたしが覚えている内容と、かなり違ってくるのです。たとえば、トロイ戦争でギリシアの船団がトロイに向けて出帆しようとするとき、神の怒りによって風が吹かず、海は荒れて、船が出られません。その時に、占いによって、ギリシアの総大将アガメムノンの娘であるイフィゲーネを生贄に捧げれば良いとお告げがあります。それでアガメムノンは娘を殺し、神の怒りは解かれて、ギリシア軍はトロイに向かうことができます。しかし娘が殺されたことを、妻のクリュタイメストラは深く恨み、アガメムノンが凱旋してきたときに、愛人のアイギストスと謀って、彼を殺します。そしてこの殺人が、さらにエレクトラとオレステスによる父の復讐、「母殺し」に繋がってゆくのですが。このイフィゲーネが神によって助けられ、他の島で生きていたという話もあります。これは結構、よく使われている異説です。また、スパルタ王、メネラオスの妻である、世紀の美女ヘレネーが、トロイの王子パリスによって奪われていったことが、トロイ戦争のきっかけになっていますが、このヘレネーは神によって作られた幻であって、本物のヘレネーは奪われていなかった、などという無茶な説もあります。細かい異同は数限りない。そういうところを、面白いともいえるのですが。地名や人名は、ギリシアの発音がわかりませんので、諸先生方の翻訳にある日本語表記を参考にしました。ただ、わたしがこれまで見慣れ、言い慣れていたものと微妙に違っていることが多いので、案配しながら表記を決めて行きました。同じ神、地域でも、いくつもの呼び方がされます。上演を考えると、それでは観客が混乱するので、なるべく統一しようと考えました。古代ギリシアは、小さな都市国家がそれぞれに競い合いながら、外国に対しては、「ギリシア」（へラースとも呼ばれます）という一つの共同体を形成しました。翻訳する場合、それぞれの単位を、「国」とすべきか「町」「都市」とすべきか判断が難しく、わたしは状況に合わせて、ふさわしいと思われる方を使いました。by　神澤和明

  2019.03.19

• ギリシア悲劇を日本語に。(1)

  ２月中旬から３月下旬にかけては年度替わりのため、非常勤講師は成績を出してしまえば、学校の仕事がありません。来年度の授業の準備も、教師生活が長いですから、４月に入ってからでも間に合います。仕事（？）に出かけるというのは劇団の指導と観劇くらいで、家に居る時間が増えます。それで、戯曲創作の勉強を兼ねて、戯曲の翻訳をしています。わたしが最も興味をもっているシェイクスピア劇については、これまで実際に上演した６本を含めて、気になる作品を18本、訳を作っていますので、この春は、やはり関心の深い、「ギリシア悲劇」に取りかかることにしました。以前、小さな上演のために、ソフォクレス作『アンティゴネー』は翻訳・上演台本を作りました。この台本は上演後も、大学や劇団での演技指導のテクストに使用しています。何本か勉強したい作品がありますが、今回はまず、ソフォクレス作『オイディプス王』とエウリピデス作『トロイアの女』を訳すことにしました。残念なことに、ギリシア語は勉強していませんので、英語からの「重訳」になります。よく行われていることですが、作者とは別の人の手を介していますから、「翻訳」と言ってよいのか、と気にはなります。それでも自分の日本語にしてその作品を理解してゆくことは、意味あることだと考えています。あくまでも、自分の研究、及び自分が演出や演技指導に使うテクスト作りのを目指した、自分への宿題です。ギリシア悲劇には、呉茂一氏や田中美知太郎氏、高津春繁氏、松平千秋先生、藤沢令夫先生による、素晴らしい翻訳があります。岩波や筑摩などから全集本や文庫が出ていますから、書店や図書館で、容易に利用できます。「ギリ悲」（ギリシア悲劇をこう略して読んだりします）を学ばれるなら、それらをお読みになることをお勧めします。ソフォクレス作『オイディプス王』"Oedipus Rex" は、言うまでもなく傑作として高い評価を受けている作品です。わたしも小学生の頃から好んでいる芝居の一つです。2400年以上前に書かれた芝居が、現在の劇場においても、名作としてレパートリーに入れられているというのは、偉大なことです。エウリピデス作品にも『オイディプス』がありますが、ソフォクレスの作品の方がずっと優れています。エウリピデス作『トロイアの女』"Troyan Women" は、トロイ戦争でギリシア軍に征服・陥落させられたトロイの女性たちが、奴隷としてギリシアに連れ帰られる、その悲哀を描く作品です。主要人物とコロスの人々が女性ですので、古典劇には珍しく女性の役が多い。大学や劇団の養成所では女性の数が多く、シェイクスピア劇などをテクストにすると女性が沢山余ってしまって困るので、女性の役が多い作品ということで選びました。もちろん、この芝居には戦争の無残さに対する怒りという、社会的なテーマもあり、登場人物の心理は現代人にも理解しやすいものになっています。現代劇に近いと言えましょう。また、モダンダンス舞踊家であるわたしの父が、かつてこの作品を舞踊劇として上演しており、それで親しみがあった、ということもあります。by　神澤和明

  2019.03.18

• ミュージカルの話・続々 　日本の創作ミュージカル

  日本のミュージカルというと、今の人は「劇団四季」を思い浮かべるでしょう。今、触れるのは、ブロードウェイ作品そのまま上演のものではなく、日本の創作ミュージカルです。四季にもいくつか、優れた創作ミュージカルはありますが、わたしが話したいのは、労音ミュージカルと新劇ミュージカルです。「労演」「労音」という組織がありました。労働組合活動が盛んだった頃、各地の組合組織を結んで、組合員の人格・教養を高め、日本の文化水準を上げてゆくことを目的とした、芸術を鑑賞する活動が、全国的規模で行われていました。演劇関係の企画をするのが「労演」で、音楽関係の担当が「労演」でした。他に、宗教組織が支える「民音」というのもありました。「労音」は従って、演奏会の企画が基本なのですが、オペラも取り上げます。その延長でしょうか、ミュージカルも取り上げていました。とはいえ、資本主義の典型であるようなブロードウェイの作品は取り上げません。日本の音楽文化水準を高めるという意図で、創作ミュージカルの製作に力を注ぎました。安部公房脚本、黛敏郎作曲の『可愛い女』が第一作でしょうか。ペギー葉山さんが主演だったように覚えています。右翼系思想をもつ黛敏郎作曲というのが、労働組合の活動を考えると、面白いです。挑戦民話に基づいた『春香伝』なども評判を得ました。労音ミュージカルで活躍したのが作曲家のいずみたくです。多くのヒット曲を持つ人ですが、もともと演劇畑から出た人だそうで、従ってミュージカルに強い情熱を抱いていました。クラシック系ではなく、歌声運動から出て来た作曲家には、そういう人をかなり見かけます。彼のミュージカル作品は、メロディが親しみやすいこと、レコード業界の近くにいたことなどの利点から、広く知られる曲が生まれています。永六輔と組んだ『見上げてごらん、夜の星を』は、定時制高校を舞台にしたミュージカルです。舞台ではデュークエイセスが歌った主題歌が、坂本九にカバーされてヒットしました。わたしは3年ほど、定時制高校の教諭をしていましたので、この曲に、そのころの生徒たちの頑張っている姿を重ね、聞く度にじーんとします。『夜明けの歌』『希望』なども彼の書いたミュージカルナンバーです。広く人の口にのる歌をもっていることが名作ミュージカルの一つの条件であるとされます。その点で言えば、いずみたくと言う人は、日本に数少ない素晴らしいミュージカル作曲家に違いありません。あえて他にあげるなら、宇野誠一郎、三木たかしくらいでしょう。いずみたくは東宝で、菊田一夫作の『歌麿』に曲を書いていますが、これは本が『ラ・マンチャの男』の焼き直しで（主演も当時の松本幸四郎）、つまらなかったです。自身で「フォリーズ」というグループを作り、いくつもの作品を発表しました。それらは、彼の死後も労演でとりあげられています。新劇ミュージカルの歴史も結構長いです。若い劇団の舞台に多かったです。福田善之の『真田風雲録』や、井上ひさしの多くの作品は、表現方法として歌が試される、実験的ミュージカルです。新劇ミュージカル作曲者といえば、林光が第一人者です。彼は早熟だったので、実に長い間、劇場のために仕事をしてくれました。自立オペラ団「こんにゃく座」の活動も注目されます。人形劇がミュージカルであると言いましたが、井上ひさし、山元護久による『ひょっこりひょうたん島』は、その音楽の使い方と完成度において、日本が誇って良いミュージカルだと思います。こちらでは宇野誠一郎が実に沢山の仕事をしています。今、ギリシア悲劇の翻訳をしています。次回からしばらく、そのことを書きます。by　神澤和明

  2019.03.16

• ミュージカルの話・続々 　レコード（CD)だけで知るミュージカル

  ラジオ番組やレコードで音楽だけ、せいぜいざっとした粗筋だけを知っている、とても気に入っているミュージカルがいくつかあります。舞台を観る機会がなかった、映画化されていない、あるいはされていても日本で公開されていない、脚本が出版されていない、といった作品です。『ブエノス・アイレスのマリア』が、わたしにとっての、その作品です。作曲は現代タンゴの巨匠、アストル・ピアソラです。以前にも書きましたが、わたしが高校生だったとき、NHK　FMの番組で、この作品を聞きました。ミュージカルを紹介する番組だったので、二枚組LPの、全曲ではなかったかもしれませんが、かなりの曲を聴きました。「タンゴ・オラトリオ」と紹介されていたと覚えています。貧民街で生まれ育った「マリア」という女性の苦い人生を描いていますが、出来事よりも心情にテーマを置いて、曲を綴っています。男性、女性歌手各一人に少人数のコーラス、作詞者が（これは悪魔でしょうか、運命でしょうか）語り手として参加しています。タンゴと言えば、アルゼンチン・タンゴにしろ、コンティネンタル・タンゴにしろ、ダンスのための曲、レビューのナンバーとして認識していたので、これだけ表現性に富んだ「芸術タンゴ」があるのかと、大変に驚き、ずっとわたしの心の中で、大きな場所を占め続けてきました。（後に、『ロミオとジュリエット』を演出したとき、この作品をバックに使い、40年近くたって本懐をとげました。）むせび泣くようなバンドネオンの音色が、また天から振ってくる運命のようにも響き、ハスキーなマリアの「ラララー」の歌声、官能的で暖かいテナーの甘い声、クールな語り手の声。わたしの感性にピタリと来ました。芝居の必要はない、まさにオラトリオとして上演されるべき作品ですが、当時はまだタンゴをクラシックの演奏会で取り上げることはなく、またタンゴ演奏者たちに、この作品を取り上げる気概はありませんでした。それで、わたしにはずっと、幻の作品だったのです。最近はユーチューブで、この作品の一部の演奏や、上演舞台の断片を見ることができます。今でしたら、ピアソラは人気を得て居ますから、新しい録音も出ているでしょう。タンゴが好きとか嫌いとかでなく、是非に聞いていただきたい作品です。ユーチューブだと、マリアのソロぐらいしか聞けませんが、序曲を始めとする演奏曲も、語り手のパートも素敵です。『ゴッド・スペル』というミュージカルがあります。イエスの最後の何日かを描く作品で、『ジーザス・クライスト・スーパースター』と内容はほぼ重なります。『ジーザス』は、はっきりとロックやクラシックが土台にあり、大がかりな作りをしていますが、『ゴッド・スペル』は非常にシンプルな音楽で、作りも大げさではありません。と言っても、この作品も例のNHK　FMの番組で聞いただけなので、詳しくは解らないのですが、曲を聞いた範囲ではそう推測しています。これも気になったので、イギリスに滞在したときにカセットテープで買いました。（残念ながら、今は劣化して聞けません。）ゴスペル調の歌があり、それがとても印象的です。"Be free"　というナンバー（「ミーレードー/↓ファー↑レー↓ファー/↓ミー↑ドー↓ミーレー」のメロディで始まる）がアカペラソロからコーラスにはいってゆくところが、とても好きなのです。『ジーザス』よりこちらの方が、わたし好みです。ロンドンにいたとき、地域の劇場でこれが上演されるポスターを見かけましたが、タイミングがあいませんでした。映画化されたかもしれませんが、日本で公開されていませんし、CDもこちらでは出ていないようです。見たい作品です。ロックグループ "The Who" のアルバムに "Tommy" という作品があります。見えない、聞こえない、話せないの三重苦を負った若者、トミーを主人公とした「ミュージカル」仕立てのアルバムです。素晴らしい作品です。"See me, hear me" と歌う若者の声が心に浸みます。ずっと以前に、映画で見た記憶があるのですが、ほとんど話題になっていません。by　神澤和明

  2019.03.15

• ミュージカルの話・続々 　映画ミュージカル(3)

  ウォルト・ディズニーの『メリー・ポピンズ』は、芝居としての主張や深刻さがないという以外、文句のつけようがないです。まあ、親子の断絶を取り戻すこと、人間は自分に素直に生きるべきであること、などが主張だといえば、それでも良いでしょう。文句なしに、見て幸せになる作品とは、これでしょう。イギリスの児童文学として評価の高い虎ヴァースの原作を、家族のだれでもが楽しめる映画にした脚本の妙、ハーマン兄弟による親しみやすく美しいメロディの数々、ジュリー・アンドリュース、ディック・ヴァン・ダイクら出演者のうまさと、どれも合格点ですが、それにアニメーションが巧みに合成されていて、舞台ではありえない、まったくファンタジックな世界を作りあげています。これはミュージカルを越えて、「メリー・ポピンズ・ワールド」とでも言う方が適切かもしれません。基本的にコメディです。ジュリーもディックも優れたコメディ俳優であり、素晴らしい歌手であることを証明しています。無理にテーマ性をみつけ、深刻さを求める必要はありません。最近、舞台化された『メリー・ポピンズ』を見ましたが、舞台で演じるということが何らかのテーマ性を求めるのでしょうか、余計なものがついてきていました。舞台機構を生かして、驚くようなファンタジーを現出し、それだけで良かったのに、と思いました。考えると、そもそもアニメーション映画はミュージカルの構造をもっています。『白雪姫』以来の長編アニメーションには、必ず何曲かの歌が導入されています。そして『星に願いを』や『ハイホー』のように、大ヒットした曲も数多いです。その傾向はますます強くなっています。『美女と野獣』はオペレッタ作品としても上位に来ると思いますし、『アナと雪の女王』は主演者たちのミュージカル唱法が専門家にも注目されていました。今はディズニーのアニメーション作品が、次々と舞台ミュージカルとして上演されるようになっています。舞台機構が改良され、不可能だと思われた表現が舞台でも可能になっています。こうした「2.5次元ミュージカル」は、わたしの好みではありませんが、『ライオン・キング』で行われたような、新しい視覚効果を創り出す革新的な演出が考案されて行くのであれば、演劇表現の可能性が大きく拡がってゆくと予想されます。アニメーションのついでに、人形劇ミュージカルについて一言します。人形劇は子どもの観客が多いことがあり、気が移りやすい彼らを引きつける手法として、昔から歌がよく使われています。登場するのが人形という「虚構」の存在であることで、非現実的な表現をより取り込みやすいこともあり、人形劇と歌は相性が良いようです。着ぐるみによるミュージカルもよく演じられています。着ぐるみの場合、人形が表しているキャラクターと、それを演じる人間の体形とに、どうしてもギャップができてしまいます。人形つかいが操る人形劇の方が、ひとつ距離を置いた舞台現出として、歌やイリュージョンが素直に使えるように思います。人形浄瑠璃はミュージカルではないでしょうが、人形劇と音曲が相乗的に効果を上げている、好例ではないかと考えます。by　神澤和明

  2019.03.14

• ミュージカルの話・続々 　映画ミュージカル(2)

  映画ミュージカルでは、優れたダンス場面が見せ場になることが多かったです。ともかく心が浮き立ち楽しめる、というそうした作品のトップスターがフレッド・アステアでした。彼の映画の筋書きはどれも他愛がありません。昔のブロードウェイの喜劇そのまま、誤解やすれ違いが原因でおこるドタバタ事件が、洒落た会話でつづられてゆきます。そこにアクセントとしてダンス場面が導入されます。アステアのダンスは全身の動きが優美で、ステップも軽々と自然に踏まれ、頑張っているという感じはなく、水が流れるように、実にスムーズです。そして彼の一番の長所は、自分だけでなく、相手役までもうまいダンサーに見せてしまうということです。これはよほどの技術をもち、相手の動きをすっかり受け止め、リードしてあげないとできません。それをあたかも自分は何もしていないように見せている。『トップハット』と『バンドワゴン』がわたしは気に入っています。わたしの目指すミュージカルとは違い、超一流のダンサーの「芸」を見て楽しむものです。『パリのアメリカ人』は、いわば実験的映画でしょう。アステアに次ぐダンサー・スターのジーン・ケリーが、ダンス表現を徹底的に見せようとして創ったミュージカルです。二人を見比べると、アステアは軽々と、ケリーは力いっぱい踊る、という感じがします。彼と共同監督をしたスタンリー・ドーネンも、もともとブロードウェイで活躍したダンサー、振り付け師でしたから、まさにダンスシーンのための映画になっています。ジョージ・ガーシュインのヒットソング、及びクラシック音楽を意図して書かれた曲が使われていますから、音楽も楽しいです。ただ、芝居としてはあまり買いません。むしろ、無声映画からトーキー映画に変わる状況を描いた、バックステージ物の『雨に歌えば』の方が、ミュージカルとしてはよくできています。二人の偉大なダンサースターに対して、映画における歌の大スターはハワード・キールでした。クラシカルな朗々と歌い上げる唱法で、オペラ好きのわたしは彼の映画をよく見ていました。彼が主演した映画オリジナルとしては、『略奪された七人の花嫁』がなかなかに良かったです。開拓時代の西部が舞台で、撃ち合いはありません。七人の男兄弟が腕力にまかせて、結婚相手を町から連れてくる、題名通りの映画です。この映画は歌にも良いものがありますが、兄弟たちが町の男たちと踊り比べをする、長くて迫力のあるダンス場面が大きな見せ場になっています。映画が見せる物である以上、ダンス場面をもつミュージカルがその大きな柱になったのは、当然といえます。しかし舞台の場合は、延々とダンス場面が続くというのは、うまくないでしょう。歌手やダンサーを主人公としたミュージカル作品は、舞台にもたくさんあります。映画においては、"A sta is born" 『スター誕生』がその筆頭です。何度もリメイクされていることで、それが証明されています。無名の娘が大スターに認められて、デビューします。彼女もスターとなり、二人は結婚します。妻の方は更にステータスが上がってゆきますが、反対に夫の方は人気が落ちてきます。焦った彼は酒に溺れ、心配してくれる妻にも、つらくあたります。夫のせいで妻の立場もわるくなってゆくことに気づき、夫は自ら命を絶ちます。映画或いは音楽の最も大きな賞をとった妻は、授賞式のスピーチで、自分は夫の力があったからここにいるのですと、はっきりと語るのです。まあ、進展が予想される話なのですが、物語のポイントに挿入されて行く歌の場面が、そういうスターを主人公にしているために不自然でなく、芝居の盛り上げを助けてゆきます。スターを主人公にした舞台劇が多い昨今ですから、こんなミュージカルの作法、演出法が、舞台作りに役立つのではないかと思います。by　神澤和明　

  2019.03.13

• ミュージカルの話・続々 　映画ミュージカル(1)

  わたしが小学生、中学生のころ、ミュージカルに触れるには、どうしても映画とレコードがその手段になります。東宝が最初のブロードウェイミュージカルの上演として、やっと "My Fair Lady" を江利チエミ、高島忠夫主演で上演したころです。舞台で観る機会は、まだ少なかった。ですから、ミュージカル映画というのは、大切な勉強手段でした。自分が認めるミュージカルの定義、創りたいミュージカルを舞台のもので考えてきましたが、映画オリジナルのミュージカルについても、この際、少し述べてみます。舞台の映画化ではなく、映画オリジナルとして創られたミュージカルも数多くあります。その中で非常に印象強く観たのが、フランス映画の『シェルブールの雨傘』です。ジャック・ドミー監督の作品で、全編が歌という、今は増えましたが、当時は大変に珍しい作品でした。音楽はミシェル・ルグランです。多くないメロディをモティーフとして繰り返し、場面を進めて行きます。シャンソンを思わせる主題歌の旋律が、大変に美しいです。愛しあう若い恋人二人。しかし男は出征し、長い戦争の間に、連絡も途絶えてしまいます。女は男を待つことができず、自分と母を助けてくれる金持ちの男性と結婚します。戦場からようやく帰ってきた男は、気持ちがすさんでしまっていましたが、自分を支えてくれる親戚の娘と結ばれます。何年か経って、男が経営するガソリンスタンドに、給油のため車が停まる。乗っているのは、かつての恋人とその子どもです。互いに相手を認め、短い言葉を交わし、それぞれの今の生活を大切にするため、車は立ち去って行きます。そこに流れる主題歌。もし戦争がなかったら。運命の勝手さというのでしょうか。彼らが幸せか不幸せか、などと愚かなことは問いません。ただ、それが人生というもの。なんてセンチメンタル、切なく美しい作品でしょう。そして、おとなの作品です。ジャック・ドミーはミュージカルが好きな監督で、ルグランと組んでこの後『ロシュフォールの恋人たち』『ロバと王女』と、３本のミュージカルを撮っています。主演は３作ともカトリーヌ・ドヌーブ。２作目、３作目は、一般的なアメリカンミュージカルのテイストでした。だから、いまいち。『ロシュフォール』ではジーン・ケリーとジョージ・チャキリスが出演しました。ということから、彼のミュージカルの嗜好性がうかがえます。『シェルブールの雨傘』は、特別な一本だったのでしょう。ヨーロッパの映画では、ミュージカルではなくオペレッタ映画というべきもので、ドイツ映画の『会議は踊る』に興味をもっていました。ナポレオン失脚後、ヨーロッパの政治体制を検討するために、各国首脳がウィーンに集まって会議を開いた。そのウィーン会議を背景に、身分を隠した王族と町の無邪気な娘の悲恋の物語です。と言っても、暗いものではありません。白黒画面に時代を感じながら、"Das ist einmal" の軽快な歌に、のどかな気分になっていました。ああいう作品を、「ウィズソングス」形式かヴォードビルとして上演するのは面白いなと思っています。by　神澤和明

  2019.03.12

• ミュージカルの話・続々 　ロック・オペラのこと。

  ブロードウェイ・ミュージカルにロックが入ってきたのは、『ヘアー』以降だと言います。ベトナム戦争をテーマに、反戦を歌ったこのミュージカルは、舞台で出演者が全裸になるというスキャンダルも話題となりました。徴兵忌避した若者と、拒めずに戦場へ送られ、身体と精神に傷を負った若者。ベトナム戦争から帰還した人たちに残されたトラウマが、このころから多くの芝居や映画で取り上げられて行きました。芝居としては不十分な作品ですが、強く訴えたいものを持ち、それまでのアメリカ演劇の縛りや規制にぶつかっていったのは、素晴らしいことです。若者の止められない意志の力です。この作品で、ブロードウェイが一つ殻を破ったように思います。"Aquarius" "Hair" "Let the sun shine" と、いかにもロックらしい昂ぶった良い曲が多いです。わたしは "Good morning, star shine" が、口ずさみやすくて気に入っています。日本でも時々上演されますが、「戦争」と縁遠いところにいる日本の若者では、大事なものが脱けてしまうでしょう。大学卒業前にロンドンに行ったころ、向こうの劇場で『ジーザス・クライスト・スーパースター』の初演を見ました。「ロック・オペラ」と銘打っていて、台詞がない、歌ばかりだけど、オペラというのはどうかな、と思っていました。この作品の良さは、ノーマン・ジェイソン監督の映画版を観たときに、よくわかりました。一面の砂丘、エレクトリックギターに導かれて序曲がる中、若者たちが映画撮影の準備をし、十字架を立てる。そしてユダ役の黒人青年が、不安感に満ちた調子で「おれの心は今、はっきりした」と歌いだし、「ジーザス」とシャウトする。『ウェストサイド』に通じる、緊迫感に満ちた出だしに、これはドラマだと思いました。話の展開が速く見やすいですが、あまり深さは感じません。メロディは豊富で、メンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲をパクったような『私はイエスがわからない』とか、『ホザンナ』とか、受けそうな曲がいくつもあります。しかし圧巻はタイトルソングで、スタジアムいっぱいの群衆の上から、プレスリーかと見まごうような白い衣装のユダが降りてくる。ドラマとつながっているようで、実はぶっ飛んだ場面作りと、大げさなジーザス応援ソングに、圧倒されました。自分が作りたいミュージカルとは違いますが、これはこれで、たいしたパフォーマンスだと思います。『レ・ミゼラブル』は、ドラマとしての骨格がしっかり出来ています。感動を作り出す展開の仕方も優れています。台詞が歌になったというより、始めから歌われるものとして台本が書かれている。ですから「オペラ」に本当に近い形式の作品だと感じます。こうなると、音楽と演出の力が大きいです。音楽の作り方が、ワーグナーの楽劇のように途切れずに進んでゆくので、個々の楽曲というよりも、ライトモティーフのそれぞれを独立したソングと考える、という考え方をすると良いのでしょう。向こうの舞台や映画を観ていると、今のうまい役者は歌でも台詞に負けずに感情表現ができると、思い知らされます。ただ悲しいとか、嬉しい以上のことまで、ちゃんと表現します。こういう作品なら、オペラとして演出してみたくなります。いや、作曲者と組んでつくってみたい。わたしはストレートプレイを基本に芝居をしているので、歌だけのミュージカルというのは自分の領域という気はしませんが、結構、認められる作品もありますね。by　神澤和明

  2019.03.11

• ミュージカルの話・続々 『ラ・マンチャの男』(2)

  脚本作者であるデイル・ワッサーマンは、『カッコーの巣を越えて』の舞台化でも高い評価を受けていました。あの芝居の主人公は、自由を抑圧する精神病院の決まりに反発し続け、自分を主張する行動を続けた結果、ついにロボトミー手術を施されてしまいます。自発意志を失った抜け殻の彼に、「尊厳ある死」を遂げさせるために、友人になっていたアメリカ先住民の男が、彼を殺します。厳しく哀れで、しかし納得が行く結末でした。人にとって生きている証とはなにか、自由を失うことはどれほど無残なことなのか。人間というもの、生きると言うこと、個人の自発的意志、自由はどんなことがあっても守られねばならないこと、そうした主張がありました。ワッサーマンは、そうした主張を作品に落とし込んで行く作家のようです。作詞はジョー・ダリオン、作曲はミッチ・リーです。このコンビの他の作品は、残念ですが名前を聞きません。舞台がスペインですので、リズムを刻むギターと、高らかにファンファーレを奏でるトランペットの音が印象的です。牢名主から劇の上演を強いられたセルバンテスが、キハーナがなぜ自分を騎士のキホーテと思いこむようになったのかを語りながら、舞台上で老人のメイクを始めると、音楽が入ってきます。不格好なよろいを身につけて、二人の男が馬の頭と布を被って馬とロバになり、それにまたがると、彼はドン・キホーテとなって颯爽と歌い出します。「耐えがたいほど穢れきった世の中よ。今、旗印を上げて、一人の騎士が立ち向かう。われこそ、ドン・キホーテ、ラ・マンチャの貴族。運命がわれを呼ぶ」。なんとも勇ましい曲です。これに合わせて馬がタップを踏むのが面白い。風車に突撃してヨレヨレになり、やっとたどり着いた宿屋を城だと思い、そこで働くアルドンサという「あばずれ」を、騎士それぞれが胸に抱く「想い姫」のドルシネアだと信じます。ここで彼が歌う『ドルシネア』という曲は、きれいなセレナードです。「見たことも触れたこともないけれど、ずっと心に思い描いていた姫」と歌う、これはラブソングと言えるでしょう。最も有名な曲が、"The impossible dream" 「かなわぬ夢」です。"Quest" とも呼ばれていました。これは「騎士の遍歴」を意味しています。不可能だと解っていても、それでも此の世界に正義と真を回復させるために、力の限りを尽くして戦う。手の届かない星に向かって手を伸ばすのだ。これが騎士の勤めだから。ゆったりした平坦なメロディで、決して勇ましいという曲調ではありません。長さも短めです。でも聞き込むほどに、胸にしみいってくる名曲です。『ラ・マンチャの男』を知る前に、NHKで放送されたアメリカのショウ番組の中で、サミー・デイビス・JRがこの歌を歌っていました。わたしにはこれが、未だにこの曲のベストプレイです。強い人、偉い人よりも、どこかにコンプレックス、人から下に見られるものをもっている人の方が、この曲の真底にふれることができるのでしょうか。劇中劇は、死の床にあるキハーナのもとにアルドンサがやって来て、あたしをドルシネアと呼んだ人がいた、思い出してちょうだい、と請願します。それが彼の気力を奮い起こし、再びキホーテとなってベッドから立ち上がり、われこそはドン・キホーテと歌いながら息絶えます。劇中劇が終わったところに、セルバンテスに裁判所から呼び出しがかかり、天井が下りてきて上に上がる階段になります。恐ろしい宗教裁判に向かって進むセルバンテスを、囚人たちが「見果てぬ夢」の合唱で勇気づける。このラストシーンは感動なしに見られません。こんな「芝居」をつくりたいです。 by　神澤和明

  2019.03.09

• ミュージカルの話・続々 『ラ・マンチャの男』(1)

  こうやって書いていると、わたしが優れたミュージカルと考えるのは、ドラマがきっちりと書かれていること、登場人物がはっきりした個性をもち、芝居の中で成長してゆくこと、作者に、社会のもつ差別構造や、人々が無意識にもっている偏見に対する「抗議」が存在していること、そして音楽がその作品世界を暗示する要素をもち、適切な場面で使われていること、こういう条件をもつもののようです。あと、心に残るメロディやダンスがあれば、更に良いです。いや、良い作品であれば、適切に導入される歌やダンスは、必ず印象に残ります。作品に触れたのは、これまでに触れた作品よりもずっと後なのですが、わたしがベストだと思うミュージカル作品は、『ラ・マンチャの男』です。言うまでもなく、ドン・キホーテの物語です。正確には、主人公はミゲル・セルバンテスで、宗教裁判のため投獄された彼が、他の囚人たちの前で演じる劇中劇の主人公がドン・キホーテ、いや自分を遍歴の騎士ドン・キホーテと思い混んでいる老地主・アロンソ・キハーナなわけです。複雑ですね。この二重構造はセルバンテス＝ドン・キホーテを押さえ込んでいる「大きな力」の普遍性を示します。時々、裁判所からの呼び出しが来て劇中劇を止めことで、その力が重ねあわされます。セルバンテスを抑圧しているのは、宗教裁判所という権威であり、彼の諷刺的批判を苦々しく思っている政府という権力です。しかしこの芝居は、宗教や政治による圧迫を告発することがテーマではありません。作者が言いたいことは、劇中劇、ドン・キホーテの物語にあります。彼の本来であるアロンソ・キハーナは、誇大妄想にとりつかれた、ヨボヨボの老人です。それが世間の見るところです。ある意味、終わった人、価値がほぼ無い存在です。しかし彼は自分を騎士、ドン・キホーテと信じこみます。そして悪がはびこって穢れてしまった世界を正しくするために、命がけで悪魔たちと戦い抜くことを自分の使命とし、ガラクタの鎧をまとい、やせ馬に乗って旅に出ます。気の良いお供のサンチョ・パンザを連れて。彼を押さえ込もうとしているもの、彼が戦いを続ける相手は、世間の人の「常識」、物事を外に現れるものでしか判断しない見方、考え方なのです。無力な老人、アロンソ・キハーナしか見ない、正義の心に溢れる憂い顔の騎士、ドン・キホーテを認めることができないのです。それはアルドンサについても言えます。世間の目からは彼女は「宿場の飯盛り女」、あばずれにしか見えません。しかしキホーテには、彼女の心の美しい部分が感じ取られる、それで彼には彼女が、自分の "Lady" 「想いの姫」ドルシネアと見えるのです。外に現れる事実しか見ようとしない人々は、真実こそを尊重し、それを求める人にとって、倒すべき敵です。ドン・キホーテが立ち向かって行く悪魔とは、そんな人々の心であり考えなのです。"Facts are the enemy of the truth" 「事実は真実の敵だ」というセルバンテス＝ドン・キホーテが心から叫ぶ言葉こそ作者が主張することであり、わたしの心に強く響く哲学です。『ラ・マンチャの男』ドン・キホーテに、私のもう一人の憧れ、シラノ・ド・ベルジュラックがなんとなく重なってきます。シラノは醜い容貌のために愛する女性を友人に譲り、しかも彼の恋が成就するように力を尽くす。そして死んでしまった友人に誠意を尽くし、自分の恋を女性に明かさずに命を終えます。彼の「事実」は巨大な鼻の容貌魁偉な人物ですが、彼の「真実」は女性への愛に命をかけ、その人の幸せのために自分を犠牲にした、大変美しい男性であったのです。by　神澤和明

  2019.03.08

• ミュージカルの話・続々 『ファンタスティックス』(2)

  芝居の内容は複雑ではありません。若者の恋愛と、それを助け見守る大人のお話です。「恋がかなったロミオとジュリエットの喜劇」という趣があるとも言えましょう。恋への幼い憧れと興奮。恋がかなった後にくる幻滅。世間知らずの若者が人生というものを知ってゆく過程が描かれてゆきます。余白に空想をふくらませて絵を描ける、舞台劇の楽しさに満ちた舞台です。そして、おとなになって社会に出て行く、厳しい世間を知ることで繊細な心を痛める若者の切なさも、感じとられます。若者のマットとルイザは隣同士で互いに好き合っています。それぞれの父親は（母親は出て来ません）二人を結婚させることをもくろみ、わざといがみ合っているフリをして、「親の許さぬ恋」に若者たちの気持ちを高揚させようとしています。父親たちは、現れたエル・ガロとその仲間にルイザ誘拐の一芝居を打ってもらい、マットが彼女を救うことで恋を進展させようと企てます。切り抜きの月が浮かんだその夜、滑稽な冒険騒ぎが繰り広げられ、若者たちは幸せに抱き合います。これで終われば楽しいだけの喜劇ですが、休憩のあと様子が変わります。この事件の真相を知った若者たちは、仕組まれた恋に反発し、またお互いに喧嘩を始めます｡マットは社会を知るために家を出て行きます。ルイザは、大人の雰囲気をもつエル・ガロに恋をしてしまいます。エル・ガロは彼女を成長させるため、駆け落ちの約束を破って姿を消します。小身のルイザのところへ、社会にもまれ傷ついたマットが帰って来ます。そして二人はあらためて、恋人として抱き合います。「傷つかない心は虚ろ」という歌詞が聞こえます。少し切なく、とても暖かい終わり方です。狂言回しである恋愛請負人のエル・ギャロ、なかなかに粋な人物で、人生に酸いも甘いも心得ています。その手伝いをする老俳優と死ぬのが得意なインディアンの、滑稽な二人組。幼い恋人同士のルイザとマット。その二人に妨げられる恋の妙味を味あわせたいと、不仲を装う彼らの父親二人。舞台の進行を助け、みんなの様子を眺めているミュート。登場人物たちがそれぞれに興味深い性格を持っています。舞台の最初と最後にエル・ギャロが歌う "Try to remember" は、甘酸っぱい青春の香りがします。どこか民謡（フォークソング）の感じがあって、懐かしいメロディです。わたしはこの歌を最初、ミュージカルとは無関係に、「ブラザース・フォー」のコーラスで聴いて以来、大変に気に入っていました。「思い出してごらん、９月の優しさを。人生はゆっくりと進み、まろやかで甘いものだった」という歌詞は、このミュージカルの雰囲気にピッタリです。by　神澤和明

  2019.03.07

• ミュージカルの話・続々 『ファンタスティックス』(1)

  オフ・ブロードウェイで画期的なロングランとなった『ファンタスティックス』は、そのシンプルな舞台作りに驚きました。それまで、ミュージカルは大掛かりな作り方をするもの、という意識がなんとなくあったのですが、その思い込みがなくなりました。床から少し上げたところに、木の平たい板（プラットフォーム）があり、そこが演技空間です。プラットフォームの四方を、細い柱が貫いて伸び上がり、その二本にロープを掛け渡して、タイトルを書いた、厚めの布が掛けられています。背景はありませんが、切り抜きの月が後ろに下げられ、夜を表します。また、時に棒が立てられて、「壁」を表現します。これだけで、この芝居の感じ、どのような作りなのか感じられそうです。序曲が始まると出演者たちが登場し、宝箱のような「小道具入れ」を運びこみ、そこで衣装の仕上げをします。観客の前で準備するのを見せるのです。即興的に芝居を作って行く、と見せかける仕掛けをしています。リアルに現実的な人間を演じるのではなく、いかにも物語の登場人物と見せる演技は、あるいは家庭や教会、学校で軽いイベントとして行う「劇ごっこ」のような気分さえ漂わせます。これは普通の芝居ではよくある舞台作りではありますが、ミュージカルでは経験していなかったので、ちょっと驚きました。演奏楽器は、ピアノとハープだけです。舞台とともに、音楽家が見えます。演技者が演奏家のところに寄っていったりもします。出演者は８人、その一人は "The Mute" という役名で、台詞はしゃべらずに、パントマイムで演技します。この脚本には、『シラノ・ド・ベルジュラック』で知られるエドモンド・ロスタンの "Les Romanesques" という芝居に "suggested" されたとあります。題名からして、夢見る若者が中心の、ロマンティックな芝居だと思わせます。"based" でも、"adapted" でもない、かなり彼ら独自の発想でミュージカルを立ち上げたということなのでしょう。基になった芝居は日本では滅多に上演されませんし、脚本で読んだこともありませんが、わたしはかなり以前に旧「新歌舞伎座」（変な言い方になりました）で行われていた「大川橋蔵特別公演」で、この戯曲を江戸時代の出来事に翻案した、『剣客商売』（池波正太郎作品とは違います）という一幕喜劇を観たことがあります。『銭形平次』に三ノ輪の万吉役で出ていた、悪役が似合う遠藤太津朗さんが主役でした。詳しくは覚えていませんが、小品だけど意外と面白い舞台でした。このミュージカルの脚本・作詞はトム・ジョーンズ。フィールディングの小説の主人公や、"Love me tonight" で知られるビッグ・シンガーを連想してしまいます。言っては悪いけど、平凡な名前です。作曲はハーヴェイ・シュミット。学生時代からのコンビだそうで、この作品も始めは大学で上演する一幕物として作られ、そこから発展させていったと聞きます。この後の作品で知られているものに "I do, I do" "Celebration" などがありますが、いずれも装置をあまり使わず、客席に語りかけてくるような演技が行われる、欧米の小劇場的芝居です。初演は1960年3月3日、オフブロードウェイのサリバン・ストリート劇場でした。by　神澤和明

  2019.03.06

• ミュージカルの話・続々　『マイ・フェア・レイディ』(5)

  作曲者のフレデリック・ロウはベルリン生まれで、ウィーン出身の音楽家で、ピアニストとしてベルリンフィルとも共演したそうです。父親はオペレッタ歌手で、『メリー・ウィドウ』のダニロ伯爵が当たり役だったそうですから、かなりの人気者に違いない。それでニューヨークに呼ばれ、フレデリックもアメリカで活躍することになりました。彼の音楽は、言葉が聞き取りやすく、覚えやすい優美なメロディが特徴だと思います。ロジャースのように、作品世界を特徴的な音楽で示すとか、劇的に歌い上げるといった曲調ではありませんが、聴くと好きになるというタイプの作品です。聴いていると、クラシックの味わいが確かにあります。「踊りあかそう」や「君住む街かど」に、その色合いが強いと思います。また、「運が良けりゃ」「時間通りに教会へ」 "Woudn't it be lovely" 「素敵じゃない」には、明るいオペレッタ曲の気分がいっぱいです。ジャズ的な曲は少なく、"Show me!" が、ちょっと色が違って、アメリカンの感じがします。『マイ・フェア・レイディ』には、ダンスの要素は乏しいのですが、「アスコット競馬場」の場面が、ダンス気分のある場面です。ステージングと言った方が適切だと思います。ほとんど居所代わりによる、マスゲームのような動きですが、社交場に集う上流階級の気取りという気分が良く出ています。振り付けたのは、アメリカのモダンダンス界で地位を得ていたハニヤ・ホルムです。実はわたしは、モダンダンスの実践者である父とともに、ニューヨークで彼女に面談したことがあります。老齢にありましたが、ダンサーらしく精力的な人でした。モダンダンスの話をしに言ったので、『マイ・フェア・レイディ』の話は特にしませんでした。もうずっと昔の話です。アメリカのミュージカルは、バレエやモダンダンスなどのジャンルを積極的に取り入れてきました。ジェローム・ロビンス、アグネス・デミルやトワイラ・ソープ、またマーサ・グラハム、アルヴィン・エイリーの舞踊団に人たちが、活躍しています。こうした点は、クラシック音楽の伝統が基盤になってきたヨーロッパの音楽劇、オペラやオペレッタと違うところでしょう。アラン・J・ラーナーは現代劇の「脚本家」という意識、ミュージカルの変革への熱意が強かったように感じられます。ただ、彼が望むレベルまでは到達出来なかったのでしょう。『マイ・フェア・レイディ』は完成された脚本ですが、それまでのミュージカルへの認識を変えるものではありません。他の作品、『ブリガドゥーン』『キャメロット』、西部劇が背景の "Paint your wagon" 、いずれもそうです。ロウと別れ、バートン・レーンと組んだ "On a clear day you can see forever" は、未来を見通す能力を持った不思議な女性がヒロインの、時間を越えた恋愛の話で、それまでのブロードウェイミュージカルとは異なる不思議な作品ですが、映画版（イブ・モンタンとバーブラ・ストライザンド主演）で見て、どうも解りにくい作品でした。ラーナーが目指したのは、社会の中に人間が創り出す「差別化」の愚かさ、そして男女の間における常識的な観念にとらわれない愛情のあり方を、描くことだったのだとわたしは思っています。ラーナー＆ロウの映画オリジナルミュージカルとして、『ジジ』（これは舞台化されています）と『星の王子様』があります。『ジジ』は素敵な小品ですが、『星の王子様』は残念な作です。by　神澤和明

  2019.03.05

• ミュージカルの話・続々　『マイ・フェア・レイディ』(4)

  脚本のうまさは、ミュージカルナンバーにも、強く表れています。始めの場面、コヴェント・ガーデンに集う庶民たちの言葉を聞いて、その出身地をあてて行く男。これがヒギンス教授です。ここで彼は、ひどい訛りによって英語の美しさが破壊されていると嘆いて、歌います。"Why can't the English teach their children how to speak?" 「何故イギリス人は、子どもたちに英語の話し方を教えることができないのだ？」このナンバーを聞いたとき、目からうろこが落ちる、という感じでした。歌であると同時に台詞です。語りと歌が同じレベルで演じられている。ミュージカルの歌は朗々と歌うものだと思いこんでいたのが、すっかり覆りました。しかも、台詞としても歌としても素晴らしく演じられています。オペラのレシタティーヴォとも違う、ミュージカル独特の歌（台詞？）。ともかく頭を下げました。このナンバーが生きたのは、演じたレックス・ハリソンの力が大きいでしょう。彼は本来、舞台と映画の名優です。イギリスの舞台俳優はシェイクスピア劇を必ず勉強してきますから、台詞を聞かせる、「歌う」ことを修行しています。念のために言いますと、歌うとはもちろん内容と感情を込めていることで、ただ音を聞かせることではありません。ハリソンは歌うと語るを自在に行き来し、素晴らしい演技を見せてくれました。アップビートのアクセントで、流れるように次の言葉に続いて行く、英語の特徴をうまく生かしたとも言えます。ヒギンスの甘ちゃん貴族の自信家という雰囲気も着実に漂わせていました。ですから、ブロードウエイ、ウェストエンド公演でのオリジナル・キャストで、映画でもこの役を演じたのも、当然です。ついでに、『キャメロット』のアーサー王もこの技巧の歌があります。初演したのは名優のリチャード・バートンでしたが、ハリソンほどにはこなせていませんでした。"The rain in Spain" のナンバーは、その芝居上での意味、内容、置かれた場所ともに、文句ありません。正しい英語発音を学んでいるイライザ。ロンドンの下町訛り（コックニーと言います。オーストリア英語もこれです）では、フランス語のように "h" が消え、"a" は "ei" と発音するときでも、常に "ai" と発音されます。ですから "The rain in Spain stays mainly in a plain," と言う文章をイライザは「ザ・ライン・イン・スパイン・スタイズ・マインリィ・イナ・スパイン" としか発音できない。それを矯正するために、ヒギンス教授もイライザ自身も大変に苦労しています。何度繰り返しても、うまく発音できないイライザ。疲れ果てたヒギンスはあきらめて、やはりつかり果てているイライザに珍しく同情して、よく努力したと慰めます。イライザは嬉しくなって、心が高まります。そしてもう一度試みたとき。彼女は正しく「ザ・レイン・イン・スペイン・ステイズ・メインリィ・イナ・プレイン」と発音出来ます。ヒギンスは、もう一度と要求し、イライザは正しい発音を繰り返します。出来た、とヒギンス、ピカリング、イライザは喜び、他の練習文も発音してゆく、それが歌になって行くのです。歌になる必然があり、実に自然に歌が導入される、場面として歌が存在意義をもつ、まさにミュージカルらしい素晴らしい場面です。曲としては、イライザのナンバー "I could have danced all night"　や、フレディが歌う "On the street where you live" が音楽的には素敵な歌ですが、場面との極上の結びつきということでは『何故、英語を教えないのか』と『スペインの雨』の方が優れていると、わたしは思っています。by　神澤和明

  2019.03.04

• ミュージカルの話・続々　『マイ・フェア・レイディ』(3)

  登場人物の性格がユニークだということも、この作品の脚本の良さを証明しています。ヒギンス教授は優れた言語学者で、自惚れと言えるほどの自信家でありながら、マザコンの子どもっぽい甘えん坊で、生活面では完全に他の人に頼り切っています。いわば、社会不適応児童です。貴族の生活を嫌がって市民社会の中に入ってきているのですが、基本的に貴族意識が強く、本人は無自覚ですが、庶民に対してどこか下に見るところがあります。それはイライザに対してはっきり出て来ます。結局彼は、貴族社会にも庶民社会にも、落ち着いた居場所を持てない人物なのです。彼の性格は、ラーナー＆ロウが次に製作したミュージカル『キャメロット』の主人公、アーサー王にも引き継がれています。イギリスの伝説の英雄、アーサー王は、このミュージカルでは、王である事への不安、自分がそれにふさわしいのかという疑問に悩まされています。自信がもてないのです。彼は武勇の面では英雄ですが、人間としてはまだ一人前ではない、そんな不安定なものをもった人間です。世間的には一人前なのだけれど、内面において大人になりきれていない男性というのが、ラーナーの好む登場人物だったようです。ヒギンスに比べて、イライザはかなり自主的、自立的性格の持ち主です。花売り娘という状況から、勉強することによって、少しでも自分の生活レベルを上げようと決意しています。レイディの行儀作法を身につけてからは、ヒギンスに同等の人間としてみてもらいたいという、自覚、自尊心も強く持っています。この二人を見ると、むしろ女性の方がしっかり者で、男性の方がだらしないという感じがします。何だか『夫婦善哉』みたいですが。『キャメロット』のヒロインは王妃グィネビアですが、彼女はアーサー王を愛しながら、円卓の騎士として王に仕える、湖の騎士ランスロットと不倫関係に陥ります。それは一人の女性として、自分の意志で行動した結果です。自分の意志を通す女性。ジェンダーの考えを実践しているわけで、これもラーナーの社会制度に対する考えの現れでしょう。イライザの父親のジョン・ドゥーリトルは（変な言い方ですが）生粋の庶民、下層階級の人間です。しかし彼は自分の生き方、哲学を持っています。ですから決して卑屈にならない。常に幸せに生きようと、心がけています。彼が歌う "With a little bit of luck" 「運が良けりゃ」は、彼の肯定的な生き方をすっかりと表しています。「神様は俺に働くための強い腕をくださった。でも運が良けりゃ、他の連中が働いてくれる」なんて、わたしの生き方とは違いますが、うらやましい発想です。そしてこの人物はまた、決まりと言うこと、道徳というものを大切にします。イライザが花売り娘になることを認めても、おそらく彼女が売春婦になると言えば、激怒してとめるでしょう。"Get me to the church on time" と言う歌は、生活が安定した以上、女房とは正式に結婚式を挙げなければいけないという、彼の「まっとうな生き方」を示しています。彼は人間というものを良く知っており、自分もその人間であることを認識しています。ひょんなことで大金持ちになった彼は、まっとうに生きなきゃならないので、自由を失ったと言いながら、一度手にした大金を手放すことはできません。それが人間です。ヒギンス教授の友人になる退役将校ピカリング大佐や、ヒギンスの母親は、主役の二人のキャラクターを更に際立たせる役割を果たします。この人たちが理解のある人物なので、二人の関係はトラブルを孕みながらも、最後に結びつくことができます。全体に、コヴェント・ガーデンに集まる下層階級の人々は親切で素直で、貧乏でも明るく楽しく生きているように描かれています。社会の身分、富による格差は、人間の幸せを決めるものではないという主張があるのでしょう。by　神澤和明

  2019.03.02

• ミュージカルの話・続々　『マイ・フェア・レイディ』(2)

  ショウの戯曲では、ヒギンス教授は貴婦人の礼儀と知識を身につけたイライザに結婚を申し込みますが、イライザは自分という人格を正しく認めてくれない教授に愛想をつかし、別れを告げます。そしてフレディと結婚し、彼が生活力がないために、教授から学んだことを生かして「言語教師」として働いてゆくことになります。それについては芝居ではなく、その「あとがき」の部分で示されます。つまり、ボンボンのフレディとの結婚はうまく行かないわけです。そしてヒギンス教授の方も、イライザに「振られ」、独身のまま寂しく一生を終えることになります。ショウ独特の皮肉というか、アイルランド出身の文学者に共通する、苦みの感覚があります。この結末の付け方は、たしかに「現実」の実際かもしれません。男と女は結局は理解し合えないものだ、という考えでは、そうなります。上流・貴族階級に属するヒギンスと、下層・労働者階級に本来属していたイライザのギャップも、越えられるものではないということ。これも社会の実際、特に産業革命後、資本家と労働者、富裕層と貧困層における格差が、絶対的と言うほど大きくなったイギリスの現実を冷徹な目で見れば、納得できる結末です。しかし、それではアメリカ、ブロードウェイで上演するミュージカルとしては、渋すぎ、辛すぎます。それで、しんみりしたハピーエンディングになりました。イライザへの愛情に気づきながら拒まれたヒギンスは、家に帰ってソファに坐り、イライザが始めて彼を訪れてきた時の録音を聞いています。静かに入ってきたイライザは録音機を止めて、その続きの言葉、「顔も手も洗って来たよ」と語りかけます。ヒギンスは一瞬、喜びと驚きで目を開き、帽子を顔の上まで下ろして「わたしのスリッパはどこだ？」と応えます。この言葉、一度目はイライザが舞踏会デビューをクリアし、レイディとしてやっていけることがわかって、ヒギンスが、仕事は終わったから出ていって良いと彼女に言う。あまりにも身勝手で、相手の気持ちを考えない彼に腹を立てたイライザが、ヒギンスのこの言葉に対して、スリッパを投げつける場面で口にされました。スリッパを投げたイライザは、ヒギンスの家を出て行きました。今、二度目のこのヒギンスの言葉は、とても優しく言われます。イライザが戻って来た。自分を許し、受け入れてくれるということだ。これからも、これまでの通り、一緒に暮らして行くのだという、安心と愛情がうかがえる台詞になっています。この辺の作劇がうまいですね。ハマーシュタインは「人種」や「文化の違い」が生み出す偏見及び差別に対する意識が強かった。一方、ラーナーの作品には、そうした「差別」に対する強い反発は見られませんが、人間や社会の中にある「違い」、人を分けて行く何らかの「力」に対して、それを批判するよりは、見つめようという態度があるように思います。行動的であるより思索的と言って良いのかもしれません。人種や民族は生まれながらのものですが、社会的な差別、身分や富によるそれは、人間が作ったものです。人間に、差をつけることができるか、ということがラーナーには気になっていたと思います。『マイ・フェア・レイディ』の前にこのコンビがブロードウェイで成功したミュージカルは『ブリガドゥーン』で、100年に一度、霧の中から現れるスコットランドの村の娘と、ニューヨークで働く青年実業家のファンタスティックな恋愛がモティーフになっています。普通のブロードウェイミュージカルという感じの佳作ですが、ここには現代社会が幸せを作り出しているのか、という批判があると思います。by　神澤和明

  2019.03.01

• ミュージカルの話・続々 『マイ・フェア・レイディ』(1)

  日本では東宝の初演以来、『マイ・フェア・レディ』とされていますが、"My Fair Lady" 「私の立派な貴婦人」ですから、できれば「レイディ」と発音してほしいです。ロックコンサートでステージから "Are you ready?"（アー・ユー・レディ？）と呼びかけられて、「あなたは貴婦人ですか？」と受け取る人はいませんね。 脚本・作詞、アラン・Ｊ・ラーナー、作曲、フレデリック・ロウによるこの作品は、いうまでもなくブロードウェイミュージカルの大傑作です。ダンスの要素が弱いことを除けば、ミュージカルの「お手本」のような作品だと思います。ともかく、完成度が高い作品です。『ウェストサイド』、ロジャース・ハマーシュタイン作品に次いで、わたしが非常に影響を受けているというか、ミュージカルはこんな風に作るのと感心させられた作品です。まず、何と言っても脚本が優れています。構成に穴がなく、人物の性格設定がとてもユニークで、同時に、本当にこんな性格の人間がいるなと、実感を持たせます。そして二人の主人公の気持ちが、本人たちの気づかないうちに次第に強く結ばれて行く、この変化が非常に巧みに表現されています。ノエル・カワードやサマセット・モームが得意とした、ハイブロウ（高級）で洒落た風俗喜劇（良い意味です）として、実に素晴らしいです。イギリスの大劇作家、バーナード・ショウの『ピグマリオン』という戯曲を原作にしていることは、よく知られています。ギリシアの伝説では、ピグマリオンは超絶技巧の彫刻家で（キプロスの王という説もあります）、自分の理想とする女性の姿を象牙に彫刻したところ、知った美の女神アフロディーテに彼の想いが通じ、女神はその像に命を与え、二人は結婚したと言われています。ここから「ピグマリオン・テーマ」と言えるモティーフが生まれ、多くの文芸や戯曲が作られています。学識深い年長の男性が、その専門分野に興味をもち勉強を始めた若い女性を指導し、彼女が次第に一人前になるに連れて、二人の間に深い心の交流が出来て行く、というものです。イギリス演劇が得意とするジャンルで近年でも、映画化されたウィリー・ラッセル作 "Educating Lita" はまさにこの形ですし、手紙のやりとりで進行する二人芝居、ヘレン・ハンフ編『チャリングクロス街84番地』も、恋愛までには発展しませんが、このモティーフといえます。男性が女性を自分の思う通りの性格・人格に作り変えて行く、と言ってしまうと、ちょっと問題がありそうですが、女性が新しくい人格として生まれ変わるのを、人生の先輩である男性が助ける話と考えれば、抵抗は少なくなる（？）かもしれません。女性が年下の男性を「教育」してゆくというパターンは、ほとんど見ません。乳母が子どもたちを導く、という年齢まで下りてしまい、大人の関係においては、少なくとも芝居では見ていません。こういう考えは古今東西を通じてあります。日本ですと、光源氏が紫上を子どものころから養育して自分好みの貴婦人に育てあげる『源氏物語』が代表でしょうか。また、彫刻や人形に命が吹き込まれるという話も多く存在します。子どもに親しまれる『ピノッチオ』がそうですし、オッフェンバックのオペラ『ホフマン物語』の最初の挿話ではホフマンが、それとは知らずに人形の少女に恋をしてしまいます。シェイクスピア作『冬物語』の最終場面で、死んだはずの女王、ハーマイオニーの姿を写した彫刻が、夫や娘の前で生きかえってくる（本当は、死んでなかったわけです）というのも、「ピグマリオン伝説」と関係があるに違いありません。by　神澤和明

  2019.02.28

• ミュージカルの話・続　ロジャース&ハマーシュタイン

  以上の3作以外のロジャース＆ハマーシュタインのミュージカルで、良い作品だと思うのは『回転木馬（カルーセル）』です。フランスのモルナールの戯曲『リリオム』を基にしていますので、戯曲構成はしっかりしています。アメリカの批評家には、かなり評価が高い作品と聞いています。この芝居の場合は、主人公ビリーの性格がなかなかに興味深いです。回転木馬の呼び込み役で、調子の良い遊び人なのですが、純情な娘と恋に落ちます。妻と生まれてくる娘のために大稼ぎをしようと強盗の仲間になり、失敗して撃ち殺されます。神様から、善い事をするように一日この世に戻され、成長した娘に会います。しかし娘は、父親の罪のために白眼視されて、自分を大切にしない人間になっている。ビリーは思わず娘を叱りつけ、天から持ってきた星を彼女に渡して、帰って行きます。娘は母親に言います。「たたかれたんだけど、ちっとも痛くなかった。優しい感じがした」と。母親は「私もそんなことがあったのよ」と応えます。言い台詞です。ビリー、が生まれてくる子が男の子だったら、こうしてやろう、でも女の子だったらどうしたら良いかわからない、と歌う、長い独白 "Soliloquy" は実験的なナンバーです。娘の卒業式に校長先生が歌う "You'll never walk alone" は、一人で強く生きて行こうという若者を励ましてくれます。そして「回転木馬のワルツ」が、とても素敵な曲です。この作品は社会的な意識はあまりなく、世界も小さくまとまってセンチメンタリズムに流れるのが残念です。コンビの最初の作品が『オクラホマ』です。ロジャースはハーツと組んで作っていた都会的な洒落た作品とは、舞台も音楽世界もすっかり異なる作風になりました。アグネス・デ・ミルが振り付けたバレエナンバーは、ダンスそのものがひとつの世界を作り上げる、当時として実験的なものです。これは『王様と私』の『アンクル・トムの小舎』に通じます。自然の大きさを感じさせるおおらかなメロディが聴かれ、特に『オクラホマ』のコーラスは躍動感に溢れています。しかし、まだ作品としては磨かれていない感じです。彼らの作品としてはあまり当たらなかった『フラワー・ドラム・ソング（花太鼓の歌）』は、ニューヨークのチャイナタウンが舞台になっています。基本的に中国人家族のホームドラマです。これは、ブロードウェイの観客が好みそうな題材ではなさそうですね。『5百の奇跡』『チャプスイ』など、曲も悪くはないけれど、それほどの出來ではありません。表現が実験的な『アレグロ』や、差別を扱った『パイプドリーム』など、彼らは色々とミュージカルの可能性を探っていたのでしょうが、やはり「オペラ」のような重厚な骨格の上に、社会意識をもった芝居を構築し、状況や登場人物たちの心の動きを、台詞以上に解りやすくするように音楽を組み込んでいった、そういう作品が彼らの真骨頂だと思います。こうした作品として、彼ら以前には、ジェローム・カーンとハマーシュタインJr が組んだ『ショウボート』がありました。ミシシッピ川を航行するショウボートを舞台に、恋愛と家族愛、そして人種差別の問題が扱われた、骨太の作品です。映画化が繰り返されていることに、その芝居としての充実度がうかがえます。わたしたちには古くさく感じられる作りなのが、残念です。黒人の水夫がバスの深い響きで朗々と歌う "Ole man river" は実に名曲です。by　神澤和明

  2019.02.27

• ミュージカルの話・続　『サウンドオブミュージック』

  「ロジャース＆ハマーシュタイン」ミュージカルの最後の作品が『サウンドオブミュージック』です。この作品の製作時、ハマーシュタインは病床にあったため脚本執筆が出来ず、企画と作詞のみを担当しました。脚本の担当者はハワード・リンゼイとラッセル・クルーズです。そのためか、これは歌の部分が芝居から独立した「ウィズ・ソングス」のスタイルになっています。フレデリック・ノーラン著 "The sound of their music" という本を読むと、「ロジャース＆ハマーシュタイン」ミュージカルについて詳しいことが解りました。またロレンツ・ハートの姉のドロシー・ハーツが書いた "Thou swell, thou witty" という本では「ロジャース＆ハーツ」のミュージカルについて知ることができました。『サウンドオブミュージック』は名曲のオンパレードです。ナチスが台頭してきて、隣国オーストリアが圧迫され始めていた歴史状況も描かれます。しかし、人間性を抑え付け、自由を破壊しようとする大きな力への強い抗議、不正に対して断固異議を唱える強い態度は、この作品にはさほど感じられません。ハマーシュタインが元気で脚本も担当していたら、どうだったでしょうか。そうした胸を張った強さは、むしろ映画版により表れているように感じます。舞台作品はマリアとトラップ大佐の恋愛と、７人の子どもたちとの家族愛がテーマで、むしろホームドラマ的なのですが、映画はやがて起こる第二次世界大戦に向かって勢力を強めるナチス・ドイツの脅威を、色濃く描きこんでいます。映画では曲が歌われる状況を変えたり（雷を怖がってマリアの所に来た子どもたちを元気づける曲が、舞台版では "The lonely Goatherd" で、映画番は "My favorite things" ）、長女の恋人でナチス党員となった若者の行動を違ったものにしたり（舞台版ではトラップ一家の逃亡を見逃すが、映画では大声で仲間を呼ぶ）、監督の主張が強く出て来ています。また、『ウェストサイドストーリー』でニューヨーク市街を高空から俯瞰した冒頭場面と同様、この映画ではアルプスの情景を空から俯瞰して、それがマリアにフォーカスしてゆくシーンで映画を始めています。最初の画面で作品世界を印象づける、ワイズの技巧といえます。『サウンドオブミュージック』は好きな作品ですが、基本的に「音楽のついた芝居」ですので、わたしの「ミュージカル」の考えかたからは、はずれています。ミュージカルというものを、なによりも音楽で考える人ならば、また意見は違うでしょう。そしてわたしもそれを、悪いとは考えません。歌が入るべくし入ってきていますし、それが素晴らしい曲ばかりですから。そう、音楽がなければつまらない作品、ということでなら、音楽つきの芝居である必然を認められます。『サウンドオブミュージック』はメリー・マーティン主演という前提で製作されました。ですから、彼女の技術を生かして、素敵でかつ技巧的な歌がいくつも挿入されています。一方、トラップ大佐の方は歌がそれほど得意でなくてもすむような曲作りがされています。先に挙げた本によると、ロードショウの時は今一つ評判が良くなかったので、急遽、トラップ大佐役の俳優が弾けるギターコードに合わせて歌を作った。それが『エーデルワイス』だと書いてありますが、本当でしょうか。by　神澤和明

  2019.02.26

• ミュージカルの話・続　『王様と私』(3)

  隣国の若者ルンタが歌うシンプルなラブソング "I have dreamed" 、第一王妃が歌うアリア風の　"Something wonderful" 、こうした歌は、アジア人が歌うナンバーなのに、極めてアメリカ的なソングです。「王子たちの行進」と劇中劇の『アンクルトムの小舎』の外の音楽、ソングナンバーはアメリカ的なものなわけです。それはロジャースの音楽性というより、ミュージカルというものの性質によるものではないかと思います。劇中劇の『アンクルトムの小舎』は内容も豊かで時間も長い、優れたダンスナンバーです。振付はジェローム・ロビンス。『ウェストサイド』とは違い、民族舞踊のモチーフを少し生かして、バレエ式の振付を通しています。「物語」をもつダンスだからでしょう。衣装や楽器に、東南アジアの趣をしっかりと出しています。逃げ出した奴隷を、追いかけてきた残虐な主人の手から救うのが「ブッダ」だというのが、始めてみたときにはとても面白かったです。ダンサーたちも日系の人たちが多く出演しています。この劇中劇は、奴隷として王宮に連れてこられたタプティムが企画構成したという設定です。アメリカで「奴隷解放」運動の一つの力になったといわれる（本当のところは知りません）この作品を上演して、彼女は人間は平等であるべきだ、だから自分を解放して恋人と一緒にならせてほしい、という主張をほのめかしているのです。芝居の主題に沿った「ショウ」。このダンスは、それだけで十分に見ていられる、充実した作品であり、同時にまた、このミュージカルから切り離されて上演されるべきでないものです。それゆえに、このダンスは本当にミュージカルのダンスらしいものだと、わたしは考えています。若者たちの恋愛は、『アンクルトムの小舎』とは違う結末、悲劇に終わります。ルンタはタプティムを連れて王宮を逃げ出しますが、追っ手によって捕らえられ、ルンタは川に身を投げて死にます。王はタプティムを罰するために鞭を振り上げる。アンナは王を、野蛮人と非難します。ですが、王は決して悪くはないのです。彼が居る社会、制度においては、王を裏切った者たちは罰せられねばならない。けれど自分が信頼する者から、それは「旧い誤った」思想だとして非難される。王にとって、取るべき行動をとらないのは、自己否定にとどまらない、祖先から続く自国の秩序を否定することになります。王のジレンマは最大に達する。ついに彼は、鞭を捨ててその場を去ります。それは同時に、彼が死を迎えるしかないことを暗示します。結局、必要だったのは「寛容」ということなのでしょう。それは王にも、アンナにも求められるべきものだったのです。王は死を迎えることで、彼を縛り、責任を負わせていた「国の歴史」「統治者の義務」から解放され、「寛容」にふるまうことができました。アンナの教育を受け、新しい秩序を作ろうとする皇太子の姿を見つめる王には、苦々しい思いと同時に喜びがあります。王の立場を理解し、彼の良い部分を本当にリスペクトできるようになったアンナも、アジアの人と思想に対して心から「寛容」になります。人々が悩み、苦しみ、そして分かり合い、受け入れてゆく。そうした人間の変化、成長を描き出すのが、演劇の仕事です。『王様と私』に、それがあります。『南太平洋』と『王様と私』はともにわたしをミュージカル好きにしてくれた作品なのですが、こうしてみると、『南太平洋』は音楽面で、『王様と私』は演劇面で、わたしに強く影響を与えたといえるようです。どちらも大事な作品であることに変わりはありませんが、『王様と私』の方が、よりわたしの「ミュージカル」についての考えにとって、大きな力をもっています。by　神澤和明

  2019.02.25

• ミュージカルの話・続　『王様と私』(2)

  ドラマ面について書いてきましたが、『王様と私』はもちろん音楽も素晴らしいです。「ロジャース＆ハマーシュタイン」ミュージカルのベスト３、ミュージカル全体でもベスト10に入ると思われます。『南太平洋』の『バリ・ハイ』と同様、この作品で王子たちが登場するときに演奏される『王子たちの行進』の曲は、作品世界をそのまま表現している、独特のものです。異国的気分を漂わせ、軽やかさと位の高さがあります。西洋の舞踏会で招待客の貴族たちが登場するときに演奏される音楽を、アジア的にイメージしたのでしょうか。子供たちが登場する、その一人(一組)ごとに１フレーズが奏されるように考えられている上、同じフレーズの繰り返しで長さも調節できます。繰り返して聞いても飽きないメロディです。『南太平洋』ではオペラ歌手とミュージカルの名優が主役を勤めましたので、歌い上げる曲や高度な技巧を要するナンバーが作曲されました。『王様と私』では事情が異なります。初演でアンナを演じたガートルード・ローレンスはウェスト・エンドの大女優で、ストレートプレイに本領を発揮します。才人と呼ばれたノエル・カワード（彼は劇作、演出、俳優、作曲のいずれの分野でも優れた仕事をした偉大な演劇人です）とのコンビで優れた舞台を作りました。ミュージカル的な作品も経験していますが、それが本来ではありません。当時の批評では、音程が不確かだが、その演技によって素晴らしいアンナを演じた、というように書かれています。そして王様を演じたのは、俳優としては新人（演出をしていたそうです）のユル・ブリンナーです。ですから主役二人には、技術的に難しい歌や、朗々と歌い上げる曲は与えられていません。音程は1オクターブ内で終わり、言葉を語るような流れでメロディが出来ています。シャムに到着したアンナが、不安を吹き飛ばすために歌う "Whistle a happy tune" も、王子王女たちと仲良くなって歌う "Getting to know you" も、明るくかわいらしいメロディで耳に快く入ってきますが、音域は広くないし、音の飛びも小さいです。奴隷として連れてこられた他国の若者たちが逢い引きするのを見守って歌う "Hello, young lovers" はスタンダードナンバーになっている名曲ですが、これも語りかけるような調子で歌われるメロディになっています。王様の方は、旧来のシャムの文化と新しいヨーロッパの文化をどのように融合して、国の政治を行って行けば良いのか悩む、"Puzzlement" という歌があります。これはほとんどまっすぐな音程で、歌うというよりも語る歌です。かえって、この方が表現は難しいかという気がします。アンナが歌い、その中に王様の歌うフレーズが入って行く形で歌われるのが、このミュージカルで最も有名な "Shall we dance?" です。「私たちは紹介されたばかり。あなたのことをよく知らない。でも音楽が始まると、誰かが私をあなたのそばに。男の人も女の人もみんな、互いに抱き合って。不意に気づいた、わたしたちは同じように理解したっているのだと。踊りましょう」この導入の歌詞が良いですね。この言葉は舞踏会にデビューする若い乙女の言葉。アンナはこのとき、始めて男性と踊った娘の時間に戻っている。夫も子どももいない。彼女はまったく彼女自身で、自由。そして彼女の前に居る男性は、王様です。これは明らかに、ラブシーンです。この作品でアンナと王様に許される、唯一のラブシーン、心が繋がる場面です。この歌にこんな「導入部」があるのは、とても重要なことだと思います。by　神澤和明

  2019.02.23

• ミュージカルの話・続　『王様と私』(1)

  この作品は、ドラマが素晴らしいと思います。イギリスの教養ある未亡人が息子とともに、シャム（今のタイです）の王宮に、王子、王女たちの家庭教師として雇われてくる。アジアでは古くから栄えている大国ですが、ヨーロッパからは未開国と観られている。それで王族の子どもたちに、先進国イギリスの教養文化を身につけさせようというわけです。文化や習慣、考え方の違いに双方が戸惑いながら、次第に理解しあい、相手を受け入れてゆきます。しかし、伝統・歴史が作ってきた、どうしても乗り越えられないことがあります。深く失望した夫人は英国に帰る決意をします。王は心の痛みから死の床に就いています。夫人は王妃に頼まれて、瀕死の王を見舞う。死を覚悟した王は威厳を保とうとしながらも、立場が自分に求めたこと、王であることの責任と苦しさ、夫人への感謝を正直に語ります。夫人は王の真意を受け止め、帰国せずシャムに留まることを決心します。王は満足し、皇太子に譲位することを宣言すると、永久に穏やかな眠りに落ちてゆきます。　『王様と私』はマーガレット・ランドンの小説をアメリカでＴＶドラマ化した『アンナとシャム王』が基になっています。それが映画化され、更にミュージカルとして舞台にのったわけです。この作品は「人種差別」ではなく、「東西の文化の違い」がテーマになっています。ヨーロッパとアジアの比較です。ただしそこには、ヨーロッパが上でアジアが下という、「差別意識」が存在しており、それは愚かなことだという主張があります。歴史が違えば当然、文化も違っている。そこには上も下もない。ヨーロッパがアジアを未開として見下げるのも、アジア人がヨーロッパに対して卑屈になるのも、間違っている。人間性という点において、何も変わりはないのだという主張があるのです。イギリスから来たアンナには、やはりシャムは野蛮な国であり、自分は彼らより上だという意識があります。シャム王には、先進国であるイギリスへの憧れと劣等感があり、国の王という立場からそれを認めるわけにはゆかないため、アンナに対して高圧的に振る舞おうとします。それが二人が心を通じ合わせる妨害になっています。互いに意地を張ることなく心を通じ合わせるためには、王の死という状況が必要だったのです。そのために、主人公の男女に恋愛関係が無いという、ブロードウェイの芝居としては珍しい芝居になりました。それに近いほのめかしはありますが。思うにこの芝居は、ただ男と女というレベルではなく、ヨーロッパとアジアの間の「理解＝ラブ」が描かれていると考えても良いのではないでしょうか。この作品における王様の人物造形は、実に素晴らしいと思います。ミュージカルの登場人物として、ベスト何人かに入るのではないでしょうか。それには初演で王様を演じた、ユル・ブリンナーが大きく貢献しているでしょう。王という重い責任を負った若者は、本質が先進的な考えの持ち主です。古い伝統文化を受け継ぎ、王という権威を守りながら、国を新しくしてゆかねばならないという強い意識があります。そんな矛盾をはらむ立場に悩みながら、自分の全力を尽くして誠実であろうとするこの人物は、大いに共感を呼び、愛されるべき人格です。こうして見ると、このミュージカルはなによりも、ドラマとして魅力があると言えます。by　神澤和明

  2019.02.22

• ミュージカルの話・続　『南太平洋』(2)

  若者の恋は悲恋に終わりますが、アメリカ演劇らしく、主人公たちの恋は成就します。切なさが残るけれども、結末に救いがあるというのも、ミュージカル・ドラマの大事なポイントだと思うのです。　　　このミュージカルは名曲の宝庫と言えるほど、素敵な曲に満ちあふれています。まず『バリ・ハイ』。基地のある島から舟ですぐ渡れる、自然の美に満ちた夢の島の名前です。休暇をとった兵隊たちはここに来て、島の女性たちと時間を過ごすのです。ケイブルがライアットと会うのも、この島です。この『バリ・ハイ』の異国的雰囲気と、魔術的な魅惑に満ちたメロディは、この「南太平洋の島」という、日常の現実とは違う場所を、素敵にイメージさせてくれます。歌の通り、バリ・ハイは「おいで、おいでとあなたを呼ぶ」のです。エミールが歌う『魅惑の宵』はわたしが最も好きな歌の一つです。この役を初演したエチオ・ピンツァはメトロポリタン・オペラで活躍したバス歌手で、彼を想定して曲が書かれましたから、オペラアリアのような朗々とした、そして流れるような美しいメロディになっています。わたしは高めの声をしているのですが、この歌に憧れて、無理に低い声を出して歌っていました。エミールの別の曲、"This nearly was mine" も、愛の夢に破れた（「夢の中に一人の女性がいた」）大人の男の気持ちを歌って、しんみりとさせます。ネリーを初演したのはブロードウェイの女王と呼ばれ、多くの作品で主役を演じたメリー・マーティンです。クラシックの歌い手ではなく、ショウの世界の人ですが、歌唱力は大したものです。"Wonderful Guy" では "I'm in love" のフレーズを息もつがずに際限もなく繰り返し、オオッと思わせます。シャワーの後、濡れた髪をタオルで拭きながら歌う "!'m gonna wash that man right outa my hair" は、のりの良いリズム感が伝わってきます。"Cockeyed optimist" も含め、こうした曲の軽快さは、ロジャースがハマーシュタインの前にコンビを組んでヒットを飛ばしていた、ロレンツ・ハートとの仕事を思い出させます。そのころのロジャースは、『マイ・ファニー・ヴァレンタイン』とか『ブルー・ムーン』とか『十番街の殺人』といった、都会的で洒落た曲調の、ジャズっぽい曲を書いていました。ハマーシュタインと組んでから、オペラチックな曲を書くようになったのです。作品世界そのものが変化したのですから曲調も変わるのでしょうが、見事に変更できた彼の才能は素晴らしいとしか言えません。ケイブルや兵隊のコーラスが歌う歌は、ポップス調の明るいものです。ライアットに歌いかける "Younger than spring time" 、ブラッディ・マリーが恋人たちに歌う "Happy talk" は明るく素直な曲です。英語がしゃべれないライアットが、おしゃべりするように親指と人差し指を動かしていました。男たちの元気なコーラス "Bloody Mary" "There is nothing like a dame" 。どれもスタンダードナンバーになっています。子どもたちがフランス語で可愛らしく歌う "Dites-moi" も、好ましい曲です。結論として、このミュージカルにはつまらない歌が一つもない。みんな耳に残る曲ばかりです。ダンスナンバーがあればと、それが残念です。by　神澤和明

  2019.02.21

• ミュージカルの話・続　『南太平洋』(1)

  ミュージカルに興味を持ち始めた小学生のとき、心を奪われたのはブロードウェイ・ミュージカル、中でも「リチャード・ロジャース＆オスカー・ハマーシュタインJr」による作品でした。『南太平洋』『王様と私』『サウンドオブミュージック』（なぜか、これと『マイフェアレディ』は原題のままで呼ばれていました）です。ともかく好き、という作品です。映画で最初に触れたということを、断っておきます。『南太平洋』がわたしの「ミュージカル」というものの概念を作ったことは、間違いありません。ドラマも音楽も古典劇やオペラのような重量感があり、しっかり作り込まれた作品。そして親しみやすく美しいメロディがあふれている。ドラマと演技には現実感があるのに、現実を超えたような楽しさを感じさせる、それがわたしを夢中にさせました。おそらく今の人たちも、ミュージカルにそのような感想を持っているのではないかと思います。ジェイムス・ミッチナーが書いた短編集『南太平洋物語』に納められた幾つかの作品を結びつけて脚本が書かれています。時代は太平洋戦争中で、背景となるのアメリカ軍が基地を置いた、ソロモン諸島近くの島です。彼らは今、日本軍と戦っています。しかしこれは戦争を描く作品ではありません。脚本と歌詞を書いたハマーシュタインはこの原作に "racism" を読み取り、それをミュージカル・ドラマとして構成しました。「人種に関する偏見」の愚かしさ、それがもたらす悲しみへの怒りが、作品のテーマになっています。ジョシュア・ローガンの演出も、そこをしっかりとおさえていました。二つの恋愛が、プロットを構成します。殺人が原因で故国を離れ、この島で大農園を経営している初老のフランス人・エミールと、米軍の若い従軍看護婦・ネリーの静かな恋。米軍の若い少尉・ケイブルと、島に住むトンキン人、ブラディ・マリーの娘のリアットの若々しい恋。恋人たちは互いに相手を愛し、この南の島に、その結婚を妨げる社会的制約はないのです。しかし二人のアメリカ人、ネリーとケイブルは同じ理由で、結婚を求める相手を受け入れることができません。それは「人種に対する偏見」です。エミールの死んだ前妻はこの土地の女性で、彼には混血の二人の幼い子どもがいます。ネリーはエミールが罪を犯したことも、がかなり年上であることも、以前に結婚していたことも気にしません。しかし彼がアジアの人間と結婚し、その子どもがいる、それが自分たちの子どもになることに、非常に強い抵抗を感じずに居られないのです。ケイブルも、美しく素直なリアットを愛しながらも、アジア人である彼女との結婚を、彼女とその母親に対して、強く拒否します。彼らアメリカ人は、ケイブルが歌うように、子どものときから、人種偏見を「注意深く教え込まれてきた "You've got to be carefully taught" 」からです。結婚を拒まれ、また拒んでしまって、心に絶望を抱えた二人の男性は、死を覚悟した秘密作戦に志願します。日本軍が占領している島に潜入して、米軍が攻撃するための情報を通信するという任務です。危険の中で生きる意味を見直したケイブルは、島へ帰ったらリアットと結婚するとエミールに告げます。また、基地で通信を聴いているネリーは、人種偏見に何の根拠もないこと、自分たちの愛情の方がよほど大切なのだと悟ります。しかしそのとき、日本軍の攻撃によって、ケイブルが戦死したことを伝えるエミールの言葉を最後に、通信は途絶えてしまいます。by　神澤和明

  2019.02.20

• ミュージカルの話・続　『ウェストサイドストーリー』(7)

  ロビンスがダンスで表現したかったのは、若さのエネルギーの発散と同時に、明るい将来を展望することができない若者たちのいらだちだったのでしょう。それは当時の（今もかな）アメリカという国家がもつものでもあります。ですからこの作品のダンスシーンは、古びることなく心に響いてくるのです。ロビンスの陰に隠れてしまいましたが、この作品の共同振付者がピーター・ジェネロです。ロビンスが基本的にバレエのオーソリティなのに対し、ジェネロはジャズダンスの分野で非常に優れたダンサー、振付師だったそうです。『パジャマ・ゲーム』で『スティーム・ヒート』を踊って評判を得たといいますから、どんなダンサーだったか見当がつきます。動きの素早いダンサーだった、という評判が残っています。動きの表情も豊かだったのでしょう。振付の分担というのはわかりにくいですが、"America" や「体育館のダンス」などは、彼が振り付けたのではないかと思います。"Cool" などもそうかも知れません。クレジットでの扱いから考えて、ジェネロが出したモチーフのアイディアをロビンスが整理した、ということがあったのかなと考えます。ジェネロはタイタニック号で生き残った女性の一代記を基にした『不沈のモリー・ブラウン』でメインの振付をし、『フィオレロ』（実在のニューヨーク市長をモデルにした作品）や『アニー』の振付で記憶されている人物ですが、ロビンス、ボブ・フォシー、マイケル・ベネットら優秀で人気もある振付・演出家が活躍時期を同じくしていたので、割をくった感じがします。復権が期待されます。余談ですが、振付師とダンサーの関係も微妙です。わたしが最も敬愛するミュージカルダンサーのフレッド・アステアには、ハーメス・パンという振付師がいました。しかしわたしたちには、アステアが自分の心のままに踊っているようにしか見えません。パンはアステアのダンスを知り抜いていて、彼を最も魅力的に見せる振付を考えたのでしょう。アステアも彼を絶対的に信頼していたと思います。あれほどのダンサーであるのに、自分で振付はしていません。アステアにつぐダンサー俳優であるジーン・ケリーの場合は、自分で振付をしました。彼の場合、自分が考えるダンスというものを表現したかったのでしょう。そのためには、自分ですべてをやるのが一番だと考えていたに違いない。アステアのダンスには「優雅」さが漂い、そこにはアステアという人間よりも、「ダンサー」を感じさせます。ケリーの場合は、何かを表そうという意欲とダイナミズムがあり、あくまでジーン・ケリーがいます。また、アステアは相手を前に出し、どんなパートナーでも「上手いダンサー」に見せてくれますが、ケリーは自分が一番前に出てきます。スティーブン・スピルバークが『ウエストサイドストーリー』のリメイクを製作するという話があります。キャロル・リード（『オリバー』）、ジョン・ヒューストン（『アニー』）、アーサー・ヒラー（『ラ・マンチャの男』）、ミロス・フォアマン（『ヘアー』）と、名監督にもかかわらずミュージカルを撮って失敗した人が多いので、わたしは正直、不安なのですが、それでも一応、期待しています。by　神澤和明

  2019.02.19

• ミュージカルの話・続　『ウェストサイドストーリー』(6)

  脚本と音楽の素晴らしさを書いてきましたが、この作品を他のどのミュージカルもかなわない地位に押し上げているのは、もちろん圧倒的なダンスシーンです。ベルナルドを真ん中に、シャーク団の三人が並んで、長い手と脚を振り上げるあのポーズ。右手は頭にそって真上へ、左手は身体に直角に真横へ。両手が直角を作る。真上に上げた右手にひかれるように重心は右足にかかって身体はまっすぐなまま右に傾き、左足はカウンターバランスをとって左上に、右脚に直角に振り上げられます。映画版で言うと、中央のベルナルド（ジョージ・チャキリスはこの役のために生まれたのでしょうか）は均整をとった、安定したポーズです。彼の右側のダンサーは、力一杯に手と足を振り上げ、顔も上を向いています。ほとばしる力を示すなら、この方がより良いのかもしれませんが、チャキリスのポーズの方が美しい。この三人のポーズのシルエットが、このミュージカルを代表しています。視覚的に強烈な印象を残すミュージカルなのです。ダンスシーンを構成し、主に振り付けたジェローム・ロビンスは、ブロードウェイを代表するスタッフの一人です。振付と演出両方の分野で、優れた仕事が多くあります。日本ではバレエの人が芝居の演出を行うことはめったにありませんが、欧米では振付という仕事が舞台全体の構成に大きく関わるためか、舞踊分野の人が演出も担当することがよくあります。バレエ自体にも舞台を効果的に展開するための演出」の仕事があります。日本でも、振付と演出を兼ねる人がでてきていますが、はっきり言って脚本の「読み」が浅いです。ショウの場面に持ってゆくための手順つけをしているだけのように感じることが多いです。ロビンスはストレートプレイも多く演出していますし、映画監督も務めています。なにより、彼が振り付けたダンス、例えば『王様と私』の『アンクル・トムの小屋』のダンス場面を見れば、彼が芝居というものをよく知っていることがわかります。『ウエストサイドストーリー』制作時は、ニューヨーク・シティ・バレエ団のサブ・バレエマスターを務めていました。ですから、彼の土台はバレエであって、動きの滑らかさ、ポーズの美しさや、劇的な構成はそのことから生まれてくるのでしょう。ダンスの動きの中にあるターンやジャンプ、そのときの手のポジションには、バレエの色が濃くあります。映画版『ウェストサイドストーリー』の宣材写真で指導しているロビンスの姿を見ることができますが、伸びやかなポーズはチャキリスに劣らぬ美しさで、現役を引いていたとは思えないくらいです。今の若い人は、ダンスとは歌とともにあり、歌手を格好良く見せるものと考えているかもしれません。あるいはストリートダンスのように、アクロバティックな技を入れて、観る者を驚かせるものと思っているかもしれません。ですがそれでは、舞踊という芸術分野が他の分野に従属してしまう、あるいは体操になってしまわないでしょうか。舞踊はもちろん独立した芸術分野です。それだけで、完成された表現をしているべきものです。バレエやコンテンポラリー・ダンスの公演であれば、観客はそれだけで完全な表現だと思って見ています。ミュージカルにおけるダンスも、そうありたい。『ウェストサイドストーリー』のダンスは、まさにそういうダンスです。by　神澤和明

  2019.02.18

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