未音亭日記

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  「音楽の都」ナポリ

  昨日の某TV局の長寿番組、「世界ふしぎ発見！」の舞台はナポリでした。食い意地が張っている亭主にとって、ナポリはまずもって大好物である薄焼きカリカリのでかいピザの街。これは誰にとっても同じなのか、当然のようにレポーターのお姉さんがピザをうまそうにほおばる様子を画面に大写し。指をくわえて見ているだけの我々には全く目の毒、気の毒であります。さて、番組ではもっぱら18世紀後半、カルロ７世の時代に焦点を当てて、世界遺産になった大宮殿であるカゼルタ宮などを紹介していましたが、実はこのカルロ７世、D. スカルラッティが仕えていたマリア・バルバラ王妃の夫、スペイン王フェルナンド6世とは異母兄弟に当たります（母親はイザベラ・ファルネーゼ、スペインにおけるブルボン家最初の王であるフィリペ5世の二度目の妻）。当初フェルナンドがスペイン王位についたので、異母弟のカルロスは属州のナポリ副王としてカルロ７世を名乗っていましたが、 1759年にフェルナンドが他界するとスペイン王を継承し、カルロス3世を名乗っていました。妻の影響かフェルナンド6世が音楽好きだったのにくらべ、カルロス3世は全く音楽に関心がなく、彼がスペインに来るとファリネッリは自分の立場を悟ってまもなくボローニャに引退。このとき、マリア・バルバラから遺贈されていたスカルラッティのソナタ手稿をイタリアに持ち帰ったと考えられ、それらが現在ヴェネチアとパルマの図書館に収まっている、というわけです。ところでナポリと言えば、何と言っても亭主にとってはドメニコ・スカルラッティが生まれた（1685年）街であり、父アレッサンドロがその名声の頂点にあった街でもあります。その当時（17世紀末～18世紀初頭）、ナポリはヨーロッパにおける音楽の中心でもあったようで、音楽家として「成功する」とはナポリで、特にオペラ作曲家として名を上げることだったとのこと。（例えば、ドイツ人ハッセはまさにそのような出世街道を地で行った音楽家でした。）約一世紀後（1770年頃）に、英国の音楽史家であるバーニー博士が彼の「音楽の旅（Musical Tour）」の中でナポリについて語った部分にはこうあります。「私はイタリアであらゆる音楽的贅沢と洗練によって我が耳を楽しませることが出来るとすれば，それはナポリでしかないと期待していた．他の都市への訪問は仕事の一環であり，自分自身に与えた課題をかたづけるためのものであった．しかし，その地には喜びへの期待に胸を弾ませながら着いたのだった．二人のスカルラッティ，レオナルド・レーオ，ペルゴレージ，ポルポラ，ファリネッリ，ヨンメッリ，ピッチンニ，そして声楽，器楽を問わず他に無数の第一級の輝かしい音楽家達を輩出した場所にあって，音楽の愛好者たるものが最も楽天的な期待を抱く以外に一体何をするべきというのだろうか？」残念ながら19世紀のウィーンやパリですら、このようなレベルには遠く及ばなかったようです。（現代世界でこれに対応するような街があるでしょうか？思い浮かびませんねェ...）我々が知らない、いにしえのナポリの一面がここにある、ということでしょうか。

  June 27, 2010

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  「バロック」音楽ってなに？

  誰もがご存知の「バロック（Baroque）」という言葉、これが「いびつな真珠」を表すポルトガル語barrocoから来ているとはよく言われることです。この、元になった言葉が何かゆがんだものを指すことから、誇張したり「不自然な」もの、極端に走ったり、劇的で不安定なもの、といったイメージが浮かびます。でも一方で、バロック音楽、さらに美術や建築までも含む「バロック芸術」には宮廷ロココ美術も含まれ、要するに何か「洗練された」イメージもあります。そもそも、例えば大バッハの音楽（これも実に多彩な様式を含んでいますが）を聴いて、上述のような形容詞群（どちらかというとどれもネガティブ）を積極的に連想するでしょうか？（むしろ、例えば亭主の好きな数少ない「現代音楽」であるアルバン・ベルクの弦楽四重奏などの方がよほどこういう形容にピッタリ来ます。）バロックという概念はどうやら19世紀末あたりに美術史や建築史で使われ始めた概念らしく、それを20世紀になって音楽史家が輸入して使ったのが「バロック音楽」という用語の始まりのようです。歴史家が使ったということで、要するに「ルネッサンス」と「（新）古典主義」時代の間にあたる「時代」（およそ17~18世紀あたり）を表すことが目的で、その間に芸術表現に現れた傾向がどういうものだったかはむしろ後付け、と言った方がよいでしょう。しかしながら、同じく時代を区切るための用語である「ルネッサンス」が、その定義内容を巡って百家争鳴の大議論を巻き起こしたように、どうやら「バロック」についても同じようなことが起こったようです。実は先日、ふと気になって、大昔に読んで以来亭主の本棚で埃を被っていたE. ドールスの「バロック論」（筑摩叢書）を取り出してぱらぱら眺めていたところ、そのような論争の舞台となった会議についての一節に出くわしました。そこでは、美術史や建築史の専門家がバロックを17-18世紀に固有の現象として定義しようと試みたあげく、結局破綻してしまう様が活写されています。時代に固有の芸術概念としてのバロックの破綻を建築の分野で証明してみせたのが、ドールス自身によって提出された、ポルトガルのマヌエル１世時代（15世紀後半～16世紀前半）に完成したトマールの修道院の窓の写真（下図：ウィキペディアコモンズより）。確かにコテコテの装飾が施された窓は17-18世紀「バロック建築」と見紛うものです。というわけで、結局「バロック音楽」という言葉も、どうやら「ルネッサンス音楽」と「（ウィーン）古典派音楽」との間の「時代」を表す合い言葉以上のものではなさそう。（つまり「バロック期」の音楽という程度の意味しかない？）その芸術上の中身を敢えて言うなら、ある種の「表現主義」的な傾向を指している言葉ではないかというのが亭主の印象です。モンテヴェルディのマドリガーレには確かにパレストリーナと違う傾向、ある種剥き出しの感情表現が聞き取れます。でも、これは例えばムソルグスキーにフォーレとはまるで違う表現を聞くのと同じ、というのは雑駁に過ぎるでしょうか？（「表現主義」、あるいはそういった傾向というのは時代を問わず現われるものです。）D. スカルラッティのソナタにブラームスやサティの響きを聴く亭主にとって、「バロック音楽」はやはり17-18世紀という歴史上のタイミングを指すだけの言葉にしか見えません。...ん？だから「バロック音楽」はなにって？　そんな音楽、実はないんです ;-)

  June 26, 2010

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• クラシカ・ジャパンの「ルネサンス バロック 音楽大系」

  ものの本によると、日本のクラッシック音楽ファンの人口は全体のおよそ4%（～500万人弱）だそうです。絶対数としては多いように見えますが、例えば亭主の職場にいる職員の総数1000人ぐらいで考えると大体40人、ふだん接している人はその一割とするとたった4人、ということになります。さらにバロック音楽ファン、となるともっと数が減って、多分身の回りにいるかいないか、といったところ。このような人口構成を反映してか、民放も含め、テレビ番組でクラッシック音楽関係の番組といえばNHKぐらいしかありません。かくして新聞のテレビ欄を見る度に「あー、見るものがない...」とぼやくわけですが、そのような亭主を慰めてくれるのがスカパーの「クラシカ・ジャパン」です。亭主は別にスカパーのまわしものではありませんが、このチャンネル、それなりに重宝します。クラッシック音楽関係の映像ソフトは、自分で買うとそれなりに高価（しかも繰り返し見ることはあまりない）ですが、このチャンネルは月三千円で見放題。残念ながらまだデジタル化には未対応ですが、色々流してくれるDVDソフトを見るのには十分です。最近もアルゲリッチが出演する演奏会の日本初公開映像を放映するなど、以前のこのブログでも少し触れましたが、今月から始まった企画として表記「ルネサンス バロック 音楽大系」の放映があります。もとはDVD全二十巻、三百七十一曲を収録とのことで、最初はヴィヴァルディのヴァイオリン協奏曲、次にその他の協奏曲、それからより広くイタリア・バロックの協奏曲、器楽曲と来ています。（このDVD、全巻揃いで何と二十九万円弱！）実際取り上げられる曲目を眺めていると、膨大なバロックのレパートリーに比べてやはりごく一部しか収められないことは明らかなのですが、何と亭主が驚いたことに、器楽曲集のチェンバロ（ハープシコード）のところでいきなりスカルラッティのソナタが三曲取り上げられていました。(^o^)その三曲とは、K. 43、K. 69、そしてK. 239。K. 43はヴェネチア手稿の中でも最初に写譜が用意された番号なしの巻（1742年、カークパトリックがXIV巻とした）の冒頭の一曲。その雰囲気は1738年のEsserciziに含まれるものと通じるものがあります。K. 69は同じ巻に含まれる比較的有名なポリフォニックな曲。K. 239は名曲ぞろいのヴェネチア第IV巻の4曲目、対としては2つ目の対の後半の曲で、いかにもスペイン舞踏風な雰囲気の曲（こちらも比較的有名な曲）。この三曲をどう選んだのか亭主にはわかりませんが、誰にしろあの膨大かつ多彩なソナタの中から三曲選びなさい、と言われたら大いに困惑するでしょう。（でも亭主ならやっぱりあのアッチャカトゥラで背筋がゾクゾクするハープシコードの名曲、K. 119とかK. 175から一曲は入れたいものですが...）ちなみに演奏者はジョヴァンナ・フォルナーリさんとあり、楽器はどうやらイタリアンモデルのようでした。

  June 20, 2010

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  カウンター・テナーの新星

  18世紀以前のオペラの輝きがどのようなものであったか、それから三百年近く後の現代世界に住んでいる亭主共には想像するのも難しいのですが、よく語られることの一つとしてカストラート、つまりあの残酷な手術の結果生まれた男性ソプラノ歌手の存在があります。S. シットウェルの言を借りれば、彼らは「史上最も完成した歌手たち」で、「ロッシーニに至るイタリアオペラの栄光の真の理由は彼らの存在にあった」、ということになります。スカルラッティ親子が活躍した17世紀末～18世紀前半は、まさにカストラートたちの絶頂期にあたる時代。中でも当時のヨーロッパ中を夢中にさせたのが伝説的なカストラート、ファリネッリです。その音域は3オクターブ半あったといいますから、まさに超人的。その彼が人生の後半、ほぼ四半世紀の長きにわたり、スペインの宮廷でD. スカルラッティと同僚であった、ということは意外に知られていないようですが、彼の前半生の活躍（例えば、ポルポラと英国に渡ってヘンデルの「国王派」オペラと熱い競争を繰り広げた話）は有名で、1994年製作の映画「カストラート」でも活写されています。（亭主もDVDで楽しませて頂きました。）カストラートが活躍するオペラは上演される機会が少ないのですが、モーツァルトのいわゆるオペラ・セリアと呼ばれるカテゴリーのオペラ（例えば「イドメネオ」など）がその片鱗を伝えているようです（E.J. デントによると、父スカルラッティの最上の弟子の一人がモーツァルト）。もちろん今やカストラート自体は絶滅して久しく、彼らが歌う音域を受け持つ歌手はアルト（女性歌手）かカウンター・テノール（男性）となりますが、後者はやはりウラ声だなァと分かる不自然さがありました。ところが、数年前に登場したフィリップ・ジャルスキー（JALでスキーではありません！）、その声たるやまさに「ファリネッリもこんな風だったかも！？」と思わせるようなインパクトです。例えばこのCD:実に自然かつ自在な声で聴くものを唸らせてくれます。その声音を文字ではなかなか伝えることができませんが、あえて例えれば、往年の名歌手、テレサ・ベルガンサにとても近い感じ。ちなみに、1994年の映画ではファリネッリの声を「再現」するために、何人かの歌手の声を基にコンピューター上で人工的に合成したとか。今からでもジャルスキーで吹き替え直してはどうでしょうか、コルビオさん？

  June 18, 2010

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  装飾音の快楽と悩み

  バロック音楽では装飾音というものがついて回ります。他人の演奏を聴いているだけであればどうということもないのですが、自分で実際に弾いてみようとすると、譜面に指示されているものも含め、これをどう「処理」するかが常に問題になります。この辺、当時から悩みのタネでもあったようで、有名なC.P.E.バッハの著作（邦訳＝「正しいクラヴィーア奏法」）をはじめ、色々な文献に装飾音の扱い方が紹介されているようです。こういった文献によると、トリルは「半音又は全音高い音を開始音（＝上接音）とし、拍の始めに合わせて弾く」となります。亭主もスカルラッティの最初のソナタ、K.1を弾き始めたとき、初めの方に出て来るトリルをこの指示に従って弾いておりました。（下図、赤丸の音）例えば２小節目のトリルならb'a'b'a'b'a'...ところが、スコット・ロスの全集ではこの逆、つまりa'b'a'b'a'b'...と演奏されており、K.1の中でこれ以後に出て来るトリルもすべてこのように「主音」から始まっていました。さらに衝撃を受けたのは、最近聞く機会があったもう一つのベルダーによる全集でも、ロスと同じようにやはり「主音」からのトリルで演奏していたことです。一方、このように演奏家の間で常に見解が一致するのであれば、そこに何か亭主の知らないルールがある、という想像も出来るのですが、これがそうでないところが困ったところ。実際CDを聞き比べていると、ロスとベルダーの間でトリルの開始音が相互に逆になっている演奏のソナタも一つや二つではありません。プロの演奏家の間でも見解が分かれるとなると、亭主のようなアマチュアはもうお手上げ。「要するにどーでもいいんだろ」となってしまいます。この辺の機微に触れて、以前どこかでグスタフ・レオンハルトが、「『正しいこと』と『確信がもてること』は必ずしも一致しない」と語ったとの記事を目にした覚えがあります。この場合、当然彼は後者を取る、ということなのでしょう。ちなみに、ピアノによる演奏を調べてみると、ポゴレリチは前述の二人と同じく「主音」からのトリルを採用していましたが、プレトニョフはC.P.E.バッハのルールに従い「上接音」から演奏しておりました。さて、貴方ならどちらを取ります？

  June 13, 2010

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  バッハの森

  今日は、以前から気になっていた「バッハの森」に思い切って出かけてみました。「バッハの森」とは、古代イスラエル史・聖書学者であられる石田友雄さん、オルガニストの一子さんご夫妻が1985年につくばの地に創設されて以来、パイプオルガンを備えたホールを中心に、四半世紀にわたりルネサンス・バロック音楽の普及活動を行われてこられた団体です（ご本人は「私塾」と呼んでおられます）。メールでご連絡したところ、3時半から合唱の練習を行っているのでよかったら参加されては、とのお誘いを受け、お言葉にに甘えて中学生の息子と二人で東光台にある施設をお訪ねしました。少し早めに到着し、一言ご挨拶をと案内を乞うたところ、石田先生がにこやかに出て来られました。亭主とはもちろん初対面だったにもかかわらずとても気さくにお話くださり、バッハの森の活動全体について、その概要をご紹介頂きました。学校のような縛りもなく、自らの発意で会員が合唱、ハンドベル、オルガン演奏といった音楽活動から聖書やバッハの音楽の勉強まで、実に様々な活動をされていることが分かりました。もうすぐ傘寿を迎えられようという年齢にも関わらず石田先生ご自身もとてもお元気そうで、きっと音楽のせいに違いないなどと勝手に想像していました。お話している間にオルガニストのメルカールトさんが現れたので、「オルガン志望」の亭主に早速ご紹介頂いたところ、これから行う合唱練習では伴奏を務められるということで、あのアーレント・オルガンの音を聞くためにも予定通り合唱練習に参加させて頂くことにしました。（といっても亭主は歌の方はからきしダメ、息子も変声期ということで、後ろの席で譜面をお借りしておとなしく拝聴とさせて頂きました。）さて、ホールに案内されると既に八～九人の方々が練習されていましたが、ホールに入るなり彼らの声の透明な響きにいきなり胸を打たれました。練習されていたのは７月の演奏会の演目の一つ、パレストリーナのミサ・ブレヴィス。中央で指導されている女性はどことなくエマ・カークビーを思い起こさせるようなよく通る声をお持ちの方で、他のメンバーの声もノン・ビブラートの声がよく響いています。後で伺ったところでは、既に４月から練習されているということで、なるほどと納得した次第。亭主も息子も退屈することなくルネサンスのポリフォニーを楽しませて頂きました。ミサ・ブレヴィスの練習が小一時間ほどしたところで石田先生がホールに現れ、ラテン語の歌詞についての勉強会の時間に入りました。メンバーの一人がご親切にも対訳の載ったプリントを貸して下さり、亭主も一緒にお勉強。息子にはラテン語がその昔ヨーロッパの共通語（現在の英語のようなもの）だったことをひとくさり。これが十分かそこらで終わったところで、今度はバッハの曲の練習が始まりました。メルカールトさんのオルガン伴奏が静かに響く中、パレストリーナとはまた違う音の世界が広がってゆきます。大型のオルガンと違い、「バッハの森」のオルガンは威圧的な感じが全くなく、とても人なつこい響きがします。そうこうするうちにいつの間にか家事当番をしなければならない時刻になり、練習中のスタッフの方のお邪魔をして暇乞いを申し出るとともに、せっかくなので帰り際に「維持会員」として入会手続きをさせて頂きました。７月の演奏会には何とか来聴したいもの、と思いながら「バッハの森」を後にしました。

  June 12, 2010

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• スカルラッティ・ソナタの番号

  昨日、ハープシコードの弦の張り替えについて書きましたが、今日もまた別の弦が一本切れてしまいました。切れたのはBの音（下から41番目の鍵盤）。見るとチューニングピンの根元近くで切れています。幸い以前に余分にもらっておいた細い方の交換用弦で対応。ことなきを得ました。というわけで、音が揃った楽器を前に、久しぶりにハープシコード三昧。たまたま譜面台に乗っていたファディーニ版のスカルラッティソナタ集第7巻を端から音にして楽しみました（～三時間ほど没頭）。ファディーニ版（Ricordi）は、スカルラッティ・ソナタの原典版楽譜としては一番新しいものですが、残念ながらまだ未完。全十巻の予定のうち現在までに出版されたのは第8巻までで、しかも「ヴェネチア手稿を第一原典とし、まずそれに含まれるソナタを順番に収録する」、という編集方針なので、第1巻はカークパトリック番号で43番（K. 43）のソナタから始まる等、Essercizi＝「練習曲集」の第一曲K. 1から順に収録されているギルバート版(Heugel）から見ると、あちらこちらと歯抜けになった状態。（練習曲集をはじめ、その他モロモロの原典からのソナタは最後の第10巻に収められる予定とのことですが、一体何時になることやら...実に不便な状態です。）スカルラッティの鍵盤作品は、たまに「パストラール」など曲の内容をほのめかすようなお題がついているものもありますが、ほとんどは単に「ソナタ」という名前がつけられているだけで、他に表題のようなものが一切ありません。これは、同時代のラモーの作品に洒落たお題が付いているのとは際立った対照を見せており、それ自体興味深いことなのですが、彼の作品を引用したり論じたりする上では大変不便です。結局、何らかの基準に従って通し番号を付け、ソナタをその番号で呼ぶことになるわけですが、スカルラッティのソナタについてはこれが何通りもある、という、これまたメンドーなことになっています。いろいろある番号体系の中で、多分最も広く使われているのがカークパトリック番号（既にお察しの通り、亭主のブログでもこれを使っています）。カークパトリック（Ralph Kirkpatrick）は米国のチェンバリスト・音楽学者で、彼は「スカルラッティの自筆譜が一切今日に伝わっていない」という謎めいた状況の下、当時参照できる限りの出版譜や写譜手稿に収められた作品群を比較・整理し、それらが出版あるいは写譜された年代の順番に基づいて通し番号を付与しました。またその際、知られている主要な写譜原典のうちでも、バルバラ王妃が使っていたと考えられるヴェネチア手稿（496曲を含む）を第一原典と考えて、これを基準に作品を整理したようです。この点をもっと徹底したのがファディーニ版という見方もできます。つまり、どうせ出版・写譜された年代と作曲年代が対応している保証がないのだから、むしろスカルラッティがバルバラ王妃のために自分の作品を「編纂」したと思われるヴェネチア手稿を最も信頼できる「順番（＝通し番号）」の基準と考えたわけでしょう。ちなみにファディーニ盤の第7巻は、ヴェネチア手稿第IX巻（30曲）、および第X巻（34曲）の全曲が収まっています。そのほとんどが三ツ星クラスの名曲ぞろい。（何しろ弾いていて実に楽しい曲ばかりです。例えば第IX巻の2曲目、K. 389。なんだかサティを弾いている感じ！）カークパトリックは、スカルラッティの伝記的な事実の調査も徹底的に行い、何とスペインで彼の子孫（1950年当時九代目）が存命であることを発見したりもしています。来年はカークパトリックの生誕百周年という、スカルラッティ・ファンには記念すべき年。何か面白いイベントはないものかしらん...

  June 6, 2010

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• チェンバロの弦を張る

  一昨日、交換用のハープシコードの弦（鉄製）が届きました。週末になってようやく時間が出来たので、久しぶりに切れていたC#の弦の張り替え作業を行いました。実はちょうど一年ほど前にも、もう一オクターブ上の方の弦が二本、余り間を置かずに切れたことがあって、二本目の時には念のために余分の弦を送ってもらっていたのですが、いざ切れた弦と交換しようと見てみると何となく太さが違うように見えました。そこで念のためにとギタルラ社に問い合わせてみると、やはり音域によって太さの異なる弦が使われているとのこと。確かに張力だけに頼って音の高さを変えようとすると、高音側の張力が大きくなり過ぎますネ。ある程度の音域毎に弦の太さを変えるのは合理的です。さて、弦の張り替えはハープシコードメンテの中では結構難しい作業です。まず、ジャックの列を覆うカバーを外し、弦の一方（ループが作ってある）を支点（小さなピン）に掛けて、弦が暴れても外れないように「目玉クリップ」でピンを上から挟みます。それから、あらかじめ切れた弦がどのくらいの長さ調整ピンに巻き付いていたかを測っておいて、その分だけ残して弦をニッパーで切断し、その端から弦を調整ピンにぴちっと巻いていきます。残りの弦長が調整ピンを立てる位置に来たところで、弦をきちんとコマの位置に合わせ、それからピンをカナヅチでピン穴に打ち込みます。（この「カナヅチで打ち込む」というマニュアルの指示について、最初は楽器にダメージを与えるのではないか、とかなりおっかなびっくりで、弦をピンに巻く前にピン穴に立てて、片手で弦を引っ張りかつチューニングと同じようにピンをねじ込みながら巻いてみたりもしましたが、やはりうまく行きませんでした。）打ち込んだあとは、いつものように調整ピンを回してチューニングです。今回は、ここまで来たところで、チューニングのためにピンを回しながら「なかなか音が高くならないなァ...」などと不安に思いながら回し続けていたところ、プツッ！と弦がはじけてしまいました。またもや切れたか、と思いきや、何と反対側のループがほどけてしまっています。というわけで、ループを作り直してまた始めからやりなおし。それでも20分少々で終わることが出来ました。未音亭のルッカースは2007年製ですが、こうして弦がちらほらと切れ始めたところを見ると、弦の寿命は三年～五年というところでしょうか？ちなみに、鉄製の弦を張るのはルッカースの特徴（それ以前は真鍮製）のようで、これによって比較的細い弦を強い力で張ることが出来るようになり、あの「鈴のような音色」で当時のヨーロッパ宮廷を魅了したということのようです。（ルッカースの登場で、それ以前にあったフランス固有のハープシコードは絶滅し、ルッカースの改造版が「フレンチ」モデルとして発展したとのこと。）

  June 5, 2010

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  素晴らしきヴァーチャル図書館

  スカルラッティさまの鍵盤音楽にハマって以来、亭主は彼に関する著作をネット上で探し集めています。とはいっても、どちらかというとマイナー？な作曲家なので、それほど多くの本があるわけではなく、めぼしいものは大体集めることが出来たのですが、少数ながら未だ手に入らないものもあります。というわけで、昨夜も例によってお目当ての本が落ちていないものかとネット上をグーグルっていたところ、どういう検索の綾が働いたのか、全く予期しなかった発見をしました。何と、スカルラッティ・ソナタの最も重要な原典であるヴェネチア手稿を一ページずつデジタル写真に収めて公開しているWikiサイトがあるんです！　\^o^/\^o^/\^o^/（亭主はかなりの興奮状態）→ http://wiki.livedoor.jp/tekuteku2008c/以前にも紹介しましたが、ヴェネチア手稿は全15巻の曲集（写譜師が筆写した楽譜を合本装丁したもの）からなっており、そのうちの13巻には巻番号が付されています（IからXIIIまで）。残りの２巻には元々巻番号がなく、これにカークパトリックがXIV、XVと番号を付けて整理したことから、今ではそのような番号付けが使われていますが、実はこの２巻、他の13巻より先に作られたことも（写譜された年号から）分かっています。何とこのサイトにはこの15巻中11巻分の手稿がカラー画像でデジタルアーカイブされていました！名前からも推測されるように、これらの手稿はヴェネチアの聖マルコ寺院に付随した図書館に所蔵されており、亭主もあの世に行く前に一度は拝んでみたいもの（とはいえヴェネチアは遠し...）、などと日頃から思っていたところ。こんなところで予想外の遭遇をしてホントにビックリするとともに、ネットの力を思い知らされました。このサイトを作られた方々に心より感謝するとともに、その労苦に敬意を表したく思います。ここには他にもアントニオ・ソレールのソナタの手稿の一部の写真アーカイブも公開されているなど、色々と目の保養になります。さらに、これは亭主もあればいいなと思っていた「国内原典版楽譜に収録されているスカルラッティ・ソナタの一覧と対応表」が掲載されていて、特定の曲にしか興味がない場合には高価な輸入版楽譜に頼らなくても済ませられるようになっています。ところで、亭主が今凝っているソナタの一つにK. 262があります。知られざる名曲と言ってよい曲なのですが、その最後から６小節目－７小節目のバスの音がまだ曲の途中なのに下図（赤丸）のようにこの調の主音（つまりこれでオシマイ、という音）になっていて、とっても違和感！フツーの感覚では属音になるべきと思うのですが注）、ファディーニ版（Ricordi）、ギルバート版（Heugel）、橋本版（全音）のいずれもこの通りになっていて、ここまで一致すると「多分原典もそうなっているのだろうな」と想像せざるを得ないのですが、やはりこの目で確かめたいと思い上記のサイトを見に行ったところ、何とこのソナタを含む巻はアーカイブから漏れていました。そうやって眺めると、手稿の中でも特に「名曲」が目白押しの巻である第IV巻、第VIII巻、第IX巻が抜けているのがちょっと残念...とはいえこのサイト、亭主にとっては願ってもないようなヴァーチャルライブラリでした。注）CDに収まっている演奏としてはロス、ベルダー、アンタイのものを聴く機会がありましたが、楽譜通りに弾いていたのはアンタイだけ、ロスとベルダーはF＃に読み替えて演奏しています。

  June 1, 2010

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  チェンバロ vs ピアノ

  数日前に、未音亭のハープシコードの弦が一本、いつの間にか切れてしまいました。切れていたのは下段鍵盤C＃の音。まさに鍵盤のど真ん中の音で、これを触らずに弾けるような曲はまあないといってよく、仕方なく上段鍵盤へ逃げたりして弾いていましたが、そのうちメンドーになって楽器に触らなくなってしまいました。（いつものようにメールで東京古楽器センター[ギタルラ社]に交換用の弦を送ってくれるよう頼んだものの、今のところナシのつぶて。どのみちあと数日はこの状態でしょう。）というわけで、久しぶりにピアノでスカルラッティさまのソナタを弾いてみました。ピアノがハープシコードの「上位互換機」ではないことは以前どこかで書いたような気がしますが、実際タッチ一つとってもハープシコードとはまるで違います。とにかく重い！それからこのフワフワする感じが何とも違和感！（あー、随分ご無沙汰していたのだなァ...）ギタルラ社の方に言わせると、ハープシコードを上手に弾けるようになることはピアノの演奏にとってもプラスになる、とのことでしたが、多分逆は成り立たない？のでしょう。どっちもヘタな亭主にとってはいずれにしてもあまりご利益がない話ではありますが。スカルラッティのソナタ群が、主にはハープシコードという楽器の持つ音色や機能を前提にして書かれているであろうことはある程度想像がつきますが、彼の生きていた時代（1685年～1757年）の後半は、クリストフォリが「強弱付きチェンバロ」、つまり今日のピアノの原型となった楽器＝フォルテピアノを開発していた時期と重なっており、専門家によっては「スカルラッティもフォルテピアノを多用したハズ」と主張される方も結構いらっしゃるようです。それはさておき、スカルラッティのソナタの中には、ピアノで弾くと実にピュアで奥深い響きになる曲がいくつもあります。特に緩徐な曲がすばらしい。あまり知られていない名曲ということで紹介すると、亭主のオススメは例えばK. 126。これをツァハリアスのCD冒頭にある名演で聴いて以来、亭主は結構真面目にピアノで「練習」しています。（ちなみに、幸い楽譜としては全音から出ている橋本英二先生校訂の「スカルラッティ100のソナタ集」第一巻に収録されています。）それから、スカルラッティはバッハの大好きなフーガを見限っていたようで、ほとんど作品を残していないのですが、いくつかある作品はどれも名曲といってよいもので（それなりに有名でもあります）、例えばK. 69、K. 87といった曲をピアノの残響の中で聴いていると別世界を旅しているような気分になります。お試しあれ。

  May 30, 2010

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  「練習曲集」by ドメニコ・スカルラッティ

  ピアノ作品のジャンルの一つとして「練習曲」と名前がついたものがあります。（もちろんピアノに限らず、他の色々な楽器についても似たようなものだと想像しますが...）この「練習曲」という言葉を聞いて、もっぱら鑑賞する側の人々がすぐに連想するのは、ショパンの2つの練習曲集のような名曲の数々だと思います。が、多少とも先生についてピアノ演奏のレッスンを受けたことがある人（亭主もしかり）が思い起こすのは、ハノンだのツェルニーだのといった退屈な「指体操」本。岡田暁生氏の「ピアニストになりたい！」を読むと、どうやらこういった指体操本は、19世紀になっていわゆる市民階級（裕福な商人達）の子女の間で「ピアノのお稽古」が流行したことが背景にあるらしい。まあ、この手の「実用書」はどんな世界にもつきものですが、ショパンの「練習曲」も元は「エチュード（＝英語でStudy）」、つまり「研究」という題目を持つことからも察せられるように、そういった実用本とは一線を画すものです。「研究」の目的が、楽器の持つ表現の可能性を拡げるための演奏技術の開拓、ということであれば、当然それによってもたらされる新しい表現が聞くものにとっても魅力的であるべき（さもなくば技術のための技術、単なる鍵盤のサーカスといった見せ物的な意味しかない）ということになります。その点、ショパンの練習曲はピアノ音楽についてそのような高度な完成の域に達した最初の例かもしれません。（亭主が思うに、ショパンのそれと双璧を成すのがドビュッシーのエチュード。内田光子の演奏は今でも亭主にとって「聖典」の一つです。ちなみにショパンの方は名盤が目白押しですが、亭主のお勧めはフレンチ・カナディアンのピアニスト、Louis Lortieの録音です。1986年と少し古い録音ですが、その清々しい演奏は何度聴いても飽きが来ません。）ところで、まだピアノが生まれたばかりの「フォルテピアノ」だった頃、つまりハープシコードが（世俗音楽における）鍵盤楽器の主役だった時代にそのような表題を持って世に出たのが、ドメニコ・スカルラッティの「チェンバロのための練習曲集（Essercizi per Gravicembalo）」で、1738年（あるいは1739年初頭）、ロンドンで出版されました。その冒頭には、スカルラッティ自身の言葉で次のように記されています。「読者よ．貴方が素人であろうと専門家であろうと，これらの作品の中に深遠な学問を期待するのではなく，むしろ貴方をハープシコードの練達へと導く才気にあふれた芸術の戯れを期待するように．」「チェンバロのショパン」と言われるスカルラッティの「練習曲集」がショパンのそれにも匹敵するような意味を（ハープシコード音楽に対して）持つであろうことは容易に想像できます。が、ハープシコードという楽器を前提にした音楽であるため、必ずしもピアノとの相性はよくありません。（「エチュード」の目的、また楽器の違いを考えれば明らかです。）というわけで、ピアノ全盛の現代ではほとんど忘れられた存在になっており、その中でも特に有名な十曲程度がほんの時たまピアノのレパートリーとして（指馴らし程度に）取り上げられるだけ、という残念な状況になっています。それにしても亭主にとって不思議なのは、このようなハープシコード音楽にとってある種のバイブルと思われるような曲集が、つまみ食いでなく一つのまとまった作品として（ハープシコードの演奏家さえからも）取り上げられることが全くといってよいほどない、ということです。実際、世の中に出回っているCD録音を見てもそのようなものはないに等しい（結局ロスやベルダーの全曲録音に頼るしかない）し、楽譜についてもSchirmer社のものが1つあるぐらいで、後は全集版を手に入れるしかない、という状態。（亭主はオリジナルのファクシミリ版を持っていますが、さすがにこれは読みにくいので、普段はバカ高いウジュール[Heugel]版の全集を使っています。）この、最後を有名な「猫フーガ」で締めくくる一大曲集、スカルラッティ音楽の原点として是非とも再評価してほしいものです。

  May 29, 2010

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  あらゆる芸術は常に音楽の状態を憧れる

  以前の日記で、「感覚の芸術」という言葉を書き記しましたが、その後これを無意識に反芻しているうちに、亭主の頭の片隅で眠っていた表題の引用句がふっと思い浮かびました。All art constantly aspires towards the condition of music.これは、19世紀後半に英国で活躍した批評家、ウォルター・ペイターの言葉で、彼の代表作である「ルネッサンス」という評論集の中にあります。かつて亭主が若かりし頃のお気に入りのセリフで、「音楽はリクツじゃない！」と言えばいいところを多少気取って（あるいは教養のあるところをひけらかし、一方で自信がないところを引用でハクを付ける？）使っていたものでした。今やそんな気取りも失せた中年（壮年？）になってしまいましたが、この引用句は音楽（特に言葉を伴わない楽曲）が人の心にストレートに働きかけることができるという点であらゆる芸術表現の王である、ということを実によく表していると思います。そういえば、ドメニコ・スカルラッティの直接的な言葉として伝わっている数少ないものの一つに、同時代の音楽評論家チャールス・バーニーの聞き書きとして次のような言葉があります。「彼[スカルラッティ]はそのレッスンであらゆる作曲のルールを破ったことを分かっていたが，これらルールからの逸脱がはたして耳を聾するものだっただろうか，と聞いた．そして，そういうことはない，という答えに対して，才能ある者が注意を払うべきルールとしては，音楽をその対象とする感覚[=耳]だけは不快にさせないことであって，これ以外のものはほとんどないと考えている，と語った．」ここで文中に「レッスン」とあるのは彼が生前に出版した唯一の作品、「練習曲集（Essercizi per Gravicembalo）」のことで、30曲（カークパトリック番号で最初の1番から30番まで）のハープシコード作品からなっています。スカルラッティの言葉は、やはり「音楽はリクツではない（＝感覚の芸術）」ということを作曲する側の立場から語っているように聞こえます。（こういう音楽観の対極にあるのが、シェーンベルクの十二音音楽の類いだ、なんて思うのは亭主だけ？）ちなみに、「練習曲集」オリジナルの表題ページにはハープシコードの図柄の上にラテン語のモットー、「Curarum Levamen（人生は楽しく！）」とあります。今の亭主には大いに慰めとなる言葉。最近購入したiPod Touchiにレーザーで彫り込んでもらい、一人悦に入っているところです。

  May 28, 2010

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• カテリーナ古楽合奏団

  一昨日のDVDブック「チェンバロ」の記事で、プサルテリウムやサントゥールを自在に操り不思議な音響世界を繰り出す方々に触れましたが、亭主はあまりに強烈な印象を受けたので早速ネット上で調べてみたところ、ありました、彼らのホームページ。さらに、その演奏を入れたCD、「ドックチア」があるのを知り、その日のうちに通販で注文しておいたところ、本日首尾よくゲット。早速演奏を聴かせて頂きましたが、ここで使われている数十種類ものほとんど馴染みのない楽器群が奏でる響きの何とも新鮮でまたどこか懐かしいこと。ライナーノートの解説記事で江波戸昭さんも書かれていましたが、これらは「古楽器＝古びて絶えてしまった楽器」ではなく、「昔からある楽器」、いまだに生きている楽器として十分な存在感があります。けれども、こういった楽器を前にしてすぐに問題になるのは「これらでどういう曲を奏でるのか？」でしょう。結局のところ、楽器の魅力はそれが奏でる音楽の中にしかなく、それによって天と地ほども違いが出ることは、このような「古楽器」だけでなく現代の楽器群にも当てはまります。（亭主がハープシコードにハマったわけも、結局のところスカルラッティのソナタという素晴らしいレパートリーに出会ったからです。）その点、カテリーナ古楽合奏団が発掘？してこのCDに収めたレパートリーはこれらの楽器の魅力を百二十パーセント引き出していると思います。ここで百でなく百二十と言ったのは、そのアンサンブルの妙がこれまた大変素晴らしいものだからです。（収められた20曲を聴いている間、亭主はずーっと唸らされっぱなしでした。）時には十指に余るヴァラエティの楽器群が作り出す実に幻想的な世界。ある程度「発掘」したものに基づいているにしても、多分楽器の選択も含めた曲の構成はこの楽団のオリジナルに違いなく、その感覚の確かさは見事なものです。そして、あのプサルテリウムとサントゥールのデュオもちゃんとありました。「愛する人よ」という題名のついた、作者不詳の12世紀フランスの曲。この二つの楽器の響き合いは、現代のそれに例えるならピアノとバイブといったところでしょうか。（いまだ亭主の愛聴盤であるチック・コリアとゲーリー・バートンの「チューリッヒ・ライブ」を連想しました。）ジャズがそうであるように、こういう音楽を「民族音楽」という言葉でくくるのはやはりしっくり来ない気がします。彼らがカテリーナ「古楽合奏団」と名乗っているのも、その辺のニュアンスを感じました。

  May 25, 2010

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  DVDブック「チェンバロ」 by 久保田彰

  亭主が住むつくばに昨年「イーアス（いい明日？）」とかいう名前の大きなショッピングモールが出来ました。この手のモールは大体女性客相手の店ばかりで亭主には縁がないことが多いのですが、イーアスにはヤマハが入っているので時々用を足しに行きます。今日も雨の中、午後からお目当ての楽譜を仕入れに出向きました。（普段の日曜日だったにもかかわらず、天気のせいか着いてみると駐車場は満杯。空きを見つけるのに一苦労しました。）さて、お目当てのものを首尾よくゲットした後、ぶらぶらと音楽書の書棚の前をぶらついていると、表題の本が目に留まりました。亭主も三年前にマイ楽器を手にして以来、ハープシコードのことは一通り知っているつもりだったのですが、造本が綺麗だったのと、付録のDVDに曽根麻矢子さんの演奏が収録されているとオビに書かれているのを見て、衝動買いしてしまいました。（著者の久保田彰さんは、もちろん言わずと知れたハープシコード製作の大家です。）こうして本を眺めると、「一般の読者に分かりやすく」ということで、専門用語を出来るだけ控えた説明文に加え、写真もふんだんに使われていて、楽器の初期の歴史からフォルテピアノの発明に至るまでを短い時間で理解できるようになっています。それにも増して好企画なのが付録のDVD。やはり楽器は音が鳴って初めて存在理由があるもので、本に登場する楽器がどのような響きを持っているのかを一目瞭然、ではなく一聴瞭然にしてくれます。（ハープシコードの場合はやはり見る方も大事で、特に美しい塗装や装飾の質感は写真よりも光の下での動画によって、よりよく捉えられている感じです。）ちなみに亭主は、曽根麻矢子さんをはじめとした演奏家の方々によるハープシコード演奏もさることながら、DVDの始めの方で出て来る楽器、プサルテリウムとサンツゥール（ダルシマー）という楽器の音色にクギ付けになりました。ナレーションによれば前者はハープシコードの起源（アラブ世界よりヨーロッパに伝播）という楽器、また後者はコダーイの「ハーリ・ヤーノッシュ」に出て来る？ツィンバロンを思わせるものでしたが、これらを使って奏でられる音楽（13世紀ごろのスペインの作品、「聖母マリアのカンティガ」からの作品）の素晴らしいこと！この見慣れない楽器を器用に操りながら不思議に幻惑的な音響世界を作り出す二人のおじさんは一体何者なの？と大いに驚きまた感動することしばしでした。（クレジットによると「カテリーナ古楽合奏団」のメンバー、松本雅隆さんと上野哲生さんという方々でした。失礼いたしました。）スペインと言えば、もちろんスカルラッティがその後半生を過ごしながらあの膨大なハープシコード・ソナタを作曲した土地であり、またスペインとアラブ世界の深いつながりも改めて指摘されるまでもありませんが、スカルラッティのソナタの中に聴かれるスペインの市井の響きの中には、ギターだけでなくこのプサルテリウムの音色もきっと隠れているに違いない、と想像しながら楽しんだひとときでした。

  May 23, 2010

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  P.-J. ベルダーによるスカルラッティ

  最近「マイ・ブーム」という和製英語？を聞かなくなりましたが、亭主のこのところのマイ・ブームはベルダーによるD.スカルラッティ・ソナタの全曲録音CDです。未音亭ホームのディスコグラフィでも紹介していますが、彼は全 555曲の録音を成し遂げた二人目の演奏家です。これに先立つのは、スコット・ロスで、彼の録音（スカルラッティ生誕300年の 1985年に完成、1988年にCDとして発売）は世界初の偉業として、当時のクラッシック音楽界で大きな注目を集めました。スコット・ロスは思い立ってから一年半ぐらいの短期間で集中的に仕事をしたのに対し、ベルダーの方は八年がかりというペースでじっくり取り組んでします。いずれにせよ、二人とも三十代半ばからという気力・体力ともに充実した時期に取り組んだ点では共通しています。ロスの録音に比べてベルダーのそれが持つ特徴は多々ありますが、その中でも目につく点として演奏に用いた楽器の多彩さがあります。ロスの演奏が三種類程度の楽器（主にイタリアンとフレンチ）を使って行われ たのに対し、ベルダーは全部で十二台の楽器を用いており、中でも特筆すべき点の一つとして三十曲程度についてはフォルテピアノを用いてい ます。なお、最も多く用いられたのは二台のイタリアン・モデル（ジウスチ＝17世紀後半ルッカの製作者）で全体の半分弱を占め、その次にフレミッシュ（リュッカース）とジャーマン（ミートケ）がそれぞれ二割程度、残りをフレンチ、スパニッシュのハープシコードおよびフォルテピアノ（フェリーニ）で録音しています。ところで、スカルラッティのソナタを演奏する際に問題になることとして、楽器の持つ音域があります。そもそもピアノと違って、ハープシコードには世界標準というものがなく（そのようなものが出来る前にアンシャン・レジームとともに一旦絶滅しました）、イタリアン、フレミッシュ、ジャーマン等々、17－18世紀にヨーロッパ各地で作られていた楽器がほぼそのまま複製されて演奏に供されることが多いのですが、オリジナルの楽器はほとんどが４オクターブから４オクターブ半程度の音域しかなく、多少音域を拡張するにしても5オクターブを超えることはまずありません。（ちなみに、この事情は18世紀のフォルテピアノについても同じようです。）ところが、スカルラッティのソナタ、特にカークパトリック番号で後ろの方のそれはフルに5オクターブ、最大でFF-g3（5オク ターブ＋1=62[or 63]音、K. 485）という広い音域を必要するので、こういった楽器では演奏不能（あるいは演奏に際して一部曲に手を加えて音域を狭める）ということになります。（実際、このK. 485というソナタは数ある名曲の一つでもあり、この問題は小さくありません。）亭主の見るところ、スカルラッティのソナタがあまり演奏会で取り上げられない理由の一つにこの音域問題があるのではないか、とにらんでいるほどです。ベルダーの録音では、この最大音域をカバーする楽器としてイタリアン・モデル（ジウスチ）が用いられています。それも、通常なら精々5オクターブまでの拡張モデル （FF-f3）しかないところを、多分この録音用に特別 にg3まで届くような楽器をあつらえたのではないかと想像されます。ただ、この選択は亭主にはやや不満が残るところで、どうせなら「スパニッシュ・モデル」で最大音域をカバーする楽器を用意して欲しかったナァ、と思います。というのもカークパトリックによれば、バルバラ王妃が持っていた十二台のうち、61鍵の音域を持っていた三台はいずれもスペイン製の楽器であることが分かっているからで、K. 485をはじめとした多数のソナタがこのような楽器を念頭において作曲されたと思われるからです。ちなみに、ベルダーの録音で用いられている「after Iberian examples」とある楽器は独特の明るい音色を持っていて、亭主のお気に入りです。けれども、それにも増して素晴らしいのがリュッカースの音色。これは亭主が今まで聴いたハープシコード の中でも最高の音色といってよいでしょう。（あー、こういう楽器を毎日弾いてみたい！）とはいえ、スカルラッティやバルバラ王妃が実際に弾いていた楽器がどんな音色だったのかは永遠の謎で、勝手に想像するしかないのでしょう...というわけで、スコット・ロスの全曲録音をお持ちの方も、このベルダーの録音は必聴モノです。

  May 22, 2010

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• メシアン

  イヴォンヌ・ロリオが亡くなったという短い訃報記事を見ました。亭主は20世紀以降の「西洋クラッシック音楽」をあまり好きではないのですが、オリビエ・メシアンはその中でも例外の一人です。ピアノをやっていて多分最初に出会う彼の曲があの「みどりごイエスに注ぐ20の眼差し」。これを若きミシェル・ベロフが録音したレコード（今でもCD共々持っていますが）を初めて聞いた時の衝撃はいまだ記憶に新しいものがあります。（とにかくリズムの感覚がすごい...）こうしてメシアンの作品に触れ始めると、ほどなく彼の作品の主要な演奏家としてイヴォンヌ・ロリオの名前にしばしば出くわすようになります。亭主のLPコレクションの中には、その昔エラートが出した「メシアンの芸術」という全12巻のうちの半分ぐらいが残っていて、当然のことながらそこでも彼女は活躍しています。めぼしいところでは「8つの前奏曲」、「4つのリズムの練習曲」というピアノ作品が入った1枚、それから「神の降臨のための3つの小典礼」という声楽曲の1枚。残念ながら、どういう曲だったか思い出せないのですが...例によってウィキペディアを覗いてみると、彼女は「パリ音楽院における初見演奏の課題曲としてメシアンが作曲した《ロンドー》により、ジャン=ミシェル・ダマーズと首席を分け合った（1943年）」とありました。実はこのダマーズ、亭主が「CDでどうしても手に入らないのでLPからイタ出しした」作品、「フルートとハープのためのソナタ」の作曲者でもあります。（ちなみにLPは往年の名手、ランパルとラスキーヌによる演奏で、この曲は彼らのために書かれたもの。）ダマーズさんはまだご存命のようで、メシアンのような「前衛的な」音楽には背を向けてこのような優美な作品をものされているらしい...おっと、話がそれました。ベロフもそうですが、メシアンのピアノ作品を聴かせられるピアニストは、多分極めてリズム感の鋭い演奏家なんだろうと想像します。昔「鳥のカタログ」をロリオのレコードで聴いた覚えがありまが、鳥のさえずりから引き出されたとても複雑なリズムに目を回したような印象があります。これを機に、彼女の演奏にもう一度耳を傾けてみようかな...（合掌）

  May 20, 2010

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• アルゲリッチとクレーメル

  クラシカ・ジャパンで放送された「アルゲリッチ＆クレーメル、メモリー・オブ・コンサート」という１時間強の番組を拝見。2006年にベルリンで収録されたコンサートを短く編集し、曲の合間にクレーメルの語りが入るという作りで、曲目はクライスラーの小品から始まって、シューマンのヴァイオリン・ソナタ２番から１楽章、シューマンの「子供の情景」から数曲（アルゲリッチのソロ）、バルトークの無伴奏ヴァイオリン・ソナタからいくつかの部分（クレーメルのソロ）、またアルゲリッチのソロの続き（子供の情景）、そしてバルトークのヴァイオリン・ソナタをまたデュオでやり、最後はクライスラーの「愛の悲しみ」で番組が終わる、といった案配でした。 以前にもちょっと触れましたが、こうしてお二人をしげしげと映像で眺めるのは随分久しぶりで、アルゲリッチの方は髪の三割ぐらいが白く、クレーメルに至ってはあの少ない髪が真っ白、おまけにあごにぐるっと白い髭を蓄えている、といったところが目につき、遠目には結構年寄りのカップルに見えるのですが、もちろん演奏の方は微塵も「老い」を感じさせるものはなく、メラメラと燃えるように熱い（暑い？）演奏を聴かせてくれました。（...これに限らず、最近折に触れて思うのですが、やはり２１世紀は年寄りが元気な世紀なんですね。亭主のような壮年世代は毎日仕事に追われて青息吐息ですが。）ところで、この番組でもシューマンの曲ばかり聞くことになり、このところ亭主は何故かシューマンにえらくご縁があります。これらを聞きながら、最近訳出したS. シットウェルの著作（「ドメニコ・スカルラッティの背景」）の中にあるシューマンに関するくだりを思い出していました。曰く、「シューマンはというと（これもまたあの孤立した意見によると）現実性—真の見せかけというあの古典的な意味における現実性—を獲得した全くのロマン主義芸術家に見える．詩はるつぼの炎によって変転し，音楽は詩という意味で一つの経験となる．もしシューマンのアラベスクはトウモロコシ畑の脇での散歩などではないというのなら，比喩的表現というものは感覚の芸術ではない．シューマンの音楽は極めて本質的に他者の存在によって大衆化されているが，それは滅多に一人を超えることはなく，けっして二人を超えることはない．だが，我々はこれが正しいかどうか確信が持てるほどにはシューマンの性格を十分に知らないのではないだろうか？」話が脇にそれましたが、クレーメルの語るところではこのお二人、とても音楽的な感性が近い（要するにウマが合う）ということで、もう随分長くデュオ活動をやっているようです。演奏を聴いていても、何ともバロック的というか、「表現」に対する欲求の度合いの高さでこの二人には共通するものがあるなァ、などと感じることしきりでした。

  May 18, 2010

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• アンサンブル・ジョアのコンサート

  しばらくぶりに室内楽のコンサートを聞きに行きました。会場はつくばカピオホール。TXつくば駅から歩いて数分、つくば国際会議場（「エポカルつくば」）に隣接する多目的ホールです。（つくばには音楽専用ホールとして磯崎新がデザインしたノバホールが駅近くにありますが、カピオホールはもう少しこじんまりしています。）演奏を聴かせてくれたのは「アンサンブル・ジョア」という女性ばかりの室内楽アンサンブル。2008年に結成されたという比較的新しい演奏家集団ですが、実はそのメンバーのお一人は、亭主の息子が習っているヴァイオリンの先生でもあります。というわけで、今日は息子共々先生の模範演奏を拝聴となりました。曲目は、最初にメンデルスゾーンの作品で「弦楽四重奏のための4つの小品」から。ロマン派にうとい亭主にとっては目新しい曲目でしたが、タンタタタタ・タンタタタタ、という速いリズムが出て来たりするところは如何にもメンデルスゾーンといった感じ。（プログラムには最後のフーガを除いた３曲とありましたが、どうもフーガが演奏された様子。）２曲目はシューマンのピアノ四重曲。これも亭主にはあまり馴染みのない曲でしたが、聞いているうちにだんだん「シューマンってほんとにロマン派なの？」というギモンが湧いて来ました。その昔ピアノを習っていたころ、レッスンの課題に有名なあの「幻想小曲集」の一曲目を与えられて「なにこれ、なんかドビュッシーみたいな...」と思った覚えがありますが、この四重奏曲について言えば、どうも明確な旋律というものがなく、どちらかというとコード進行で出来ているような感じ。その点だけをとれば、ある種のバロック音楽のような趣すら感じられます。休憩を挟んでプログラム最後はショスタコーヴィッチのピアノ五重奏曲。これは亭主も知っている数少ない彼の作品で、第三楽章のスケルツォの演奏は特に楽しませて頂きました。（あのようなオスティナート？のリズムは原始的な感性に訴えるものがありますネ。）前の曲も含め、技術的にも相当に高度な作品のようでしたが、結成後２年ということで奏者の息もよく合っていて大変素晴らしい演奏で、亭主も耳の保養になりました。

  May 16, 2010

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• スカルラッティ・ソナタとiPod

  スカルラッティのソナタは555曲もあります。このゾロ目の数字、その研究をライフワークにしていたラルフ・カークパトリックが、当時知られていた原典を整理した結果得られた鍵盤用ソナタ（厳密には「ソナタ」という名前を持たない曲も含まれますが）の数から来ています。その後、いくつか新たに見つかった曲もあるので正確にはもう少し多いようですが、いずれにしてもこんなに沢山の数の曲を「ソナタ全集」としてポンと渡されても、フツーのリスナーはどうしていいか分からな～い状態になってしまいますよネ。（有名な曲は精々４０～５０曲と全体の一割に満たない程度、CDにして３０枚以上のディスクを前にして、K. 1番から順繰りに聞いて行く、というのは千里の道を行くがごとし、です。）もちろん上述のような悩みは、現在２種類ある「ソナタ全集」（スコット・ロスとピーター・ヤン・ベルダーの録音）を前にした時だけの話ですが、亭主はこの２つ、どちらでもよいので是非多くの人に聞いてみて欲しいなァ、と思うのです。そこで、以下に亭主がやっている工夫を１つご紹介まで。 実はスカルラッティのソナタ、その大部分はもともと「ソナタ曲集」として３０曲程度が一まとまりになって合本されたものが１５巻集まって全体を形成していることが知られています（詳しくは、このような１５巻の筆写譜が２セット確認されていて、一方はベネチアの図書館、他方はパルマの図書館に保管されています）。このうち、ベネチアにあるものは装丁も豪華で、明らかにあのバルバラ王妃が使っていたものと推測されています。しかも、そのうちの１３巻にはIからXIIIまで番号がついていて、ソナタの並び方も何かしら意味ありげ。少なくとも作曲者本人がこれらの合本「ソナタ集」を作るに際して何らかの関与をしたのでは、と想像させます。そこでiPodの登場です。亭主はせっせとスコット・ロスのCDをiTuneにコピーした後、それらのソナタ中からベネチア・セットの各巻に含まれる曲をプレイリストに並べて、全１５巻を復元してみました。（そもそもK.1～30はスカルラッティ自身が「練習曲集（Essercizi）」として生前に出版したものですが、そのように纏まったCDすらまだ世の中にない？みたいなので、これも当然プレイリストです。）こうして各巻を聞いてみると、それぞれの巻の特徴も見えて来てなかなか楽しめますヨ。（例えば、曲集の最後をフーガで締める、というのがEsserciziだけでないこともこれで分かりました。） iPodがなかった時代にはこんなことはとても困難でした。有り難い時代になったものです。是非お試しあれ。

  May 13, 2010

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• アルゲリッチのこと

  最近「クラシカ・ジャパン」の番組を眺めていたところ、放送内容予告番組の中で今月の目玉の一つ、マルタ・アルゲリッチの出演した一昨年の音楽祭の様子が映し出されていました。その映像を見てびっくり、あの長い髪の毛のかなりの部分が白くなっているのです。実は毎月送られて来る番組案内冊子の今月号表紙写真にもピアノの前の彼女の姿が載っていて、その白いものが混じっているような画像をながめながら、撮影時の光の加減だろうなどと想像していたのですが...もっとも調べてみると1941年生まれというので、実は彼女、もうじき古希を迎えられるという御年におなりなのでした。髪に白いものが混じるのも当然ですが、むしろそれを隠そうともしないところに彼女の性格が現れている？のでしょうか。コンサートに通っていた30年前ほどに見た彼女の舞台姿は今のそれとほとんど変わらない（いつも黒尽くめ、舞台を大股でスタスタ歩いている）様子で、「自分は自分」、という感じが伝わってきます。それにしても、もうライブで彼女の演奏に接する機会はないのかなー、等と忙しい我が身の上を顧みてため息...

  May 12, 2010

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• ピアノという楽器

  　先ほどまで聞いていたNHK-FMで、昨年ワルシャワで開催された「ショパンと彼のヨーロッパ」国際音楽祭での、アレクサンドル・メルニコフとかいうピアニストのリサイタルの様子が流れていました。使われている楽器が1849年製のピアノ、ということで、どんなものかと思って聞いてみましたが、やはり現代楽器の音を聞き慣れた耳にはイマイチ...弱音-中音ぐらいまでは結構綺麗に響くんですが、フォルテになると妙にポロポロした音（なんだかカナダライやカンカンを叩いているような...）になってしまうんですねェ。　この「ポロポロ」した音色、もっと古い「フォルテピアノ（ピアノフォルテ？）」も同じような傾向の音を出します。想像するに、弦を張ってあるフレームの強度が充分でなく、弦の振動（振幅）が大きくなるとフレームが強制振動で歪み始めて、結局音の減衰が速くなる（長く響かない）せいかも。　ちなみに、元祖フォルテピアノ、つまりクリストフォリの手になる「強弱可変ハープシコード」を久保田彰氏が複製した楽器で、スカルラッティのソナタを弾いた録音を聞く機会がありましたが、こちらの音はむしろハープシコードそのものに近く、音色的には（確かに音の強弱はつくものの）「地味なハープシコード」という感じ。 　 というわけで、ハープシコードと違い、「フォルテピアノ」はやはり亭主から見て「過渡的な」楽器、という印象を拭えません。上のリサイタルで出て来た楽器から判断すると、「１９世紀のピアノもまだ発展途上？だった」ということになりますかね。（べつに過渡的でも何でも、それなりにいい音を出してくれれば楽しめるのですが、肝心の音がイマイチなので、わざわざこういう楽器での演奏を好んで聞く気にならないというわけです。）逆に、現在のスタインウェイやヤマハのフルコンが如何に完成された「究極の楽器」であるかについて思いを新たにすることになります。（とはいえ、ウチにフルコンを置くわけにはいかないところが悩みの種...やれやれ。） 

  May 10, 2010

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• チェンバロのショパン

  　ことしはショパン生誕二百年？とかいうことで、最近のラ・フォル・ジュルネ（オ・ジャポン）でもピアノ演奏会のプログラムは彼の作品ばかり取り上げられているようです。　未音亭亭主もショパンはもちろん好きな作曲家です。彼の作品群を聞いていると、ピアノという楽器が持つ多様で奥深い表現や響きの可能性が、それ以前の作曲家のものに比べて飛躍的に拡大しているように感じられます。（他に同じことを感じられる作家がいるとすれば、ドビュッシーとスクリャビンぐらいでしょうか？）　でも、この数年来、亭主がハマっているのはスカルラッティです。ピアノしか知らなかった３年前まではそうでもなかったのですが、自宅にハープシコード（チェンバロ）を入れてマイ楽器に触り始めた途端、スポっとハマってしまいました。亭主自身、これはまったく予想外の展開でした。（なにしろ購入の動機は、「あーこれでバッハのイタリア協奏曲やラモーの楽しい小品を弾きたい」というものでしたから。）とにかく、スカルラッティのソナタをハープシコードで弾いていると時間を忘れるぐらい楽しい！５５５曲もあるソナタの探索は汲めども尽きぬ驚きと楽しみの泉です。（もちろん弾くだけでなく、今ではスコット・ロスやピーター・ヤン・ベルダーの全録音をiPodで持ち歩く毎日です。）　さて、スカルラッティにハマったところで、もっとスカルラッティのことを知りたいと思って色々ネット上を探したのですが、何と日本語で読める伝記や解説本の類いは皆無。そこでシットウェルというイギリスの作家が大昔（1935年！）に書いた彼の評伝を読んでいて出会った言葉が「チェンバロのショパン」でした。ハマってみて分かりましたが、確かにピアノという楽器の存在なしにショパンを語れないように、ハープシコードという楽器なしにスカルラッティのことは語れない感じです。（ピアノを習うとすぐにショパンを弾きたくなるように、ハープシコードを手にした人は何時か必ずそうなるハズ？と思います。）　現代のピアノはハープシコード（チェンバロ）の「上位互換機」だと思われている人が多いのではと思います。（亭主もマイ楽器を持つまでは漠然とそう思っていました。^^;;）でもこの２つ、実は全然違う楽器です。オルガンとピアノの違いに匹敵するといってもよいでしょう（共通なのは鍵盤で弾く、というところぐらい？）。スカルラッティがマイナーである理由はやはりハープシコードという楽器がマイナーだからでしょうね。でもこの楽器、ピアノに比べて日本の住宅事情にもフィットしているし（音も小さめで、楽器も大人一人ぐらいの重さ）、なによりもスカルラッティという素晴らしいレパートリーがあるので、もっともっと普及する価値が充分にあると感じています。（日本には曽根麻矢子をはじめ、スター級の演奏家も数多くいらっしゃいますし。）　スカルラッティにハマったついでに、亭主は先に触れたシットウェルの著作の邦訳を私家版として出版してしまいました。ご興味のある方は眺めてやって下さい。（詳しくはこちら：http://www2.accsnet.ne.jp/~rkadono/）   

  May 9, 2010

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