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未音亭日記

[美術] カテゴリの記事

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田中一村展

今日は衆議院議員選挙の投票日ですが、投票に行くのは後回しにし、午前中に東京都美術館で開催中の表記展覧会に足を運びました。亭主がこの画家のことを知るきっかけになったのは、たまたま連れ合いが見ていたNHKの「おとなEテレタイムマシン」という番組（9月28日放送）。取り上げられていたのは大昔（1984年）に放送された「日曜美術館」で、「美と風土　黒潮の画譜　〜異端の画家・田中一村〜」という番組でした。今となっては内容はよく思い出せないものの、南国の植物や風景を描いたいくつかの作品がアンリ・ルソーの密林の風景を思い起こさせるものがあり、なんだか面白そうだという印象を持ちました。実はこの40年ぶりの再放送、ちょうど9月下旬から開催中の本展に合わせた宣伝の一環だったようです（NHKも展覧会の主催者として名を連ねています）。今朝放送された「日曜美術館」でもこの展覧会がいよいよ取り上げられるとあって、会場が混み合わないうちに観覧しようと朝から出かけることに。田中一村（1908-1977）は栃木出身の日本画家で、こんにち代表作とみなされている南国の風物を描いた作品群が制作されたのは彼の晩年、50歳を過ぎて奄美大島に渡ってからでした。一方、彼は父親に絵の手解きを受けた幼少期から画才を発揮し（神童扱いされていた）、十歳に満たない年齢で描いた南画風あるいは文人画風の作品が結構残されています。加えて、これまで謎の空白時代とされていた、二十歳代半ばから終戦後千葉に移り住むまでの頃の作品や資料が近年になって続々と見つかり、画家としての全体像が明らかになりつつあるとか。この状況を受けて、今回の展覧会では一村の生涯を活動拠点とリンクする３つの時代、すなわち少年期〜20歳代前半（戦前・東京）—20歳代後半〜50歳頃（戦中/戦後・千葉）—50歳以降（1958〜・奄美）に分け、作品と資料（手紙など）をほぼ年代順に並べることで、彼の作風の変化が一目でわかるような展示となっています。南画や人文画を器用に真似る天才少年として出発し、当時できて間もない東京美術学校にストレートで入学するも半年も経たず退学したというエピソードからは、既にプロとして活動していた若い一村の自信に満ちた姿が想像されます。ところが、オトナになった彼の絵は（一点を除き）中央画壇のコンクールからはハジかれ続け、小さなサークルの中でしか認められないという不遇の画家でもあったようです。そこで画壇には背を向け、自分が描きたいものだけを追求する、という修行僧のような道を選ぶことに。（一村の再評価の契機となったと言われる1984年のテレビ番組のタイトルにある「異端の画家」も、その辺りに由来しているのでしょう。）一村と同じ歳で、東京美術学校の同期でもある東山魁夷（1908-1999）が、戦後に風景画家として世間の注目を集め、名声と栄誉に包まれた画家人生を送ったのとは何とも対照的です。亭主が想像するに、一村の前半生における不遇は、いわゆる器用貧乏が招来したように思われます。その結果、二十歳代半ば以降は自分のスタイルを模索し続け、経済的にも苦境が続いた様です。その間、縁あって奄美の自然に出会うことでようやく自分が描きたいものを描きたい様に描くことができるようになった、というわけです。実際、60代に物した10点あまりの風景画はいずれも独自の絵画世界を体現。特に素晴らしいのがヤシ科の高木であるビロウの葉の描写で、その幾何学的形状の美しさは見るものを圧倒します。（東山魁夷の代表作にも匹敵する？）それにしてもこの展覧会、実際に回って気づいたことには展示物が300点を超える文字通りの大回顧展で、目玉でもある奄美時代の作品群にたどり着く頃にはかなりヘトヘトの状態。入り口付近を除いてそれほど混んでいなかったのは幸いでししたが、一通り見終わって会場をでると２時間を優に超えており、久々に足が棒になるという感覚を味わいました。というわけで、出かける前には「展覧会を見終わった後はついでに買い物でも」と思っていましたが、会場を出るなり上野駅に直行、そのまま家路につくことに。電車の中でも人知れぬ一村の画家人生についていろいろと妄想を膨らませる亭主でした。

October 27, 2024

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川上澄生美術館

先週末に始まった三連休、亭主共はこのところの連日の酷暑で消耗した体を養生するため、昨日から一泊で奥鬼怒にある湯西川温泉に出かけました。電車で館林に行き、そこで運転手を務める家人と合流。行程を眺めると目的地までに多少時間がある、ということで途中で寄り道して表題の美術館を訪ねました。川上澄生（1895-1972）といえば、明治時代の文明開化に伴って日本に流入した西欧の文物、あるいはそれ以前の南蛮船・南蛮人、あるいはキリシタンといった主題で懐古的な意匠の木版画を数多く創作した版画家で、あの棟方志功（1903-1975）が川上澄生の初期の代表作である《初夏の風》に衝撃を受けたことで本気で木版画家を志すようになった、というエピソードでも知られています。亭主が川上澄生を知ったのは学生時代で、当時既に亡くなってから10年ほど経っていましたが、中公文庫から全14巻からなる全集が刊行されるなど人気を博していました。なかでも「南蛮もの」と呼ばれる作品群は、亭主の出身地が長崎に近いこともあって大いに親近感があり、爾来折に触れて思い出す版画家の一人でもあります。当該美術館は鹿沼市の中心地にあり、建物の外観からは明治の西洋建築、という印象を受けますが、実は1992年に開館したという新しい建物。鹿沼市出身で川上澄生の教え子でもあった長谷川勝三郎さんという方の所有になる、二千点もの川上作品のコレクションを市で受け入れ・展示するために出来たそうです。建物のデザインも、彼の作品の一つ《日本越後國柏崎黒船館》をイメージしたものだとか。（そんなわけで、亭主もその存在を比較的最近まで知らなかったというわけでした。）（同館のXより）ちなみに、川上澄生は横浜生まれですが、1921年から宇都宮中学校の英語教師として働いており、以後（第二次大戦中、および戦後しばらくの北海道への疎開を除き）同地で生涯に渡り創作活動を続けたことから、隣接する鹿沼市との縁も浅くないことが想像されます。同美術館では、企画展として「雲？雲！？雲！！雲の百面相展」なるものが開催されており、お題の通りに色々な雲が登場する版画作品60点ほどが展示されていました（あとから数えたところ、そのうち36点が川上澄生の作品）。ただ、残念なことに、特別に出展されていたという前述の《初夏の風》の展示は6月2日までだったとのことで、またの機会を待つことに。総点数二千点余という所蔵作品数からも容易に想像されるように、いかなる美術館といえども川上澄生の全作品を一堂に展示することは所詮無理な話で、主題ごと、題材ごとといった様々な視点から一定数のコレクションを作った上で開示する、というのが真っ当なやり方だろうと思われます。その点、今回の企画展もよく練られたもので、川上作品以外のものも含め、木版画の多彩な世界を大いに楽しませてもらいました。また、久しぶりに川上作品に触れたことで昔の情熱がよみがえり、帰り際にはショップで過去の展覧会のカタログや小間物をオトナ買い。車での移動でなければ、温泉道中が始まったばかりでいきなり重たい荷物を抱えて歩く羽目になるところでした。

July 15, 2024

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デ・キリコ展

先週末土曜日の午前中、アマオケの演奏会に先だって足を運んだのが東京都美術館で開催中の表記展覧会でした。「デキリコ？」「誰？」、ということで、もしかするとあまり馴染みがない方もいらっしゃるかも。かくいう亭主も、彼の作品で多少とも馴染みがあったのは、大昔（中学校時代？）に美術の教科書に出てきた「通りの神秘と憂鬱」という絵ぐらいです。画中に描かれた真昼の強い光を浴びた長いアーケードや、それと強いコントラストを作る反対側の建物の暗い影、さらにはフラフープのような輪を回しながら走っていく少女とその向こうに見えるもう一つの人物の黒い影、といったものが、どこにでもありそうな風景にもかかわらず現実離れした世界のようにも思われ、何とも不思議な印象を持った覚えがあります。（ちなみに、この作品は個人蔵とのことで、今回の展示には含まれていません。）ジョルジョ・デ・キリコ（1888-1978）は前世紀に活躍したイタリアの画家で、上記の作品を描いた当時（1914年）は、第一次世界大戦とともに19世紀の「古きよきヨーロッパ」が崩壊に向かい、絵画の世界でもキュビスムをはじめとして様々な革新運動が始まった時代にあたります。自らが「形而上絵画」と名付けたデ・キリコの作品は、後から見るとそのような運動の先駆けとみなされるもので、後に続くサルバドール・ダリやルネ・マグリッド、マックス・エルンストといった画家たちによるシュールレアリズム（超現実主義）とともに流行を牽引する役を果たしたようです。一方で、今回の回顧展で亭主が初めて知ったことには、デ・キリコが自身の作風・スタイルを何度も変えていたようです。最初期のミュンヘン時代には象徴主義の画家アルノルド・ベックリン風の絵を描いており、1910年代にイタリアに戻ったところで形而上絵画に目覚め、1920年代前半にかけてシュールレアリズムの一翼を担います。ところがその後、第二次世界大戦期にかけて、今度はルネッサンス期やバロック期の絵画スタイルを模倣するようになります。（テンペラ画まで試みています。）ただし、こういった懐古的な画風は観衆のウケが悪かったとのことで、戦後はふたたび以前の「形而上絵画」に戻り、亡くなるまでその手の作品を描き続けたとのこと。今回の展覧会では、出展作品がこのようなスタイル別に並べられており、そのように整理されることでスタイル毎の特徴はよく分かります。が、結果として形而上絵画を集めたコーナーでは彼の若い頃の作品と第二次大戦後のそれが混ぜこぜになってしまい、その生涯にわたる作風や技法の変化を展示からは辿りにくいのがやや難点。ですが、とにかく彼の作品をこれだけまとめて眺めたのは初めてで、そこからこの画家について色々なことを考える機会になりました。まず第一の印象として、デ・キリコの作品は絵画技法の観点から見ると決して上手いとは言えず、いわゆる「ヘタウマ」の系譜に連なる画家だろうと思われます。（彼が詩人ギョーム・アポリネールから高く評価された、と伝えられるのを知ると、同じく彼から評価された「元祖ヘタウマ」のアンリ・ルソーのことを思い浮かべます。）実際、彼の絵画技量があまり高くないことは、ルネッサンス期やバロック期の絵画スタイルを模倣した「ネオ・バロック」期の作品群（今回かなりの数が展示されていた）を見ればすぐにわかることで、亭主から見るとこれらの作品は（失礼ながら）画学生の習作といったレベルを超えてはいないのではないかという印象です。（これらが同時代の観衆にウケなかったという事実も、ある意味でそれを裏付けているように見えます。）ちなみに、同じシュールレアリズムの画家でもデ・キリコとは全く対照的なのがダリで、素人の亭主が見ても彼の絵画技量は超絶的です。やはり「現実を超える」（＝超現実主義）ためには、まず現実を精緻に描き切る高い技量が必須だろうと想像されます。デ・キリコの形而上絵画では直線や単純な曲線、あるいは三角定規やマヌカンといった幾何学的で抽象的な図象の組み合わせが多用されており、具象物の精緻なデッサン能力を必ずしも要しないもので構成されています。その結果、絵の上手さよりは描かれた対象の新奇さで観衆にアピールできたようにも見えます。ただし、これもこの展覧会から受けた強い印象ですが、第二次大戦後に再びこのスタイルに戻って以降に描かれた作品はどれもあまり生気がなく、まるで塗り絵のような平板な感じです。表現の内容も紋切り型に堕する傾向が垣間見え、技法的にもどちらかというと漫画（カルトーン）やポップアートに近いと言えるかも。（これなら日本のタイガー立石の方がイケている、と感じることもしばしばでした。）さて、ここからは例によって亭主の想像（妄想）ですが、デ・キリコという画家にとっての創造力のピークは初期の形而上絵画時代です。ところが、それが大いに人気を博したことで自分が大画家になったとカン違いしてしまった結果（？）、バロック以前の大画家たちのマネをする（本人的にはその伝統に連なろうとした？）など、道を誤ってしまったのではないか。また、彼がティツィアーノやラファエロといったルネッサンス期の大画家、さらにはルーベンスやヴァトーといったバロック絵画に心酔した当時のイタリアは、ちょうどムッソリーニのファシスト党による国粋主義が席巻していた時代です。音楽界でヴィヴァルディがイタリアの文化的優越の象徴として称揚されたように、美術界ではイタリア・ルネッサンス期の大画家が同様に扱われていたと想像され、デ・キリコもこれに乗って政治的な旗振り役を担っていたのではないか、とも疑われます。そして戦後、デ・キリコは自身の成功体験の核にある形而上絵画をいわば「ブランド」としてアートビジネスに邁進し、その結果として似たような絵を量産する商業主義に堕してしまったのではないか。近現代の商業クリエーターにとって、個性的な作風をブランドとして確立することはとても重要です。一方で、それが創造力による革新を伴わないと、過去の栄光にあぐらをかいて陳腐化するという大きな陥穽が口を開けて待っています。デ・キリコは果たしてそのような陥穽から逃れることができたと言えるのか。興味がある方はこの展覧会でご自身の答えを探してみてはいかがでしょうか。

June 16, 2024

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「バロック美術 —西洋文化の爛熟」 by 宮下規久朗

以前に本屋をぶらついていたところ、新書本の新刊コーナーで表題の著作に遭遇。中公新書の一冊ですが、腰巻に「カラー写真200点以上」とあり、パラパラとめくってみると通常の新書よりも上質の紙にカラー図版が映えています。奥付を見ると昨年（2023年）10月刊行とのことで、バロック美術の辞典代わりになるかもと購入。ところが、読み始めたところ大変面白く、このひと月ほどずっと空き時間のお供を務め、この週末に読了しました。本書の魅力の第一は、この一冊で網羅的で体系的なバロック美術の通史が読めることです。著者がイントロやあとがきで述べているように、日本ではこれまで「バロックを思想的・概念的に論じた書物はあるものの、歴史的に捉えた適切な入門書や概説書は不思議なほど存在しなかった」とのこと。亭主もシロウト美術愛好者として、西洋美術史の本は片っ端から読んできた（例えばバロック美術で言えばエウヘニオ・ドールスの「バロック論」邦訳から高階秀爾の「バロックの光と闇」まで）と密かに自負していたものの、「バロック美術」という造形芸術の全体像を手にしたと思えたのは本書が初めてで、この感想こそはまさに著者の指摘を支持するものです。実際、読み始めてみると「なるほどそういうことだったのか！」と膝を打つことがしばしばで、結構夢中になって読んでいました。例えば、絵画における「バロック」の始祖は誰か、と訊かれて、以前の亭主であれば「う〜ん…」と唸りながらミケランジェロ、あるいはその追随者としてのマニエリスムの画家達の名前を挙げたに違いありません。しかるに本書の答えはズバリ「カラヴァッジョだ！」と明快です。カラヴァッジョといえば、2016年に国立西洋美術館で開催された「カラヴァッジョ展」の印象、特に目玉であった「法悦のマグダラのマリア」という作品から受けた衝撃はいまだに脳裏に焼き付いていますが、当時はこの絵を含め「光（と影）の使い方がレンブラントなんかに似ているな」という気づきがある程度でした。ところが本書を読むと、このような明暗法を意識的に用いたのはカラヴァッジョが最初だったこと、さらにはこの描画スタイルが大流行し、多くの追随者（「カラヴァッジェスキ」とあだ名される）を生み出すとともに、それがヨーロッパ中に伝播したことがわかります。カラヴァッジョは、その画力の凄さにも関わらず、素行が悪かった（殺人事件を起こしてお尋ね者状態になっていた）ことで、後世の評判が必ずしも芳しいものではなかったようですが、西洋美術史の上ではまさに扇のかなめのような画家だったというわけです。ついでにレンブラントについて言えば、彼はカラヴァッジョから大きな影響を受けていたピーテル・ラストマンという画家に師事したことであの明暗法を身につけたこと、さらにレンブラントはその明暗法を独自に進化させ、光源がよくわからないような不思議な光とその影を用いることで人間の内面世界を描こうとしたとのことで、亭主もいまさらながら大いに納得。上記はほんの一例で、読み進むととにかく目からウロコの連続です。特に、バロック期には実に数多くの画家・彫刻家・建築家がキラ星のように現れますが、亭主も個々の名前は知っていても相互の関係や画風の違いなどはよくわからず、せいぜい生没年から「だいたいあの画家と同時代人だな」と気にかける程度でした。本書ではそのあたりも実に明快に整理されていて、本書の情報だけからでも「バロック絵画の系統図」が描けそうな感じです（レンブラントはほんの一例）。それともう一つ、カラヴァッジョが持っていた迫真の描写力は、後の自然主義、さらには古典主義的な絵画の流れをも準備したとも知れることに。カラヴァッジョが活躍したのはローマで、ローマではバロック的な表現と並んで古代ギリシャ彫刻のような調和や均整の美が称揚されるようになり、そのような美意識がニコラ・プッサン（ローマに入り浸っていた）などを通じてフランスで開花します。これが18世紀フランスのいわゆるアカデミズム絵画へとつながる、というわけです。また、バロック美術はキリスト教世界でちょうどカトリックの対抗宗教改革と機をいつにして発展し、プロテスタント陣営から信者を取り戻すために幻視や法悦を視覚的に表現する絵画を奨励したとのことで、バロック美術が栄えたのもイタリア・スペインを始めとるするカトリック諸国。言われてみればなるほどと思わされます。これに対し、絶対王政が確立する途上にあったフランスでは王権に箔をつける文化装置として古典主義が重用され、むしろバロック的な過激な表現は敬遠されたということで、造形芸術の盛衰も時の宗教・政治的な状況に大きく左右されることが語られます。ちなみに、建築ではドメニコ・スカルラッティと生涯にわたり接点があったイタリアの建築家、フィリッポ・ユヴァッラも第５章「権力—教皇と絶対王政」の第７節「バロック都市トリノ」で登場し、彼の手になるトリノの代表的な建築群を俯瞰的に眺めることになります。本書がすごいと思われるもうひとつの特徴は、その視野の広さ。よく知られているように、対抗宗教改革ではイエズス会をはじめとしたカトリックの修道会が海外への布教を強力に推進し、極東の日本にまで現れます。彼らは伝道の一環として当時のあらゆる文化（音楽・絵画・建築）を現地に持ち込み、そこで根付かせる努力をしています。本書最後の第７章「増殖」では、スペインから中南米へ、あるいは南イタリア（ナポリ・シチリア）、さらにはドイツを経由してチェコ・ロシアへ伝わったバロック美術・建築が取り上げられています。特に中南米の部分については、音楽においても同様のことを以前どこか（多分クリスティーナ・プルハールとラルペッジャータのCD「迷子の小鳥たち～南米の音楽」のライナーノート）で見聞きしたこともあり、大変興味深く読みました。ただ、本書はその性格上、多数の画家・彫刻家・建築家の名前が奔流のようにページに溢れていますので、やはり名前を聞いて作品をイメージできるような作家を一定数知っていないと楽しめないかも（その点では上級者向き？）。あともうひとつ、亭主は著者が（本書内で言及はないものの）きっと敬虔なカトリック信徒ではないかという印象を持っています。というのも、文中ところどころで対抗宗教改革以降のカトリック教会を暗に擁護するような雰囲気が感じられるからです。なお、「あとがき」の最後を読むと、著者は10年ほど前に一人娘の麻耶さんを亡くされたとのこと。彼女が幼い頃（四半世紀前）に家族を伴って滞在したイタリアで教会や美術館を連れ回した当時のことが、今ではすべて夢のように思われる、と書き綴られており、亭主も惻隠の情を禁じ得ないところでした。本書の完成が少しでも著者を慰める助けになっていればと願うばかりです。

June 2, 2024

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アンリ・マティス展

この週末、国立新美術館で開催中の「マティス　自由なフォルム」と題した展覧会を見に行きました。展示されているのは、主に南仏ニース市にあるマティス美術館の所蔵品が大小160点ほど。マティスはその画家人生の後半、48歳から亡くなるまでニースとその郊外ヴァンスにアトリエを構えていたとのことで、他界に際して同市に遺贈された作品がコレクションの中心になっています。日曜日午前の遅い時間に入館したせいか、有名画家の展覧会にしてはそれほどの混雑でもなく、比較的自由に作品に近づいて眺めることができました。また、おそらくSNSによる口コミ宣伝を意識してでしょうか、展示の後半部分では写真撮影が自由になっていました（ただし動画撮影は不可）。さて、アンリ・マティスは亭主にとってこれまであまり馴染みのない画家でしたが、今回の展覧会では彼の初期作品（国立絵画学校に何度も落第しながらギュスターブ・モローの私塾に通っていた）から最晩年の「切り紙絵」による大規模作品（ヴァンスの教会のリノベーションにおける総合プロデュース）までまんべんなく（？）並んでいて、マティスの創作活動を俯瞰的に眺める視点を得ることができました。それを一言で言うなら、「線と面の相剋から解決へ」となります。一般に、マティスは「フォービズム（野獣派）」の画家と言われています。これは主に彼の「色使い」から来ており、絵画における色を「対象物の色」から解放し、絵の具の原色で自由に置き換えるような表現を指しています。実際、今回展示された絵画作品でも、初期にはたくさんの絵の具を混ぜ合わせた厚塗りの暗い画面が多かったものの、それが徐々に原色系の明るい画面へと変化していく様子がわかります。これは、絵の具を混ぜる「減算混色」が必ず明度を下げてしまう（＝画面が暗くなる）一方で、色が付いた光線同士を混ぜ合わせる「加算混色」は明度を上げるという、当時知られ始めたヒトの色覚に対する色彩理論が影響していると思われます。これは、絵の具の三原色である赤、青、黄色を混ぜると「黒」になってしまうのに対し、光の三原色である赤、青、緑を混ぜると「白」（白色光）になることからもわかります。（ちなみに、現在家庭用照明で使われている白色発光ダイオード(LED)、実はこの３色のLEDを一つの素子上に配置することで遠目に白く見えることを利用しています。）これを知った画家たちの中には、例えば「点描派」のように、表現したい色を原色の絵の具の点の集合で表そうとした人たちもいました。絵の具をパレット上で混ぜてしまうのではなく、それが反射する光をヒトの目で混ぜ合わせれば加算混色になる（なので明るい画面を保てる）、というわけです。今回並んでいたマティスの作品にも点描派を真似た作品があり、彼がそのことを十分に意識していたことが伺えます。ただし、どうやらマティスは明るい色彩を追求する過程で「対象をできるだけ忠実に描く」という従来の絵画観から脱却し、色彩そのもののダイナミズムを二次元画面で表現することこそが絵画の本懐と思い至ったようです。と、ここまでは「フォービズム」のマニフェストを解題しただけものですが、その後のマティスの作品を眺めていると、彼は「描く対象」そのものからも自由になろうとして大いに格闘したことが見て取れます。というのも、中期の油彩画が鮮やかな色彩を誇る一方で、「形」を表すためにどうしても線描に頼ってしまう様子が窺えるからです。面的な色彩と、そこに侵入する具象的でグラフィックな表現。このような相剋は、実のところ「対象を忠実に写しとる」ことを旨としたルネッサンス期の絵画にまで遡る西洋絵画の大問題で、レオナルド・ダヴィンチは「我々の見ている世界に線などはない、ただ色と色の境目があるだけだ」といったようなことを呟いたとが思い出されます。（レオナルドがよく使った「スフマート」（ぼかし）という絵画技法は、この問題を解決するために思いついたとも言われています。）そうしてマティスがたどり着いた究極の解決が、明るい原色の「切り絵」によって線描を完全に追い出すことでした。これは、ある意味で「デッサンの訓練を徹底して受けた画家がデッサンを捨て去る」ことにも見え、まるで「弓矢の名人が究極に弓を忘れる」という中国の名人伝のようです。この展覧会の副題である「自由なフォルム」は、切り絵で刻まれた色面が抽象絵画のオブジェのように自由な形に見えることを指していることを指しているように見えます。が、亭主から見ると、彼の表現の本質はむしろ「線描によるフォルムからの解放」と「自由な色のダンス」にこそある、という気がします。ちなみに、今回の展示で亭主の目を引いたのが「Jazz」（1947）という作品群。まさに切り絵表現の集大成とでもいった感じの作品で、複製でもよいので手元に欲しいと思ったものでした。

April 21, 2024

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長谷川潔展—群馬県立近代美術館—

いわゆる「ポストモダン」建築を代表する建築家・磯崎新が他界したのが一昨年（2022年）の暮れでしたが、亭主は偶然にもこのところ彼の設計になる建築によく遭遇しています。先月には研究会の会場となった水戸市民会館に隣接する水戸芸術館、さらに同月末には送別会で久々につくばセンタービル（リニューアル後初めて）を訪れ、その昔感じた独特な空気感を思い起こすことに。そこで彼の手がけた建築が気になり始めた亭主、近場に建っているものはないかとグーグル先生に訊いたところヒットしたのが表題の美術館でした。同美術館のウェブページを覗くと、ちょうど亭主が大好きな長谷川潔（はせがわきよし）の版画展を開催中であることを察知。ただし、会期が3月2日から4月7日までの１ヶ月余りと短く、気づいた時には既に半分以上過ぎていました。「近場」といっても現地までは片道3時間以上の道のり。いろいろと段取りをつけた結果、昨日日帰りの強行軍で（建築物の鑑賞を兼ねて）版画展に足を運びました。長谷川潔（1891-1980）は前世紀を代表する銅版画家で、19世紀に写真が発明される以前に絵画の複製に用いられていたメゾチント（マニエール・ノワール）という技法を復活し、版画の技法として発展させたことで有名です。メゾチントでは、銅板にベルゾーという幅広のナイフで細かい傷（溝）を付け、インクを載せて刷り取るとビロードのような漆黒の画面を作ることができます。さらに、バーニッシャー、スクレーパーと呼ばれる道具を使い、下地として用意した細かい傷を潰すことでインクが載らない部分を作ると、印刷画面でそこが白く浮き出ます。傷の潰し加減を連続的に加減することで明暗のグラデーションを作ることができるので、これで画面を自在にコントロールできるようになります。長谷川は、この技法で暗闇の中で微妙な陰影によって描かれる幻想的な静物画の世界を作り出し、銅版画の表現に新たな可能性を切り拓いたと言えます。一方で、長谷川がメゾチントに本格的に取り組んだのはむしろ晩年になってからで、それ以前にはエングレーヴィングやドライポイントという伝統的な技法でも数多くの佳作を残しています。メゾチントと対照的に、これらの技法では基本的に白い画面の中に線描で対象を描き出すので、昼間の窓辺や屋外のような明るい光の下にあるものの表現を得意とします。実際、長谷川はこの技法を用いて静物画やフランスの村落の風景を数多く描いています。今回の展覧会では、彼の最初期の木版画など珍しい作品から晩年のメゾチントまでほぼ万遍なく115点の作品を揃え、かなり充実した内容でした。（しかも入館料も大人1名300円と、今どきとしては破格の設定！）ちなみに、これらのうち同館所蔵のものは2点のみで、あとは同館に寄託された個人蔵の作品とか。この展覧会も新たに寄託された作品を中心に構成したとのこと。ところで、久しぶりに彼のメゾチントを（鼻を擦り付けるように）間近で眺めて意外に思ったことには、グラデーションを付けながら白く浮き立たせた部分にまばらに残ったベルゾーの刻み（黒く細い線の断片）が、パソコン画面を見慣れた亭主の目には粗いピクセルの表示のように感じられるのでした。なので、メゾチントの漆黒の美を堪能するためには、作品から少し目を遠ざける必要がある、というわけでした。（これもエングレーヴィングやドライポイントの作品とは真逆のように思われます。）さて、展覧会を見終わったところで、今度は美術館の建物を見て回ることに。この美術館が開館したのは1974年ということで、今年は開館からちょうど50周年の節目の年に当たります。この年には、磯崎の初期のもう一つの代表作と言われる北九州市立美術館が開館しており（同図書館は翌1975年）、立方体の集合体、という幾何学をベースにした彼のコンセプトをあちらこちらに見ることができる造作になっていました。なお、築後半世紀の昭和の建築ということで、やはり老朽化は気になるところですが、2005年から3年ほどかけてリニューアルしたとあり、一見してそれほど気になるところはなし。一方で、最寄りのJR高崎駅からはバスで30分弱と、立地としてはやや不便でもあります。「群馬の森公園」の一角を占める施設ということで、来館者はもっぱら近隣からの車での来場を想定しているのでしょう。また、2階にある展示室は休館中とあり、いろいろと名品を所蔵しているようでですが常設展示はされてはいないようで、やや残念な状況でした。これも地方公共施設の運営難という共通の問題から来ているのかも。いずれにせよ、せっかくの立派な施設なので、何か人を惹きつけるアイデアが欲しいところです。

April 7, 2024

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No art, no life

このところ、亭主は日曜日朝に５分間だけ放送される表題のテレビ番組に見るたびに色々と考えさせられています。番組ホームページには、「日本各地の“表現せずにいられない"アーティストを紹介する番組。既存の美術や流行・教育などに左右されない、その独創的な美術作品は世界から注目を集めている。誰のためでもなく表現し続ける人たちが放つ、圧倒的な凄（すご）み。」などとあります。これまで番組で取り上げられた「アーティスト」は、心に何らかの問題（障碍あるいは屈託）を抱えている人たち。彼らは文字通り毎日を何とか生き抜くために、止むに止まれず表現し続けているように見えます。彼らが創り出す作品は「アール・ブリュット」（生の芸術）や「アウトサイダー・アート」と呼ばれ、既存の美術教育や文脈などに左右されないアート作品として紹介されていますが、日本ではその一部分である「精神障碍者の表現」という狭い文脈で捉えられることが多いとか（上記番組もその部類に属する？）。広い意味では、例えば児童画などもアール・ブリュットと見なされるべきものと思われます。調べてみると、「アール・ブリュット」という呼び名は、フランスの抽象画家、ジャン・デュビュッフェ（1901-1985）に由来し、彼が両世界大戦間期に集めていた精神障害者による創作物のコレクションを、戦後にそう名付けて公開し始めたのが始まりとのこと。日本での用法は、どうやらその辺に縛られているのかもしれません。とはいえ、亭主から見ると、彼らの創作行為こそは、我々が知る近・現代の「芸術家」たちの真に内発的な表現意欲に発する創作と全く同じではないか、と強く感じられます。あけすけな言い方をすれば、「カネ（報酬）のため」ではなく、それなしには生きられない、という切迫した表現行為です。これで亭主がすぐに思い出すのはヴィンセント・ヴァン・ゴッホの例。世の中にうまく適応できず職を転々とし、晩年に徐々に精神を病んでいく中で（享年37歳!）、まさに生きるために描かれたとしか言いようのない絵画は、どれも独特な表現に満ちています。一方、職業画家も、報酬をもらうのは生きるため（生活のため）、という点では一見同じに見えます。が、ビジネスとして成り立つためは作品が売れなければならず、見る側・買う側（お客さん）の好みに配慮するという点は無視できません。したがって、「売れる」作品を創ることと、自分が「真に表現したいもの」とが一致するとは限らないのではないかと想像します。（...亭主は夭折の画家、石田徹也のことを思い浮かべます。）これを一人の人間の立場から見れば、アートにかかわる感情には「他人の表現の享受したい」という欲求と「自ら表現したい」という欲求があるわけで、日常において前者の需要を満たすのがプロのアーティスト、後者を満たすのが趣味としての（無報酬での）創作活動ということになります。そして、「アール・ブリュット」や「アウトサイダー・アート」を称揚することの意味は、各自の人生にとって「自ら表現する行為」が「他者の表現の享受」に勝るとも劣らないほど重要なことを明らかにすることにある、と言えるのではないか。これはそのまま音楽の世界にも当てはまります。プロの音楽家のように訓練を受けていない一般人といえども、歌や楽器の演奏で自らを表現したいという欲求は、人によって程度の差こそあれ、「生きるため」の止むに止まれぬものでしょう。（カラオケがいかに愛されているかを見れば一目瞭然。）その点で、コロナ禍の下で叫ばれた「音楽は不要不急ではない！」というスローガンは、主に職業音楽家の立場、あるいは一般人から見れば「他者の表現の享受」、という一方のみを擁護するだけだったという点で片手落ちだったように見えます。プロの音楽家、特にクラシック音楽界における演奏専業の音楽家は、趣味の音楽演奏を単なる素人の気晴らし、あるいは暇潰しと見なしているのではないかと想像されます。（20世紀的な芸術至上主義から見れば、なおのことそうでしょう。）しかしながら、國分功一郎氏はその著書「暇と退屈の倫理学」の中で、「生きることとはほとんど『退屈と絡み合った気晴らし、気晴らしと絡み合った退屈』に際すること、それに臨み続けることではないだろうか？」と問いかけています。これは、心を病んでいるかどうかとは関係なく誰もが直面する現実です。「趣味の音楽（あるいはお絵かき）」を単なる暇潰し、と侮るなかれ。なぜなら、それは我々が生きることの意味そのものにも関わっているからです。

September 10, 2023

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特別展「東福寺」

本日午前は、東京・上野の国立博物館で開催中の表記展覧会に参上。お目当ては、先日TV番組（日曜美術館）で紹介された吉山明兆（きっさんみんちょう）の仏画、なかでも2008年から14年の歳月をかけて最近ようやく修復成ったという「五百羅漢図」です。亭主はこの番組を見るまで「江戸時代までは雪舟とも並び称されるほど高名な画人」という明兆のことを全く知らず。もちろん京都の東福寺という禅寺にも馴染みがなく、明兆がそこで専属の絵仏師として手がけた数多くの作品が今日まで伝わっていることも番組で初めて知りました。（ちなみに「特別展」とあるのは、この展覧会で前述の五百羅漢図すべてを勢揃いさせよう、という試みも指しています。）さて、10時ごろ上野に到着して見ると、ある程度予想していた通り駅前は結構な人出です。しかも外国人観光客がかなりの数（パッと見たところ2-3割ぐらいか）。とはいえ、博物館のチケット売り場はそれほど混んでおらず、自販機で待たずに購入できました。会場の平成館に入ると、初めの展示室では東福寺の創建にかかわる歴史的資料が中心で、開祖の円爾という禅僧の事績にまつわる書画、木彫、仏具が並んでいます。特に目を引くのが円爾と歴代の後継者を描いた肖像画の掛け軸で、日本でもちょうどこの頃（14世紀末）から個人の人物を伝える肖像画が描かれるようになったとのこと。後でわかったことに、展示は大きく５つのコーナー（章立て）に分かれており、第１章「東福寺の創建と円爾」、第２章「聖一派の形成と展開」とそのような展示が続き、そろそろ「で、明兆はどこだ…」と思い始めたところで、第３章「伝説の絵仏師・明兆」のコーナーに遭遇。ここで、彼の肖像画（江戸時代の作）から始まって、今回の目玉である東福寺所蔵の五百羅漢図15幅、達磨図、白衣観音図など数十点の作品とご対面。ところで、件の五百羅漢図は、一幅に十人の羅漢（ブッダの弟子たち）をいろいろな状況の下で描き分けた絵50枚からなります。そのうち、東福寺に現在まで伝わり、大修復を終えて公開されたのが45幅で、これらは会期中３週間ごとに15幅ずつ入れ替え展示となっていました（今回は最後の３週間ということで第31号〜45号が展示中）。その他に、江戸時代に狩野孝信に復元された2幅、および東京・根津美術館所蔵の2幅が（やはり期間限定で）展示されています。これで都合49幅ですが、最後のもう1幅はこれまで所在不明だったところ、なんとこの展覧会の準備の過程でロシア・エルミタージュ美術館に所蔵されていたことが判明した、とのことで、その写真が展示されていました。このコーナーで面白かったのは、それぞれの羅漢図にちょっとユルめのお題が付けられているのと、さらにいくつかの作品では対象の羅漢図を４コマ漫画に区切り直して吹き出しでセリフまで入れたものが解説がわりに掲示されており、描かれた情景を理解する上で大いに役に立ちました。続く第４章では「禅宗文化と海外交流」というお題の下、東福寺の開祖をはじめ歴代の後継者が留学した中国・南宋から持ち帰った文物などが、また最後の第５章「巨大伽藍と仏教彫刻」コーナーではさまざまな木彫類が展示されていました。中でも印象に残ったのはブッダの最初の二人の後継者とされる「迦葉・阿難」の立像で、即座にその昔フレンツェでドナテッロの彫像「預言者ハバクク」を見た時の興奮が蘇りました。というわけで、これまでほとんど馴染みがなかった鎌倉・南北朝・室町時代の仏教美術の奥深さを垣間見て大いに知的刺激を受けた展覧会でした。最後に、亭主が今回の展示物を通じて最もお気に入りとなった書を一幅ご紹介（画像は展覧会カタログより）。吉山明兆が東福寺に入るに際し世話になり、その後も絵の師匠であった大道一以という禅僧が残した遺偈（ゆげ）です。遺偈とは臨終に際して禅僧が残す四句の詩で、仏の功徳をほめたたえるものだとか。死を間近に控えての書ということで、これを書いた本人がどういう精神的・身体的状況にあったのかはわかりませんが、とにかく全ての束縛を脱したかのうような自由な書体がえも言われぬ視覚的快感を誘います。

April 23, 2023

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「レオナルド・ダ・ヴィンチ」by W. アイザックソン

レオナルドといえば、亭主ならずともすぐに思い浮かべるのは、「モナリザ」をものした後期ルネッサンスの大画家としての彼でしょう。一方で、絵画はレオナルドにとって「世界を映す鏡」としての総合芸術であり、彼が対象を正確に描くためにありとあらゆる知識を追い求める学究の徒（研究者）だったこともよく知られています。（近代絵画は、そのような絵画観を否定することから始まったとも言えます。）彼が残した膨大なメモ（手稿）の中には、自らの観察・考究によって到達したと思われる知識、こんにち的には物理学、数学（幾何学）、光学、天文学といった数理物理的な知識から、機械工学、土木工学、流体力学、化学（錬金術）といった工学的知識、さらには人体をはじめとした解剖学上の知識、動物学、さらには地質学（地球物理学）といった分野にまで広がる所見が書き込まれており、その途方もない関心の広さ、あるいは「空飛ぶ機械」に象徴される工学的・技術的なアイデアの豊富さから、巷では「万能の天才（Uomo Universale）」とも称されています。とはいえ、亭主がこれまで手にしてきたレオナルドに関する著作の多くは、基本的には美術史の専門家によるもので、いきおい彼の絵画作品を中心にした美術史的な視点が中心になっています。そこでは前述のさまざまな科学・技術的知識も、そのような美術史上の関心、つまり絵画をより深く理解するために必要な背景知識として紹介・提示されることが定番でした。（レオナルドが世界一有名な「モナリザ」の画家である以上、このような扱いは避けられない必然のようなものだとも言えるでしょう。）これらとは対照的に、表題のレオナルド本は、あのスティーブ・ジョブズの評伝を書いた米国のジャーナリスト、ウォルター・アイザックソンの手になるもので、これまでの美術史関連書とは明確に一線を画しています。具体的には、「知識の探求者にして発明家（イノベーター）」としてのレオナルドを中心に据えており、斬新なレオナルド像を見せてくれます。また、膨大な手稿の内容と絵画制作も含むライフイベントとの関係を調べ上げ、レオナルドの知識探究の活動をその生涯に沿って年代順に読み解いていく、という伝記的スタイルも、亭主が知る限り初めてのものではないかと思われます。特に亭主を驚かせたのが物理学についての知見で、例えば本書第12章では、機械工学者としてのレオナルドが「永久機関」を研究する過程で摩擦の法則を発見していたことが紹介されています。彼は重い物体を斜面から落とす実験を行い、物体の重さ、斜面の表面の粗さ、傾斜の傾き、という3つの決定要因を発見するとともに、摩擦の大きさが物体と斜面との接触面の面積によらないことも手稿に書き記しています。この「摩擦の法則」（高校物理でおなじみ）は結局未発表に終わりますが、再発見されるのは何と二百年後、温度計や湿度計を発明したフランスの科学者、ギヨーム・アモントンの登場を待たねばならなかったとのこと。その他にも、彼が見出した未発表の科学的知識は枚挙にいとまがないようで、レオナルドはガリレオ・ガリレイにほぼ1世紀先んじた物理学の先達と言ってもよいでしょう。亭主が知る限り、従来のレオナルド研究はもっぱら文化系の学問である美術史の専門家に委ねられてきており、そのために彼の手稿でも絵画論的な部分に焦点が当てられる一方、「摩擦の法則」のような科学的知見についてはどうしても評価が疎かになる傾向は免れなかったのではないか、とも想像されます。アイザックソンさんのレオナルド評伝は、「ルネッサンス期の大画家」というステロタイプを超えて、よりバランスの取れた彼の全体像を描いてみせた、と亭主には感じられました。

April 9, 2023

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「種まく人」by J.-F. ミレー

またぞろコロナV感染が拡大し始めたところですが、亭主共は（金曜日を年休にして1日早めた）この週末、甲府方面へと例によって「ワイナリー巡り＋温泉」の一泊旅行を敢行。今回は参加者全員が「飲める」ようにと電車でJR勝沼ぶどう郷駅に集合し、目的地の間は電車と徒歩（＋タクシー）で移動することに。ワイナリー巡りの後は石和（いさわ）温泉に一泊、翌日甲府まで足を伸ばし、山梨県立美術館でお題の絵を眺めて来ました。勝沼ぶどう郷駅に到着するや、まずはそのホームからの素晴らしい眺めに圧倒されることしばし。晴天にも恵まれ、秋の青空の下で紅葉した葡萄畑が見渡す限りに広がる景色が何とも印象的です。もちろん当地は言わずと知れた日本ワイン発祥の地の一つ。メルシャン、マンズ、サントリーなどの大手醸造メーカー直営から個人経営のものまで数十ものワイナリーが点在し、訪問先はよりどりみどりです。とはいえ、主に徒歩での移動のため、駅に近いということでシャトー勝沼、メルシャン勝沼ワイナリー、そしてグレイスワインのブランド名で知られる中央葡萄酒のワイナリーを訪問。それぞれでテイスティングをさせてもらい、日本ワインの多様さを大いに満喫。なかでも圧巻だったのがシャトー・メルシャン、勝沼ワイナリーです。そのルーツは日本のワイン作りのパイオニアの一人と数えられる宮崎光太郎が開いた「大黒葡萄酒」に発するとのことで、ワイナリーの一角は当時の醸造施設「宮光園」が資料館としてほぼそっくり保存され、「日本遺産」（文化庁）、「近代化産業遺産」（経産省）として登録されています。宮光園の設備を眺めていると、茨城県牛久市にあるシャトー・カミヤのそれが思い出されましたが、それもそのはず、牛久シャトーの創業者である神谷伝兵衛も宮崎と同時代人。ほぼ時を同じくして大規模なワイン生産を始めたことで知られています。資料館ではこの2つのワイナリーの歴史を詳細に記したパンフレットを手にし、ページをめくりながら140年にわたる先駆者達の労苦に思いを馳せました。さて、ワインのテイスティングは楽しいものの、味覚の鮮度も含め1日３箇所ぐらいが限界です。３箇所目を退散したところで温泉宿へ。山梨県の温泉はあまり多くはありませんが、石和温泉は勝沼にほど近く、昔から知られた温泉郷です。温泉街そのものが駅に近いので車なしのアクセスも便利。ただし、調べてみると２週間前には既にどこも土日は満杯。予定を1日早めたことで何とか「源泉掛け流し」の宿を確保しました。泉質は単純アルカリ泉で、自家源泉の豊富な湯量を堪能。翌日の予定は白紙だったものの、ネットで調べてみると電車で２駅行った甲府に県立美術館があることを知り、ミレーの「種まく人」で有名な美術館だったことを思い出しました。「ついで」の目的地としてはうってつけ、ということで早速訪問することに。（甲府駅からはバスで15分ほどとまあまあの立地です。）同館では、ちょうどこの日から「米倉壽仁展」を開催しており、ついでの「ついで」でこちらも見参。ところで、亭主と近い世代の読者は、かれこれ半世紀ほど前（1970年代）に、山梨県が公費でお題の絵を購入したというニュースが日本中を駆け巡り、これをめぐって賛否両論が巻き起こったことを覚えておられる方もあるかと思います。この一件で山梨県立美術館は「種まく人」の美術館として有名になりましたが、亭主の関心もそこで途絶えていました。ところが今回の訪問で、同美術館はその後もフランス・バルビゾン派を中心に絵画を増やし、今ではミレーの作品だけでも十数点を保有する充実したコレクションを持つまでになっていたことを知り大いに感心。しかも、半世紀来名にし負う名画「種まく人」の実物と対面する機会を得て、我ながらその奇遇に大いに感動することに。そして何よりも驚いたのは、「種まく人」の画面が何とも暗いことです。描かれた時間帯はまさに日没まもないたそかれ時、画面中央右側にある残光が逆光となって種をまく農夫を浮かび上がらせる効果はミレー独特の視点であることがわかります。（このような画面、実物でなければ決してその表情を知ることはできまいと感じられます。）ミレーの絵を見ていると、絵画鑑賞もまさに一期一会、と思い知らされます。歴史的文脈から切り離された「絶対音楽」というものが幻想に過ぎないのと同じく、この世に「絶対絵画」などというものもない、という思いがひしひしと湧いて来ました。なお、「米倉壽仁展」についてはまた別の機会に。

November 20, 2022

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パルマ紀行（その３）

8月末のパルマ訪問からあっという間にひと月ほど経ってしまいました。このところ記憶力が落ちている亭主としては、ブログは文字通り忘備録。忘れないうちに、ヴィラ・マニャーニで脳裏に刻まれた強烈な印象を書き残しておこうと思います。ヴィラ・マニャーニ（Villa Magnani）は、パルマ郊外にある広大な庭園を持つ旧イタリア貴族の豪邸で、17世紀ごろにその元となる建物ができたとか。以来、所有者は何度か変わったようで、19世紀に所有者となったヴェルメ伯爵家が大規模な改修・増築をおこない、ネオ・バロック様式の建物になったようです。その後、1941年に伯爵家の相続人が、企業家でアートコレクターでもあったジュゼッペ・マニャーニさんに美術品や屋敷を売却。さらに、その息子さんであるルイジ・マニャーニさんが、父母の遺志を継いで1977年にマニャーニ・ロッカ財団を設立、その素晴らしいアートコレクションを一般に公開することにしたとのことです（ちなみに「ロッカ」は母親の名前エウジェニア・ロッカに由来）。ヨーロッパ・北米にはいわゆる邸宅美術館というものが存在し、個人のコレクターが集めた絵画や彫刻を、自邸に飾っている状態でまるごと公開しています。邸宅美術館では（美術館とは異なり）、絵画・彫刻が所有者の空間を実際に飾っていることから、（美術館と対照的に）それらを本来あるべき環境で鑑賞できるという楽しみもあります。（例えば「邸宅美術館の誘惑」（朽木ゆり子著、集英社）などでその様子が詳しく紹介されています。）ヴィラ・マニャーニもそのような邸宅美術館をスケールアップしたもの、と言ってもよいでしょう。さて、例によってバスで到着後、３グループほどに分かれてのガイドツァーとなりましたが、どの部屋にも絵画の名品がずらりと並んでいて解説も上の空になりがち（気づいてみると一人置き去り状態）。中でも圧巻だったのが、ツァー開始早々で遭遇したフランシスコ・ゴヤの大作「ドン・ルイス親王の家族」です。これは1780年代の作品で、スペイン国王カルロス3世の末弟ドン・ルイス・デ・ボルボン親王の一家が、アビラ近郊アレーナス・デ・サン・ペドロでの隠遁生活の場面を描いたもの。ゴヤの集団肖像画の代表作の一つと目されているようです。画面中央には髪結師に就寝用の調髪をさせる親王の若き妻マリア・テレサ・バリャブリガ、その傍らにいるのはカード遊びに興じるドン・ルイス親王。ここで古楽好きにとっての注目点は画面右から3番目の男性、イタリア出身でスペインで客死した宮廷音楽家ルイジ・ボッケリーニの姿だそうです。（画面左下には若きゴヤ自身の姿も描き込まれています。）ドン・ルイスは、アラゴン地方出身の下級貴族の娘マリア・テレサ・バリャブリガと結婚したことからカルロス3世に疎まれ、スペイン宮廷社会から追放されたとのこと。この点に絡んでか、ツァーガイドさんは画面中央のテーブルが1本足である点に注意を促し、この一家の不安定な運命を暗示しているようだと解説していました。（ちなみにこのカルロス3世は、ドメニコ・スカルラッティが仕えたマリア・バルバラの夫君、フェルナンド6世の異母弟で、大の音楽嫌いで有名。一方で絵画芸術の愛好者としても知られており、ナポリのカポディモンテ美術館は彼が自分のコレクションを収めるために建てたものだとか。）その他にも、フィリポ・リッピ、ベッカフーミ、ティツィアーノ、デューラー、ファン・ダイック、といったルネサンスを代表する画家たちの作品が並んでいて、どれも名品ばかりです。（脇にはデューラーやレンブラントのエッチングの代表作と言えるものも数点並んでいましたが、絵画に比べるとオマケのように見えてしまいます。）ところで、マニャーニ・ロッカ財団のコレクションでは近現代絵画も充実しており、特に有名なのがジョルジョ・モランディの作品群。代表作である静物画を中心に数十点を端から眺めて歩きましたが、その淡い色使いはフレスコ画を思わせるところもあります。（他にも、モネ、ルノアール、セザンヌ、キリコなど、有名どころの画家の作品がずらずら。）実に久しぶりで大いに目の保養になりました。さて、美術鑑賞に疲れてきたところで、広い庭に出てみると、建物脇にバーのような店が設けられているのを発見。のどの渇きを癒そうと店内に入ってみると、ビールが置いてあります。しかもそのうちの一つはラベルにIPAとあり、迷わずこれを注文（バーテンダーのお兄さん達は「イパ、イパ」と発音）。飲んでみると、ホップが効いた爽快な味で実に美味でした。（イタリアでもこのようなビールが流行っている？）それにしても、イタリアのパルマ、今まで「生ハム」のイメージしかありませんでしたが、イタリア文化の途方もない厚みを体現する重要都市であることを認識させられた旅でした。

September 25, 2022

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パルマ紀行（その２）

今回パルマで行われた会議では、中日となった水曜日の午後に、市郊外にあるサンヴィターレ要塞（別名フォンタネラート城）という古城、およびヴィラ・マニャーニ（マニャーニ=ロッカ財団という財団が運営する私設の邸宅美術館）の２カ所を訪問するバスツァーが付いていました。亭主はいずれについても全く予備知識なしでの訪問でしたが、その分だけ強烈な印象を受けると共に、イタリア文化の底知れなさを改めて実感することに。まず最初の訪問先、フォンタネッラート市のマッテオッティ広場にあるサンヴィターレ要塞は、フォンタネッラート城とも呼ばれ、全体を水で満たした堀で囲まれた中世のマナーハウスが起源。入口にあったパネルには以下のような解説がありました。フォンタネッラートの初期の要塞は、もともと自然の防御として使われた単純な土製の塚であった。 14世紀から15世紀にかけて、この建物は要塞の様相を呈した。1386年、ミラノのヴィスコンティ家から城を譲り受けたサンヴィターレ家は、北側に位置する城塞塔の建設に着手した。そして、防御のための建造物をポー川流域のルネサンス様式の宮廷に仕立て上げたのである。ガレアッツォ・サンヴィターレは、パルミジャニーノに「ディアナとアクテオンの間」の壁画を依頼した。この絵は、思想をイメージで視覚的に表現した例である。これは、プロテスタント宗教改革の直前の時代である。19世紀、この要塞はサンヴィターレ家の住居となり、19世紀半ばからずっとそこに住んでいた。 1948年、ジョバンニ伯爵は、先祖代々の要塞を町に売却した。（英語から翻訳）会議の参加者は3つのグループに分かれ、それぞれ英語を話せるガイドさんが付いてお城の中を案内してもらうことに。見学者用の入口を入ると、そこは「女軽業師（？）の間」と呼ばれている比較的大きな部屋です。壁面には、イオニア式の柱頭を持つ列柱がロープで結ばれた絵が描かれており、ロープの上に対にって配置されている女性像があたかも宙乗りをしているように見えます。また、ロープには兜、剣、その他の武器も吊るされているように見えます。（画像はウィキペディアより）ここから「キュービッドの間」、「グロテスクの間」、「通路の間」を見ながら進むと、マニエリズムを代表する画家の一人、パルミジャーニーノ（1503-1540、「パルミジャーノ[チーズの名前]」と紛らわしいので注意）が手がけたフレスコ画で飾られた「ディアナとアクタイオンの間」にたどり着きました。ルネット（半円窓状の壁面）と丸天井に覆われたこの部屋は、ジャン・ガレアッツォ・サンヴィターレ伯爵とその妻パオラ・ゴンザーガが注文したものですが、部屋の本来の目的は不明とのこと。専門家からは浴室、個人の書斎、瞑想の場といった仮説がでているようです。「ディアナとアクタイオン」は、オヴィディウスの『変身物語』の中にある有名な神話の一つです。猟師アクタイオンは、森で獲物を追っているうちに女神ディアナと彼女に仕えるニンフたちが水浴している現場に遭遇し、図らずも彼女らの裸身を目にしてしまいます。これに怒ったディアナは、アクタイオンを鹿に変えてしまい、アクタイオンはその姿ゆえに猟犬たちに食い殺されてしまう、という残酷なお話。ガイドさんは、神話のあらすじを紹介しながら、絵巻物のように展開する壁画の各場面との対応を教えてくれました。さらに、この絵がパルミジャニーノが1523年から1524年にかけて制作したもので、早逝した画家が若くしてその天才を開示した作品であることや、当時は小窓からもれくるわずかな光や蝋燭の灯りといった悪条件で、しかも描き直しができないフレスコでこれだけの作品をものした、という美術史的な解説もあり、おおいに裨益されることに。（画像はウィキペディアより）その後、部屋を巡るにつれて時代はどんどん降り、18世紀以降に改修・装飾されたダイニングやビリヤードルームなどいろいろな用途の部屋を眺めることに。そこで亭主の目を引いたのがさりげなく置かれた一台のハープシコードでした。一段鍵盤という仕様ですが、コテコテの装飾からは18世紀フレンチモデルではないかとも想像させられます。ガイドさんによると、（費用が嵩んだものの）比較的最近になって修復が完了し、演奏可能な状態とのことで、ときおりこれを使った演奏会も開かれているとのこと。もう少し詳しく聞きたいところでしたが、他の参加者への迷惑を考えてぐっと我慢です。そうこうするうちに建物内部の見学が終わり、今度は回廊や庭、さらには城塞の見張り櫓などを見て回ることに。ここでガイドさんの力が入ったのが、見張り櫓の中に仕掛けられた「カメラ・オブスキュラ」、要するに大型のピンホールカメラです。城塞外側に向かって櫓の壁面に開けられたピンホールから取り込まれた外部の映像を、プリズムで導いてスクリーンに投射し、現代のモニターカメラさながら城壁のまわりをリアルタイムで見張るというもの。当日は快晴だったこともあり、想像以上に綺麗な映像が映し出されておおいに感心させられました。これでガイドツァーはお開きとなりましたが、やはり何と言っても面白いのは建物自体です。中世末期からルネサンスを経て18世紀に至るさまざまな時代の建築様式が至る所でつぎはぎになっており、しかもそれらがあまり違和感なく渾然一体となっている様子はまるで迷宮のようで、ある種壮観ですらあります。古い様式の建物を壊しては新しい様式で立て直す日本の建築からはなかなか想像できない世界を垣間見た気がしました。なお、古城の外観を大変くわしく紹介してくれている素晴らしいブログサイトを見つけましたので、以下勝手にリンクさせて頂きました。https://luca-signorelli.blog.jp/archives/32166675.html（…つづく）

September 11, 2022

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パルマ紀行

亭主は先週末から１週間、とある国際研究集会（国際会議）に参加するために、北イタリアはパルマに滞在しました。この会議自体はもともと2020年初夏に開催される予定だったのですが、ちょうどこの年に始まったコロナ禍の直撃を受けてあえなく延期に。翌年にはさらに状況が悪化し、現地集合にこだわった主催者は2年続けて開催を断念。一方でその頃から流行は常態化し、今年になってからは世界的に行動制限も無くなったことで、ようやく会議が実現しました。とはいうものの、日本では今年になっても入国に際して相変わらず厳しい水際対策が取られていたこともあり（帰国72時間以内のPCR検査で陰性の証明が必要）、現地参加するかどうかは最後まで迷ったのが正直なところです。が、結局行かない口実がないまま出国日となり、ハラを括って出かけることに。ちなみに旅程は、空路が羽田-イスタンブール-ミラノ(トルコ航空：ウクライナ情勢を受けてヨーロッパ航路が制限されているためか、往路の飛行機はほぼ満席状態）、ミラノ・マルペンサ空港からは電車でミラノ中央駅経由でパルマへ、というルートを取りました。このところ、ヨーロッパではほとんどの人がマスクを着けていない、といったレポートがニュースなどで流れていますが、イタリアでは公共交通機関に乗車する際にN95規格相当のマスクを着用するルールがまだ健在のようです（事前に警告を受けていたので亭主も数枚を持参）。実際、ミラノからパルマにかけての電車や、市の中心部にあるホテルと会議場の往復に使う市バスではほとんどの乗客がマスクを着用しており（ラテン系にしては珍しく？）みなさん用心している様子。さらに、会議の会場である大学キャンパスは市の中心部から離れており（バスで約20分）、会議に参加している限り不特定多数との接触の機会も限られます。ただし、感染リスクが高いということで、美食の国イタリアにもかかわらず夜の会食をすべて断念したのは大いに心残りではありました。というわけで、会議終了直前に受けたPCR検査の結果は陰性（\^o^/）、予定していた帰国便にも乗せてもらうことができ、無事帰国となりました（やれやれ…）。こう書くと、パルマ滞在中ずっとビクビクしていたように取られてしまいがちですが、実際には「周りに流されない」ように注意したというだけで、感覚としては日本でのそれの延長線上でした（違いといえばマスクがN95規格になったぐらいか）。さて、亭主が泊まったホテルは、駅から300mほど歩いたところにあるピロッタ宮殿の目の前にあり、そこから東側一帯は旧市街と観光には文句無しの立地。そこで、会議初日が過ぎて環境に慣れてきたところで、2日目の午前中をオフにしてまず旧市街を散策、その後ピロッタ宮内にあるナショナル・ギャラリー（絵画館）を訪ねてゆっくり絵画鑑賞の時間を取りました。さらに、3日目午後には会議主催のイベント、近隣にある古城と旧伯爵家の大邸宅（美術品コレクションが公開されている）をめぐるバスツァーに参加。いずれでもびっくりするような数々の絵画の名品にお目にかかることになり、実に久々に（約40年ぶり！）ヨーロッパ美術館巡りの興奮が蘇ってきました。とりわけ、絵画館に収蔵されている美術作品は量・質共にすばらしく、１時間半の間忘我の境地で見て回っていたという状態。あまりに印象が強烈なので、なかなか言葉にもなりません。ここではコレクションのほんの触りということで、亭主が賛美してやまない厳選３作品をご紹介（写真は亭主のiPod：よりよい画像はネット上で容易に見れますのでそちらをご参照下さい）。言わずと知れたレオナルド・ダ・ヴィンチの「ほつれ髪の女」。（パルマはミラノに近く、同地で活躍したレオナルドとも縁があったのかも。）パルマで活躍した盛期ルネサンスの大画家、コレッジョの「四聖人殉教」。この作品、亭主が持っている古い画集で見て衝撃を受けて以来、いつか本物を見たいと思っていた絵でした。ルネサンス後期、マニエリストを代表する一人パルミジャニーノの「トルコの奴隷」。彼は数々の肖像画で有名ですが、これはおそらく当美術館の至宝の一つとも言うべき作品だと思われます。…これだけでももうお腹いっぱい、と言う感じで、どれだけ凄いコレクションだったかご想像頂くしかありません。なお、午前の前半にまわった大聖堂や教会には、コレッジョやパルミジャニーノが描いたフレスコによる天井画や壁龕があちこにありましたが、仄暗い聖堂の中、遠目で天井を眺める視認性の悪さから、残念ながら十分に鑑賞できない恨みが残りました。（とはいえ、その雰囲気を味わうだけでも十分に訪れる価値があります。）（…つづく）

September 4, 2022

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特別展「ポンペイ」

2月初めのピーク時は1日10万人近い新規感染者を出していたコロナウイルス流行の第6波、その後全国的には徐々に減っているようですが、亭主が住む茨城県ではこの一月あまり感染者数が高止まりのままで推移しています。その間、ようやく亭主のところにもワクチン接種券が届き、先々週に3回目を接種。そこで、これを口実に先週末、東京は上野の国立博物館で開催されている表記イベントに足を運びました。ポンペイといえば、古代ローマの遺跡で有名な南イタリアの首都ナポリ近郊の小都市。西暦79年に起きたヴェスヴィオ火山の噴火による大量の火砕流により都市全体が短時間で埋もれ、そのまま18世紀に再発見されるまでタイムカプセルのように保存されていたことで知られています。再発見当初は、もっぱら古代ローマのお宝を目的とした盗掘の対象になっていたようですが、19世紀以降徐々に学術的な発掘調査が進み、現在では古代ローマ当時のままの建造物や街並みが見られる唯一無二の遺跡として世界遺産にも登録されています。もちろん、展覧会に古代の街並みそのものを持ってくるわけにはいきませんが、遺跡で最大の邸宅「ファウヌスの家」の一部を再現するなど、当時の事物だけでなく生活空間をも体感できるような展示が行われています。とはいえ、やはり亭主にとって一番の目的はモザイク画。イタリアでは、漆喰に水溶性の顔料で絵を描くフレスコ画が広く建物内の壁面の装飾に用いられていますが、ヴェネチアのサンマルコ聖堂など、ルネサンス期以前の古い建造物にはモザイク画も散見されます（東方教会・ビザンティン美術の影響？）。その源流はやはり古代ローマ時代（帝政期）にあるようで、当時のヴィラ（別荘）では豪華なモザイク画で装飾された床が有名です。ポンペイの「ファウヌスの家」でも、談話室の床が「アレクサンドロス大王のモザイク」（現在修復中）と題された巨大なモザイク画で飾られており、展示ではこれを再現した部屋もあります。展示の中には、大噴火の前のヴェスヴィオ山を描いたフレスコ画（紀元前1世紀ごろ？）もあり、当時からモザイクとフレスコ両方の技法が併存していたことが窺えます。とはいえ、やはりモザイク画は格段に手間暇がかかる分だけ保存状態もよく、2000年という長い年月を経ても鮮やかな色彩の画面を堪能することができます。ところで、亭主がモザイク画に興味を抱いたきっかけは、常日頃よく参照している南イタリアの家庭料理を紹介したレシピ本にあった扉絵でした。古代ローマ末期・シチリアのモザイク画とありますが、亭主がそれまで知っていたビザンティン美術のモザイク画よりも遥かに精緻なことに加え、そこに描かれた水着姿の女性の様子が現代のそれとウリ二つなのに驚愕し、モザイク画そのものだけでなく当時の暮らしにぶりにも大いに興味をそそられた記憶があります。今回の展覧会でも、この帝政期ローマ時代における生活のモダンさ、また絵画や彫刻の主題におけるルネサンス期以降の美術との類似性について、改めてその思いを強くしました。前者では、発掘された当時の生活雑器から装飾品、さらに台所の作りといった生活全般の様子から容易に窺えます、また、後者については、例えばモザイク画の主題となっている「ものづくし」は、16世紀マニエリズム（アルチンボルドなど）、あるいはバロック時代のナポリの静物画を思い起こさせます。「メメント・モリ」も、ルネサンス期の絵画ではお馴染みの画題です。（ただし、キリスト教世界では死後の世界—天国や地獄--を人質にとって、信徒を信心・善行へと誘導するためのスローガンであるのに対し、古代ローマではむしろ「命短し、恋せよ乙女」的な現世享楽主義の意味合いが濃かったと解釈されているようですが…）また、彫刻については古代ギリシャ時代のそれの模刻が数多く見られるようで、当時すでに3次元の立体象を正確にコピーする技術もあったとのこと。コピーの対象となったアルカイック様式は、紀元前8〜5世紀ぐらいまで遡るとのことで、21世紀に暮らす我々にとっての中世末期〜ルネサンス期にあたります。古代ローマの人々も「文藝復興」をやっていたのかも？スフインクスの彫刻に至っては、ギュスターブ・モローや世紀末の象徴主義芸術、あるいはアール・デコのそれかと見紛うばかり（頭の中で時代が倒錯してしまいます）。というわけで、展覧会を回っているうちに沸々と湧いてきたのは「結局、人類というのは2000年この方ほとんど変わっていないんじゃん…」という、なんとも撫然とさせられる感想。変わっているのは道具立てだけで、（現下の欧州での戦争も含め）やっていることに何一つ新しきものなし、というわけです。

March 20, 2022

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天一美術館

先週のブログでは法師温泉（長寿館）のことばかり書いてしまいましたが、本日はその続きを少々。水上温泉で初日に泊まったのは「松乃井」というお宿でした。長寿館とはあらゆる意味で対照的な現代ホテル風の大旅館で、広々としたロビーも部屋の内装も最近手入れをしたらしく、何もかも真新しく清潔で快適です。（実は築80年という長寿館の別館も、部屋の内装はピカピカでした。おそらく外国人観光客を見込んで比較的最近になって改装したものと思われます。）ロビーにはペッパー君が立っていて、簡単な観光案内などをやってくれます。肝心のお風呂（温泉）も快適で、温度が低めな分いくらでも浸かっていられる感じ。多くの温泉宿で食事が和食のフルコース一辺倒であるのに辟易していた亭主共としては、洋食が選べるところも大きなアピールポイントでした。ところで、宿を出掛けにロビーをうろうろしていたところ、観光案内情報を集めた一角にある棚に、表記美術館のチラシが入っているのが目に止まりました。表紙には一眼でそれとわかる岸田劉生の「麗子像」。驚いてチラシを仔細を眺めると、東京・銀座にある天ぷら料理の老舗「天一」の創業者・矢吹勇雄氏が集めた和洋の絵画・陶磁器などを収蔵・展示している私設の美術館で、挙がっている作家の名前を見るとなかなかのコレクションのようです。まさに「犬も歩けば棒に当たる」。早速ロビーにあった割引券を片手に、どうやら宿から目と鼻の先にあるらしい館を訪ねることに。入館案内のパンフレットによると、この美術館の建物は建築家・吉村順三の設計になるもので、おそらく矢吹氏が夏の避暑地（別荘）として使っていた場所に建てられたものと想像されます。実際、美術館に着いても初めは入り口がどこかわからず、遠目には周りにある個人宅と区別がつかない感じ。（それこそは設計者の狙いだったのかも知れません。）開館は1997年とのことですが、建物全体は真新しい感じで、とても二十数年経つとは思えないほどでした。中に入るとかなりの広さの敷地にゆったりと庭がとってあり、庭の端は谷を見晴らす眺望にも恵まれています。さて、肝心の展示作品ですが、コレクションは大きく分けると日・欧の洋画、江戸期を含む日本画（肉筆、版画、水墨画等）、および茶道具（陶磁器など）からなるようで、中でも有名なのが岸田劉生の作品です。劉生といえば、亭主は一昨年の回顧展（2019年、東京ステーションギャラリー）を思い出しますが、今から思うとおそらくこの展覧会にも天一美術館の作品が並んでいたものと想像されます。この回顧展では、彼がその短い生涯の間に何度も作風を変えたことを知りましたが、天一美術館のコレクションには麗子像だけでなくその他の作風のものも含まれており、矢吹氏が劉生という作家に強い関心を寄せていたことが伺えます。岸田劉生といえば、彼は白樺派同人としても知られますが、「天一」は白樺派とも深い関係があったようです。やはり白樺派同人といってもよいバーナード・リーチが来日すると、必ず銀座・天一で宴が開かれ、武者小路実篤、里見弴、浜田庄司、谷川徹三などが集ったとのこと。展示室にはリーチの代表作の一つである兎文大皿（楽焼）が置かれており、白樺派との繋がりを象徴するかのようでした。展示室には他にも色々と興味深い作品が並んでいましたが、亭主が最も気を惹かれたのは、藤田嗣治の手になる「黙示録」を題材にした３点のエッチング作品です。今まで見た覚えがなく、藤田がこのような作品をモノしていたことも知らなかったので興味津々で眺めました。（残念ながらガラスケースの中に置かれていて、近くで見ることができず、仕方がないので美術館のカタログを購入して詳細を確かめることに。）「ヨハネの黙示録」は、聖書の中でもその幻視的な内容が際立って衝撃的で、古来数多くの芸術家により絵解きが試みられてきた書物でもあります。（亭主がすぐに思い出す例としては、デューラーの木版画連作などがあります。）藤田のエッチングは「四人の騎士」、「第七の封印」、「地獄」という3つのお題によるもの。これらを眺めると、密集した人物や怪物といった構成は伝統的なものですが、線描はまさに彼独特の柔らさを持ち、遠目には漫画のようなユーモアも感じられます。カタログによると、この作品はフランスの出版社社長ジョゼフ・フォレによる豪華本「アポカリプス」のために制作され、1961年に公開されて世界各地を巡回したとか。また、豪華本の方はカラー肉筆画であるのに対し、廉価普及版のために制作されたのがこのエッチング版とのことで、こうなってくると元の本を眺めてみたいものです。というわけで、湯治に行って思わぬ「目の保養」に与った亭主でした。

October 3, 2021

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「大・タイガー立石展」

先日、テレビの美術番組で「タイガー立石」こと立石紘一の大規模な回顧展が開かれているのを知り、千葉市美術館で開催中の展覧会に連れ合いと出かけてきました。隣県の主要都市とはいえ、これまで千葉市にはほとんどご縁がなく、訪れたのは今回が人生で多分2度目ぐらい。調べてみると、我が家から電車等を乗り継いで行くと、片道たっぷり2時間かかりそうです。コロナ禍の中、公共交通機関（しかも東京経由）に長時間浸かるのは避けたいので、車で移動することに。カーナビがあるとはいえ、駐車場の空き具合、入場制限の有無など、馴染みのない会場に不安はありましたが、会期末（7月4日）まで間もないこともあり、出たとこ勝負でとりあえず出かけることに。展覧会というものに足を運ぶのは、昨年（2020年）1月の「ハプスブルグ展」（国立西洋美術館）以来、実に1年半ぶりです。圏央道・東関東道経由で走ること1時間強、着いてみると会場は千葉市内のど真ん中でしたが、車は美術館の地下駐車場（無料）に入れることができ、文字通りドアtoドアで会場へ。それなりに観覧者はいるものの、入場制限はなし。東京都心での展覧会に比べれば全く混んでおらず、じっくり展示品を眺めることができます。唯一コロナ禍の只中であることを思い起こさせたのは「会場内での会話はご遠慮ください」というアナウンスでした。さて、肝心の展覧会ですが、そもそも何故タイガー立石の回顧展を千葉でやっているのかというと、どうやら彼が晩年の数年間（といっても長逝したのは56歳の1998年）を、行楽地としても有名な養老渓谷に移り住んで過ごした、ということで、千葉にゆかりの作家だからと想像できます。そして今年は1941年生まれの彼にとっては生誕80年（生きていれば傘寿のお祝い）という記念の年、というわけです。（なお、ペンネーム「タイガー」の由来を、彼が寅年生まれだからとする記述もありますが、1941年は巳年なので真偽は不明。）回顧展の副題に「POP-ARTの魔術師」とあるように、彼の作品は抽象絵画などのいわゆる前衛芸術ではなく、イラスト・デザインを中心にしたグラフィック・アートで、手法として多用されるのが既存の素材の引用・パロディ化です（亭主が激しく親近感を感じる所以でもあります）。特に面白いのが漫画家としての活動歴で、そこから着想を得た「コマ割り絵画」は、おそらく他に類を見ないオリジナルな絵画表現の形態です。類似のものとして亭主が唯一思い起こすのは、西洋ルネサンス期のキリスト教祭壇画などで、聖書や黄金伝説に関わる物語を絵解きしたような作品ぐらいです。ちなみに、このコマ割り絵画の題材や内容はいわゆるパロディものは少なく、立石オリジナルのサイエンス・フィクション（SF）的な幻想絵画としか形容できない代物。昭和の高度成長期は科学・技術が高度に発達した未来への期待と不安（東西対立による核戦争など）を背景にSFものが大いに流行していた時代で、亭主もジュブナイルSFを乱読し、SF漫画に夢中になっていました。コマ割り絵画のモチーフとして望遠鏡で見た月のような画像がよく使われるのも、アポロ11号による人類初の月面着地という歴史的なイベントをリアルタイムで体験したからかもしれません。この他にも、素材としてよく使われるのがトラのイメージ、それも空中に浮かぶような姿で描かれます。これはどうやら1964年に東京で開催されたスペインの画家、ダリの展覧会で「目覚めの一瞬前に柘榴の周りを蜜蜂が飛びまわったことによって引き起こされた夢」という有名な絵をみる機会があったからのようです。ダリの絵画全体から受けた衝撃は甚大だったようで、彼の描く油彩画の雰囲気はまさにダリのシュールレアリスムの影響を強く感じさせます。もう一つの特徴は、旭日旗や富士山といったキッチュなイメージへの愛着で、横尾忠則の嗜好を思い起こさせるところがあります。これは、「戦前的なもの」がなかったかのごとく振る舞う（彼から見た）オトナ世代へ皮肉でもあるのでしょう。立石は1960年代の終わりに突然イタリア・ミラノに移り、そこで十年あまりデザイナーのような仕事で生計を立てていたとのことで、そこでこれらのキッチュを「外国から見た日本」の象徴的なイメージと捉え直し、意匠化しようとしたとも想像されます。それにしても、展覧会を眺めながら大いに唸らされたのが彼の線描の素晴らしさです。「グラフィック・アート」とはいうまでもなく線描が命の芸術。多数展示されている漫画の原画を見ると、どのような直線・曲線も迷いなくシャープに引かれており、これこそが彼の絵画作品全体を他とは違うユニークなものにしていると感じられました。

June 27, 2021

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「欲望の名画」by 中野京子

コロナウイルス感染症対策として首都圏に出されている緊急事態宣言が予想通り再延長となったこの週末、日用品の調達のために近所のショッピングモールを訪ねてみると結構な賑わいです。もちろん皆さんマスクは着用、レジも間を開けて並ぶなど、これまで通り感染には気をつけているようですが、レストランやフードコートでの食事も含め、人が集まることによるリスクが特に減ったとも思えず。既にある種の平衡状態にあるとも思える現状が、宣言の延長だけで変化するとはとても思えない状況です。さて、せっかく近くに来たのでと、モール内にある書店を久々にぶらぶらしていたところ、新書コーナーで表題の本に行き当たりました。泰西名画の解説といえば、通常は美術史家が専門的な視点から蘊蓄を傾けるのが定番ですが、中野京子さんは（そのような専門知識を「わきまえ」つつも）、絵画の内容を現代の日常感覚で捉え直すという点が斬新で、時には偶像破壊的な効果すらもたらします。例えば、ラ・トゥールが描く「ポンパドール夫人」、言わずと知れたルイ15世の寵姫ですが、本書では「ロココのキャリアウーマン」というキャッチフレーズの下、以下のような卓抜な解説を加えています。曰く、この顔は時空を超えている。完璧に整った目鼻立ち、薄化粧、知的で賢明で、バリバリ仕事のできそうな女性。高層オフィスビルの重役室に座って部下に指示を出していたとしても、なんら違和感はないだろう。美貌と才覚でのし上がる女性の典型に見える。そしてそのとおりだった。彼女こそロココ時代の華やかなフランス宮廷で、ルイ十五世の公式寵姫として政治までも動かし権勢を誇った、マダム・ド・ポンパドゥールその人なのだ。その中野さんが、メンツェルの筆になる「フリードリッヒ大王のフルートコンサート」を取り上げているのを見て、何が書いてあるのか知りたくなりそのまま購入。興味津々で中身を拝見しました。まず冒頭のタイトルは「ロココ時代のモンスター」、主役が大王であることを示していますが、副題には「憂のチェンバロ奏者」と、大王のフルート演奏で伴奏を務めるエマニュエル・バッハに言及、扉絵の画像もまさにチェンバロを前に大王を向くエマニュエルの部分を拡大したもの。続く記事には、どことなく心ここにあらずの憂い顔でチェンバロを弾いているのは、かの大バッハの息子カール・フィリップ・エマニュエル・バッハ。才能を見込まれて宮廷音楽家となったものの、雇い主の王の個性が強烈すぎる上、彼の伴奏ばかりでストレスも溜まる。我慢は二十七年。王には引き留められたがそれを振り切って自由都市ハンブルクへ逃れ、のびのびと作曲や音楽監督に専念し、当時としては長寿の七十四歳まで生きた。とあり、宮仕えの辛さを現代の感覚でズバリ。続くページ前半ではフリードリッヒ大王の生涯やその事績に簡潔に触れながら、彼がなぜフルートを愛するようになったかが語られます。ところが後半では、ヒトラーの「退廃芸術」を例に、「権力者が芸術に関与しようとするとろくなことにはならない」と切り返し、宮廷音楽家の待遇に大きな格差が設けられていたことをスッパ抜きます。曰く、…音楽はフルートとオペラが上位で、ヴァイオリンやチェンバロは伴奏楽器にすぎないと見做して薄給にとどめ、そうした己の判断（偏見）に微塵も疑いを持たなかった。扉絵のバッハが浮かぬ顔なのも当然だろう。というわけで、続く文中ではフルート教授のクヴァンツがバッハの7倍近い報酬を得ていたことを暴露します。（うーむ、いくら何でもこの差は酷い…）とはいえ、この解説で亭主にとって最も有り難かったのは、絵の中に登場する人物が誰であるのか、ほぼ全員の名前が紹介されていた点です。文章だけでは分かりにくいので図にしてみました。A: ビーフェルト（作家、ベルリン・フリーメーソン支部長）B: ゴッター（ベルリン・オペラ総監督）C: モベルトゥイ（科学アカデミー会長）D: グラウン（宮廷楽長、オペラ作曲家）E: フリードリッヒの妹アンナの女官F: フリードリッヒの妹アンナG: フリードリッヒの姉ヴィルヘルミーネH: ヴィルヘルミーネの女官I: シャゾー（軍人）J: ベンダ（ヴァイオリニスト）K: クヴァンツ（フルート教授）ちなみに著者は、クヴァンツの様子を「後ろ手で壁に寄りかかり、足を交差させているのは疲れているせいだろうか。まさか弟子の腕前に脱力したわけではあるまいが、何やら複雑な表情なのは間違いない」と、深読みを披露しています。画家のメンツェルは19世紀後半に活躍し、挿絵画家として名を馳せたとのこと。この絵についても実際にサンスーシ宮に何度も赴くなど丹念な調べをもとに描いたようなので、想像とはいえそれなりの真実を伝えているのかも？

March 7, 2021

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スカルラッティの肖像画

政府の緊急事態宣言からおよそ1ヶ月、この間通常の経済活動（特にサービス業）が大きく縮小し、人によっては大幅に増えた自宅で過ごす時間をどう活用するかが問題になっているようです。「人の生くるはパンのみによるにあらず」。スーパーやコンビニで食べ物さえ手に入ればよい、というものでもありません。日常的になった不安と緊張を少しでも和らげる気晴らし、それもできればクリエイティブな活動の機会が欲しい、と誰もが思うところでしょう。実際、インターネット上ではそういった様々な活動が発信されているようですが、亭主がとりわけ興味を持ったのは「実写で名画を再現（？）する」というもので、#COVIDClassicsと検索すると面白い画像が色々と出てきます。（実はこのネタ、先週とあるTVプログラムで取り上げられているのを偶然目にして知りました。）検索で上がってくる画像を眺めていると、フェルメール、ダ・ヴィンチなどの有名な絵画の模倣が人気で、秀逸なものも少なくありません。特に多いのが肖像画・人物画の類で、被写体の人物が絵の中のそれと似たような衣装を着け、家にある道具類で作った背景の前でポーズを取っています。これですぐに思い出すのは日本の現代美術家の一人である森村泰昌さんで、彼は自分の顔を著名な絵画作品中の人物に融合させ、「西洋美術史になった私」、「日本美術史になった私」といった一連の作品として発表しています（最初の作品は1985年とか）。一見他愛もないアイデアのように見えますが、こういう形で対象作品を「異化」することによって、「美術鑑賞とは何か」という問いを我々に突きつけている感もあります。とはいえ、森村作品があくまでオリジナルの一部を自画像に改変する、つまりオリジナルを尊重するという立場を堅持しているのに対し、今回出現した「作品群」はもっと過激なものも多く、「絵画とは何か」という、より根本的なギモンすら暗示しているようにも見え、単なるお遊び・パロディとバカにできないかも？さて、コロナ禍でテレワークが増えたとはいえ、特にヒマになったわけでもない亭主も、流石に連休は時間に余裕があります。（外出自粛の有無にかかわらず、そもそも連休は人出を避けて自宅で庭いじりという生活になって久しい。）そこで、COVIDClassicsへの出し物としてふと頭に浮かんだのがD.スカルラッティの肖像画。（これを実写で再現できればバズるかも、とつまらない野望がムクムクと頭をもたげます…）ところが、その気になってウィキペディアに載っている画像をじっくり眺めはじめたところ、疑問が次々と湧いてくることに。まず、何と言ってもよく分からないのが彼の着ている衣装です。以前は漠然とブラウスの上にヴェスト、さらに上着という認識でしたが、よく見るとヴェストの錦織（？）と同じ生地が大きく袖口で折り返されているように見えます。（これまで見たことがないような…）そこで、18世紀の衣装についてネットで調べてみると、当時は上着そのものの袖を大きく折り返したスタイルが主流で、しかも上着の裾はほぼ膝までの長さがあります（フロックコートの原型）。ところがドメニコの上着は明らかに腰の上でカットされており、その端が寄りかかっているハープシコードの鍵盤の上にあることが見て取れます。つまり、ドメニコの衣装はヴェストの袖が上着より長く、しかも上着の丈が異様に短い、と二重に謎めいています。さらにしぶとくネット検索を続けたところ、ヴェストについてはどうやら当時のウェストコート（Waistcoat）がドメニコの着ているそれに近いことが判明。ニューヨーク・メトロポリタン美術館の収蔵品によく似たものがありました。これを見ると、肖像画では上着の袖が折り返されているのではなく、ヴェストの袖口が大きく出ている様子が描かれているというわけです。（英語のウィキペディアに掲載されている同美術館所蔵のもう一着は1747年製とされており、ドメニコの肖像画が描かれた時期に近いと思われます。）一方、前身頃が腰までしかない上着については、残念ながら対応するものを見つけられず。短い前身頃という点で唯一似ているのは燕尾服やその前身である乗馬服ですが、これらの衣装が流行するのは18世紀も末になってからで、ドメニコの時代にはまだなかったようです。いずれにせよ、ウェストコートはどうやら英国ファッションで、ドメニコの時代にスペインと英国は広く交流があったようなので、上着についても同国のファッションを詳しく調べると何か分かるかもしれません。ちなみに、ドメニコが左胸に着けているのは、おそらくサンチャゴ騎士団の赤い十字架とバッジ（両方着けているのは珍しい？）で、このことからもこの肖像画がポルトガル王ジョアン5世から叙勲された1738年以降に描かれたものと推測されます。それともう一つ、よく見ると画面右上に巨大な置時計と思しきものが描かれていますが、その針は2時20分を指しています。昼なのか夜なのかも含め、この時刻が何を意味するのかも気になります。というわけで、COVIDClassicsのネタにするつもりが、奇しくもドメニコの肖像画を初めてじっくりと眺める機会となりました。

May 4, 2020

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「等伯」 by 安倍龍太郎

関東では冬晴れの好天に恵まれた先週末、我が方丈の庭のシンボルツリーとして南東隅に立っているヤマボウシ（樹齢20年？）を眺めたところ、葉が落ちた後に沢山の小さな新芽をつけた細かい枝が無数に青天井に向かって伸び放題です。昨年夏にはこれらの枝に盛大に葉が生い茂って道路側に垂れ下がるなど手を焼いたことを思い出し、ちょうど隣家が植木屋を呼んで庭木の手入れをしていたのを真似て、今が頃合いと枝払いを決行。初めは新調した高枝バサミでちょこちょこやっていたものの、一向に埒が明かないので道具をノコギリに持ち替え、木の上に登っての高所作業となりました（木登りなどウン十年ぶり、まさに年寄りの冷水）。さらに、ついでにと他の庭木の枝払いにまで及んだこともあり、最後はヘロヘロに。本日がその代わりの休みというわけです。ところで、このところ亭主が出張の移動時間などに読み耽っていたのが表題の著作。「等伯」とは16世紀後半の戦国〜安土・桃山時代に活躍した絵師、長谷川等伯（1539-1610）のことで、本書はいわば彼の伝記小説といったところ。等伯といえば、東京国立博物館にある松林図屏風があまりにも有名ですが、亭主の予備知識といえばせいぜいこの絵を知っている程度でした。等伯については比較的最近にテレビ番組で見た記憶があって調べたところ、2017年2月に放映された日曜美術館で取り上げられていたことも判明。実は、この番組には安倍龍太郎さんもゲストとして登場していて、件の小説が直木賞を受賞したことなども紹介されていたのですが、当時の亭主は無反応でした（内容もほぼ記憶になし）。ところがその後、偶然見ていた「法華経」を語るテレビ番組（「100分de名著」）の中で、講師である植木雅敏さんと共に登場し、この小説のクライマックスである松林図を描く場面が紹介されると共に、それが植木さんとの長時間にわたる法華経談義から生まれたという話を耳にし、法華経そのものへの興味も手伝って急に読みたくなり小説を手に取ることに。この小説を書くにあたり、安倍さんは等伯の足跡をとことん調べ上げたとのことで、実際読んでみると生地である能登・七尾から北陸をへて敦賀、琵琶湖、京都、そして大阪・堺と緻密な地理描写が光ります。また、等伯の作品は比較的若い頃のそれから晩年のものまでよく残っており、その生涯を作品で追って行くのにも好都合。戦国時代にあって文字通り波乱万丈、何度となく崖っぷちに遭遇する等伯の人生を安倍さんの筆で追体験しながら、仏画、肖像画から襖絵、屏風絵といった障壁画中の主要な作品の成立過程に立ち会うことになります。それにしてもやはり圧巻なのが小説の最後、「松林図」をめぐる章です。この誰もが水墨画の最高傑作の一つと認める作品、驚いたことにそれがどのような経緯で描かれることになったのかは詳でないとのこと（何だかあのモンテヴェルディのヴェスプロを思い起こさせます）。まさに小説家にとって最大の想像力（妄想力？）の見せ所であり、それゆえに最大の難所でもあります。これ以上はネタばれになるので詳細は控えますが、安倍さんは等伯が秀吉に対して自らの首を賭けて「これまで誰も見たことのない」絵を描く約束をする、というプロットを用意し、植木雅敏さんが法華経の教えとして紹介した「等覚一転名字妙覚」という言葉を胸に、等伯の内面世界と筆の動きを活写しています（まさに本小説の白眉）。この小説のもう一つの楽しみは、当時の時代背景、政治・経済の動静についての詳細な調べに基づいた人物や文物の描写で、イエズス会とその活動をめぐる記述も含め、信長や秀吉とその取り巻きの戦国武将、および彼らと公家の関係、さらには彼らと法華宗などの宗教勢力、堺を中心とした商人との関係など、亭主がこれまで知らなかった世界を覗き見る面白さがあります。さらに、スペイン本国の意向を受けたイエズス会が、日本を利用して朝鮮半島や明王朝の中国を植民地化しようとしていた、というような世界史的視点も用意されています。折しも同時代の音楽家ディエゴ・オルティスのことを調べていた亭主にとっては絶妙なタイミング。当時の日本にも伝わった音楽については皆川達夫氏の仕事などでも明らかになりつつありますが、絵画芸術についても同様で、安倍さんは南蛮貿易の輸入品の中にレオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロの作品の模写が含まれていた、という設定の下、等伯があのモナ・リザの模写を目にして空気遠近法の技法を学んだと読める妄想エピソードを滑り込ませたりもしています。こういった細部を眺めていると、狩野派や等伯に代表される絵画、利休の茶の湯といった芸術面のみならず、乱世という時代背景の下、ある種の高みに到達した仏教思想にも彩られた安土・桃山文化の厚みが、ヨーロッパの後期ルネサンス・バロック時代のそれに引けを取らないものだった、ということをこの小説は雄弁に語っているように感じられます。というわけで、色々な意味で大きな収穫を得た読書でした。

February 11, 2020

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ハプスブルク展

昨年（？）はオーストリアと日本の国交樹立150周年だとかで、それを記念して表記の展覧会が開催されています。国立西洋美術館が会場とあって、およそ100点の展示物の過半は絵画、それもウィーン美術史美術館からの出展です。亭主が関心を持つ18世紀以前の音楽の舞台は、まさにハプスブルク帝国がヨーロッパの政治・文化の主要なプレーヤーだった時代。音楽の時代背景としても大いに興味をそそられます。しかも、ウィーン美術史美術館といえばヨーロッパ屈指の絵画コレクションで知られ、美術ファンにとり今回の展示内容は大いに気になるところ。そこで先週末、絵の鑑賞に耳の調子は差し障りなかろうと、朝一で耳鼻科を受診した後に上野に参上することに。（ちなみに、件の突発性難聴と思しき症状、薬が3日目ぐらいから効果を現し始め、今週末にはほぼ症状が気にならない程度にまで回復。ようやく音楽を元のように楽しめるようになりました。　　＼(^o^)／）さて、会場に入るなり亭主どもを迎えたのは「ローマ王としてのマクシミリアン1世」という絵でした。マクシミリアン1世といえば、やはりウィーン美術史美術館所蔵のデューラーの肖像画が有名ですが、流石にその来日は叶わず、というところでしょうか。展示作品は彼と同時代のシュトリーゲルという画家（あるいはその工房）の手になるもので、ウィキペディアの「マクシミリアン1世」のページにこれに似た絵が掲載されていますが、よく見ると別物で、右上の窓に描かれている外の風景が展覧会の作品にはありません。マクシミリアン1世はデューラーを贔屓にしていたものの、彼を宮廷画家として抱えるほどの経済的な余裕はなく、また神聖なローマ皇帝としての威光を示す凱旋門を建てたいと思うも叶わず、彼の版画で代用したことで知られています。一方で、その周到な婚姻政策でブルゴーニュ、スペイン、ハンガリーを領地に組み入れる布石を打ち、後の大帝国の基礎を築いたとされることから、彼の肖像画がこの展覧会の冒頭を飾ることになったということでしょう。（ちなみに、ハプスブルクのスペインはそれから200年ほど後のちょうど1700年、カルロス2世[近親婚の犠牲と言われる]で終焉し、太陽王ルイ[14世]の孫にあたるフェリペ5世に始まるブルボン・スペインとして今日まで続くことになります。ドメニコ・スカルラッティが仕えていたのもブルボン・スペインの宮廷でした。）もう一つの要因として、この頃（ルネサンス後期）から中欧でもデューラーをはじめとして世界的な画家が排出するようになり、展覧会を構成しやすいというメリットもありそうです。実際、この展覧会でもマクシミリアンの肖像は来られなかったものの、デューラーの油彩肖像画が１枚エントリーしています。とはいえ、亭主にとって最大の目玉はイタリアおよびスペイン絵画。数は多くないとはいえ、ジョルジョーネ、ペルジーノ、ティツィアーノ、ヴェロネーゼといったヴェネチア派の大御所の作品がお出ましです。（他にもマンテーニャ、ティントレットなど、日本ではまずお目にかかれないルネサンス後期-マニエリスム時代の絵画がちらほら。）さらには、あの突き出た顎と厚いい下唇というハプスブルク顔が冷徹に描かれたベラスケスの「フェリペ4世」、あどけなくも昂然と自己主張する「王女マルガリータ」の連作も見応え十分。これらに加え、こちらも数は少ないとはいえあのレンブラント、フランツ・ハルスやロイスダールといったネーデルランド絵画も。レンブラントなどはそもそも作品数が少ないので、彼の作品を間近で見れる機会は貴重です。（ハプスブルクのコレクションに基づくウィーン美術史美術館の収蔵作品の豪華さを垣間見る思いです。）以上の作品群に比べると、18世紀以降の作品は絵画自体としてはそれほど気を引かれないものの、今度は肖像画に登場する著名人達そのものに興味が湧きます。音楽関係では、例えばモーツアルトと交流があったルイ16世夫妻やヨーゼフ2世の肖像など。ところで、このブログを書くにあたり、10年以上前に読んだ中野京子さんの「名画で読み解くハプスブルク家12の物語」を開いてみたところ（例によって綺麗さっぱり中身を忘れていたので）大変面白く一気に再読。この本の終章近くを飾ったのが、ヴィンターハルターの「皇妃エリザベト」の肖像画で、実質的な最後の神聖ローマ皇帝となったフランツ・ヨーゼフの細君ですが、この展覧会では別の作家によるもう少し若い頃のエリザベトの絵を目にすることができます。これを眺めれば、中野京子さんの著作中にある「ウェスト50cm」という体型がどういうものだったか一目瞭然。一方、展覧会場ではあまりぱっとしない印象だった夫君フランツ・ヨーゼフの肖像画がこの著作の読後に気になり始め、改めてその記憶を辿り直すことに。いずれにせよ、大いに目の保養になりました。

January 19, 2020

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第２の「糸巻きの聖母」byレオナルド・ダ・ヴィンチ

今年はレオナルド・ダ・ヴィンチ（1452-1519）の没後500年とのことで、パリのルーブル美術館ではそれを記念した大展覧会が10月末から開催されているようです。（◎o◎）とはいえ、亭主がこの情報に接したのは「ダビンチ・ミステリー　第１集　幻の名画を探せ～最新科学で真実に迫る～」と銘打ったTV番組を見てのことで、迂闊にも今年がそんな記念の年とはまったく念頭にあらず。番組の放映自体は先々週の週末でしたが、「“万能の天才”の謎〜最新AIが明かす実像〜」と題された第２集共々この週末にまとめて録画で鑑賞しました。第１集で取り上げられたのは、「糸巻きの聖母」（「糸車の聖母」とも呼ばれる）と題された作品で、その真贋を最新のテクノロジーで鑑定する、というもの。実は亭主、3年前に江戸東京博物館で開催されたレオナルドの展覧会で同じ題目の作品を目にした覚えがありましたが（こちら）、その際に展示されていたのは英スコットランドのバクルー公爵が保有している作品で「バクルーの聖母」とも呼ばれているようです。それに対して、今回の主役は「ランズダウンの聖母」と呼ばれるもので、19世紀にランズダウン侯爵が保有していた絵だとか。ネットで検索すると、ウィキペディアでこの２作品について結構詳しい来歴などが紹介されており、その存在自体はだいぶ以前から知られているようです。ルーブルの展覧会では両者が並べて展示されるということで、専門家ならずとも大いに興味をそそられるというもの。番組でも２つの作品が比較検討されるシーンもいくつか挟み込まれており、それぞれについてレオナルドがどの程度深く製作に関わったと考えられるのか、鑑定で明らかにしようとしています。（このような展覧会は、美術館やその関係者にとっても準備段階で作品を詳細に調べる絶好の機会となるようで、TV番組はその様子に密着取材したもの。）鑑定手法の目玉としてクローズアップされていたのが軟エックス線によるイメージングで、これによって絵の具の厚み分布をコントラストとして画像化することができます。鑑定における主張のポイントは、レオナルドが多用した指で絵の具を延ばす「スフマート」という手法で、これを用いて描かれた絵では基本的に薄塗り（これをさらに指で延ばす）を何十層もの多層に重ねるため、絵の具の厚み分布がほとんどない、つまり軟エックス線イメージング画像ではほとんどコントラストが付かない（番組中では「絵が消える」と表現）ことになります。実際、この手法を「モナリザ」（明らかにスフマートが用いられている）に適用するとコントラストのない画像が得られるとのこと。で、「ランズダウンの聖母」はどうだったかというと、やはりほとんどコントラストが残らないことが番組中で示されていました。ちなみにこのスフマート＋多層薄塗りという絵画技法、あまりに手間暇がかかる（これも彼の絵の作品数が極端に少ない理由とか）のでレオナルド以外の画家が真似する気になるとはとても思えない、ということで、彼が完成に深くコミットしたという証拠になるようです。ルーブルの展覧会では、同美術館所有の有名な3作や「糸巻きの聖母」など絵画７作品が集合していますが、いずれもこのようなエックス線画像などと一緒に展示されているとのことで、鑑賞者自らも真贋についての手がかりを目にすることができるという点でも従来にない新機軸ではないかと思われます。ところで、この特集番組の第２集は、第１集と違ってなんともお粗末な作りで亭主を大いにがっかりさせることに。謳い文句に「AIを使ってレオナルドの手稿を解析！」とあるので、あまり期待せずに見たところ予想通り。レオナルドの文章中に出てくる単語の使用頻度や単語間の相関を調べて何かを導き出そうとしたようですが、これは自然言語で普通に行われているコーパス解析と似たようなもので、特に「単語間の相関」についてはいわゆる慣用表現を抽出するような目的では有用ですが、それをもって思考の中身について手がかりを得ようというのはなんとも虫が良すぎる話です。そもそも、巷間喧しいAIの効用なるものについて、多くの皆さんはおそらく重大な誤解をしていると思われます。何かというと、AIが人間のように何かを「理解する」という大誤解です。現在流行のディープラーニングも含め、AIソフトが行なっているのは強化学習による「パターン認識」ですが、これはAIが画像のような複雑な対象をある基準にそって区別できるようになる、というだけのもの。AIが「飛行機」という画像を他と区別できるからといって、AIが飛行機という「概念」を「理解」したわけではないことに十分注意する必要があります。国立情報学研究所の「東ロボくん」プロジェクトが失敗した理由もここにあります。まぁ、番組ディレクターに多少同情的なコメントをすれば、AIにレオナルドの絵画・デッサンを学習させて、「レオナルド風の絵」を描かせてみる、という企画であればまだ面白かっただろうに、というところでしょうか。（もし同じ企画をやるのなら、せめて斎藤泰弘さんの「ダ・ヴィンチ絵画の謎」を読んでからにしてほしいもの。）

November 24, 2019

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岸田劉生展

先週末に台風19号が関東から東北を襲ってから１週間経ちました。この間、各種報道から日を追ってその爪痕の大きさを思い知らされることに。とは言え、台風が通過した直後、14日の時点ではそのような甚大な被害が出ていることを知る由もなく、また当日午後の後半には神保町に用事があることもあり、ついでとばかり連れ合いと表記の展覧会に出かけることに。会場は東京駅にある「東京ステーションギャラリー」です。当館に足を運ぶのは６月にあった「メスキータ展」に続いて２度目で、今年は何だか妙に縁があります。当日お昼過ぎに東京駅に着いてみると、やはり台風直後のせいかいつもよりはずっと人出が少なく、昼食を取ろうと入った駅隣ビルのイタリアンレストランも閑古鳥が鳴いている感じです。これなら展覧会もそれほど人出はないだろう、とタカを括って会場に入ると、予想を大きく超えた入りにびっくり。思うに、先月末にテレビ放映された「日曜美術館」で取り上げられたことも影響しているのかも。（ちなみに、亭主のお目当ての一つである「バーナード・リーチの肖像」がこの展覧会で展示されているのを知ったのもこの番組だったことを考えると、前説を自らの行動で証明しているようなものですが…）さて、岸田劉生（1891-1929年）の「没後90年記念」と銘打ったこの展覧会、入口で作品リストをもらって眺めてみると、展示されている作品が160点を数える大展覧会であることがわかり、午後後半の予定を気にしながら足早に見て回ることになりました。後で調べたところ、前回（？）没後80年の折にも損保ジャパン美術館で回顧展が開催されたようですが、この時には肖像画ばかり80点ほどで構成されていたようなので、今回の展覧会は岸田劉生の全貌を知る上で貴重な機会だったと言えそうです。実際、展示されている作品を眺めると、彼が16歳頃（1907年）に描いた水彩画から始まって、その最晩年となった1929年に渡航先の大連で描いた油彩の風景画まで、その生涯にわたる画業が俯瞰できるような内容になっています。亭主も含め、日本美術の門外漢にとって劉生といえばあの有名な「麗子像」しか思い浮かびませんが、この展覧会から受ける第一印象は、自己固有の絵画表現という近代の理想に取り憑かれ（「自分のゆく道」）、それを求めて彷徨する画家の姿です。解説によれば、劉生は17歳の時に画家を志して黒田清輝の門下生となりますが、1911年に「白樺」派の人たちと出会い、黒田の印象派的な画風から変わってセザンヌ、ゴッホらポスト印象派の画風で描き始めます。（「白樺」に紹介されたポスト印象派の作品から受けた衝撃がいかに大きかったは、本人がこれを「第二の誕生」と呼んだことからも伺えます。）件のバーナード・リーチ像（「B.L.の肖像」: 1913年）もちょうどこの頃のもの。そうこうするうちに、今度はデューラーやレオナルド・ダ・ヴィンチといったルネサンス期の画家達の影響を受けた画風に目覚め、彼らの肖像画に想を得たような作品を描き始めます（1915年〜）。ところで、数ある麗子の肖像を最初に描いたのは1918年、彼女が5歳の折ですが、ちょうどその頃からまた画風が変わり始めます。当時は肺の病気を疑われて医者から外出を禁じられたという外的要因もあって、もっぱら鵠沼や鎌倉の自宅室内で製作していたこともあり、「麗子像」が量産されることに。この時期の最も著名な作品があの「麗子微笑」（東京国立博物館蔵）です。これらの麗子像を眺めると、いずれもデフォルメ（横方向に拡張）された構図になっており、それまでの「写実」を捨てて、目に見えない物を描くような感覚（象徴主義に通じる？）が窺えます。そうこうするうちに、劉生先生、故あって京都に移り住むとともに、今度は東洋美術に目覚め、宗元風の文人画や花鳥画を描き始めます（1922年〜）。つまり、西洋近代絵画をぐるっと回って明治以前の日本の美意識の世界に戻って来た、というわけです。こうして劉生の画業を眺めていると、あの「鮭」の油彩画で有名な高橋由一の時代から半世紀以上も経っているにも関わらず、当時の日本人が依然として西洋美術を越える・超えられない（？）といった前近代的な思考に囚われていたように見えることが「時代」を感じさせます。なお気づいたことをもうひとつ。麗子像もそうですが、劉生の肖像画は人物の皮膚の色が（実際以上に？）浅黒く、静物画も含めて室内で描かれた作品は全体に画面が大変暗い印象です。一方で、風景画を始め外光の下で描かれた作品は、どれも真夏の陽光が燦々と輝くような画面で、空もほぼ真っ青な青空一色に塗られていることがほとんどです。（例えば、これも有名な作品である「道路と土手と塀（切通之写生）」がその典型。）この対比に劉生が込めた意図が何だったのか、ひとつ謎をかけられたような展覧会でした。

October 20, 2019

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「リーチ先生」　by 原田マハ

先週前半、亭主はとある国際学会に参加するために岡山に出張しました。やはり学会で2010年春に訪れて以来、およそ10年ぶりの再訪です。あまり考えずに飛行機を使う出張パック旅行を使ったところ、往路で折悪しくも台風17号がちょうど付近の日本海側を通過するタイミングにぶつかり、羽田出発便もかなりのフライトが影響を受けることに（岡山便は結局1時間程度の遅れ）。幸い、帰路は特に支障もなく帰り着きましたが、この間往復10時間あまり、久しぶりにゆっくり読書をする機会となり、積ン読状態だった表題の本を堪能。　「リーチ先生」とは、前世紀に日英両国で活躍した著名な英国人陶芸家、バーナード・リーチ（1887-1979）のことで、同書では青年時代にリーチが初来日し、柳宗悦らとの交流を通じて陶芸に目覚める前後から、英国南西端のコーンウォールで濱田庄司らと「リーチ・ポタリー」を立ち上げて活躍する壮年期までが小説仕立てで描かれています。先行する「楽園のキャンバス」、「暗幕のゲルニカ」といった美術史に取材した小説と同じく、リーチ本人に加え、高村光太郎、柳宗悦、濱田庄司、富本憲吉といった実在する人物が関わる歴史上の出来事を踏まえながらも、これらの人々と濃密に絡む架空の人物を作者の分身として登場させ、彼らを狂言回しにしながら歴史の「If」が自由自在に展開される、という仕掛けです。　亭主はこの本を読みふけりながら、「楽園のキャンバス」を読んだときと同じ様に自身の過去との接点を思い起こしていました。　例えば、亭主が最初に東京に出て来て数年暮らしたのが駒場公園の近所でしたが、この公園には有名な近代文学館とは別に日本民藝館という小ぶりな展示施設がありました。駒場公園にはもっぱら友人と散歩や運動のために行っていましたが、ある時興味本位で同館に足を運ぶことに。そこで出会った名前が「柳宗悦」でした。（当時は「これなんて読むんだろう…リュウソウエツ？日本人？」という無知ぶりでしたが、展示から彼が「民藝運動」の主導者だったことを知ることに。）そこには柳以外にも、武者小路実篤を筆頭にした白樺派の活動にまつわる諸々の品が展示されていたことが、かすかに思い出されます。　また、時は降って前世紀の終わり頃、亭主はおよそ8年間を我孫子市で過ごしました。我孫子の地を選んだ理由は家庭の事情によるものでしたが、偶然にもそこは前述の白樺派の関係者が暮らしていた場所でもあり、その当時は別荘地（！）だっただけあってなかなか風光明媚です。亭主が住んでいたマンションは手賀沼公園の入り口に近く、よく家族で散歩に出かけたものでした。散歩の途中でちょっと目立つ石碑に行き当たり目をやると、「バーナード・リーチ碑」とあります。当時はなぜこの様な石碑がここにあるのか、あまりよく分かっていませんでしたが、この小説を読むと、リーチが我孫子にあった柳の家の庭に窯を作り、本格的に陶芸を始めたという縁ある場所であったことを知ることに。　一方で、亭主は同じ頃仕事で頻繁に英国オックスフォード近郊に滞在することがあり、その頃から英国南西端のコーンウォール地方は、一度訪ねてみたい観光スポットとして有名でした。（今読みかけのカズオ・イシグロの小説「日の名残り」の舞台でもあります。）リーチ・ポタリーは同地のサント・アイヴスにあって、前世紀の終わりに一旦活動を停止したものの、主人が代わって2008年に再度オープンしたとのこと。　ちなみに、奇遇のトドメは今朝放送された「日曜美術館」。そこで取り上げられた岸田劉生は、他でもない白樺派同人の一人です。番組中で彼の手になるゴッホ風のバーナード・リーチの肖像画が流れたときには、思わず身を乗り出してしまいました。気づいたら、今年はリーチの没後40年でもあり、東京ステーションギャラリーで展示されているという劉生の肖像画は、偶然にもそれを記念することになったのかも。

September 29, 2019

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「メスキータ」展

この週末、夕方に東京に出る用件があり、それならついでにということで、連れ合いに誘われて表記の展覧会に足を運びました。場所は東京駅々舎の北側に付設された「東京ステーションギャラリー」。例によって展示の内容もよく知らないまま、こちらも来るのが初めての会場に足を踏み入れることに。ところがこの展覧会、モノクロの木版画の作品群を中心にした実にインパクトのある内容で、会場を出る頃には作者やその作品を詳しく知りたくなり、久々にカタログを買い求めるとともに、帰宅後早速色々とネットで調べ物をすることに。展覧会の主人公はサミュエル・イェスルン・デ・メスキータ（1868－1944）というオランダの作家ですが、年譜にある「ポルトガル系ユダヤ人の家庭に生まれ、…」というところでまず引っ掛かります。姓がラテン系であること、名がいかにもユダヤ系（旧約の司祭の名？）であることはすぐに察しがつきますが、ポルトガル系でなおかつオランダに住んでいる、というのが一見謎めいて見えます。そこで調べたところ、出てきたのが「セファルディム」という言葉。ウィキの記事をそのまま引用するとセファルディムは、中世にイベリア半島（スペイン、ポルトガル）に住んでいたユダヤ人の子孫を指す。1492年、イベリアに残る最後のイスラム政権を滅ぼしたスペインにおける大規模な排撃で、その多くが南ヨーロッパや中東、北アフリカなどのオスマン帝国の領域に移住し、少数ながら、オランダやイギリスにも移り、20世紀にいたる。とあります。民族離散の後、主にドイツ語圏・東欧に移り住んだユダヤ人を「アシュケナジム」と呼ぶのに対し、イベリア半島を経て地中海沿岸に移り住んだ人々がセファルディムと呼ばれているようです。これでオランダのポルトガル系ユダヤ人という出自の謎が氷解。（ちなみに、ウィキには有名なセファルディムの人物・家系のリストがありますが、なかなか錚々たる名前が挙がっています。亭主に馴染みのところでは、例えばピアニストのホロヴィッツやペライアなど。）ついでにもう一つ、姓であるメスキータはスペイン語でイスラム教のモスクを表しますが、別の記事によると、イベリア半島のユダヤ人はイスラム教徒とキリスト教との間の潤滑油のような役割を果たしていたとのことで、人々が平和に集う場所を暗示しているのかも？さて、作家の背景が見えてきたところで、改めてその作品をじっくり眺めてみると、やはり木版画の作品群が際立った印象を与えます。想像するに、メスキータはドライポイント（エングレーヴィング）やエッチング、あるいはリトグラフといった他の版画手法と違い、（凸版としての）木版の表現力の源泉が均質な「面」にあることを見抜いたのでしょう。彼は作品中で、多くの版画作家が頼りにする「彫りの白線」ではなく「彫り残した面」、それも漆黒の黒で対象の本質を開示してみせます。（もちろん、その対比として大きく彫り取られた「白」の面も多用されます。）さらに、この面による表現を追求した必然の結果として、彼は対象を幾何学的に単純な形（面）の組み合わせとして高度に意匠化し、グラフィックデザインの先駆けとなるような完成された表現に到達しています。（その昔、パソコンの画面がモノクロ２値だったころ、描画対象を白と黒だけで表現するために行われた様々な工夫を思い出します。）木版画といえば、19世紀末に日本から大量の浮世絵版画がヨーロッパに持ち込まれ、その（遠近法によらない）面的な表現が当時の印象派の画家たちに大きな影響を与えたことはよく知られています。なので、この時代の木版画といえばすぐに浮世絵風多色刷り木版からの影響が語られますが、メスキータの表現は「対象の高度な意匠化」という点で浮世絵、あるいはその模倣者の装飾的表現（アールヌーボーにも見られる）とは全く違っているように見え、むしろ第一次大戦前後に始まったバウハウスの先駆けのようです。いずれにせよ、亭主の貧しい知識を総動員して調べた限りでは、この時代に木版画によるグラフィックアートのような表現にはあまり類例がなく、メスキータが木版画という手法に新たな表現を与えた先駆的な画家として大いに評価されて然るべきではないかと感じられました。この展覧会、これらの作品だけでも版画好きには見逃せないイベントだと思われます。一方、リトグラフなど他の技法の版画作品については、むしろ先行する象徴派の影響を強く感じさせるものがあります。少し調べてみると、1909年にはアムステルダムでルドンの大規模な個展が開かれており、メスキータも彼の一連の「黒」による表現、あの不気味な「目玉」の世界を知っていたのではないかと想像させられます。その点、彼の「ファンタジー」と呼ばれる一連のドローイングについてもそうですが、幻想絵画といえば何と言ってもオランダにはヒエロニムス・ボスという大先達がいますから、こちらはいってみれば「お家芸」かも？なお、最後にどうしても付け加えなければならないこととして、あのアンネ・フランクに先立つこと半年あまり、メスキータもナチの毒牙にかかり、家族もろとも強制収容所でガス室の露と消えたことも記憶に留められるべきでしょう。この悲劇が彼の晩年、創作活動から遠ざかった後だったこと、またエッシャーなど関係者が彼のアトリエから作品を救い出し、今日まで伝えてくれたことがせめてもの慰めかもしれません。

June 30, 2019

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「暗幕のゲルニカ」by原田マハ

先月半ば、上海に先立って1週間のバンクーバー出張が入ったのですが、その際に成田空港の書店をぶらついていて目に入ったのが表記の文庫本です。この本、3年ほど前（2016年）に単行本として出版されて以来気になっていたものですが、いつの間にか（奥付を見ると昨年）文庫化されていたというわけです。旅のお供に読みさしの文庫本を１冊入れていたものの、往復の長距離フライトでいずれは時間を持て余すと踏んで読み物を探していた亭主、早速書棚から取り出して中身拝見。例によって巻末のページに目をやると、「解説」を書いているのは何と著名なジャーナリストである池上彰さんであることにびっくり。それもそのはず、この小説は2001年の米国同時多発テロを主要な背景として展開する作りになっており、そのメッセージは米国第一を唱えて大統領となったトランプの米国とも響き合うものが少なくない、というわけです。というわけで、当の文庫本はそのまま亭主の旅の道連れとなり、帰路の機中で堪能することに。原田マハさんの美術に取材した作品としては「楽園のカンヴァス」、「ジヴェルニーの食卓」以来です。表題からも明らかなように、この小説の主題はもちろんパブロ・ピカソの著名な作品の一つである「ゲルニカ」です。一方で、小説そのものは「ゲルニカ」を製作する前後のピカソと彼に関わった人たち（架空の人物も含む）を中心に回る歴史小説的な部分と、それから60余年を経た21世紀の米国とヨーロッパを舞台に、「ゲルニカ」を展覧会の目玉にしようと奮闘するニューヨーク近代美術館（MoMA）のキュレーターを巡って起きるドラマを描いたフィクションが交互に現れる二重構造になっています。よく知られているように、この巨大な壁画は、スペイン内戦（ファシストであるフランコが共和国政府に仕掛けた戦争）のさなかにナチスがスペインの小都市ゲルニカを無差別空爆し、多数の市民が犠牲になった、という一報をパリで受け取ったピカソがものした作品で、亭主もその昔、世界史の教科書で写真を目にした覚えがあります。とはいえ亭主、白状すれば、この小説を読むまでは「ゲルニカ」が現在どこに展示されているかも知りませんでした。（池上彰さんの解説でも、その点をいきなり突っ込まれる感じです。）そこで、小説を読む傍らネットで色々と「ゲルニカ」を巡る歴史をたどることに。例えばウィキペディアの記事を読めば、作品の製作過程から始まって、それがどのような運命をたどるのかについて、一通りの知識は得られます。が、原田マハさんによる主人公の流麗な語りによって、そのような歴史的事実が眼前に生起しているかのような臨場感を楽しむことができます。一方、同時多発テロ（といっても小説の上ではこれもフィクション）を契機に、「ゲルニカ」を狂言回しとしてアートと政治の攻防をサスペンス仕立ての小説にした部分は、何処とはなく前作「楽園のカンヴァス」に似ている感じです。実際、登場人物も主人公が女性キュレーターである点、さらにはMoMAのティム・ブラウンなど再登場する人物もいるなど、シリーズ物的な印象を受けます。何れにしてもこの「アート小説」、先行作品と同様に元気な女性が大活躍する点が痛快なだけでなく、様々な事柄が女性の視点で見るとどう見えるのか、という点でも亭主によっては新鮮で、大いに楽しませてもらいました。（おかげで復路9時間を退屈することなく過ごすことができました。）なお、読みながら一つだけ気になった点として、21世紀サイドの主人公である女性キュレーターの幼少時についての年代設定が、後述の部分から想像される彼女の年齢と辻褄が合わないように思われました。細かいこととはいえ、フィクションもそれなりに首尾一貫している方が「リアリティ」がある？

June 9, 2019

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クリムト展

先週末土曜の朝、ラ・フォル・ジュルネでスキップ・センペの奏でる17世紀クラヴサン音楽に浸った後、午前10時半に5月の明るい陽光の下に放り出された亭主共は、気を取り直して上野に向かい、かねてチケットを購入してあった表記展覧会に滑り込みました。グスタフ・クリムトといえば、いわゆるヨーロッパ世紀末芸術を代表する画家の一人としてつとにその名を知られています。ちなみに彼の生没年（1862-1918）にどうも見覚えがあると思い確認してみると、やはりドビュッシーと全く同じでした。（しかも、生没の日付ともに１ヶ月少々ぐらいしか違いがなく、まさに同時代人。）昨年は二人の没後100年という記念の年で、この展覧会もそれに合わせて企画されたとのこと。亭主は学生時代にヨーロッパ世紀末の象徴派運動にハマっていた時期があり、クリムトも「ウィーン・セセッション（分離派）」の頭目として多少は知っているつもりでしたが、今回の展覧会では初めて目にする作品も少なくなく、昔を思い出す一方で色々と刺激を受けることに。これだけまとまった数の作品を見ると画家の作法のようなものが分かってくるのが面白いところで、クリムトが描く人物像では、肉体部分の描写は印象派風であるのに対し、衣装や背景は平面的かつ装飾的で、その対比が独特の視覚的効果を生んでいる感じです。これは当時ヨーロッパで流行していたジャポニズムの影響とも考えられ、琳派の屏風絵や蒔絵のような平面的で様式化された描写を取り入れたことは明らか。展示されていた素描などではロートレックを思わせるような作品もあり、同じくジャポニズム全盛だったパリ画壇の影響とも思われますが、金箔の多用などはクリムト独自の特徴として語られます。ただし、これは弟と立ち上げた装飾工房で金箔の使用が日常化していたことの自然な延長とも思われます。工芸との親和性という点では、やはり世紀末を飾ったアールヌーボー運動とも通底しています。一方、意外なことに彼は風景画も結構描いており（解説によると郊外の保養地などにいるとき限定だったそうで、ウィーンでは決して描かなかったとのこと）、こちらはまさに後期印象派のそれを思わせる画風です。また、前述の人物を配した絵画の画題は象徴派を思わせるものが多く、「目に見えないもの」を描こうとした世紀末美術の典型と言える感じです。こうして見ると、クリムトの作風というのは当時のヨーロッパ画壇における芸術運動全体を折衷したものとも考えられ、この変幻自在な無節操さがウィーン分離派の身上なのかも？なお、この展覧会では副題に「ウィーンと日本1900」と謳っていますが、そのココロについてはよくわかりません（調べてみると、クリムトが分離派を立ち上げたのは1897年）。単に「世紀末」を象徴する年、ということかもしれませんが、芸術・文化史の時代区分という意味では、第一次世界大戦を「世紀末」の区切りとする方が一般的なようです（フランス革命も同じような位置づけ）。いわゆる「古き良きヨーロッパ」は、ヨーロッパを戦場にしたこの破滅的な戦争（1914-1918）によって終焉を迎えたと言われています。ドビュッシー、クリムトいずれもまさにその終戦とともに他界しているのはなんとも象徴的です。というわけで、昔読んだフィリップ・ジュリアンの「世紀末の夢」をまたぞろ見返したくなりました。

May 12, 2019

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小原古邨展 in 茅ヶ崎

いつものように朝刊を広げたあとで、ふと最後をめくってテレビ欄を見ると、「日曜美術館」のところに「偶然出て来た謎の木版画」という、なんとも人の気をそそる売り文句が。版画好きの亭主としては見逃すわけにもいかず、チャンネルを合わせたところ、小原古邨（おはら・こそん）という初耳の日本画家についての番組が流れて来ました。明治後期を中心に活躍した画家ですが、国内ではほぼ無名ということで、もっぱら海外輸出用の木版画の下絵を描いていたとか。番組の解説によれば、小原古邨を見出したのはあのフェノロサで、彼の勧めで花鳥画を描いて海外に出したところ大人気となり、とても製作が追いつかないことに。そこで思いついたのが、彼の絵を版画にして量産・販売するというもので、大黒屋という版元と組んで売り出したところ、こちらもヒット。というわけで、小原古邨という名前は国外で木版画家として大変有名になってしまったようですが、国内では全く注目されず作品も残っていないと思われていたようです。ところが、最近になってとある印刷会社の倉庫に眠っていた風呂敷包みの中から、小原の数百点の版画が発見され（＝上記テレビ欄のコピーの由来）、それがどうやら原安三郎さんという収集家のコレクションの一部（？）と判明したようです。（その辺の詳細は番組でもあまり語られませんでしたが…）番組では、そのコレクションを基にした茅ヶ崎市美術館で開催中の展覧会も紹介され、前後期合わせて二百数十点というまとまった数の版画を見られるということで、亭主共もさらに気をそそられることに。「茅ヶ崎？遠いな…とはいえ天気もいいし。連休でもあるし…いってみるか」ということで、全く予定していなかった湘南方面への日帰り小旅行となりました。茅ヶ崎市美術館は駅から海岸方向に10分ほど歩いたところにありますが、住宅街のど真ん中、という地方美術館によくある立地で、入口を探し当てるのに一苦労。それもそのはず、当地はもともと前述の原安三郎さんの別荘があったところで、それが1980年代初めに取り壊された後に件の美術館が建てられたそうです。入館すると結構な人だかりで、あちこちで聞こえる会話から察するに、亭主共と同じく朝のテレビ番組を見ての来場者が大勢押しかけて来たようです。とはいえ、人垣で作品に近づけないというほどの混みようでもなく、割にじっくりと作品を楽しむことができました。木版画はというと、画題が伝統的な花鳥風月（雪月花）、ということもあり、構図もやはり掛け軸などでよく見るようなものが多いように感じられます。刷りについても（同時代の「新版画」などを知っていると）ぼかしの技法なども含め特段の目新しさはありませんが、その分わかりやすく万人受けするというところでしょうか。それにしても木版画を見るたびに思うこととして、作品のクレジットが常に下絵を描いた画家のみに帰せられ、彫り師や刷り師が無名性の下にその高い技能への応分の評価を受けていないのが気になります。木版画をいわゆる美術作品としてではなく、美術と工芸を融合させた第３のジャンルとして評価すべきではないかとの思いを新たにした展覧会でもありました。

October 7, 2018

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「ミケランジェロと理想の身体」展

このところあまり足が向かなかった美術系イベントですが、久しぶりに雑用が少ない連休ということもあり、表記展覧会を目当てに上野の西洋美術館を訪ねることに。6月から始まったこの催し、気が付くと会期末まであと1日、おまけに連休の中日とあって、さぞや混み合っているだろうと多少気後れしながら上野に降りると、予想通り駅の公園口は人で溢れています。その人波をかき分けるように美術館にたどり着いてみると、意外にもチケット売り場に行列がありません。家を出るのが遅れ、ちょうど昼食時（〜12時半）にかかっていたことが功奏したようで、館内も割と自由に歩き回れるほどの入り。おかげでリラックスして鑑賞することができました。（その代わり昼食は食べそびれましたが、これもダイエットの一環と思えば苦にならず。）この展覧会の目玉は、ミケランジェロの手になる「ダヴィデ=アポロ」と称される大理石の塑像（フィレンツェ、バルジェロ美術館所蔵）です。とは言え、主催者も流石にこの一点では寂しいと考えたのか、比較的最近修復された「若き洗礼者ヨハネ」という小品をペアで配することに。さらに、「理想の身体」というお題の下、「若者」と「幼児」の裸像を中心に古代ギリシャ・ローマ時代の彫刻・フレスコ画と16世紀（同時代）の彫刻その他を並べていました。これは、ルネサンスが第一義的には古代ギリシャ・ローマ芸術・思想の再興運動であり、彫刻における裸体表現もそこから発している、というメッセージだと想像できます。特に、有名なローマ古代遺跡での「ラオコーン群像」発見のエピソード（当時30歳のミケランジェロも立ち会っている）を強調するためか、その模刻の一つ（なんでもローマの個人所有だとか）を借り出してきた主催者の努力は大いに多とすべきところ。もちろん、ミケランジェロが「ダヴィデ=アポロ」を製作した頃（1530年、ミケランジェロ55歳）には、既に初期ルネサンスの素朴な古代芸術賛美は過去のものになりつつあり、バロック的、あるいは表現主義（マニエリスム）的な要素が入り込んできます。ねじれたり不自然な姿勢をした身体や、それに付随する誇張気味の筋肉などがそれです。前述のラオコーン像は、その意味でも後々まで大きなインパクトを与えただろうと想像できます。ところで、目玉になっている「ダヴィデ=アポロ」像は、ミケランジェロの政治的信条や立場という文脈抜きでは語れない作品としても知られているようです。会場でもそのことが解説されていましたが、像の呼称がはっきりしない点については作者のせいにしてお茶を濁している風です。そこで、帰宅後に亭主の本棚にあった関係書を引っ張り出してパラパラ眺めるうちに、その点についてかなり明瞭なイメージが得られました。ミケランジェロの「ダヴィデ」と言えば、彼が二十歳代の終わりに当時のフィレンツェ政府からの依頼を受けて製作し、フィレンツェの中心シニョーリア広場に屹立していた巨大な彫刻（現在同市のアカデミア美術館所蔵）があまりに有名ですが、これは「自由都市共和政」のフィレンツェ、「ながい中世封建の圧制の暗い世界から、ついにそこからぬけだした人類が新しい世界にむかって、新しい社会にむかって進歩をはじめた、その先頭に立って走ってゆくルネサンスの花フィレンツェの自由独立の市民」（「ミケルアンヂェロ」、羽仁五郎、岩波書店、1939）のシンボルでした。ところが25年後、その共和国政府が、教皇や貴族の意を受けた外国の軍隊によって壊滅する様を（共和国政府の築城長官として）目前にし、占領されたフィレンツェで敵側の教皇の代理人であったバッチオ・ヴァローリによって注文されたのが件の彫像だったわけです。トルナイによれば、それは「ミケランジェロの真の感情を間接的方法で表しているように見える。ある時はアポロと、そしてある時はダビデと呼ばれている彫像の右足の下には、おおまかにスケッチされた丸い形がみとめられ、これは疑いなくダビデの敵ゴリアテの頭とわかる。ダビデは左手に石弓を、右手に石を持っている。重力の法則にもとづく普通のコントラポスト（対位法）の型をとる代わりに、その姿は夢の世界に住んでいるようにみえる。…ミケランジェロがこの奇妙な夢見るダビデを作った時、新しい征服者であるバッチオ・ヴァローリに、勝つだけでは必ずしも勝利の味をもたらすものとは限らないと指摘する積りだったのではないかと思われる。恐らく、そのような事情から同時代の人がこの像の名を曖昧にし、時にはダビデと、時にはアポロと呼んだのであろう。もし彼らが、それをダビデとしか呼ばなかったならば、そこに盛られた意味があまりにも明白すぎたであろうから。」（「ミケランジェロ--芸術と思想」、シャルル・ド・トルネイ著／上平貢訳、人文書院、p.32-33、1982）ところで、政治的文脈という意味では、もう一体の彫像「若き洗礼者ヨハネ」についても興味深いエピソードが語られています。会場の解説によると、この像はやはりヴァローリの手元にあったようですが、当時絶頂にあったハプスブルグの神聖ローマ皇帝カール５世の歓心を買うべく貢物としてスペインに贈られ、その400年後に今度はスペイン市民戦争で共和国軍（人民戦線側）の砲撃によって粉々にされたとか（これも前述のフィレンツェの話と妙にシンクロしていますが）。今回展示されている像は、破壊前に撮られた写真に基づいて、４割程度しか残っていない破片に不足する部分をパーツとして製作し、磁石で張り合わせて「修復」したものだそうです。というわけで、展覧会ではわずか２体のミケランジェロ作品に会っただけでしたが、それに刺激されて数十年前に読んだ本のページを久しぶりにめくり、あるいはフィレンツェを旅した記憶（若かりし~1980年代、もちろんバルジェロ美術館も）を辿ったりするよい機会になりました。

September 24, 2018

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仏教美術再訪

この週末、親族の吉事を祝うイベントに参加するために大阪に出かけた亭主、連れ合いの提案に乗ってそのまま旧都奈良への一泊小旅行を試みることに。奈良と言えば、かなりの数の日本人は学校の修学旅行などで訪れているようですが、亭主は小学校時代、大阪万博が開かれていた1970年に一度行ったきりで、なんとほぼ半世紀ぶりの再訪となりました。当時の記憶は巨大な大仏と鹿ぐらいで、飛鳥・奈良時代の歴史や文化について何の背景知識もなければ仏教の何たるかも知らず（これは今でもそうですが）、数百年〜一千年以上の時を経て伝わる仏像や彫刻をどう鑑賞したらよいのか分かるハズもありません。一方で、西洋美術にかぶれてその方面の知識だけは詰め込みながら歳を重ねた身には、古代日本の仏教美術は妙に新鮮に感じられます。今回の主な目的地は興福寺で、今年リニューアルオープンしたという国宝館にあるあの阿修羅像をはじめとした飛鳥から鎌倉時代を中心とした仏教美術を改めてこの目に焼き付けるための旅になりました。9時の開館とともに国宝館に入ると、その内部はまさにモダンな博物館。手のひらサイズの仏像、菩薩像から阿修羅もその一つである乾漆八部衆立像、十大弟子立像といった比較的等身大に近い彫像群、さらには巨大な千手観音菩薩立像まで、また時代も白鳳・飛鳥時代から室町時代と千年近い時間にわたる「作品」が展示されています。もちろん、そのほとんどが国宝、あるいは重要文化財という意味では仏教美術の粋が集まっていると言ってもよいのでしょう。本来は宗教的イコンだった彫像、あるいは曼荼羅図といった絵画ですが、新装なった国宝館は、これらをまさに美術作品として享受するための施設になっています。ところで、今回の再訪で亭主に最も強い印象を与えたのは、白鳳時代（685年）のものとされる銅造仏頭でした。その凛とした面立ちと、遠くを見通すかのような深遠な眼差しは実にモダンに感じられ、同時代の西洋美術に比べて遥かに高度な精神性を湛えた「作品」として評価されてよいのではないかと思われます。国宝館と東金堂をハシゴした後、せっかくなのでということで奈良公園を横切って東大寺大仏殿まで足を伸ばすことに。既に10時半を回っていて、参道は修学旅行の生徒達や外国人観光客でかなりの混雑。とは言え、大仏殿のスケールが十分大きいせいか、それほど気にならないところが大仏たる所以でしょうか。近づいて見ると、大仏殿はかなりくたびれている感じで、それもそのはず、昭和の大修理竣工（1980年）からも既に40年近い歳月が流れています。大仏様も頭部まで高さがある上に全体が黒っぽく、遠くからはそれほど明確に表情を読み取ることができません。そう言えば、大半の仏教美術作品は（その貴重さゆえに？）最低限の保存・修復措置しか行われていないようで、全体に痛みが目につき、美術作品としての鑑賞が難しいものが少なくない気がします。例えば、多くの仏像が昔は金箔あるいは多彩な漆で彩られていたということであれば、もっと当初の形に近いレベルまで補修が行われてもよいのではないかという気がしました。

May 27, 2018

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「清宮質文」展 in 水戸

この週末、勤務先のイベントで金土日と３日間も水戸市内に通う羽目になった亭主、最終日の午後にちょっとイベントを抜け出し、イベント会場に隣接する県近代美術館で開催中の表記展覧会を覗いてきました。水戸市内は朝から好天に恵まれたこともあり気温がグングン上昇。昼には20度を超えたようで、まるで4月並みの陽気です。少し小高い位置にある近代美術館からは、近くの千波湖やその周りの水戸市街を一望に見渡すことができ、常緑樹の葉を揺らす季節外れの心地よい春風に吹かれながら陽光の下で輝く遠景を眺めていると、まだ３月初頭であることを忘れてしまうほどでした。ところで、「清宮」といえば、巷の話題は、もっぱら日ハムの新人野球選手「キヨミヤ」君ですが、本展覧会の主人公は「せいみやなおぶみ」氏。以前このブログでもご紹介した浜田知明さんと同じ1917年生まれで、主に版画家として知られています。昨年がちょうど生誕100年ということで、「生誕100年　清宮質文　あの夕日の彼方へ」というお題の下、茨城MoMAの企画展として開催されています。亭主が清宮質文のことを知ったのは、これも昨年末に話題にした秀島由己男と同じく、2009年ごろに同館で開催された照沼コレクションの展覧会でのことでした。同コレクションの中でも中心的な作家として多数の版画作品が含まれており、その具象とも抽象とも異なる独特のモチーフが印象に残っていましたが、今回はそれらに他の美術館や個人の所蔵として散らばっている作品を加えた200点近くが集結しており、一大回顧展ともいうべき内容です。作品内容も多岐に渡り、東京美術学校時代の習作（油彩）から始まり、水彩画、版画、ガラス絵、さらには木版の版木や画材、果ては知人に送った年賀状までもが展示されています。（展覧会でこれだけの作品数を見て回ったのは久しぶりで、相当くたびれましたが充実感もありました。）清宮の木版作品を見ながら今回感じたことの一つは、それがグラフィックデザインに通じるものを持っているように見える、ということでした。展示につけられた解説によると、彼も若い頃（いわば食うために）そのような仕事をこなしていた時期があること、油彩を持て余し、レオナルドの素描に「無限」を感じたことが出発点にあることなど、マチエールとして線や面に強く惹かれていたことが伺え、このようなグラフィックデザインの感性と木版という独自の組み合わせが清宮版画を産んだのだろう、というのが素人美術評論家の見立てです。（もしかすると、同じことが駒井哲郎の銅版画にも言えるかも？）それにしても、清宮が作り出す木版の面や線の仄暗い色彩と、そこに光のスポットのように振り撒かれる幾何学的な形態（太陽や月、花火、炎、蝶、あるいは窓の灯といったものの象徴）を眺めていると、それらはあたかも春眠の明け方に見る夢の残像のようでもあり、また時空を超えた何か--無限--を感じた気がしました。

March 4, 2018

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ブリューゲル展

年度末の多忙を縫って、上野で開催中の表記展覧会に足を運びました。「画家一族150年の系譜」と題したこの展覧会、ブリューゲルという名前は「バベルの塔」などの作品でよく知られていて人気もありますが、幸いにして会場はまだそれほど混み合っておらず、ゆっくり鑑賞することができました。展覧会の公式ウェブページにもあるように、今回展示されている100点あまりの作品は、そのほとんどが個人蔵のもので、おそらく美術館などでは見ることができないもののようです。また、これまでなんとなく気になっていたものの、いつも曖昧にしていた数多くの「ブリューゲル」という同名の画家たちが相互にどういう関係なのか、世代・親子関係を図表化した上で、全ての作品の脇にその簡易版を掲示し、どのブリューゲルかが一眼で分かるようにてくれています。この展覧会を見ると、ブリューゲル一族が絵画工房を経営し、初代ペーテルによる「鳥罠」といった人気が出た作品は、子の世代が数十枚もコピーを描いて売り捌いた様子が紹介されており、当時のオランダでは既に絵画を商品として扱う市場が成立していたことが分かります。画題についても、人物を配した風景画（風俗画）が多く、聖書からのエピソードが扱われていても主なモチーフは風景と思われる作品がほとんどです。かなりの数にのぼる寓意図についてもしかり。最後の世代はマニエリスムから自然主義的バロックへの移行期に当たっていて、静物画（ヴァニタス画？）も数多く手がけています。展覧会場を後にしながら、亭主は「これらの作品を一体誰が求めたのか」という疑問の周りを逡巡することに。この当時、オランダはカルヴァン派が浸透するとともにスペインからの独立戦争（80年戦争）を戦っており、一方で東インド会社を設立して交易で大きな富を稼ぎつつあった時代です。ブリューゲル一族が活躍したアントワープといった港町は現代ならニューヨークといった感じで栄えていたのでしょう。とすると絵画の顧客は、貴族か裕福な商人階級であったと想像され、画題も彼らの趣味を反映したものと考えられます。ところで、この時代はちょうどルッカース一族がハープシコード工房を営んで繁盛していた時期とも重なります。何かそれを思わせるものがないかと会場の絵を眺めていたところ、孫の代（ヤン）の手になる「聴覚の寓意」という絵の中にそれと思しき楽器が描き込まれていました。（譜面台に絵が描かれているのがやや不思議な感じですが…）この絵、実は最近どこか（思い出せずにいますが）で目にした覚えがあります。当時の楽器が数多く描き込まれており、絃楽器はもっぱらヴィオールだったりするなど、古楽ファンにはなかなか興味が尽きない絵だと思われます。

February 12, 2018

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バロックの光と闇 by 高階秀爾

表題の著作、昨年秋に講談社学術文庫版として出版されたのを機に入手し、大変楽しみながら読み終えました。コシマキには「観るものに戦慄を与える美の正体とは？--絵画や彫刻のみならず音楽、建築、文学をも貫く『バロック』とは何か？大幅に図版を増補した決定版。」とあります。「あとがき」を眺めると、本書の基になったのは1990年代の後半に小学館から出た「バッハ全集」全15巻の各巻に「バロックの美術」と題して連載された文章だそうで、連載に当たっては初めから全体の内容構成を立てた上で配本順に従って発表したとのこと。それに加筆して単行本にまとめたものが小学館から刊行されたのが2001年（「あとがき」はこの時のもの）、さらに図版を増補して学術文庫に収まったのが昨年というわけです。亭主はこのような全集が刊行されていたこと自体を知りませんでしたが、ネット上で見られる内容目次を参照すると、「バッハとその時代精神」以下の３本の連載記事（その一つがこれ）も含め、各巻に毎回十数名の様々な執筆者が文章を寄せており、日本人のバッハ好きがよく表れている（？）気がします。また、CDに収まっている録音は当然のことながら前世紀のものが中心ですが、当時としては多分最新のピリオドスタイルに基づいた演奏を集めたように見えます。ところで、もともと本書中にはバッハ全集への言及が一切なく、亭主にはむしろ当初から視覚芸術を中心としたバロック芸術論を展開することが執筆目的であったように読めました。著者が1971年に「ルネッサンスの光と闇」を刊行してから四半世紀、いわば満を持しての著作です。本書の内容を一言で言えば、「バロック」という現象が「ルネッサンス」のような時代区分的な概念ではなく、時代を問わず現れる視覚芸術の表現様式の一つであることを説いたものです。バロック的表現の普遍性を説いたのは、おそらくエウヘニオ・ドールスが最初ですが、本書ではそれと対向する表現様式として「マニエリスム」、「古典主義」、「自然主義」などを配し、これらを用いて16世紀以降の視覚芸術の成り立ちを見事に整理してゆきます。時代区分としてのバロック期の芸術が、実のところはこれら様々な表現様式の混交物であり、それは一人の芸術家の中にさえ見られる、というわけです。この本を読むと、時代区分と表現様式を一対一に対応させる、というこれまでの常識を捨て去るべきことに気付かされます。例えばルネッサンス期の芸術が、古代ギリシャ・ローマ芸術の再発見という意味では「古典主義」を身上とするそれ（歴史上何度も現れる）であること、それに引き続き現れた「マニエリスム」が古典主義に対抗して奇想・幻想を追いかけ、その揺り戻しとして「自然主義」に基づきつつも光と闇の対照や運動を表現するための視覚的演出を旨とする「バロック」が現れる、といった絵画表現の自在な分析が可能になることがわかります。（研究すればするほど「ルネッサンス」という時代区分が曖昧になっていく理由も、それと表現様式を一体の現象として理解しようとするがゆえの問題かも？）もう一つの視点は、「その絵のクライアント（依頼主）は誰か？」というものです。これも絵が描かれた目的から選択された主題や表現様式を理解する上で実に有力な手がかりになります。16世紀以降、クライアントは教会から王侯貴族、そして裕福な市民へと中心がシフトして行きますが、それによってなぜそのような絵が描かれたかが手に取るように見えてきます。これから展覧会に行こうという方々は、これを読んでから会場に出向けば面白さも倍増すること請け合いです。

February 4, 2018

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浜田知明・秀島由己男版画展

この週末、昨年に引き続き某大学オケの定期演奏会を鑑賞するために桐生方面に出かけることに。そのついでに訪れたのが、大川美術館で開かれていた表記の展覧会です。同美術館は以前からこの二人の作品を収集していたようで、特に浜田知明のコレクションはかなりのものです。書棚を調べてみると、亭主が最後に彼の展覧会に足を運んだのは1996年、小田急美術館（消滅して久しい…）で開催された大規模な回顧展「浜田知明の全容」以来のようで、もうあれから20年も経ったのだと慨嘆することしばし。一方、秀島由己男のことを知ったのは比較的最近で、主に版画作品からなる「照沼コレクション」が地元の美術館に寄贈されたことを記念して開催された展覧会（2009年）で目にしたのが初めてでした。彼は浜田と同じ熊本出身で、しかも二十歳代に浜田からエッチングの技法を学んでこの世界に入り、その後メゾチント技法による独自の漆黒世界を切り拓いた作家です。美術館に入ると、常設展示のある上層階のフロアを通ることになりますが、昨年の今頃開かれていた松本竣介や野田英夫の所蔵作品が壁面に並んでいるのを目にすると思わず足が止まり、表記の企画展を行っている低層フロアまでなかなかたどり着けないほどです。それにしても浜田のエッチングといい、秀島のメゾチントといい、久しぶりに実物を眺めると、どれほど印刷技術が発達しようとも、あのシャープで繊細な線や漆黒の黒を複製画で再現することなど到底不可能なのだ、ということを再認識させられます。（その意味で大いに目の保養になりました。）ちなみに、展示の最後の方では美術館に宛てた直筆の手紙と思しきものが掲示してあり、何かと思って眺めると、なんと両作家ご本人からこの展覧会開催に際して送られてきたものでした。年譜の脇にはお二人の近影も掲げられており、特に浜田さんは今週末(12月23日)には百歳（！）になられるというのにとてもお元気そうです。それにしても、浜田さんからの手紙に「新作がなくてすいません…」といった文面を見つけた時には、白寿を超えてまだ現役の気概を持ち、なおかつ謙虚に振る舞うその姿に真の「名人」を見る思いでした。（展覧会の詳細はこちら：http://www.art-annual.jp/news-exhibition/news/68759/）

December 17, 2017

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最後のレオナルド作品？

先週のニュースで、レオナルド・ダ・ヴィンチ作とされる「救世主」（Salvator Mundi）と題された絵がクリスティーズで競売にかけられ、450万米ドルという空前の価格で落札されたというニュースが駆け巡りました。(Christie'sのホームページより）レオナルドは作品を完成させない、という悪い癖もあって（生前からこれで悪名を馳せていた）残っている作品の絶対数が少ない上に、後年の高い名声とも相まってその作品は常に好奇の対象（美術品としてのそれに限らず）になっています。とはいえ、落札者が「個人」と聞くと、1枚の絵に500億円という途方もない金額を払っても所有したいと望むのは、おそらくまともな美術愛好家がすることではないと容易に察しがつきます。（どんな名作でも毎日眺めていれば必ず飽きます…要はマネーゲームの対象というわけで、作品が公開されないとなれば美術ファンとしては迷惑千万。）ウィキペディアやクリスティーズの記事によると、件の絵画がいつレオナルドによって描かれたかについては、彼のミラノ時代（1490年代）かそれ以後のフィレンツェ時代（1500年以降）で意見が分かれており、後者の場合には、フランスのミラノ・ジェノヴァ占領（1500年）から間もなくの時期に、征服者であるルイ12世から依頼されて描かれた、という可能性が議論されています。後者が有力視されているようですが、その理由としては、次の絵の所有者が英国王チャールズ1世（1600-1649）であり、彼と結婚したアンリ4世の娘（アンリエッタ・マリア）の婚資としてフランスから伝わったとされているからです。その後、「清教徒革命」でチャールズ1世が処刑されると（1649年）、革命政府によって「彼の借金を返済するために」その資産が翌年に売りに出され、1651年に件の絵も債権者の一人に渡ったものの、その後王政復古によって即位したチャールズ2世の手に戻って来たようです（彼の死に際して作られた資産目録の中に、この絵と思われる作品の記載がある）。ところが、1763年にバッキンガム-ノルマンディ公爵がなぜかこれを売りに出し、以後200年ほど行方知れずになっていた模様で、1900年になってフランシス・クックという英国の絵画収集家がこの絵を購入した記録によってその存在が確認されています。ただし、時の経過もあってか絵は相当に傷んでいたようで、クックの子孫が1958年にこれを再び売りに出したときには作品の帰属も怪しいものとされていたようです（値段もたったの45ポンド）。この絵が2005年に米国の地方都市のオークションでレオナルド作品のコピーとして競りにかけられ、新オーナーがそれを注意深く修復するとともに多くの専門家に調べさせたことで、レオナルドの真筆とする賛同者が徐々に増えていったようです。真贋論争で、よくあるパターンとして懸念されるのが「弟子によるコピー」という可能性です。（実際、この絵は1913年のクックコレクションのカタログでは弟子の一人であるボルトラフィオの作とされていたようです。）ところが、これについては、赤外線カメラによる深部の解析で構図を途中で改変した証拠が明らかになったことで否定されました。これは画面左、「救世主」の右手の部分で、現在の絵の下にある画像では右手親指の向きが明らかに異なっていることがわかったからです。つまり、作者が絵の製作過程の途中で構図を変更したことを意味しますが、絵がコピーであれば論理的に起きないはずのもの（コピーした絵師は元の構図を知るはずがない）というわけです。このような特徴は「ペンチメントpentimenti」と呼ばれ、コピーかどうかを見分ける重要な特徴となっていることが分かります。(Christie'sのホームページより）というわけで、他の証拠も含めてこの絵が少なくとも1500年前後にレオナルドの時代に描かれたオリジナル作品であることは間違いなさそうです。が、本当にレオナルドの手になるものか、亭主はまだなんとなくモヤモヤしています。

November 19, 2017

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アルチンボルド展

亭主の職場では、先週前半（8月14日~16日）は夏期休業（といっても有給休暇を無理やり消化させられるだけのもの）。とはいえ、世間的にはちょうどお盆のシーズンと重なっているので、混雑していることが分かっている避暑地・行楽地などに出かける気にもなれません。（そもそも関東は8月に入って天候不順が続いて全く夏らしくなく、避暑地への願望も希薄です。）そこで、かねてから機会を伺っていた表記展覧会を観覧することを思い立ち、休暇の最終日に上野の西洋美術館へと足を運びました。お盆に加えて学校も夏休み期間中ということもあり、それなりの人出を予想して出かけましたが、当日の東京は雨模様だったこともあってか、チケット売り場で20分ほど並んだものの会場内の混雑は思ったほどでもありません。ジュゼッペ・アルチンボルド（1526-1593年）は、美術史上ではいわゆるマニエリスム（ミケランジェロ以降、16世紀を中心に現れたある種の表現主義的な画風）に属する画家として知られています。一般的な意味での「表現主義」（描かれた対象を通して形のない何かを表現する）は、時代を超えて普遍的に、また繰り返し現れる現象ですが、判じ物のような分かりにくさを伴います。17世紀以降、芸術のパトロンが王侯貴族から新興ブルジョワ階級に移り行き、絵画の世界でもより分かりやすい静物画、風景画やギャラント趣味の絵画が流行するにつれ、アルチンボルドは一旦世間から完全に忘れられました（音楽についても、同じ事情でバロック音楽が廃れてハイドンやモーツァルトへと流行が移って行きます）が、19世紀末〜20世紀になって象徴主義、超現実主義、さらにはキュビズムといった表現主義的芸術運動が盛んになるにつれて、そのような芸術の先達として再発見されるに至ります。例えば、亭主が若い頃に読んだグスタフ・ルネ・ホッケの「迷宮としての世界—マニエリスム美術—」でも第IV章でアルチンボルドが大きく取り上げられており、マックス・エルンストやカルロ・カッラ、ルドン、ピカソといった作家の作品との関係が論じられています。（ちなみに、この章のモノクロ挿絵に登場する４作品のうち「ルドルフ2世胸像」と「司書」は今回の展覧会で初めて実物を目にすることができ、これだけでも行った甲斐があったというもの。）一方でこの展覧会では、前述のような現代（20世紀）アートの先駆者としてではなく、16世紀マニエリスム芸術を担った画家の一人として、つまり西洋美術史における位置付け、という観点からアルチンボルドと彼の作品を再提示することをその主眼に置いています。もちろん、ルネ・ホッケも彼のアルチンボルド論で、なぜ彼の「物づくし」による立体パズルのような騙し絵がハプスブルグ宮廷、特にルドルフ2世によって大いに翫賞されたかについての考察があり、当時のオーストリア・ハンガリー帝国（神聖ローマ帝国）による世界支配の象徴として、世界中の「珍奇なもの・こと」の収集と研究が宮廷の流行となったこと（その後の博物学につながる）などが背景として指摘されています。とは言え、展覧会の主要なメッセージの一つは、この時代の絵画芸術全体における趣味が、レオナルド-ミケランジェロ-ラファエロに代表される盛期ルネサンス芸術に対するアンチテーゼ（反古典主義）として存立した、ということではないかと思われます。そこにあるのは真善美への無邪気な礼賛をよしとしない、奇怪なもの、風変わりなもの、醜いものへの嗜好です。（独自の自然観を持ったレオナルドには既にそういう傾向が見られることも、この展覧会で展示されたデッサンなどから見ることができます。）同時代の音楽世界ではまだパレストリーナやヴィクトリアが全盛ですが、半世紀ほど遅れて現れるモンテヴェルディなどの音楽（やがて「バロック音楽」に連なる）は、やはり「真善美」的な音楽（アルス・アンティコ）に対するアンチテーゼとも捉えることができます。確立した美意識とそれに対する反抗というシーソーゲームは、時代や場所を超えて繰り返し現れる、という点で人間の業のようなものでしょうか。

August 20, 2017

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「ダ・ヴィンチ絵画の謎」 by 斎藤泰弘

最近、「4人のモナリザ〜謎の微笑モデルの真実〜」というTV番組を録画したものをチラリと眺める機会がありました。パスカル・コットさんというフランス人光学技師が、独自に開発した高解像度の「マルチスペクトルカメラ」でルーブル美術館にあるあの「モナリザ」を撮影、分析したところ、なんと我々の知る肖像画の下から3人の全く異なる女性像が現れたとのこと。3人といってもそのうち2人はデッサンと聖母像でしたが、残る1人はモナリザとは明らかに異なる女性の肖像画だったそうで、これが一体誰なのか（そして現在の肖像画の主との関係は？）というのがこの番組のお題だったようです。（ちなみに「マルチスペクトルカメラ」とは、通常の撮像で用いられる３色の光 [赤・青・緑] よりも細かく色分けした画像を捉えられるカメラで、絵の深部の撮影に使われる赤外領域の光にも感度があるものと思われます。）　この番組、気になる内容ではあったものの、連れ合いが見ていたものを途中から見始めたのと、「またモナリザかぁ…」という飽食感もあって、短時間目にしたところで他の用事に移ってしまい、そのまま忘れていました。　ところが、先週末に出張のため成田空港に入り、チェックイン後搭乗までに少し時間があったので空港内の書店をぶらついていたところ、表題の本に遭遇。ページをパラパラめくってみると、前述の番組で登場したロベルト・ザッペリさんの新説についても後ろの方で触れられています。奥付を見ると今年の3月に出たばかりの新刊であることもわかり、これは読まねばと即購入。そのまま機上の共となり、往路8時間を全く退屈せずに過ごすことに。とはいえ、読み始めればすぐにわかるように、本書の中心テーマは「モナリザのモデルは誰か」ではなく、彼の絵で背景として描かれる自然風景の謎を解くことにあります。これは確かにレオナルドの絵画にまつわる長年の問題の一つで、彼が描く風景はどこか現実離れしていて不気味ですらあります。　著者の斎藤氏は、大量に残されている（独特の鏡文字で有名な）レオナルドの手稿についての研究の大家で、これら一次資料を読み解くことでレオナルドの思想や自然観に迫る、という仕事を長年にわたり続けられています。レオナルドは絵画を単に目に見えるものの写しではなく、自らの自然観を表現するための媒体として考えていたようですので、斎藤氏のアプローチはレオナルドの絵画を理解する上で最も正統的なものに見えます。　レオナルドが活躍していた当時、彼の出身地であるフィレンツェはいわゆる新プラトン主義（古代ギリシャ・プラトンの思想を「復興」してスコラ哲学と融合させたもの）の中心地となっていました。斎藤氏によれば、近代の美術史家はレオナルド絵画の図象学的研究においても、他の同時代の画家たちの場合と同じく新プラトン主義を前提とした解釈を行って事足れりとしているが、彼の描く風景画は新プラトン主義では解釈できない、と言います。その理由として挙げられるのが、レオナルドが生涯にわたり行っていた地質学者／地球物理学者のような活動と、それによって彼がたどり着いた独自の自然観です。　レオナルドはあるとき貝の化石が出る地層の露頭を観察していて、それが化石のない地層を隔てて2層あることに気づきました。聖書によれば、大洪水を伴うような天変地異は過去に1度（ノアの大洪水）しか起きていないはずで、この観察事実と矛盾します。ここからレオナルドは聖書を離れ、眼前に広がる自然風景を地球規模での造山運動の結果とみなす彼独自の地球物理学的なモデルに到達しますが、その内容は確かに新プラトン主義とは無縁で、レオナルドが経験主義的な近代科学の目を持っていたこと（ガリレオに先駆けること1世紀）を示しています。　そして、モナリザを始め彼の絵画作品の背景に描かれている風景こそは、このような地球物理学的モデルを絵解きしたものだ、という解釈が提示されますが、これを当てはめるとあの謎めいた風景の細部が実に自然に理解できる感じです。　確かにレオナルド自身のものの見方、考え方を直接伝えるものとして、彼自身が書き付けた言葉以上のものはない訳で、このような地道な仕事が、しかもイタリアから遠い極東の日本人研究者によってなされたことに感銘を受けました。　ところで、本書末尾にも紹介されている「我々が今目にしている肖像はモナリザ＝ジョコンダ夫人ではなくパチフィカ・ブランダーニ夫人」というザッペリさんの新説、専門家である斎藤氏から見ても大変説得力があるもののようです。驚いたことに、冒頭で触れたコットさんによる新たな肖像画（実はこちらがジョコンダ夫人とされる）の発見は2015年とごく最近のことのようで、それより4年ほど前に出たザッペリさんの新説（古文書博捜に基づく推理）を後からサポートする有力証拠になっています。ザッペリさんの著作は邦訳もあるようで、近いうちにこちらも読んでみたいところです。

July 30, 2017

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「松本竣介と野田英夫」展

週末、関係者が出演する某学生オケの定期演奏会を鑑賞するついでに、ちょうど表記の展覧会（12月18日まで）を開催中だった群馬県桐生市の大川美術館を初めて訪ねる機会に恵まれました。当該美術館は、実業家として成功した大川榮二さんによる近代日本の洋画を中心としたコレクションを収蔵・展示しているとのことで、今回の展覧会のお題となっている松本竣介と野田英夫の主要な作品を所蔵していることでも知られています。亭主が松本竣介のことを知ったのは今から20年以上前、当時目利きの画商として名を馳せていた「現代画廊」店主、洲之内徹さんの随筆「絵のなかの散歩」で出会ったのが最初でした。（確認のために本棚にある著作を引っ張り出してみると、竣介の「ニコライ堂」を題材にした絵についての文章がモノクロの挿絵と共に載っていましたが、その内容はすっかり忘れていたことを思い知らされました。）その後、1998年に没後50周年を記念する展覧会と連動して制作・放映された某放送局の美術鑑賞番組で松本竣介が取り上げられ、それ以来ずっと気になっている画家の一人でした。というわけで、今回はそのような思いをようやく果たした訪問となりました。ちなみに、洲之内徹さんが集めた名作の数々（松本竣介「画家の像」や野田英夫の作品を含む）は、彼の没後に宮城県立美術館に寄贈され、その一部が「洲之内コレクション」として常設展示されているそうです。ところで、今回の展覧会のもう一人の主役、野田英夫のことはこの展覧会で初めて知ることに。とはいえ（亭主は忘れていたものの）、前述の「絵のなかの散歩」では、彼のことが松本竣介と共に取り上げられており、竣介が（その初期に）大きな影響を受けた日系米人画家としても夙にその名が知られている画家でした。この展覧会では、米国の元所有者が最近になって寄贈した「ポキプシー」という作品が目玉の一つで、竣介の代表作「街」とペアで展覧会のポスターにもなっています。（ちなみにポキプシーPoughkeepsieとはニューヨーク近郊の街の名前）解説によると、松本竣介は野田の「都会」という作品を見て衝撃を受け、その「モンタージュ」という手法を真似て描いたのが「街」であるとのこと。「ポキプシー」自体はモンタージュではなく実際の街の有様をグラフィックに描いた作品で、むしろ竣介の後年で中心をなす都市風景に近いと言えますが、一緒に展示されていた「汽車のある風景」などはまさにモンタージュによる作品です。（なお、モンタージュといえば、通常は映画の手法として知られており、亭主にとっては往年のエイゼンシュタインの代表作「イワン雷帝」などがその劇的な効果で鮮烈な印象を残していますが、絵画の技法と言われるとあまりピンとこないところがあります。むしろ「コラージュ」とする方が自然ではないでしょうか？）ところで、1998年に放送された番組については、亭主が当時の8ミリビデオで録画したものがDVDに焼かれて手元に残っています。先ほど久しぶりにこれを再生してみたところ、なんと大川美術館で学芸員の方が「街」を紹介するシーンも出てきました。18年もの時を経て実物を目にする機会に恵まれたことに感銘しきりです。ちなみにこの大川美術館、近代日本洋画のコレクションとしても大変秀逸な作品群を常設展示しており、近くに行く機会があれば是非とも訪れてほしい美術館の一つです。

December 18, 2016

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クラーナハ展

所用で東京の西の方に出かけた後、帰りに西洋美術館で開催中の表記展覧会を覗いてきました。「500年後の誘惑」という副題からも想像できるように、この展覧会はクラーナハ（Lucas Cranach、1472-1553）が描いた裸婦あるいは女性像が持つ独特のエロティシズムに焦点を当てたもので、この画家を主題とした展覧会としても日本初とのこと。ところで、この展覧会で一貫して使われている「ルカス・クラーナハ」というカナ表記、多少の違和感を持つのは亭主ばかりではないと思います。（何しろこれまではほぼ「ルーカス・クラナッハ」という呼称が標準的に流通していました。「ルー」、「クラー」と音引きを入れるかどうかはまあ微妙としても、クラーナハとクラナッハはほぼ別人の響きです。これが正統的なnachの発音なら、バッハはバハになってしまいます。）というわけで、亭主はあえてより馴染んだクラナッハと呼び続けることにします。名前問題はさておき、さすがは西洋美術館、展示されている作品はなかなかのもので、裸体画以外にも彼の代表作と呼ばれるような作品がかなりの数集められていました。特に、昔の記憶を呼び覚まされたのが、フランクフルトのシュテーデル美術館にある「ヴィーナス」で、30年近く前にこの美術館をふらりと訪れた時のことを思い出させてくれました。記憶の中でいつの間にか大きくなっていたこの絵、久しぶりに実物を前にしてA4版サイズと大差ない小品だったことに驚くことしばし。漆黒の背景に浮かび上がる、すらりとして陶磁器のような肌の裸婦像は、おそらくクラナッハ的な美意識を最もわかりやすい形で体現した作品だと思われます。クラナッハといえば、澁澤龍彦のファンにはおなじみの画家の一人で、彼の「エロティシズム」、「幻想の肖像」、「裸婦の中の裸婦」といった作品中で挿絵とともに頻繁に論じられています。「幻想の肖像」では、本展の目玉作品の一つでもある「ユディット」を取り上げ、ケネス・クラークの文章を引きながら、クラナッハの裸婦は「誘惑的なまでにエロティクでありながら、しかも美術品のように冷静に鑑賞し得る、新しい肉体美のタイプを創出する」という「エロティック美術の成功の鍵」という要求にぴったりかなっているので、「十六世紀のドイツという時代的・風土的限定の枠を超えて、現代の私たちにも直接に訴えかけてくる力を失ってはいないのである」と書いています。なお、この展覧会で一つ刺激的で面白かったこととして、「クラーナハ」という作家名と作品の関係を意図的に相対化して見せよう、という試みがあります。クラナッハは、ルネサンス期の大画家の例に漏れず大きな工房を構え、数多くのクライアントからの注文に応じて絵画を量産したことでも知られています。当時吹き荒れた宗教改革の嵐の中でも、ルター派とカトリック派の両方から注文を受けて作品を供給し続けたという点で、どちらかというと職人気質の画家だったことが伺えます。「ルーカス・クラナッハ」という名前は、現代風に言えば、「ピエール・カルダン」、「モリ・ハナエ」といったブランド名に近く、画家の個性と作品を同一視する19-20世紀的な作家-作品観は自明ではありません。この展覧会では、これも裸婦像の代表作である「正義の寓意」を100人の中国人画家に一定時間で模写させて、その腕を競わせた結果出来上がった100枚の絵を全品並べて見せる、という展示もあり、作品とは何か、コピーとは何か、といった美術史的な問題を正面から問いかけています。「工房での弟子たちによるコピー」が「クラーナハ」の作品として展示されている現実を前にすると、笑って済まされない大問題であることは容易に想像されます。

October 30, 2016

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「ヴェネチア・ルネッサンスの巨匠たち」展

表記展覧会、会期末も気になり始めたので、秋の長雨でパッとしない先週の連休最終日に乃木坂の国立新美術館へと足を運びました。「日伊国交樹立150周年記念」を冠した展覧会も、ダ・ヴィンチ、ボッチチェッリ、カラヴァッジョに続いてこれで４つ目。久しく縁がないイタリアへの旅行願望の代用とばかり、「イタリアに行かなくても向こうから来てくれるんだから」と毎度付き合っている亭主ですが、どうやらこれが最後のイベントのようです。乃木坂の駅側から会場に着くと、いきなり１階フロアに長蛇の列ができています。「…もしやこれに並ぶのか？」と一瞬動揺したものの、よく見ると同時開催中の「ダリ展」の行列と判明し安堵。（…やはり渋いルネッサンス美術よりもダリの方が人気アリです。）さて、２階にあるお目当ての会場に入るなり最初に対面したのが今回の目玉作品の一つ、ジョバンニ・ベッリーニの聖母子像です。ベッリーニ（弟）といえばやはりこのテーマで、ロンドンのナショナルギャラリーにある作品などが有名ですが、この聖母子像は、理想化されたイメージというよりは巷間の親子をそのまんま描いた感じです。（ただ、赤一色で描かれた頭部と翼だけの6体の天使が宙を舞っているのが印象的で、連れ合いは気味悪がることしきり。）このコーナーでは、その他にもカルロ・クリヴェッリ、ヴィットーレ・カルパッチョ（料理の名前で有名）といった15世紀の画家の佳作が並んでいましたが、その中で亭主にとってひときわ懐かしかったのがアントニオ・デ・サリバの「受胎告知」です。この作品、巷ではあまり話題になりませんが、かつてヴェネチアのアカデミア美術館を訪ねた際に目にした絵画群の中でも亭主の記憶に鮮明に刻まれた数少ない作品の一つ（多分「名作」）です。次に来るのがティツィアーノとその周辺画家の作品。ティツィアーノといえば美術史に燦然と輝く大画家ですが、残念ながらその代表作はウフッツィ、ピッティといった他のイタリアの美術館、あるいはロンドン（ナショナルギャラリー）、ルーブル、プラドといった大美術館に収まっていて、ヴェネチアに残されているものはわずかです。今回持ち込まれた「受胎告知」は、そのような数少ない代表作の一つとか。とはいえ、亭主の感想は失礼ながら「なんだか画面が暗くて汚いな」というもの。サン・サルバドーレ聖堂内の壁から外してきたというこの作品、陰影を強調するためか「黒」を多用しているようで、これが（特に印象派絵画に慣れた目には）画面全体を煤けた感じにさせる原因かもしれません。ちなみにこの印象、他の周辺画家の作品にもある程度共通しています。やはり「明暗法」の完成にはカラヴァッジョを待たなければならなかったのかもしれません。続いては、ティツィアーノの後継者であるティントレット、ヴェロネーゼ、バッサーノといった著名な画家たち、さらにはマニエリスム期の画家の作品が並び、15-16世紀ヴェネチア・ルネッサンス絵画の歴史をある程度俯瞰的に眺めることができますが、作品の総点数は60点程度とあまり多くはなく、１時間強で見て回れる感じでした。ところで美術館を後にし、東京駅に向うついでに日本橋で久しぶりに丸善に立ち寄ったところ、版画展示即売会の会場で有元利夫の作品に遭遇。２つ並んでいたうちの一方、「春」と題されたリトグラフが特に亭主の目を引きました。有本といえば、やはり15世紀ルネサンスを代表する画家、ピエロ・デラ・フランチェスカに影響を受けたことで知られており、この作品は代表作の一つのようです。思わず欲しくなりましたが、お値段を見てびっくり。目の保養に止めることに。（というわけで、「ルネサンス三昧」の1日でした。）

September 25, 2016

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ジョルジョーネの「ラ・テンペスタ」

昨日、BS-TBSで放送された「石坂浩二と雨宮塔子のヴェネツィア美術紀行」という番組を録画で見る機会がありました。この番組、現在東京で開催中の「ヴェネツィア・ルネサンスの巨匠たち」という展覧会の宣伝も兼ねてのものらしく、そこで展示されている絵画（主にヴェネツィアのアカデミア美術館所蔵）を、石坂・雨宮の二人が先回りして現地を旅しながら紹介するという企画。石坂さんはもう何十年とヴェネツィアに通い詰めているとかで（なんとも羨ましい…）、ヴェネツィアの街を隅々までよく知っている風です。また、絵画・美術史にも通じているらしく、相方であるTBSキャスターの雨宮さん（実は大学で西洋美術史を専攻）を案内する役回り。番組ではアカデミア美術館の絵画を見て回るシーンもありましたが、そこで石坂さんが（展覧会の作品そっちのけで？）どうしても見せたい絵があるといって雨宮さんを強引に連れて行った先に掛かっていたのが表題の絵です。この作品を見ると、亭主は三十有余年前に読んだ、林達夫の「精神史—一つの方法序説—」という論考（著作集第１巻「芸術へのチュチュローネ」所収）を思い出します。この絵には「ラ・テンペスタ（＝嵐）」と明確な題名がついているにもかかわらず、描かれているものが何を意味しているのか今でも謎とされているようです。番組中の二人は、前世紀にX線画像で左下の人物（男性）の下に水浴する裸婦像が描かれているのが判明したことはご存知のようでしたが、やはりしきりに首をひねっていました。ところで、林達夫の論考には、上記のX線画像に基づいたとてもわかりやすい解釈が紹介されています。その部分を引用すると、…それによると、例の右側の、子供に乳を与えている女の場所には何の人影もなく、そして左下に立てる兵士の場所には、小川に両脚をひたして浴みしている裸体の女がいるのである。バッティスティはこの二つの画面の連関性に着目して、ゼウス（ユピテル）と河の女神イーナコスの娘イーオーとの田園詩をそこに見出そうとする。『あらし』の名が示すように、この画の後景は雷と稲妻をはらんだ、ただならぬ雲行きの波乱含みの青空の光景であり、それが三人の人物のいる前景の静まり返りと奇妙な対照をなしている。こうした「青天の霹靂」をなし得るのは、神々の王、ゼウス（ユピテル）以外にはない。この美術史家は、かの稲妻に化身した元素を見て、この時代ひろく読まれ始めていた（と彼が見る）オウィディウスの『転身物語』を解読のためのコードとするのである。「下がき」はゼウスに誘惑される直前の情景であり、完成品はその後日談、数奇な運命にもてあそばれて、結局、河の源に帰るのだが、かの若者はその誘導に当たる仮のすがたのゼウスか、あるいはその神の委託を受けているヘルメス（メルクリウス）だとする……自由恋愛のアレゴリー？……どうでしょう、なかなかそれらしい解釈ではないでしょうか？

August 28, 2016

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特別展「古代ギリシャ—時空を超えた旅—」

西日本では連日35℃を超える猛暑が続いているようですが、なぜか関東地方は最高気温が30℃前後、風もあって日陰では比較的過ごしやすい日々が続いています。（おそらく偏西風の蛇行によって北の空気が張り出している？）というわけで、どうせ猛暑だろうから、と家に閉じ籠っているつもりたったお盆休みの予定を変えて、東京は上野の国立博物館で開催中の表記展覧会に足を運びました。古代ギリシャといえば、その昔世界史の授業で習った知識が断片的に頭に残っている程度。その当時教科書の写真で見たような古代遺物を、直接この目で見るというのもこの展覧会の楽しみですが、亭主にとってはやはりヨーロッパで14世紀以降に盛り上がったルネッサンス運動の原点となった古代彫刻を眺めるのが主要な目的です。会場は博物館の左奥、「平成館」と呼ばれる建物です。亭主は以前に訪ねた記憶がなく、おそらくこれが初めての来館でした。なかなかバブリーな雰囲気で、後で調べてみると1999年に開館とあり納得。お盆休みの真っ只中で、さぞかし家族連れなどで混雑しているに違いない、とある程度覚悟して入場したところ、思いの外にすいていてびっくりです。展示の方は、紀元前4000-3000年ぐらいの新石器時代から紀元数世紀のヘレニズム・ローマ時代までの遺物が年代を追って並べられており、展示品の数も（小間物が多いにしても）300点を優に超えるという、今にして思うとなかなか壮大なものです。例によって何の準備もなく飛び込んだ亭主は、1時間ほど順に見て回ってかなり疲労を感じ始めたところで、まだようやく「アルカイック時代」にしかたどり着いていないことに気づき、お目当のヘレニズム彫刻へとネジを巻き直した次第。ところで、一つ面白いと感じたのがアンフォラ、オイノコエといった陶製のかめや壺に描かれた様々な意匠の変遷で、初期の壺にはイルカ、巻貝、タコ（さかなくんが見たら泣いて喜ぶ？）といった海洋関連の絵柄が多く見られるのに対し、途中から「幾何学様式」と呼ばれる規則的な図形文様の反復が出現することです。中には現代のラーメンどんぶりの淵によくあるような四角い渦巻きや、卍といった見慣れた文様もあり、思わずニヤリ。さらに時代が進むと、例の赤土の地に黒のペン書きで描かれた神話の人物像が出てきますが、これらも現代の漫画に通じるところがとても面白く感じられます。それにしても、デロス島のアルテミス像をはじめ、出品された古代彫刻を眺めていると、その人体や衣服の表現における完成度の高さに大いに感心させられます。動きの一瞬を捉え、それを大理石の中へと永遠に閉じ込める、という造形芸術の一つのピークが既に二千年前の世界にあったという感慨に耽る一方で、そういう人間の営みが（ルネッサンスも含め）この二千年大して変わっていないことにも改めて思いを致す機会ともなりました。

August 14, 2016

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カラヴァッジョ展

日伊国交樹立150周年記念にあやかったイタリア美術展が切れ目なく続いていますが、その第３弾は国立西洋美術館で開催中のカラヴァッジョ展です。とはいえ、カラヴァッジョという画家の名前を聞いてすぐピンとくる人は日本ではそれほど多くはないかもしれません。亭主にしても、大昔にヨーロッパの美術館を巡っていた頃に彼の作品を幾つか目にした覚えはありますが、当時はルネサンス美術と16世紀のマニエリスム美術で頭が飽和状態だったこともあり、あまり気に留めていませんでした。ただ、その頃読んで大変面白かった「薔薇のイコノロジー」の著者である美術史家の若桑みどりさんが、著作の中で自らを「カラヴァッジョの専門家」と紹介し、彼の作品にもしばしば言及していたことから、いつかは作品をまとめて見てみたいと思っていた画家でもあります。というわけで、会期末になって混み合う前に、と上野まで足を運びました。連休初めとあって上野公園は家族連れなどで混み合っています。展覧会はテーマ別に７つのセクションからなり、カラヴァッジョの手になる11枚の作品を中心に、カラヴァッジェスキと呼ばれる彼の追随者たち、あるいは同時代の画家たちの作品を配しています。カラヴァッジョ（1571〜1610年）が活躍した16世紀末から17世紀初頭は、音楽で言えばちょうどモンテヴェルディのマントヴァ時代と重なっており（ヴェスプロの作曲は1610年）、フィレンツェではカメラータ・デ・バルディのメンバーによって最初のオペラらしきものが試みられていた頃です。いわば来るべき新しい芸術を準備した時期とも言えるでしょう。先週も書きましたが、この当時の絵画芸術は単なる写実を超えて何か「異常に大きな、また小さなもの、極端に珍しいもの、風変わりなもの、異形、グロテスクな、あるいは飛び抜けて美しいもの」を追求していました。（その意味で、おそらく「歪んだ真珠」という原義を持つバロックという言葉を文字どおり体現しているように思われます。）そのような表現の一つが代表作「エマオの晩餐」における光線についての扱いで、レブラントやラトゥールが多用する、あの光路に沿って明るくハイライトされた部分と影になった部分との明暗（キアロスク〜ロ）を極端に強調する表現は、どうやらカラヴァッジョがその鏑矢であったということのようです。そのような流れの中でこの展覧会の白眉となったのが、今回世界初公開となった「法悦のマグダラのマリア」という作品。この現在も個人蔵とされる作品は、2014年に初めてカラヴァッジョの真筆と判定されたものですが、おそらく死の淵にあって恩寵の法悦に浸るマリアの表情は恐ろしいまでの迫力を持ち、見るものを圧倒します。カラヴァッジョはこの絵を死の直前まで肌身離さず持ち歩いていたとのことで、レオナルド・ダ・ヴィンチに取ってのモナリザと同じような作品だったことが伺えます。（それにしても、よくぞ公開されたものです。）その他、いわゆる静物画を主要な画題として取り上げ始めたのもカラヴァッジョであった等、彼が17世紀絵画の潮流に大きな影響を与えた画家であったとことを教えられた実に興味深い展覧会でした。

May 1, 2016

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糸巻きの聖母 by レオナルド

先月のポッティチェリ展に続き、今度はレオナルド（ダ・ヴィンチ）の展覧会です。今年は日伊修好150周年の記念の年ということで、イタリア関係のイベントが目につくのは、どうやらこれにあやかろうということのようです。とはいえ、会場はなんと両国の江戸東京博物館。レオナルドはおろか、西洋美術全般とも何の接点もなさそうな場所ですが、同博物館のウェブサイトを眺めると、「レオナルド・ダ・ヴィンチは都市計画にも深い見識があり、『都市史』を研究テーマとする江戸東京博物館において紹介するにふさわしい展覧会です」とありました。（…うーん、かなり苦しい）会場に到着後、「10分待ち」の掲示が出ているチケット売り場を横目に、連れ合いが手回しよく購入していた前売券で入場すると、すでにかなりの混み具合。が、展示物を見るとその過半が版画や素描（それもほとんどは18世紀以降の複製）など小さな作品で、近くで見ないとよくわからないものばかりで、まともに鑑賞するには人垣を掻き分ける必要があります。入り口に近い展示コーナーが混み合うのはいつものことなので、早手回しに中の方へ。この展覧会の目玉はもちろん「糸巻きの聖母」ですが、他にレオナルド直筆の「鳥の飛翔に関する手稿」（鳥の、ではなくトリノ王立図書館所蔵）といくつかの素描（ヴェネチア・アカデミア美術館所蔵）があります。不思議なことに、壁際に展示されたコピーには人だかりができているのに対し、くだんのページが見開きになって展示されている本物の手稿（小さなガラスケースに収められているものの間近に見られる）の周りはガラガラで、あの独特の鏡文字の筆致をじっくり眺めることができました。一方、レオナルドの赤茶けたデッサンは、大昔（1985年?）に開かれた大規模な展覧会の記憶を呼び起こします。これら数少ないレオナルド自身の作品の隙間を埋めていたのは、主にレオナルド・ダ・ヴィンチ理想博物館（前世紀の終わりにヴィンチ村に創設）から借り出されたレオナルドゆかりの絵画や版画です。同館館長がこの展覧会の監修者である理由もよくわかるというもの。さて、これらの小物はほどほどにして、一番の目玉である聖母像を見ようと会場の最奧部に近づくと、何やら空港の入国審査場のようなテーピングと人の列。なんとこの絵の前にたどり着くための行列が整然と組まれていました。展覧会では初めて見る光景です。仕方なく行列の最後尾を探していくと、プラカードには「45分待ち」の表示。「パンダじゃあるまいし…」と一瞬ひるみましたが、気を取り直して列に加わったところ、予想より人の動きは速く、20分ほどで真正面にたどり着きました。（途中からは人垣の間からも絵をじっくり観察できるので、この客さばき、意外に悪くない感じです。）英国貴族バクルー公爵が代々所蔵してきたという「糸巻きの聖母」は思いの外小さな作品で、おそらく当初から貴顕の個人的な礼拝堂を飾るためのものとして製作されたのだろうと思われます。レオナルドにしては聖母の人体描写がやや不自然ですが、人物の顔立ちや表情、また細密に描き込まれた自然風景などはいかにも「岩窟の聖母」や「聖アンナと聖母子」に共通するもので、久しぶりに「レオナルド風」を楽しむことができました。ところで、帰り際に博物館の土産ものコーナーをぶらついていると、仁左衛門の助六を大胆にあしらった手ぬぐいが目に止まり、衝動買い。思わず「松嶋屋！」と声を掛けたくなるカッコよさ。これぞお江戸の花、です。

March 13, 2016

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ボッティチェリ展

昨年Bunkamuraで開かれていた「ボッティチェリとルネサンス」展が閉幕したのが６月。それから半年経ったかどうかというタイミングで、今度は東京都美術館で表記の展覧会が始まりました。先の「ラファエル前派展」もそうですが、このところ何だか似たような展覧会が多いな、と感じるのは亭主だけでしょうか？とはいえ、クアトロチェント（1400年代）の画家の中でもとりわけ人気の高いボッティチェリの作品が賑々しくも極東の地までお出ましとあれば、やはり見に行かないわけにはいきません。というわけで、たまたま何も予定がなかった祝日(１１日)に上野まで足を伸ばしました。この展覧会の目玉が２０点を超えるボッティチェリの作品であることは言うまでもありませんが、会場を回ってすぐに分かるのは主役がもう二人いる、ということです。一人はボッティチェリの師であったフィリッポ・リッピ、そしてもう一人はその息子で後にボッティチェリと人気を競い合ったというフィリッピーノ・リッピです。展覧会はこれら３人を中心に４部構成となっていて、第１部では同時代のフィレンツェにまつわる品々が展示室を飾っています。ここで目につくのがロレンツォ豪華王の胸像。ほぼ実物大と思われるテラコッタ作品は、あの鷲鼻を含め、メディチ家の人物の特徴をよく伝えている感じです。とはいえ、何と言っても場を制しているのはアントニオ・ポッライオーロの大作「竜と戦う大天使ミカエル」です。この絵は図録でしか見たことがなかったので、その大画面に興奮。次に来るのがフィリッポ・リッピの作品を集めた展示室で、あまり数は多くないものの、いわゆるイコン的な表現から実在の人物をモデルにした表現へと移り変わる時代の初々しい画面が印象的です。特に、二重まぶたが強調された目の描写が弟子のボッティチェリにも共通する特徴として際立っています。そしていよいよ本展覧会のハイライトであるボッティチェリの作品を集めた第３部へ。ウフッツィを始め、ヨーロッパ・北米の美術館から集められた作品はいずれも秀逸で、彼の画集を飾るような作品が目白押しですが、中でも目玉になっているのが「ラーマ家の東方三博士の礼拝（ウフッツィ）」、「書物の聖母（ポルディ・ペッツォーリ）」、「アペレスの誹謗（ウフッツィ）」、そしてフレスコの大画面「書斎の聖アウグスティヌス」です。それぞれの美術館でも至宝というべきこれらの作品を日本に居ながらにして鑑賞できる、というのはなんともゴージャス。特に、この展覧会のポスターにもなっている「書物の聖母」はその青が鮮烈で、輪郭線の繊細さも素晴らしく、いかなる複製画でも決して再現できないものだと感じられます。（実際、今回亭主には珍しく展覧会の公式カタログを買って帰りましたが、やはり印刷の限界を確認することになりました。）この他にも、あの丸紅が所有する「ラ・ベラ・シモネッタ」の美しいポートレートも改めて堪能することができます。とはいえ、これよりも亭主の目を引いたのは同じくベラ・シモネッタというお題が付いているもう一つの女性のポートレート。その昔、これを所蔵するというフィレンツェのパラティーナ美術館へは足を運んだ覚えがあるものの、この絵の記憶はどこかに消し飛んでいました。丸紅のベラ・シモネッタとは何から何まで対照的なこの絵、ボッティチェリの手になるものかどうかは若干の議論があるようですが、今回の展覧会の中でも「よくぞ借り出してきた」ともいうべき、隠れた名作です。

February 13, 2016

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「英国の夢-ラファエル前派展」

仕事で土曜日の午前中東京に出ていた亭主は、割に最近似たようなタイトルの展覧会に行ったなぁと思いつつ、「ものはついで」ということで渋谷のBukamuraで開催されている表記の展覧会に足を運びました。（2014年に開催された「ラファエル前派展」についてはこちら）例によって何の事前情報も持たずに会場に入った亭主が最初に対面したのは《いにしえの夢-浅瀬を渡るイサンブラス卿》と題されたジョン・エヴァレット・ミレイの大作。ミレイは1848年に結成された「ラファエロ以前兄弟団」の主要なメンバーで、このところ日本でもそれなりに知名度も上がっているので、展覧会の冒頭を飾るにふさわしい作家と言えます。展示室にはこれに続いてミレイの大作がいくつも並んでいて、なかなか壮観でした。とはいえ、会場を進むにつれて徐々に湧き上がってきたのは「何とも散漫な展覧会だなぁ...」という印象。確かにロセッティやバーン・ジョーンズの作品も所々にあって、それなりに「ラファエル前派」展の雰囲気もなくはないのですが、ラファエル前派が仇と見定めた「どちらかというとアカデミー風」の絵画も少なからず展示されていて、展覧会のお題から見るとやや羊頭狗肉なところもあります。それもそのはず、実はこの展覧会、リパプール国立美術館が所蔵する作品の中から19世紀英国の絵画で主だったものを拾い出してきた、というのが本当のところのようで、「ラファエル前派」というキーワードは、どうやらその中の目玉作品を展覧会の宣伝に使うための方便として入れたフシがあります。まぁ、確かに正直ベースで「19世紀英国絵画展」としてもあまり人目を引かず、興行的には失敗する可能性が大ですが、せめて「ラファエル前派vsアカデミー」といった19世紀の英国画壇を俯瞰するようなお題をつけてくれていれば、まだ見る目も違っていたかも。（今のお題ではラファエル前派以外の作品は単なる「おまけ」というメッセージにしかなっておらず、それらに対しては観覧者にネガティブなバイアスを与えてしまいます。）上記のような状況に加え、アルバート･ジョゼフ･ムーア、ローレンス･アルマ=タデマ、ジョン・ウィリアム・ウォーターハウスといった「アカデミー」寄りの作家の作品群には初めて目にするものが多く、亭主はむしろこちらを大いに楽しむことができました。もちろん、アカデミーの画家たちの作品は基本的に写実主義に裏打ちされた新古典主義的、あるいはロマン派的な作風をその身上としているので、同時代のパリで始まった印象派のような芸術運動が持つ「絵画とは何か」といった本質的・先鋭的な問題意識は感じられません。一方で彼らの作品は（これは音楽についても当てはまりますが）、同時代の美意識における最高の完成度を目指した絵画の到達点として、鑑賞者を十二分に楽しませる力があるのだと思われます。

January 10, 2016

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美術館とコンサートホールのある病院

先週は仕事で久しぶりに北海道大学（札幌）を訪れました。かの地は関東平野よりはひと月ほど季節が先行しているので、当然のようにコートを持参したのですが、好天に恵まれたこともあっていざ新千歳に降り立ってみるとポカポカ陽気。コートはバッグの中で丸まったままでした。とはいえ、北大構内はすでに紅葉の盛りを過ぎ、かなり葉が落ちていてやはり晩秋の気配です。　ところで、今年のノーベル医学・生理学賞に大村智さんが選ばれた、というニュースが伝わってから早一ヶ月。当初の報道では、受賞対象の業績そのものよりも絵画コレクター、あるいは女子美術大学とのつながり（理事長を務めた）が大きく取り上げられ、一体どういう人なんだろうと好奇心を掻き立てられます。出身地の韮崎市にあるという、大村さんが自身のコレクションを展示するために建てた美術館が前触れ無しにテレビに映し出されて、亭主のみならずキョトンとさせられた向きも多いのではないかと思います。　この点も含め、異分野の研究者とはいえ大村さんのことを全く知らなかった亭主は、早速彼の半生記「大村智・２億人を病魔から守った化学者」（中央公論社）を手に入れて、札幌を往復する間に一気に読了。著者の馬場錬成氏は元読売新聞記者の科学ジャーナリストで、以前に東京理科大学の成立史を取り上げた彼の著書「物理学校」（中公新書ラクレ、2006年）を大変興味深く読んだことを思い出しました。緊急増刷されたと思しき本の腰巻にはノーベル賞受賞と大書されていますが、この本自体は2012年に出たもので、著者の先見の明が光っています。　馬場さんは（ジャーナリストらしからぬ？）抑制の効いた文体で、訥々と大村さんの生い立ちから現在の様子までを時系列的に語っていきますが、彼が美術コレクターとして育っていった経緯については後段の第１３章でまとめて紹介されています。ただし伏線として少年時代についての章で、大村家は比較的裕福な農家で、教師をしていた母親は子供の「情操教育」に熱心だったことが紹介されます。母親から絵を描くように勧められ、当時高価だった絵の具なども常時手することができる環境にあったとか。一方で、当の母親は学校で音楽の教師だったにもかかわらず、なぜか子供達には音楽上の教育を施すことはなく、兄弟姉妹も（一人を除いて）全員音痴というのも逆説めいていて面白いところ。　大村さんは、北里研究所に勤め始めた30代から身銭を切って絵画収集を行うようになったということで、その点では筋金入りのコレクターです。２５年ほど前に新設された北里研究所メディカルセンター病院（埼玉県北本市）は、彼の発案で「絵のある病院」として開院し、多数の絵画が飾られているとのこと。その絵画もいわゆるプロの有名画家の作品ばかりでなく、同センターが主宰する絵画コンクール（！）で集めたものなども並び、さながら現代美術館のようになっているようですが、これは実に素晴らしいアイデアだと感心させられました。（院内ギャラリーへのリンクはこちら）　歳のせいか、亭主もこのところ病院を訪ねたり世話になったりする機会が増えていますが、待合室で座っている時間というのは（急性疾患の患者でなければ）退屈をどうしのぐかがいつも問題になります。音楽と違い、絵画には押し付けがない（自らその前に足を運ぶことでその世界に入る）ので、会衆が個々の趣味や気分に応じて鑑賞できる点も病院向きです。（ちなみに、エントランスホールで行われる音楽コンサートは外来患者がいなくなる土曜日の午後だけだとか。）　病院＝美術館というアイデアは斬新なだけでなく、「人の集まる場所を多目的化する」という普遍性も秘めているように見えて、大村さんの発想力に改めて深く感銘を受けました。加えて、彼が傾きかかっていた北里研究所の再建やさらなる発展に大きく貢献（上述の新しい病院建設は彼の奔走があって実現したもの）するなど、事業家・経営者としても大活躍されていることを知るにつれ、彼にとってはノーベル賞といえども単なる一つのエピソードに過ぎないだろう、と想像させられました。

November 8, 2015

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邸宅美術館の誘惑

先週紹介した「ボッティチェリとルネサンス」展に展示された絵画の中で、貸出元がジャックマール=アンドレ美術館とある作品（聖母子像）が２点ほどありました。この美術館、パリにある個人邸宅をコレクションごと美術館として公開しているもので、美術愛好家の間では結構有名なようです。ちなみに、亭主は最近までこの美術館のことを知りませんでしたが、連れ合いに送られてきた今年の年賀状の一枚がきっかけでその存在を知りました。（年賀状は当該美術館の内部「ティエポロの階段」を写真に収めた絵葉書で、写っている階段脇の壁画は、18世紀ヴェネチアの大画家ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロの壁画を移築したものとか。）昨年秋に出版された朽木ゆり子さんによる表題の著作では、このような「邸宅美術館」の中から１５舘を選んで紹介していますが、そのひとつとして取り上げられているのがジャックマール=アンドレ美術館でした。著作によると、当該美術館には「フィレンツェ派の画家」と「ヴェネチア派の画家」の作品を集めた部屋があり、前者を撮影した写真が掲載されていますが、そこに写っている４枚の聖母子像のひとつがどうやらBukamuraにお目見え中のもの。（今頃この美術館を訪れた人は、当該作品が掛かっているべき壁に「貸出中」のサインがあるのを見てがっかりしているかも？）このような個人美術館は、ある意味で絵画をその本来のTPOで鑑賞できる、という点でその存在理由は小さくないものがあると思われます。件の聖母子像も、もしルーブル美術館のような世界屈指の大美術館に掛かっていたとすれば、他の数多くの有名作品の陰に隠れてしまい、たぶんほとんどの人の目に留まらないことでしょう。亭主も次にパリを訪ねる機会があれば、ルネッサンス絵画を目当てにジャックマール=アンドレ美術館に足を運んでみたいものです。

April 26, 2015

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「ボッティチェリとルネッサンス」展

昨日、渋谷はBunkamuraで開かれている表記展覧会に足を運びました。ボッティチェリといえば、誰もがまず思い浮かべるのがフィレンツェ・ウフッツィ美術館にある大作「プリマヴェーラ（春）」と「ヴィーナスの誕生」でしょうか。これらはボッティチェリの代表作というよりも、クァトロチェント(1400年代)の画家達の作品群の頂点をなすとも言えるもので、亭主も３０年前に同美術館を訪ねた際にこのふたつを眼前にした感動と興奮を今でも鮮明に思い出すことができます。とはいえ、これらはウフッツィ美術館にとっても至宝中の至宝、外部に貸し出すなどということは想像の外です。ところがなんと、今回の展覧会では同美術館が所蔵するボッティチェリのフレスコ画大作、「受胎告知」が遠路はるばるBunkamuraに登場、おそらくこの展覧会最大の目玉となっています。このフレスコ画、実は３０年前に亭主もウフッツィで目にしていましたが、当時は他の作品に目が行っていたこともあり、それほど印象に残っていませんでした。今回目にした画面の印象があまりに鮮烈だったので、帰宅後に手持ちの画集（「世界の大画家」第４巻、1982年、中央公論社）で調べてみて思い出したことには、その当時は大きく破損したままの状態で展示されていたのでした。上は画集からコピーしたものですが、画面中央と左右両端、さらに上側にも大きく欠落した部分があります。おそらく元の場所（サン・マルティーノ・アッラ・スカーラ教会）での破損劣化が進んでこれ以上放置できない、ということで壁から剥がされた当時（1920年頃）の状態がこうだったと思われます。特に画面中央の欠損はひどく、作品鑑賞の上で大きな障害になっていました。ネット上で少し調べた範囲では、これほど大規模な補修作業がいつどのように施されたのか分かりませんでしたが、とにかく今や面目を一新したことは明らかです。製作年代をみると1481年とあり、「プリマヴェーラ」(1477-8年)と「ヴィーナスの誕生」(1485年頃)のちょうど中間、まさに彼の絶頂期にあたります。この修復により、「受胎告知」が彼の代表作のひとつに数えられるべき出来栄えであったことが確認されたとも言えるでしょう。この展覧会では、他にも彼の手になる（あるいは工房による）聖母子像が多数展示されており、これらを所蔵する小美術館（ヨーロッパ・北米に散在）を自ら訪ね歩くことがなければ目にすることもないであろう佳作を堪能することができます。（特に、連休までの期間限定でピアチェンツァからきているトンドは見事な大作。）ローマ・カトリックは聖母信仰が盛んなようで、宗教画のなかでも「聖母子像」は人気の画題。注文も多かった様子が伺えます。さらにもうひとつ、この展覧会は副題に「フィレンツェの富と美—Money and Beauty」とあるように、ボッティチェリの作品をフィレンツェという街の政治・経済・生活習慣といった同時代の文脈において提示することに従来になく腐心しており、入り口ではいきなりフィオリーノ金貨や金庫といった展示物が並べられていて、何の準備もなく訪れた亭主のような観覧者はあっけにとられることになります。なかでもちょっと気を引かれたのが、当時の歌を譜面に収めた豪華本で、280曲以上の作品が収まっているとか。実際に音になっているものを聴いてみたいものです。

April 19, 2015

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川瀬巴水展

連休の中日、日本橋高島屋で開催中の表記展覧会に足を運びました。タカシマヤカード会員である亭主の元には、請求書とともに日本橋店のイベント情報を載せたパンフレットが毎月送られてきます。先月のパンフレットにはこの展覧会がデパート初売りの1月２日から１０日間ほど開かれると予告されており、版画好きの亭主としては気になっていたところですが、最近某テレビ局の美術番組で詳しく取り上げられた上に、正月明け（１月６日）放送の「開運！なんでも鑑定団」（テレビ東京）で一部の作品が登場したことに刺激されてついにその気になり、実物を見参するべく久しぶりに日本橋のデパートへ。（途中、首都高を走る高速バスからは富士山の眺めを楽しむことができました。）わずか１０日間と短い展覧会で、会期末が近いことに加え、テレビでも取り上げられたことから、ある程度混んでいることは覚悟していましたが、いざ会場に着いてみると、会館後３０分という早めの時間にもかかわらずチケット売り場は長蛇の列。幸い、カード会員は「ご招待」（2名までチケット不要）なので、長い列を尻目に連れ合いと会場に直行。入り口付近はすでにごった返ししていて、展示品の前には何重もの人垣が出来ている状態でしたが、全体の作品数は資料も含めてゆうに200点を超えており、奥に行くほど人の流れも速くなっています。１時間半ほどでしたが、それなりにオリジナルの「刷り」を満喫しました。川瀬巴水（1883-1957）はいわゆる「新版画」運動の担い手として知られており、江戸時代にピークを迎えた浮世絵版画の伝統を受け継ぎつつも、新しい時代にふさわしい表現を木版画に与えようとした作家の一人です。題材は日本の伝統的な美である「雪月花」を中心とした風景ですが、ともすればキッチュとなりがちな伝統的題材に、近代的な生活情景を持ち込んだところが新版画の新しいところでしょうか。とはいえ、構図の中に散りばめられ大正〜昭和前半の生活情景は、現在から眺めれば「日本の原風景」のような懐旧の情を誘います。ちなみに、「なんでも鑑定団」で版画・浮世絵の鑑定に登場する渡邊章一郎さんは、版画商で新版画運動のプロモーターでもあった渡邊庄三郎氏の孫にあたり、川瀬巴水とは切っても切れない縁の持ち主です。１月６日の番組では、鑑定依頼品として持ち込まれた巴水の「朝鮮八景」揃いに250万円の値をつけ、「現在日本橋高島屋で開かれている川瀬巴水展でも８点すべては出ていない」と言ってその貴重さを強調していましたが、亭主が会場で眺めた限りではどれが欠けているのかよくわかりませんでした。さて、会場を出て特設の図録・絵葉書コーナーに行くと、多くの人が何やら宅急便の送付書のようなものを書き入れています。よく見ると「図録は完売しました」とあり、後日増刷後に送ってもらってでも手に入れたい、という人々が申込書に記入しているということがわかりました。（いやはや、大変な人気です。）当然のように集められた関連の書籍、画集なども豊富に並んでおり、店員さんに勧められたこともあって亭主もついついその中の１冊を衝動買いしてしまいました。勘定を済ませようとレジに向かうと、こちらもまた長い列。これほど混雑するイベントに遭遇したのも久しぶりでした。

January 11, 2015

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菱田春草展

竹橋の国立近代美術館で開かれている表記展覧会に足を運びました。会期末が近づいていることに加え、最近某テレビ番組で紹介されたこともあり、日本画の展覧会とは思えないほどの大入りです。菱田春草といえば、岡倉天心門下の横山大観とともに、今日では明治期の日本画を代表する画家とみなされています。長命で生前に高く評価されるようになった大観に比べ、わずか37年弱の短い生涯だった春草ですが、その20年に満たない活動期間に数多くの名作・佳作を残し、日本画に新風を吹き込んだ夭折の天才として亭主にとっても若い頃からのアイドルの一人です。亭主の書棚には、1987年の初頭に新宿・小田急百貨店で開催された春草展のカタログが、今は絶版の画集（中央公論社、1979年）とともに並んでいます。このときの展覧会は、特に春草の若い頃の未公開（当時）作品25点を含む90点余りを展示した大回顧展で、六曲一双の屏風「落葉」（福井県立美術館蔵の方）などに見入ったことをおぼろげながら思い起こすことができます。今回の回顧展は、30有余年前のそれに比べて代表作と呼ばれる作品を網羅したものになっているのが特徴で、「王昭君」、「賢首菩薩」、「落葉」、「黒き猫」の重文４点をはじめ、画集を飾るような著名な作品がずらりと並んでいます。（ただし、10月13日を境に作品の入れ替えが行われており、永青文庫所蔵の「落葉」は残念ながら拝めませんでした。）亭主は久しぶりに春草の軸を眺めながら、ターナー等の水彩画を思い起こしていました。輪郭線を排し、色と色の境目で形を表す表現法は当時「朦朧体」と皮肉られたようですが、これは水彩画の技法としてはごく標準的なもののひとつです。画題も花鳥風月的なものが多く、まさに水彩画のそれと大きく重なっているように見えます。最近の研究の成果として、春草が西洋絵の具を使っていたことや、色彩論に基づく補色の関係を意図的に用いていたらしいことも展示の解説で強調されていましたが、亭主は「当時の日本画ではそれほど顔料の種類が限られていたのか？」と逆に疑問を感じてしまいました。後期の展示では、「落葉」に代わって「黒き猫」が展示されていました。今回の展示では猫を描いた作品が数多く展示されていましたが、亭主から見てもこの黒猫さんがもっともチャーミングで、当時大変好評を博したという挿話にも頷けます。1987年の展覧会のカタログでは、春草の長男、菱田春夫氏が「父の思い出」という一文を寄せており、その中でこの「黒き猫」の製作に関わる逸話が書かれているのでここで引用しておきます。…この黒猫のときも特別の写生はしませんでしたが、近所の焼きいも屋に大きな黒猫がいたのを借りて来て、じっと見入っておりました。借りて来ても借りて来ても、逃げて行かれるのには弱りましたが、借りに行く役はいつも私でした。春夫氏は当時８歳。翌年に他界した父の記憶はそれほど残っていないとのことですが、その頃移り住んだ代々木はまだ人家もまばらでいたるところに雑木林やすすきの原があったこと、明治神宮近くの御領地までよく散歩しながらこれらの風景を眺めているうちに例の「落葉」といった作品の着想を得たのだろうといったことが綴られています。

October 26, 2014

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