[演劇、芝居] カテゴリの記事

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• ●ク・ナウカ『オテロ』東京国立博物館裏庭特設能舞台、2005.11.12

  　博物館公演も三度目で、僕も目を付けていた裏庭を使った。池に向けて能舞台を組み、客席は手前にドーム型のテントで屋根がある。最初にイタリア語で●が登場し、その後も字幕が概略を説明する。語りも一部は字幕に映される。シェイクスピアと能ということから、わかりやすさを考えた趣向だが，これは観客にはよかったと思う。楽隊は小編成でガムランの打楽器と笛が加わる。2人一役のみならず、所々では美加理も話す。

  2005年11月13日

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• ◆シャウビューネ「火の顔」世田谷パブリックシアター、2005.6.26

  　マイエンブルグという若手劇作家の作品。親子と娘、弟という四人家族で、夫は妻に無関心、姉弟は思春期のために近親相姦の関係になる。弟は同時にひきこもり的であり、廃屋などに放火してその欲望を満たしている。まあいわば現代の病理の典型みたいな家族。その姉に恋人ができ、一家に出入りするようになり、弟は嫉妬からパニック状態になる。姉も親に対する不満、不信を感じており、弟の放火に共犯となる。それがばれることになり、姉は恋人と別れるなどが重なり、捕まることを恐れ、両親を二人で殺す。そこに別れた恋人が戻ってくる。　一見普通の家族が次第に壊れていき、殺人になるという過程を見事に演出し、役者もリアルに演じている。特に姉のもつけだるさ、弟の激しくない狂気などはリアルだ。舞台は少し観客席に向けて床ごと高くなって傾いた構造。中央にベッド、下手にテーブルセット、上手に洗面台というシンプルな作り。暗転では二枚のパネルが左右から登場して一部を隠し、そのマンションとおぼしく外装を映像が写す。　話に惹きつけられ、長さも気にならなかったし、恋人が全裸で登場して、チンチンで遊んだりと目立つ場面もあった。しかしこの物語はすでに日本の報道される子供たちの引き起こす事件よりも、インパクトが薄い。どうせならもっと徹底して壊れていくとか、あるいはこの壊れる子どもたちについて、何か原因を見せるとか、親の持つ不安を描くとか、何かほしい。単に現代を描いただけであれば、すでに日本でも以前から山崎哲などが作っている。その点でも新しさはない。前に見たベルリナー・アンサンブルの『ハムレット』も、期待のわりに新しさはなかった。むしろ舞台構成、セットやその使い方の巧みさが印象に残った。これは今回見た『ノラ』『火の顔』、この前の『（欲望という名の電車）』にも感じられた。ドイツの演劇シーンが思ったよりも保守的なのではないか、という気がするのだが、これは私だけの感想だろうか。

  2005年06月26日

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• ◆シャウビューネ「ノラ」世田谷パブリックシアター、6.19

  　舞台は入口、リビング、その上、書斎が半階ずつずれて配置され、モダンデザインのおしゃれな雰囲気。それが回り舞台に載って動く。それも正面を向かずに場面を切り替えて舞台を見せる巧みさ。裏の面には映像が写されるなど工夫がうまい。　物語は豊かになった夫婦と子どもの家族が、かつての借金や不正などに悩み、次第に崩れていき、夫にとっての可愛い女だったノラは自分を意識して、家を出ていくという、イプセンの『人形の家』をオーソドクスに作った。ノラが男の股間を撫でたり、パンクな格好で踊ったりするし、ラストの展開など多少の誇張と変化はあるが、それでもかっちり作った芝居という印象だった。　ノラを演じた女性も熱演だったが、夫の友人の医師や脇役がいい雰囲気だった。ただもっと弾けているという期待は満たされなかった。

  2005年06月19日

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• ◆唐組「鉛の兵隊」鬼子母神、2005.6.11

  唐十郎というのは本当に凄い、とまた思ってしまった。複雑な物語が立ちあがり絡み合い、最初は首を捻っているがそのうちに、わかったわからないに関わらず、その物語、芝居のなかに引きこまれていく。隣の若者が芝居らしい芝居といっていたが、まさにそのとおり。芝居でしかできない世界を作りだす。なんでこんな変な話が書けるのだろう。　スタントの下請け会社に働く男（稲荷）と北海道時代の友人（久保井）とその姉（赤松）が中心の一つの物語。そこに謎のスタント男（唐）、元受け会社社長（鳥山）と社員たち、北海道でアイヌへの刺青師の娘（藤井）が絡む。そこに大陸に渡った戦前の幽霊部隊、指紋を集める渦屋（辻）などがさらに話を複雑にする。　始めは北海道で祖母が売ったトマトが、そして次第に手と指紋がキーになって、人々を絡みつけていく。映画のスタントではなく、人のスタント、身代わりを果たそうとするこだわり、指紋のやりとりが、稲荷と久保井、藤井の「手を合わせる」という身振りに集約していく。この小さな接触は、大きな意味をもち、人間の関係性の大事なものを示していると同時に、愛を感じさせ、エロティックでもある。最後に稲荷と藤井が成就できないところ、稲荷、久保井、赤松の近親相姦的三角関係が、いつしか藤井と稲荷の関係へと収斂していく、あるいはこの関係が象徴していく、この流れにも芝居のダイナミズムがあるといえるだろう。観客が多く、木野花、柴田理恵、坪内祐三など唐の芝居を知る年長組がいたことも一つの要素だが、観客との盛りあがりが舞台のパワーを加速させるいい証でもあった。

  2005年06月12日

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• ◆ポかリン記憶舎「短い声で」東京デザインセンター、2005.6.5

  　五反田の東京デザインセンターといえば、マリオ・ベリーニ設計のおしゃれな建物で、インテリア関係のショップやディスプレイが並ぶ。これまでもク・ナウカなどが舞台を作ってきた地下のスペース。ここに二つの美術オブジェを作り、その一つが物語の舞台になる。パイプが大きく組みあわされ、その下に木ででききた巨大な流線型の長椅子のようなもの。そこに二人の若い男女が別の椅子を運び込み、設置するところから話が始まる。注目されている美術家の作品という設定で、これは参加型というか3分間一人か二人などで体験する空間という物語だ。　その美術家が交通事故で意識不明になるところからドラマらしいものが始まるが、妙に自然なバイトの二人の美術学生の会話が立っている。自然なリアルさはこのへんにある。現代美術の話は説明的でちょとくどいのだが、一般の観客向けにしたためなのかもしれない。照明家、地元ケーブルテレビのキャスター、美術家の母と元恋人などが登場すると、急に話が進展し、美術館の企画者が登場してカタストロフは収束する。シンプルだが結構そこに惹きつけるものがある。だが何といっても、最後にその母が鯨のようなオブジェに正座して、光を浴びる場面が美しい。ある種の優しさが漂って、鯨に乗ったオバさんがこんなに決まるのは、見てきた物語の流れもあるが、やはり明神慈の感性ゆえだろう。ところどころはまりすぎたセリフにオヤと思ったが、そこをもう一つ自然にすればさらにしっくりくる。ただ照明家が作家の母とただならぬ関係を覗かせたり、恋人がなぜか自殺しようとしていたらしいなど、妙な背景がほのめかされるのは面白い。　もしできたら、この登場人物たちを使って、も一つ新たな物語を書いてはどうだろうか。明神には畳屋の女という傑作があるが、これまで作り出してきた役、キャラクターを生かして、バルザックの人物再登場の原則を踏襲し、全体を大きな物語に構築できないか。明神の想像力は独特のものがある。それをさらに生かしてほしいと思う。

  2005年06月06日

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• ●岡田利規「エレクトリック・シティ」＠シアタートラム、2005.6.3

  　ドイツの劇作家ファルク・リヒターの脚本によるドラマ・リーディング。男性3人女性3人が舞台に椅子を並べて座る。ライティングが変わり、スポット、パンなどで変化をつける。後は非常に静かにかかる音楽とPAでちょっと入る声、上手端の女性役者がレジ音として鳴らすサンプリング音くらい。　登場人物はトムとジョイという二人以外はなく、両端の男女がそれを担っているが、そのセリフの一部を残りの四人が交互に話したり、コロスのように重なって語ったり、同時に別のことを語るなど、語りの形は解体しており結構複雑な構造をしている。　物語の内容はこの二人が一度も合わずに交す会話と周囲の物語だが、例えばトムが泊まっているホテルの部屋がわからず迷う、次の飛行機の便がわからず迷う、ジョイが働いているレジの機械が壊れて迷うなどの迷いが設定されている。しかしそのいずれが現実ともつかない話として重奏する。トムは働き盛りのサラリーマンとして他の人々と区別のつかない姿で働き、ジョイも働き場所を次々と世界中を指定されて移り、代替のきく仕事として個性がない。どこの都市もグローバル化の名の元で均一化されており、そこでどこでも同じ、だれでも同じという生活を営んでいる。その意味ではグローバル化に対する批判なのだが、それを複雑化して見せているというだけでは、十年前の感覚だ。ただこれをストレートに語らせる劇作家の意図は、もう少し違うのかもしれない。　それを岡田は抑えた普通のセリフ回しで語らせる。所々、主人公二人が激しく感情を出すところはある程度の高揚があるが、それ以外は普通の会話に近い、素朴な朗読である。朗読のプロ、役者っぽくない語りだから、違うものを期待した観客もいただろう。しかし岡田の芝居は日常会話のような語り口だ。それは平田オリザの静かな演劇とは違う。日常を描くための日常会話ではなく、もっと戦略的な方法だ。それは岡田の作劇を見ればわかる。演劇の枠組を考えながら、演劇を解体しようとしている。　たぶん60年代以降の演劇の解体は、枠組自体を飛び越えて自由なことを行うことであったと思う。しかし岡田はその枠組を慎重に考え、そのなかで解体しようとしている。それは時には身振りなどがダンスに似てくるとか、語りや視点が転換する、同じ役を別の役者が演じる、あるいは演じるような振りをして戻るなどの「揺れ」で表現しようとする。　この方法は実は現在、非常に有効なのではないかと思っている。かつての解体は激しい身振りで、ある意味で鳴り物入りで解体する。新左翼時代の革命志向と重なった部分もある。しかし岡田の試みは、例えば小さい振動を寺の大きい鐘に与えて、徐々にそれを揺り動かすようなものではないか。そういう「揺れ」「ぶれ」などで静かに、慎重に、しかし実は本質的にはアヴァンギャルドに解体を行おうとしているように思えるのだ。

  2005年06月03日

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• ◆ルームルーデンス「夜長姫と耳男」＠麻布ディプラッツ、2005.5.3

  　坂口安吾の小説に基づくらしいが、古代の伝説のような物語。開演前から四角く当たった照明の周囲を淡々と動く。始まるといきなりジャンプ、回転して倒れ、さらに何度も倒れつづけるところはちょっと面白かった。仏像を作りにきた職人が姫に翻弄される話で、姫を4名の女性が演じる趣向もいい。照明と舞台作りも面白い。ただ物語が少々シンプルすぎて、その繰り返しで、さらにそれをピエロが解説・狂言回しするというのは、ちょっと。仏師に差し出される機織女の耳切りや、次第に狂気じみていくところなど盛りあがりはあるのだが、脇話を加える、あるいは男女が入れ替わるなど話を複雑にしないとちょっと飽きてしまう。衣装も下に黒い上下だと、モダンダンサーが上に羽織ったようで、衣装が身に付いて見えない。たとえば中を肌じゅばんかステテコ上下などにするだけで、イメージがもっと高まるのではないか。音楽も発想もいいのだから、モダンっぽく、抽象っぽくせずに、リアルな雰囲気を作ったほうが、物語の雰囲気を醸し、観客に訴えるのではないか。

  2005年05月04日

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• ◆tsumazuki no ishi「BRAY KITCHEN　無頼キッチン」, 2005.4.27

  　主宰で演出・出演の寺十吾（じつなしさとる）が倒れたという。そのためキャストを変更し、演出も木立隆雅となった。とはいうものの、スエヒロエイスケという稀有な才能の劇作家の脚本と個性派ぞろいの役者によって、この劇団らしい舞台を作りだすことに成功した。　子どもへの加虐歴のあり鬱で家にいる父を、再び保護している児童相談所などの男女が訪れ、学校の先生たちも訪問し、家には寝たきりの親とひきこもりの義弟がいて、妻は健康食品の営業という一家。義弟は実は友人と拉致してきた女を監禁しているが、その女は新興宗教に入っており、訪問客もどこか変わっている。　しかし現代日本のカリカチュアというほどの誇張ではなく、周囲に鬱は一人くらいいる現在、むしろ個々をとってみれば普通にあることだ。　怪優といってもいい存在感とパワーをもつ役者がいるうえに、奇妙に変化球の物語が面白い。猫田直は最近信じられないようなハードなキャラクターをこなす。ただ主人公が繰り返し強調する「支配」の論理はちょっと単純でかつ冗長だった。部分的に刈りこんでかつテンポ、緩急を強調すればかなりいい。寺十吾が主人公を演じ演出すると、もっと曲がった物語になるだろうから、ぜひ寺十版の上演もお願いしたい。

  2005年04月27日

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• ◆鼠派演踏艦「サド・死の宴」神楽坂ディプラッツ、2005.4.20

  　宮下省死という人は実にうまい。大久保清をやった作品でも本当になりきった雰囲気が伝わってきた。語りがメーンだが、それだけでこの世界を作りだせるのは稀有な存在だ。元々ストリートで舞踏を今は亡き天才サックス奏者阿部薫とやっていたり、土方巽のアスベスト館ではダンサーとして巡業していたりという経験があり、70年代に鼠派演踏艦として活動、女性舞踏家などを含めて舞台をつくってきた。マルドロールやサド、大久保清など異端の世界を物語化し、舞踏を交えて舞台にする。芝居と舞踏の融合のようなもので、それはこの名にも表れている。　今回はサドの世界で十数年振りの再演、以前は女性が出たが、今回は一人芝居。監獄、精神病院の収容を繰り返したサドの晩年、病院のベッドにいるサドを刑事が訪問し、それを相手に過去の事件などを語るものだ。中央にベッド、下手に衝立、眠りから醒めて事件を一つ一つ語る。その間にベッドから降り、上手や衝立の向こう、ベッドの背後などで舞踏的にゆっくりと動く。　声真似など落語家顔負けの技術で、物語に引き込む。物語もしっかり作られ、作演出を含めた宮下の力量は相当なものだ。物語内容はサド伝などで描かれたものに基づいているが、知らない人にはかなり面白いだろう。　ただ同じパターンの繰り返しで、ちょっと一本調子、最後はキング・クリムゾンの音楽とともに盛りあがったが、舞台的には場面か物語にもう一つ展開があるともう少し一般的に受けるかもしれない。

  2005年04月20日

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• ◆笛田宇一郎事務所「ハムレット／オフィーリア」麻布ディプラッツ、2005.4.19

  　ハムレットマシーンを読むといつも途中で眠ってしまうのだが、ハムレットというわかりやすい素材を解体する意味は、いつまで有効なのかちょっとわからない。演劇人にとって装置として機能していても、それは同時代的にはどうかなあと思ってしまう。　笛田は非常な実力派で早稲田小劇場で活躍、近年も解体社などで身体性に挑戦している。ハムレットという演劇の代表作品、特にモノローグの魅力を抽出しているのだが、その上手さに比べて、語られる中身には惹きつけられなかった。三人の役者が登場し、それぞれ独特のキャラクターと力をもっているのだが、言葉の内容的は三者の違いも際立たず、発せられる言葉は左から右へ抜けていった。この役者の力量を生かすには、脚本家がまず必要だと思う。第三者の視点でテキストを作っていき、それを役者が体得する、こういった作業を行うことで、言葉にリアリティが生まれていくのかもしれない。

  2005年04月19日

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• ◆楽園王「ELECTRIC　GARDEN」ムーブホール、2005.4.15

  　足場のように組んだ観客席という設定が魅力的。脚本もかなりのレベルである独特の世界を作りだしている。ただ役者にムラがある。非常にうまい役者と素人が混在し、捻った物語に観客を引き込めない部分があるのではないか。婦警をやった役者はどこでもいい役者で通用する。出演者をもう少し絞って、タイトにしてもいいと思う。ただこの独自の幻想世界はなかなか魅力的だった。

  2005年04月15日

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• ■白井晃「ルル」世田谷パブリックシアター、2005.4.12

  　原作のヴェデキントといえば、「パンドラの箱」。これはルル二部作の一つ。「ルル」は伝説の美女、ルイーズ・ブルックス主演の映画で知られる。　ファムファタル、つまり一種の悪女として数々の男を手玉にとる女ルルを描く物語だ。これを演じる秋山菜津子がいい。役に入ってしまうタイプの役者で、これまでも大人計画やケラの舞台で独特の光を放っていた。それが今回、まさに劇団秋山菜津子といえるような舞台となった。それにしても古谷一行はいま一つ。俳優座の古い翻訳劇的芝居作法が目についた。最後に切り裂きジャックとなって殺す場面はよかったが。他にもみのすけ、浅野和之など芸達者が揃ったのだが、そのわりには男性の芝居には魅力が感じられなかった。秋山のようには「入って」いないことが一番大きい原因だろう。愚かにルルにのめり込む男に成りきれていない。男のプライドを捨てた演技がほしいところだ。　しかしこの舞台の特徴は、演技の間に入ってくるダンスと音、映像にある。冒頭から役者たちが慣れない奇妙な動きをする。これはなかなか面白い。かつてつかこうへい『ストリッパー物語』で一世を風靡した根岸季衣がルルに恋するレズ役で、かつダンスを踊るのもいい。井手茂太の振付は、劇団ダンダンブエノをはじめ、演劇にもかなり有効だが、ここでは実験的な雰囲気を作り出した。舞台装置も、大きく客席に張り出した長い舞台がニ幕目でその1部が上がって部屋を作りだすなど、かなり意欲的なものだった。たぶん芝居が全体にもう少しアップテンポで進み、それゆえの混沌を作りだせば、映像、ダンスと合間って面白くなったろう。

  2005年04月12日

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• ●演劇崇拝◎自動焦点「私たちは何をしているのか分からないが何かをしている。」麻布ディプラッツ、4/5

  　このディプラッツのシリーズは実験的な舞台が続くが、これもかなり尖った作品だ。なんといっても生で語られるセリフは冒頭の導入、案内人だけなのだから。　中心にベッドと家具の部屋的空間があり、誰かが眠り男が看病するような位置にいる。周囲に６つの椅子と帽子掛けとカセットテレコがあり、黒服の男女がそれぞれ座る。暗い中そこだけに照明。そして男女が帽子掛けの帽子とコートを見に着け、ゾロゾロと部屋に記帳して入ってきてコートと帽子を脱ぎ、部屋の一方に向かって並んで立ち、ちょっと傾く。ペルとともにそれぞれが食器をいじったり床をこすったり無意味な動作。ベルとともに止めて順番にコート帽子を着て自分の場所に戻る。一つだけその席が明るくなると、テープをまわし、モノローグが聞こえる。セリフはこのテープだけ。その当人が採取した音という設定だ。執拗なイメージの連鎖、前言を覆し、さらに覆していく言葉の濃密な世界がテープで流れる。役者は、１人前振り、司会で出てきた男だけという実験的な舞台。テープで聴かされる話はそれぞれ違い、執拗さで嫌になる。不条理演劇のロジックみたいなモノローグだ。一連の動作が繰り返されるが次第にずれていく。そして最後の話が終るとベッドの女性が立ちあがり、そのモノローグが流れる。６人の男女の存在は自分の夢の中だという。「夢落ち」かと思うと、言葉のなかで微妙にそれを揺らがせる。　特に語られるモノローグが、聴いていると嫌な気分になってくる、そういう語りだ。対話の一方という設定だが、会話が特定できないように微妙にずらしていること、そして語られる内容が不快さを提示する。セリフがテープ、動きが抽象化されているなど実験性が高く、言葉の不快さを演出している点でも、かなり独特の力がある演出家だ。所々眠くなりながら、多様なモノローグの不快な海に漂うという印象だった。

  2005年04月05日

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• ■流山児事務所「肉弾三勇士」スペース早稲田、2005.3.29

  　70年代の流山児の戯曲を天野天街が大胆に変えた。いや、当時の新左翼的、革命志向の匂いは残し、天野流の早く激しい転換を入れて、いまの観客に十分訴える舞台にした。スピードは天野の少年王者館よりも遅いが、そのぶん物語とそのこだわりがよく見える舞台になった。

  2005年03月31日

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• ■電動夏子安置システム「煽動屋合戦」アイピット目白、2005.3.27

  　印刷所の一家と隣の一家、広告代理店などの設定で、近未来の話のようだが、なかなか複雑な脚本で長時間見せる。ただ最後に米国と戦う云々で「日本人」を主張しすぎており、多民族化が進む現状との乖離があるだろう。もう少しコンパクトにまとめて、登場するキャラクターを整理したほうがいいように思った。

  2005年03月30日

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• ■テアトロ・マクナイマ「カルメン・ミランダ　大野一雄へのオマージュ」BankArt NYK、2005.3.26

  　ブラジルの有名演出家アントネス・フィリオの劇団で、本来は芝居だが、今回はダンスの舞台。バンクアートで大野一雄フェスティバルをやったときの企画のため、大野とかつてのダンサーカルメン・ミランダへのオマージュの舞台。今回新しいバンクアートNYKという港の建物の前、屋外に舞台を作った。港、海を背景にして彼らが踊るのを陸側から見るという趣向は美しい。女性4人の舞台だが、小学生のようなキャラクターで登場する女性ダンサーと、男装して狂言回しのように踊るダンサーが面白い。そしてブラジルの舞踏グループタマンドゥアから1人ダンサーが参加した。このグループは亡き楠野隆夫がブラジルで育てたもので、優れた舞台をいくつも上演してきた。　舞台はミランダを模した女性のダンスとオマージュというそのままのものだが、キャラクター、構成でなかなか見せるものだった。

  2005年03月29日

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• ■フォルクスビューネ「終着駅アメリカ」世田谷パブリックシアター、3/25

  　『欲望という名の電車』を元にした舞台。スタイナーは中年ロッカー、男たちはロックを奏でる。中央にバスルーム、上手にベッド、下手にキッチンとバー。バスルームのなかの様子が置かれたテレビに写し出される。　キャラクターは皆戯画化されており、本来しっかりものの妹ーーは、グラマーのキャピキャピ美女。　スタンリーのポーランド移民というテーマが強調される。原作や他の上演でもポーランド人差別の言動が観えていたが、それを「連帯」の活動と重ねてみせるのは、現代劇として描くには当然だろう。68年以降の新左翼意識はドイツの団塊世代と思われるこの演出家カストルフにも顕著に表れている。　ミッチはマザコンの性格づけが原作でもあるが、それをヒッチコックの『サイコ』と重ねたパロディなど、あちこちにそういう要素がある。　そして舞台が向こう向きに傾いていく展開は、ある種のカタストロフを演出し、しかし役者はそのなかでも淡々としている。ロック、米国、ワレサとポーランド、アロディなどを盛りこみながらも、この役者たちが微妙に緩くのんびりしたところ、それが新しいのかもしれない。いずれにせよ刺激的な舞台だった。

  2005年03月27日

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• ■チェルフィッチュ「ポスト＊労苦の終わり」STスポット、2005.3.23

  メモ１　情景と印象　日常的な友人に話すような口調で男女、夫婦ともう1人の男が語り、マイクとビデオとそれを写すテレビ、椅子などがある舞台。ほとんど常に、「これからこういう話をします」と話者か他の者が前置きして始まるセリフは、一見だらだらした日常の言葉だが、それが実に周到に作られている。それは例えば女が「先輩がこういって」と語るうちに、いつのまにか先輩自身のようになって、また戻ってきたり、あるいは執拗な同じセリフのリフレインなどに見てとれるが、のみならず「夫」は二人の男性が演じ、寡黙と理屈っぽいというそれぞれ異なった性格付けになっている。　そして特徴的なのは人々の身振りだ。いいたくないことをいおうとするとき、親しい仲などで、それぞれがちょっと手を動かしたり、足を動かしたりする動作やポーズを誇張し、リフレインで過剰にしている。ダンスではないのだが、コンテンポラリーダンスが日常の動きなどを取りいれていることに近づいてもいる。　つまりセリフと動作、言葉と動きが日常的なものに発しながら、微妙に過剰になり複雑に組み合わされ、そこに「ずらし」「反復」「模倣」「引用」などがこれでもかというほど行われる。その操作に観客は惑わされる。　映像は日常的な立ち姿などをぼかして映し出し、時には携帯の画面や手に書いた文字を写して、説明や注釈が加えられる。ポストモダン時代なら脱構築といわれたような、演劇とセリフの構造に対する、そして言葉と動き、物語自体に対する新しい挑戦がここにはある。そしてこれは一見対話の形をとりながらも、実はほとんど対話は少なく、モノローグと引用によって成り立っていることも重要だろう。モノローグのほうがよりそれぞれの勝手な論理と語りを過剰にできるからだ。　執拗に繰り返されるだらだらした語り口とその内容は、あまりにありがちなリアルさゆえに観客に不快に響く。もっとコミカルに楽しい話にしてしまうこともできるはずなのだが、それを敢えてこの不毛な男女の議論というテーマにした作者は、やはり決して非日常ではない日常の典型的物語こそが、この挑戦にふさわしいと考えている。その詐術の巧みさと客観性は、「これから……の話をします」というそれぞれの宣言に見事に表れている。次にこの作者はどのように物語と演劇を壊そうとするのか、それが楽しみだ。メモ２　詐術と策略　普通の人の会話モードで語られ始める話。それは夫婦喧嘩。「疲れた、疲れた」という夫と「なんで」という妻。夫は「疲れた」と吐露することで癒されたいと思うが、妻はその言葉が自分に対する非難のようにも思える。「疲れた」といわれる妻は、「お前は疲れていない」という非難のように聞こえるのだろう。たぶん、「専業主婦で小さい子どもがいない妻は普通疲れてはいない」と夫は思いがちだ。機械がやってくれる洗濯、障子に手をやる姑もいない。冷凍でも気がつかない夫。しかしそれでもちょっと何かに気を入れれば、主婦の1日はあっという間にすぎるという現実。　だがこの物語はそういう不満の理由をたどるのではない。男女のいさかいに常にある論理と感情。それを追求するのでもない。共に暮らすときの齟齬、コミュニケーションがどんどん通じなくなっていること、それが一つの要素だ。そのもとにある、永遠に合いいれない男女の論理。それを恐ろしい饒舌さで語りだす。　いや、これは論理ではない。饒舌さとリフレインのリアリティ、それ自体が立ちあがっている。この男女のセリフを聞いていると、「うーん、ああいう女いるよな」とか、「自分が女と議論しているときは、どっかあんな感じに陥っている」と思う。ただそれが実に過剰に表現されているのだが、そのリアリティゆえに観客が不快感を感じる。それはあたりまえの日常のリアリティだ。だがそれを舞台で感じさせるところが、まずこの作家の力だろう。　しかしそのリアリティだけではない。この作品は恐ろしく詐術に満ちている。例えばある夫婦の喧嘩について伝聞で語る女性、それが時折その妻になる。あるいは夫のセリフを再現する際には夫にもなる。ルームメイトの二人の女性の関係が二つのカップルをつないでいて、それぞれの物語なのだが、相手の語る言葉を再現することで、劇的には役柄を侵犯・侵略する。さらに夫婦の夫となる男は二人が演じ、その関係はよくわからない。また後半になると、女性の夢の中がリアルに立ちあがり、結局若いほうのカップルがどうなったかわからずじまいだ。　また、常に「これからこの場面を演じます」ということで、登場人物が「演じる」という他者を示してしまうことで、物語を常に壊そうとする。おそらくここまで徹底的に「物語」、語られるドラマを壊そうとした作品はないだろう。　もう一回整理してみよう。まず、ここには多くの物語の破壊がある。　１　人のセリフを引用して語ることによる破壊。　　自分と語る相手の間の侵犯、いつしか自分がその相手を演じること。　２　その対話のさらに相手をも演じてしまう破壊。　　引用のなかで、妻を演じた女性が男性のセリフを語り演じていく侵犯。　３　その元の女性を「演じます」ということによる破壊。　　演じていることを常に観客に見せ、語りで物語に入っている観客を引き戻す策略と客観化。　４　夫とされる人物が二人登場し演じていく破壊。　　若い女と妻、若い男はある程度固定されているが、なぜか、「寡黙に近い夫」と「非常に饒舌な夫」の二人が存在する。当初は同じ「夫の論理」を示すのだが、途中から、「妙な饒舌な夫」と「寡黙な夫」に分離する。　次の特徴として、会話の過剰さとリフレインがあげられる。　特に女性の会話は果てしなく過剰だ。しゃべりつづけること自体が存在のように語る。そしてリフレイン。しかし実は日常会話の舞台化だろう。私たちの現実の会話はリフレインに満ちている。相手にすぐには通じないので、必ずといっていいほど、繰り返しているのが現状だ。それを過剰に見せる。　これをディスコミニケーションへの批判などといってはならない。物語で語られるように、私たちは対話で相手のいうことをすべて聞いていたり、理解しているわけではないのは当然なのだ。ある意味で、自分の都合のいい言葉、受け入れられる会話しか許容していない。むしろこの物語の会話は十分コミュニケーションがとれている。モノローグ的な部分は多いのだが、対話を基盤にしている。しかし対話しながらも、それを破壊しようとしている。この作品の徹底した破壊と対話は、何か新しい演劇の創造の一端を見たような気にさせた。

  2005年03月25日

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• ■OM-2「作品No.3」ムーブホール、2005.3.16

  　初日は二人の女性がブッシュがらみの2chを交互に朗読して始まり、パソコンの文字で描いたブッシュらの巨大な壁が倒れるところから破壊が始まる。椅子を破壊する女性たち、自らを傷つける踊る男、しかしなにより太った佐々木敦が今回も舞台の中心だった。顔にゴミバコを被り、そのなかのビデオカメラが写す顔がテレビや背景に写しだされる。ボソボソと語る「デブ扱いされたぼやき」などから、叫び苦しむモノローグは、人間が誰しも持つ素朴な葛藤をそのまま舞台に載せているようだ。前回の巨大な風船のなかでの消火器噴霧ほどのインパクトはなく、むしろ淡々と苦しみとあがきを表出している。　携帯で語られるブッシュ批判その他はもう「いま」を失っている。それを描いた壁もたぶん1年以上古い。でも聞いてしまう僕らは、それに応対していないことも確かだ。しかし響かないだろうと思う。その壁を倒すことは予想してしまった。またその後も特に響いてこない。だが、唯一立つのは執拗なデブ、佐々木敦の存在だろう。ゴミ箱に突っ込んだ顔、その語る言葉、すべてがリアルに響く。他の場面は付けたしにしか感じられない。ただ佐々木の動き、一挙一動が意味をもってくる。それはデブという特権的肉体を持った佐々木だからなしえるものだろう。この存在と存在感に頼りすぎるとヤバイと思うのだが、どうだろう。

  2005年03月16日

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• ■松尾スズキ「蛇よ」＠スパイラルホール、2005.3.4

  　「蛇」というテーマで多くのネタを考えつないでいった。それが何を生みだすかは不明だ。松尾スズキが大竹しのぶとともにという、トップ演出家と女優の組み合わせに期待したが、それは見事に裏切られた。「蛇」というテーマによる小ネタ集で、それが集積すればなんとかなると思う甘さ。でも大人計画、松尾、宮藤ともにそういうユルさがあるのだから、それはむしろ本質的特長なのだろうが、それが奇妙な力学で高まって舞台を構成するのがかれらの魅力。それがここでは高まらない。ネタの印象も薄れていくという点でもちょっと残念だった。

  2005年03月04日

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• ●ク・ナウカ「山の巨人たち」スズナリ、3/1

  　昨年の公演で深沢襟が演出した芝居。しかし宮城聡はここに、演劇に対する本質的な問いを表現したいと考え、敢えて自ら舞台に登り、深沢と共同演出したのではないか。　宮城は自分のなかに、芝居と役者について大きな問いを活動の当初から持っていたと考えられる。初期に行っていた作・演出・出演の1人芝居は、納得できる舞台は他人の手を借りては作れないという確信と絶望からきていたのだろう。　その後、初期のク・ナウカの舞台は見ていないが、ク・ナウカで演じ手と話し手を分けた根底には、役者の素朴な個性、単なる技術では演じられない舞台を作りたいという欲望が感じられる。それは芝居の本質を問うという欲望だろう。『山の巨人たち』が問うものは、その本質的な芝居への欲望ではないか。舞台に乱入する人々が現実と芝居の違いを問いかける。これは現実と幻想、フィクションすべて、文学も含めて実は芸術の意味を問う視点だ。　その問いへの答えや結果はさておき、というか置かないわけにはいけないのだが、そこで何かを示そうとする営為そのものがこの芝居だ。これを舞台に載せて問うことは、ある種の文学青年的青臭さを感じないわけにはいかない。しかしそれを超えていま、なぜこれを問うのかと考えることは、表層的な演劇のモードやブームに対する小さな楔になるのではないか。宮城聡が意図しているのはそういう、一見小さく古くもあるが、実は大きく新しい営みではないか。　この舞台で、一番興味深い役者は舞台に介入する宮城聡だ。かつては1人芝居のみならず優れた役者として光芒を放っていた宮城。しかしこの舞台は、その輝きを見ることではない。20年以上舞台を作ってきた宮城が敢えて見せる青臭さ、芝居への問い自体だ。それは演劇とは何かという本質的な問いに関わっている。宮城はこの芝居でそれを執拗に問うている。実は宮城の芝居はすべてその原理、つまり舞台への問いで成り立っているといえる。それを露骨に露呈させた舞台が、この『山の巨人たち』だ。　今回の舞台は、少なくとも見た日については大成功だった。芝居の途中で退出する観客を4名確認したことがそれを証明している。冒頭見せる劇場の物語への闖入者。それによって元の物語も闖入者たちの物語も浮かび上がる。予定調和的な破壊を越えて、演劇を問う宮城の姿勢とこの舞台に乾杯しよう。

  2005年03月01日

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• ●ナイロン100％「消失」＠紀伊国屋ホール、12/24

  ケラの特質がよく出た作品。大戦、おそらくは核戦争後に暮らす兄弟の弟が女性にクリスマスに告白をするという設定。しかし弟はロボットで失われた弟の代りとして兄が可愛がっており、時折メンテナンスをするが、嫌な、あるいは都合の悪いメモリーを消している。だから弟は自覚していないのだが、これまで付き合った女たちは何らかの理由で殺してしまっている。それをガス屋を装った政府管理局の人間が付きとめるが、新たな戦闘が始まり、というストーリー。近未来や過去などSF的な要素を交えながら独特の不安感、不条理感を醸しだす。　客演は1人のみで、特にみのすけの演技がいい。普通っぽい青年、素朴な弟をいつもの癖のある演技ではなく、ある意味で正統派的に演じきる。見応えがありかつ、次の展開にと惹きつけられるため3時間とは思えない。しかし意図的であろうがテンポが遅い部分、説明的な部分などを少し刈りこんで2時間ちょっとくらいにしたほうが、より濃密感が高まるだろう。いつもの字幕もちょっと説明的になりすぎているきらいがあった。物語的にはもう少し衝撃度というか、「なるほどそうだったのか」という思いがほしかった。

  2004年12月24日

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• ●竹中直人「唐辛子なあいつはダンプカー」＠本多劇場、12/21

  　松尾スズキ、ケラリーノ・サンドロビッチ、宮沢章夫、竹中尚人、木村佳乃、これほどの脚本家たち、メンバーによる舞台なので、合わせようもなく、凄いものになるとは思えなかったが、それを遥かに超えて残念な舞台だった。　竹中が生き別れた妹木村を探すというストーリーを軸に、それなりの肉付け、趣向があるようだが、ストーリーもギャグも面白くない。そこに物語を示すミュージカル風の歌、それがいつしか既存の曲になり、バンドがあるものの、どうみても芸能人カラオケ大会の様相を呈しはじめたときにはあっけにとられた。　どうやら皆多忙につき脚本が間に合わなかったなどの理由があるらしいが、テレビの深夜のおふざけ番組以下といっていいだろう。竹中流ギャグももう20年前のモード、ギャグは時代を反映することを肝に命じてほしい。あんなに面白かった熱海殺人事件だって10年たったらほとんど受けなった。　「月光のつつしみ」など竹中には傑作の舞台があるのだから、本当にもったいないと思った。

  2004年12月21日

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• ●唐ゼミ「黒いチューリップ」＠満天星　12/18

  　唐十郎が横浜国立大学教授になったことは大きく報道されたが、そこで教えるうちに学生たちが舞台を作りはじめた。唐は古いテントを送り、毎年構内で唐の旧作を公演してきた。最近は東京公演も行い、このたび新宿梁山泊のアトリエ満天星で唐の埋もれた名作「黒いチューリップ」が上演された。　４年ほど前に唐十郎が「赤い靴」を横浜で上演したときに、その女優たちが打ち上げで演じたのを見て、「これはなかなか」と思っていたが、ようやく見ることができた。数年間で彼女たちもいい役者に育っている。実は唐の「眠りオルゴール」にも客演していた。この作品は上演時の評価が今ひとつで再演もされなかったが、見るとなかなかで、いい作品だ。演出の中野敦之が見事な舞台を繰り広げた。セットも凝っていたしとても学生演劇ではない。数十年たっても唐の芝居は新鮮に見ることができる。本当にいい公演だった。ぜひみんな見てほしい。

  2004年12月19日

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• ●松尾スズキ「イケニエの人」＠世田谷パブリックシアター、12/2

  　複雑な物語によじれた笑い。黒い感情と混沌が渦巻く松尾スズキの世界は本当に魅力的だ。一度設定したシチュエーションからどんどんとカードを切って、次第にダイナミズムを獲得する手法は、実は唐十郎が得意とするもの。ただ唐は最後に救いを見出すのだが、松尾は違う。よじれたまま、混沌のまま結末をつける。その意味では最も不健全、危険な劇作家だろう。今回個々の役者があまり輝かなく見えたのは、それぞれのキャラクターに我々が馴染みすぎているためか。あるいは全体の骨格がいま一つ緩いためか。個々のギャグの緩さは特徴なのだが、密度が少し薄まったように見えるのは、馴染んで、もっと「濃く」と我々が望んでいるためか。

  2004年12月02日

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• ◆ク・ナウカ『アンティゴネ』＠東京国立博物館本館前特設ステージ、10/19

  ◆大胆な野外劇場　ク・ナウカは昨年、東京国立博物館でおそらく初めて、演劇の上演を行った。過去の歴史を紐解いたら、前身の帝室博物館時代にあったかもしれないが、少なくともここ数十年、この博物館で本格的な演劇の正規公演が行われたことはなかったろう。『マハーバラータ』という古代インドの戯曲の上演だった。音楽や役者が周囲をめぐる画期的な舞台で、美術館の入場券もサービスされ、夜にも関わらずインド美術などが一部鑑賞できる設定だったが、せっかくこの博物館でやるにしては、普通のビルの地下のような風情が残念でもあった。しかしこれを契機に美術館側も乗り気になったらしく、倉迫康史のOrt+d.d.による『四谷怪談』が雰囲気のある西洋建築の表慶館「階段」で行われ、リニューアルした本館では上田遥振付によるダンスの公演など、続々と行われてきた。ちなみに前者は演劇関係者から高い評価を得ており、またつい最近の後者は、『卑弥呼』をテーマに、小島章司、舘形比呂一、橋本拓也、熊谷和徳、三木雄馬といった多ジャンルのトップダンサーの共演だった。　そしてク・ナウカは、ついにこの博物館の顔ともいえる正面の噴水池とエントランスを使って野外舞台を組み立て、大胆な上演を行った。正面にある本館の入口はコンクリート造だが、日本風な大屋根とエントランスが魅力的で、その前には巨木と西洋風の池がある。その入口前に舞台を作り、なんと大胆にも池の半分の上に客席、そして残りの池半分を舞台の一部として使い、奥の本館のエントランスに楽隊という配置だった。ク・ナウカは以前から、自分たちでパーカッションを中心に生演奏の音楽を使うことが多く、今回はここで演奏が行われる。この博物館本館という背景だけで十分にある種の荘厳さというか雰囲気が作られているので、このロケーションを選んだ宮城のさすがのセンスだ。　舞台中央には、6mほどの金色の湾曲した角のようなオブジェが、直径4mほどで円形に生えるように置かれている。その手前には白い衣の人々が8名ほど横たわり、黒い衣の人々が10名あまりしゃがみ込んでいる。その中の１人が立ち上がり舞台奥に去ると、１人、アンティゴネ（美加理）が置きあがり会話が始まる。対話相手の妹イスメーネーを黒衣の数人の女性が演じ、その会話で、王の布告に逆らって、兄ポリュネイケースを弔うという決意が語られる。アンティゴネは、デルフォイの神託によって、母（イオカステ）と結婚して交わり、父（ライオス）を殺した有名なオイディプス王の娘、近親相姦の子。王座を兄弟で争って死んだ兄の供養について、兄弟愛を通す。それについて、現在の王クレオーンとその息子、アンティゴネの婚約者ハイモーンが争うことになる。　周囲の白い衣装の者たちはコロスで、黒い衣の人々は当初イスメーネーを数人で演じ、そして奥に去って音楽を奏でる。やがて白い堂々とした衣装の男たちが上手から６名登場し、阿部一徳を中心に王クレオーンを演じる。美加理のアンティゴネは金色の角の輪の中に入り倒れて、王に洞窟に幽閉されたことを表す。その姿はさすがの美しさだ。客席後方からハイモーン（大高浩一）が光を受けて登場し、客席前の噴水を渡って舞台に登って王とやりあう。野外劇の空間を生かした展開だ。　その後、アンティゴネは下手に去り、コロスたちが白い紐を引きずって去っていく。物語では首を吊って自害するが、この白い紐はそれを象徴している。王たちは上手に去り、音楽の演奏が高まっていく。やがて下手の奥から蝋燭の光がいくつか現れる。頭に蝋燭を灯したコロスたちとアンティゴネが、次第に近づいてくる姿は非常に神秘的だ。そして舞台に並ぶ。王たちも登場し、間に入り舞台前面に寄ってくると、それぞれが黒枠の写真を持っている。下の池には灯籠が流れて、なんとも独特の美しさをもつフィナーレだった。◆死の美学　最後はクレオーン、ハイモーンの妻エウリュディケも自害するという物語だが、宮城はアンティゴネが死んでいく話を中心にして、簡潔に美しくまとめた。舞台の荘厳さももちろんだが、衣装、音楽、設定ともにギリシャ、アジア、日本の混じりあった独特の混淆も、この舞台の魅力の１つだ。また、これまで宮城聡が行ってきた二人一役は台詞と演者が分かれる形だが、今回は王を６人が一役とし、イスメーネーも本多麻紀と数人が一役として演じて、台詞を発しながら動く。数人一役とコロス構造の合体という感じだ。広い舞台のためもあるだろうが、１人ではなく数名の声が響き、言葉を時に明瞭に、時に複雑に響かせて美しい。　コロスたちは、ゆっくりとした舞踏的な動きをまじえながら、独特の抑揚で語る。そしてそこに美加里の声が響いていく。最後の頭に蝋燭を載せた姿は、澁澤龍彦の『菊燈台』を意識したものだろうが、黒枠写真という日本的な死をギリシャ悲劇に持ち込み、インパクトのあるエンディングとなった。冒頭から倒れ伏す人々は、兄たちの戦いで敗れた人々の死体とも見える。彼らはコロスとして物語を展開しながら、最終的にすべて死に向かうというエンディングを暗示してもいる。日本的な死の美学とギリシャ悲劇の死の美学が微妙に重なり合い、アジア的な音楽とともに、死そのものを異化しようとする印象だった。　台風による雨のため野外劇には厳しい状況だったが、雨合羽、クッション、カイロ、大きめのビニールの一式が配られ、十分な配慮がなされていた。雨のなかで台詞の聞こえ方が心配されたが、一部マイクを使い十分聞き取れて、雨を感じさせない衣装と舞台構成など、利賀村や日比谷公園、ギリシャのデルフォイ神殿などでの野外上演経験の多い宮城の技量が十分発揮された。時期はずれの台風により上演中止もあって興行的には厳しかったろうが、都内には多くの美術館、公園などがあり、例えば新宿御苑の御涼亭など、上演に向いた場所があるので、これからもチャレンジして、日常では見過ごす場所で、ぜひとも宮城聡、ク・ナウカの幻想世界を繰り広げてほしい。

  2004年10月19日

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• ●佐藤信『リア王の悲劇』＠世田谷パブリックシアター、10/5

  　黒テントの佐藤信は石橋蓮司の劇団第七病棟の立ち上げのときに、唐十郎の戯曲『鉛の心臓』を演出した。これは紅テントと黒テントが共同して蓮司の劇団の出発を祝うという、演劇史上も画期的な出来事だった。それから佐藤は黒テント以外でも演出を続け、数年前にベケットの『ゴドーを待ちながら』を、世田谷パブリックシアターで、蓮司と柄本明という、これ以上はないというキャストで演出した。いわゆる60から70年代アングラ演劇世代だが、様式性もかいま見える落ちついた芝居を作り上げた。佐藤の芝居は元々、社会性の強い部分も多く、唐、寺山と比べると物語の骨格はオーソドックスといってもいい。ディテールに破天荒な部分があり、ダイナミズムもあるが、しっかりした芝居という印象だ。　舞台中心やや上に蝋燭の光が紗を通して見え、太鼓の音が入場時からドン、ドンと小さく響く。紗が上がり舞台に光が当たると、目の前に巨大な階段が広がる。舞台の幅一杯、すべてを支配する階段は、リア王の権威を象徴する王宮だ。両側には鎖のカーテン、そこから人が出入りするたびにジャラジャラ音を立てる。手前は奈落に入るように作られ、その上に分割された床が移動して、舞台にも入口にもなるという立体的な構造。この奈落の利用が、より大階段の効果を強めている。幅50センチで20段、高さ６メートルの大階段が目の前にある迫力はなんともいえない。ウィルソンのハムレットや蜷川の舞台などでも大階段を使ったが、この舞台の階段は素晴らしい。ここに登場する役者は上と下という位置関係がすなわち権力関係につながる。従って相手に優位に立とうとすると必然的に上に上がる。この物語は権力と富に対する骨肉の争いが一つのモチーフだけに、効果的だ。さらに宮殿などの大階段を思わせる点もいい。倒れた人間が階段を転げ落ちたり、板を使って横になる人を乗せたり巧みに活用していた。　セリフは少々大時代的で新訳ならもっとナチュラルか、さらに崩してもいいと思う。衣装が10キロあるというがかなり様式的なので、もっと下世話な言葉のほうがたぶんいい。１階席の知人からセリフが聞こえないと聞いたが、２階席には明瞭に届いた。たぶん階段構造のため音が上に上がるのだろう。その点は誤算だったろう。背景に映像を流したが、これはちょっと多すぎて食傷気味。さらに戦闘場面は足場が悪いせいかかなり冴えない。もっと様式的にやるか、あるいはドタバタにするか、いずれにせよいまひとつ。最後に人形を使うが、これも実際の人間のほうがいい。使い方としては効果的でなかった。

  2004年10月05日

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