[作曲スクール]の記事一覧 | 悠久の唄～うたの聴けるブログ～

譜割りがおかしくない？という歌謡曲［その２］

「なんか、譜割りがおかしくない？」という歌謡曲、第２弾です。その曲は、なんと「日本レコード大賞」大賞を獲った曲です。ちあきなおみ　「喝采」作詞：吉田旺　　作曲：中村泰士 ♪ いつものように幕が開き♪ 恋の歌うたうわたしに問題は、その次。 ♪ 届いた報せは　黒いふちどりがありました前回は「遅かった」のですが、今回は、「届いた」の出だしが「早い」。これも、カラオケで歌ってもらえば、すぐ解ります。初見では、まず歌えません。その部分の譜面が以下です。 ♩　♩　♩　♩　|♩　♪♪♪♪♪♪♩　こ　い　の　|うーーたうたうわ ♩　♪♪♩　♪|♩　♪♪♩　♩　たーしにーー♪|とーどいたーーー ♪♪♪♪♩　♩　|♩　♩　♩　♩　しらせはーーーー|♩　く　ろ　い　 ※歌詞の部分の♩♪マークは４分休符(1拍休み)(または８分休符、半拍休み)です。どう書こうか迷ったのですが、多分これが解りやすいでしょう。「とどいた」の「と」が(おそらく)半拍(♪)早いので、さらに今回は、帳尻を合わせて元に(普通に)戻ることはないので、普通に譜面を書くと、ぐちゃぐちゃになります。(２番もあるし。)そこで、「(わ)たしにー」の小節を7/8拍子にしました。多分、この曲の譜面は、こうだと思います。まあ、普通は(正しくは)、以下のようになります。 ♩　♩　♩　♩　|♩　♪♪♪♪♪♪♩　こ　い　の　|うーーたうたうわ ♩　♪♪♩　♩　|♩　♪♪♪♪♩　たーしにーー♩　|とーどいたーーー ♪♪♪♪♩　♩　|♩　♩　♩　♩　しらせはーーーー|♩　く　ろ　い　これだと、気持ちよく歌えるでしょ？「(わ)たしに」の後は、ふつうならオブリガードを入れたいところです。より一層気持ちよく歌えるでしょう。というわけで、思うに、今回は、譜面の表記ミスでしょう。作曲者が間違えたか、作曲者から受け取った曲を譜面起こしの際、誤ったか。テレビで歌う時など楽団演奏が付いてるので、ぜひ譜面を見てみたいですよね。(多分、１小節だけ7/8になってると思うなあ。) ちなみに、私は、「ちあきなおみ」が大好きでした。「四つのお願い」で鮮烈デビュー？小学生の私たちは、いつも歌ってました。続く「Ｘ＋Ｙ＝Love」。♪ イコォーォラウ、イコォーォラウ、ラォラォアーラゥユーー ♪その後、鳴かず飛ばずでしたが、「喝采」で大復活！！大人の女性になって、再び我々の前に登場しました。(まるで、奥村チヨの「終着駅」のようですね。)なので、「譜割りが変」の件は、仲間うちでは話題になりました。そして、あの、至高の名曲…「夜間飛行」！「最後の最後まで　あいは　私を傷つけた…」

2022年11月03日

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譜割りがおかしくない？という歌謡曲［その１］

「なんか、譜割りがおかしくない？」ということが、ごく稀にあります。歌謡曲に多いです。そんな例を紹介しましょう。岩崎宏美　「センチメンタル」作詞：阿久悠　　作曲：筒美京平 ♪ 夢の　ようね今の私　しあわせ♪ あの日　めぐり逢えたあなた　恋のめばえ問題の箇所は、この次 ♪ とーきめく胸を　あなたにー伝えたいのーこの部分の、譜割りが（譜面が）おかしい。♩　♩　♪♪♪♪　|　♩　♪♪♩　♪♪と　―　―きめく　|　む　ねをー　ーあ ♪♪♩　♪♪♪♪　|　♩　♪♪♩　♪♪なたに　―つたえ　|　た　いのー　すきとなってますが、正しくは（ふつうは）、 ♩　♩　♪♪♪♪　|　♩　♪♪♪♪♪♪と　―　―きめく　|　む　ねをーあなた ♩　♩　♪♪♪♪　|　♩　♪♪♩　♪♪に　―　―つたえ　|　た　いのー　すきとなります。比べて見ていただければ解ると思いますが、「あなたに」の出だしが１拍遅いのです。「とーーきめく」と「にーーつたえ」は、対になるべきフレーズです。なぜ、おかしいのか、の説明（証明）をします。カラオケで歌ってみれば解りますが、歌いにくいです。素人は、初見では、おそらく歌えません。「歌いにくい」といことは、「譜割りがおかしい」ということなのです。人間は、４拍、８拍、４小節といった、本能というか体内リズムを持っています。（３拍子もありますが。）その規則に入っていると、落ち着くのです。音楽や作曲に慣れてくると、自然にフレーズの先を予測するようになります。ですから、音楽に親しんでる人ほど、譜割りが異常だと「あれ？」となって、譜面をのぞき込む事態となります。音楽の苦手な人は、気づきにくいかも知れません。（そもそも全部が歌いにくい。）ただ、譜面は、すぐ普通に戻ります。「あなたに」の「に」が１拍短いのです。　それで元に？戻ります。なので、全体的な譜面、小節数には問題ありません。一般に、「譜割りがおかしい」と指摘すると、このようなプロの作品だと、「間違い」でなく「変化」だと言って、「わざとそうした」のだとして、「そこが良い。　味わい、特徴なのだ。」という反論が返ってきます。が、私が納得できたことは、ほとんどありません。もう直せないので、言い訳を作ってるとしか思えないことが多いです。もし、納得できるものがあるとすれば、規則的に異常な譜割りを使ってるとか、「意表をつきたい」「不自然さを出したい」「強調したい、盛り上げたい」などの「必然性」が感じられるものです。まあ、ふつうは、「挿入節」や「コーダ」が使われます。さて、しかし、「筒美京平」先生が、譜割りを間違えたり、おかしいのに気づかないなんてことがあるでしょうか。ここからは、私の推測ですが、1つは、歌い手のブレス（息継ぎ）を気遣って音を長くした。もう1つは、譜面作成過程のどこかでミスプリントがあった、あるいは先生の手書きの譜面が汚かった。バスドラの位置とか伴奏を細かく聴いてみれば、手掛かりがつかめるかも知れません。真相は、どうなんでしょうかね。歌詞が「あなた(に)」と３語じゃなくて、「君(に)」とかの２語だったら、ふつうの譜割りになってたかも知れませんね。

2022年11月01日

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作曲スクール目次

作曲スクール　　目次第１回　　単音第２回　　和音第３回　　展開第４回　　リズムと編曲第５回　　絶対音感と相対音感第６回　　音律について第７回　　ハトニイホロヘ第８回　　心に沁みるメロディの作り方第９回　　作曲の夜明け第10回　　譜面のアップロード第11回　　ボーカル教室

2006年05月12日

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ゆうとののボーカル教室（初心者向）

史上最低のゴールデン・ウィークを過ごされた、全国の同士のみなさん、こんばんは。。（え、ちがう・・。。）今日から、すでに仕事をしている、働き蜂の「ゆうとの」です。。僕の連休は、たったの３日間でした・・。。ｳｳ｡｡ぁあ、働けど、働けど、わが暮らし楽にならず・・。。「変わらない日々を嘆いても何も変わりはしない・・」と、唄ったのは、自分でしたが、今日は、ボーカル教室なぞ、やっておきます。。歌がうまくなりたい方は、ぜひご覧ください。。歌をうまく歌う、必勝法は？練習をすることです。。（あ、しらけないでくださいね。。これは、画期的なことなのです。。）じつは、歌は、車の運転と同じです。。つまり、毎日、歌っていれば、誰でも上手になれます。。音痴だと思ってる人も、心配いりません。。同じ歌を、１ヶ月も歌い続ければ、その歌は、うまく歌えるようになります。。これでは、面白くないので、少し目標を変えて、短時間で、歌がうまくなる方法、あるいは、初めて聞いた歌を、すぐにうまく歌う方法、というのを、伝授しましょう。。それは、自分の声を聞く、ということです。。自分の歌を録音して、ヘッドホンで何度も聞いてみてください。。ちゃんとした伴奏のある歌でなければいけません。。みるみる、歌が上達します。。プロと素人の、第一の違いは、録音された自分の歌声を聞いているかどうかということです。。歌う時に、音程の変化が現れやすいのは、メロディの中の長い音です。。タタタといった短い音の部分では、下手なことは、分かりません。。長い音のところで、音程がブれて、下手だと分かってしまうのです。。このことを知っておくと、だいぶ違います。。メロディでは、フレーズの最後の音は大抵長い音になっているので、カラオケなどで歌うとき、各フレーズ（小さな区切り）の最後の音にだけ、とにかく気をつけます。。すると、「歌がうまい・・」と思われる可能性が高いです。。できれば、コーラスの発声法を練習しておいてください。。全音符で「ア～～～～～」と歌います。。パッと出て、すぐに音量を下げます。。そこから後半にかけて音量を上げて行きます。。（分かりにくいですね。。）声の音量を数値で表すと、７（すぐに）→５→（なめらかに上げてゆく）→７→９→９左手を軽く目線まで上げ、何かつかむような形にします。。（右手はマイクを持ってます。。）「ア～～～」と発声すると同時に、左手を宙で止め、（音程を手で掴む、感じです。。）止まった左手を見て、音程をキープします。。あと、最終的には、歌っているとき、モニターから流れる、自分の声を聞きながら、歌えるようにならなければいけません。。自分の声というものは、耳の内側からも聞こえてくるので、最初はつかみにくいかも知れませんが、意識していれば、聞こえるようになります。。ボーカリストは、ギターやピアノの音の中に、楽器と同じように、自分の声を乗せて行くのです。。声という楽器を演奏して、スピーカーから音を出しているのです。。参考に、昔、僕の曲を、ある女の子が歌った、テスト・テイクのテープが残ってたので、アップしておきますね。。きっと、みなさん、自信を持って練習できますので、聴いてみてください。。数少ないファンが歌った「デュエット」ゆうとのが歌う「DUET」

2006年05月07日

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譜面のアップロード

製作中の、「文字の恋」の譜面を、画像でアップロードしました。。ご覧くださいませ。。譜面「文字の恋」1譜面「文字の恋」2譜面「文字の恋」3譜面「文字の恋」4譜面「文字の恋」5

2006年02月09日

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作曲の夜明け

（第9回作曲スクール）高校3年のとき、「ジェフ・ベック」（「ベック・ボガート・アピス」）をコピーしていて、僕はギターリストになることを断念しました。。（才能がないと思ったのです。。にしても、「ジェフ・ベック」は難しかった。。文化祭で弾いていて、自分が譜面のどこを弾いているのか解らなくなったことがあります・・。。）まあ、自分は、プレイヤーではなく、クリエイターだと気がついたわけです。。高校1年のとき、「ディープ・パープル」を、2年で「レッド・ツェッペリン」を、やりました。。そして3年が「BBA」でした。。僕はバスケット部でしたが、軽音楽部にも籍をおいてました。。3年の文化祭の前に、友人に誘われて、「フォークソング部」にも入らされました。。2人でフォーク・ギターを持って、生まれて初めて、自作の歌を人前で演奏し歌ったのです。。当時、僕はなぜか、フォーク・ソングを少し馬鹿にしていました。。その時、僕は文化祭で歌うために数曲の歌を書きました。。僕らは「三無主義」あるいは「しらけ世代」と呼ばれた世代で、僕は自作の曲をやるなんて、ダサいなと思いながら、仕方なく出演したのです。。ところが・・・。。僕らは、もの凄い反響でした。。他校の女の子から手紙をたくさんもらって、文化祭で講堂が満員になるのを初めて見て、僕はオリジナル曲の凄さを知りました。。そして、味をしめた僕は、もう作詞作曲に病みつきになったのです。。一般にシンガー・ソング・ライターと呼ばれる人間は、おそらく楽器を弾いて作曲したりはしません。。僕らは、旋律を頭の中で作ります。。なぜか、実際に音を出すと、良いメロディに聴こえなくなったり、次の旋律が出てこなくなったりするのです。。頭の中で曲を考えると、次々に心地よい旋律が展開して行きます。。途中で譜面に書き取っておかないと解らなくなるくらい、無限に展開して行く感じなのです。。多分、頭の中では単音ではなく、すでにオーケストラのバックがついたような、和音で音が鳴っているせいだと思います。。僕らは、たとえば「ミ」の音をギターで演奏するのに、1弦の開放弦で鳴らそうが、2弦で鳴らそうが、3弦を使おうが、気にしません。。僕らは、もはや、プレイヤーではなく、クリエイターなのです。。ボーカリストによって、キーが変わるので、僕らは楽曲を「ハ長調（key:C）」（イ短調key:Am）で理解しています。。それで、コード進行などを種類分けしています。。僕の曲は移調されて、何調になるか分からないのです。。僕ら2人組みのファンに、ブラスバンド部の副部長を務める女の子がいたことは、僕らの音楽活動を大きく躍進させてくれました。。いつも曲を仕上げるときは、彼女にピアノを弾いてもらって、コードを探してました。。彼女が両手で伴奏を弾きながら、小指でメロディを弾くのを見たときは驚きました。。彼女は芸大へ行きました。。僕はきっと、どこかプレイヤーに対してのコンプレックスを持っていると思うのですが、そんな彼女が、曲を作る僕のことを、心から尊敬してくれていました。。高3の文化祭では、「天使の祈り」という歌が、女の子の人気を独り占めしました。。文化祭には間に合わなかった歌ですが、聴いてみてください。。「惰性の時代」（高校生の「ゆうとの」作詞作曲）

2005年12月29日

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心に沁みるメロディの作り方

（第8回作曲スクール）むかし、究極のメロディを求めて、よく仲間と激論を交わしたものです。。僕は大学4回生のとき、就職試験用に「メロディは死んだ」という論文を書いたことがあります。。もうその原稿は、なくなってしまいましたが、その内容はざっと次のとおりです・・。。メロディは死んだ・・人の心に沁みるメロディを作りたいと、誰もが思うわけですが、究極のメロディ、聴いた人の多くが感動する旋律、そのしくみについて、僕の得た結論を紹介しましょう。。メロディ（旋律）が、聴いた人を感動させるしくみ、その理由、それは、「懐かしさ」です。。人が感動するとき、そこには、「懐かしい」という気持ちがあるのです。。つまり、懐かしい曲を聴いたとき、人の心は震え涙が流れるです。。僕は実験をしたことがあります。。あるとき、新しい曲ができたので、友人Ａを呼んで、その曲を聴かせました。。Ａに感想を聞いたところ、良い曲だとは言いませんでした。。それから僕は、毎晩Ａの部屋へ行き、その新曲を歌って聴かせました。。一週間それを続けた後、その新曲を歌うことを、やめました。。それから半年ほど経ったとき、僕はＡに「新しい曲ができたんだが・・」と言って半年前のその曲を歌って聴かせました。。なんと、Ａは涙を流して「素晴らしい曲だよ、感動した・・」と言ったのです。。当時、僕らは朝から晩まで音楽に触れている毎日を過ごしてたので、Ａは表面的には、その曲を聴いたことは忘れていたのです。。似たような実験を何度か繰り返して、僕はこの結論を得ました。。人は初めて聴く旋律には、あまり反応しない。。しかし、繰り返し同じ旋律を聴くことによって、その旋律に反応を示し始める。。そして、充分な時間をおいて、その旋律を聴いたとき、記憶の底に眠っていた旋律が再び呼び起こされたとき、人は感動を覚える。。以上が論文の内容です。。僕の考えは、多くの音楽仲間の批判を招きました。。沢山の音楽関係者に嫌われもしました。。僕は、多くの売れてる曲（世に言うヒット曲）の原曲を言い当てることができました。。普通の人は、「聴いたことあるような気がするなぁ・・」で終わるのですが、真剣に突き止めれば、必ず原曲は見つかります。。ほんとうに、聴いたことが、あるのです。。今日の話は、作曲スクールとしては、マイナスな話に思えたかも知れません。。しかし、僕らは、ここから、さらに感性のメロディを求めて、決してあきらめずに、絶望の淵を乗り越えて作曲を続けなければなりません。。メロディは死んだ・・・のでしょうか。。あなたは、どう思いますか・・？

2005年11月28日

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ハトニイホロヘ（調号について）

（第7回作曲スクール）今回は、譜面（楽譜）の表記について、話をします。。まず、次の呪文を暗記してください。。ハ、ト、ニ、イ、ホ、ロ、ヘ！（10回くり返しましょう。。）楽譜の最初には、ト音記号（またはヘ音記号）が書いてありますが、ト音記号のすぐ横に＃や♭が記されています。。これを調号といいます。。ト音記号（バイオリン記号）はトの音（ソ、G）の位置を示しています。。調号は、次のことを表しています。。１．絶対音階のどの音に＃や♭がつくか。。２．何調であるか（keyが何であるか）。。３．相対音階（スケール）のド（主音）の位置。。またはラの位置。。調号の＃や♭は、その数と記入する位置が調によって決まっています。。調号の＃と♭は、どちらかを記入し、両方を書くことはありません。。＃と♭がないとき、それは、ハ長調かイ短調（keyC か keyAm）です。。ハ長調とイ短調はセットです。。同じものと考えても良いです。。ハ長調・イ短調では、絶対音階と相対音階の音の呼び名が、一致してます。。＃が１このとき、それは、ト長調かホ短調（keyG か keyEm）です。。ト長調では絶対音階のソがドに、ホ短調では絶対音階のミがラになります。。長調　　　　短調　　　key 　　調号の種類　調号の付く音とその順番ハ長調　　イ短調　　 C　Am 　　　なしト長調　　ホ短調　　 G　Em 　　 ♯×1 　　ﾌｧニ長調　　ロ短調　　 D　Bm 　　 ♯×2 　　ﾌｧ､ﾄﾞイ長調　　嬰ヘ短調　 A　F#m 　 ♯×3 　　ﾌｧ､ﾄﾞ､ｿホ長調　　嬰ハ短調　 E　C#m 　 ♯×4 　　ﾌｧ､ﾄﾞ､ｿ､ﾚロ長調　　嬰ト短調　 B　G#m 　 ♯×5 　　ﾌｧ､ﾄﾞ､ｿ､ﾚ､ﾗ　　　嬰ヘ長調　嬰ニ短調　F# D#m 　 ♯×6 　　ﾌｧ､ﾄﾞ､ｿ､ﾚ､ﾗ､ﾐ　　嬰ハ長調　嬰イ短調　C# A#m 　 ♯×7　　ﾌｧ､ﾄﾞ､ｿ､ﾚ､ﾗ､ﾐ､ｼ　ヘ長調　　ニ短調　　F　 Dm 　　 ♭×1　　ｼ変ロ長調ト短調　　B♭ Gm 　　 ♭×2　　ｼ､ﾐ変ホ長調　ハ短調　 E♭ Cm 　　 ♭×3 　　ｼ､ﾐ､ﾗ変イ長調　ヘ短調　　A♭ Fm 　　 ♭×4 　　ｼ､ﾐ､ﾗ､ﾚ変ニ長調　変ロ短調　 D♭ B♭m 　 ♭×5　　ｼ､ﾐ､ﾗ､ﾚ､ｿ　　　　変ト長調　変ホ短調　 G♭ E♭m 　 ♭×6　　ｼ､ﾐ､ﾗ､ﾚ､ｿ､ﾄﾞ　　変ハ長調　変イ短調　 C♭ A♭m 　 ♭×7　　ｼ､ﾐ､ﾗ､ﾚ､ｿ､ﾄﾞ､ﾌｧ　上の表をよく見ると、ハ、ト、ニ、イ、ホ、ロ、ヘの順になっていることが分かります。。つまり、#と♭の数の順に並べたときの、調の順番。。♭のときは逆ﾊﾄﾆｲﾎﾛﾍ。。#と♭を記入する位置。。（和名で見てください）これも♭のときは逆ﾊﾄﾆｲﾎﾛﾍ。。作曲はどの調で行っても自由です。。実際は、ハ長調かト長調かヘ長調（イ短調、ホ短調、ニ短調）で行います。。つまり、keyC，G，F，Am，Em，Dmで行います。。理由は、#と♭の数が少ないからです。。最終的に楽曲の調（key）は、ボーカルの声の高さに合わせることで決まります。。譜面（楽譜）を読んだり書いたりすることは、必要なことではありませんが、便利なことです。。バンド演奏などで、互いに曲を伝え合うとき、非常にスピーディーにコミュニケーションができます。。長調　　　短調　　　　異名同音調ロ長調　　嬰ト短調　　変ハ長調、変イ短調嬰ヘ長調　嬰ニ短調　　変ト長調、変ホ短調嬰ハ長調　嬰イ短調　　変ニ長調、変ロ短調変ニ長調　変ロ短調　　嬰ハ長調、嬰イ短調変ト長調　変ホ短調　　嬰ヘ長調、嬰ニ短調変ハ長調　変イ短調　　ロ長調、嬰ト短調

2005年11月26日

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音律について

（第6回作曲スクール）ピアノの鍵盤をド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ・ドと弾いたとき、それぞれの鍵にはそれぞれ異なった周波数が対応し、それぞれ異なった高さの音が聴こえる。この音高の間の周波数関係を、「音律」という。ア・カペラの合唱や弦楽四重奏を聴くと、ピアノやシンセサイザーの音にはない、澄んで融け合った響きを感じる。なぜか。ピアノやシンセサイザーなどの鍵盤楽器は、「平均律」と呼ばれる音律に調律されているが、ア・カペラの合唱や弦楽四重奏では、「純正律」や「中全音律」といった昔の音律で演奏することができるからである。西洋音楽における、音律の歴史を紹介しよう。まず、ギリシャ時代には、5度の音程（ドとソの音程）の周波数比を2対3と定義して音律を構成した。これを「ピタゴラス音律」と呼ぶ。この音律は、ギリシャ時代のような、単一の旋律を演奏する場合には問題がなかった。その後、西洋音楽はより複雑なものへと発展し、12世紀になると、複数の旋律を同時に奏でる音楽が出現し、その中で3度音程（ドとミの音程）が多用されるようになった。ピタゴラス音律における3度音程は、複雑な周波数比を持っていた。単純な周波数比の音程は融合・協和するが、複雑な周波数比は「うなり」を生じたり、「粗い」響きになる。したがって、ピタゴラス音律では、3度音程の2音を同時に奏でたとき、その響きが美しくなかったのである。そこで、3度音程の周波数比を4対5と単純化することで響きを美しくした音律が登場した。これが「純正律」である。純正律では5度も3度も美しく響いたが、新たな問題も抱え込んだ。それは、大きな全音と小さな全音という、周波数比の異なる2種類の全音の音程関係が音律の中に存在するという矛盾であった。この矛盾を解決するべく、大きな全音と小さな全音の中間的な「中全音」を持つ、一群の「中全音律」と呼ばれる音律が考案された。ところが音楽の発達はさらなる問題を呈示した。西洋音楽は古典派からロマン派へと展開し、1曲の中で次々と転調することが多くなってきた。たとえば、ハ長調の中全音律に調律したピアノで、全く別の調の主音を中心とした3度音程や5度音程を演奏すると、これらは非常に複雑な周波数比を持ち「きたなく」響くのである。したがって、中全音律は転調が頻繁におこなわれる音楽には向いていなかった。転調の問題を解消した音律が現在の「平均律」である。平均律はオクターブ内に12の半音が含まれることを利用して、オクターブの音程を正確に12等分して作った音律である。平均律は、3度音程も5度音程も少しきたないが、そのきたなさの程度はどの調でも共通な、妥協の音律である。弦楽器やア・カペラの合唱では各音の高さを自由に調整できるため、平均律ではなく、もっと響きの美しい旧来の音律によって音楽を演奏することが可能なのである。一度、「うなり」や「粗さ」のない純正律の3度音程や5度音程を聴いてみてもらいたい。あなたは、どのように感じるだろうか。

2005年10月23日

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絶対音感と相対音感

（第5回作曲スクール）音楽を聴いて、ピアノやギターで音を探ることなく、そのメロディを完全に正しい音名で言い当てることができる人がいる。また、ギターやヴァイオリンを、ピアノの音や音さの音を聴くことなしに正しく調弦できる人もいる。このように、外から与えられる基準音なしに、正しい音名がわかる能力のことを「絶対音感」という。絶対音感を持っていると、ランダムに音高が変化するようなメロディを聴いても、1つ1つの音名がわかるため、これらを難なく楽譜に書くことができる。また、楽譜を見て正しく歌うことも容易である。このような芸当は、相対的な音感しか持たない私などにとっては至難の業である。したがって、楽譜を見てすぐに歌う「視唱」や、音楽を聴いてそれを記譜する「聴音」を遂行するためには、絶対音感は非常に有力な武器になる。しかし、絶対音感を保有する方が不利な場合もある。たとえば、あるメロディをハ長調と嬰ハ長調のちょうど中間の高さの調で演奏する場合。この場合の調においては、「ド」の音は実際の「ド」と「ド#」のちょうど中間の高さになる。絶対音感を手がかりにすると、このような音の音名は判断が難しい。そのため、メロディの認識に時間がかかったり、メロディを誤認したりする。一方、相対音感しか持たない者は、メロディの音の高さの相対的関係のみを手がかりにするため、ハ長調の時と同様にメロディを認識できる。見ていると、絶対音感保有者は、上のように相対音感を使った方が有利な場合にも、絶対音感を使ってしまう。絶対音感を持つ人は、楽器音以外の音でも正しく音名を言い当てることができる。救急車のサイレンやエアコンのノイズを聴いて、その音の高さをピアノやギターで正しく再現できる。

2005年10月22日

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第4回作曲スクール

４　　　リ　ズ　ム　と　編　曲　・リズム・セクションリズム楽器には、『ドラム』と『ベース』があります。ドラムには『バス・ドラム』と『スネア・ドラム』と『ハイ・ハット』があります。ドラムの基本的なパターンを紹介しましょう。まずバスドラです。　　　　Ｂ　　　　　　　　Ｂ　　Ｂ　　　　　　　　ＢＢＤ　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪次はスネアです。　　　　　　　　　　Ｓ　　　　　　　　　　　ＳＳＤ　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪そしてハイハットです。　ハイハットには『オープン』と『クロウズド』があります。主にはクロウズド・ハイハットを使います。　　　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　ＨＨＨ　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪以上の３つを同時に鳴らすと、８ビートの基本的なリズムになります。Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　　　　　Ｓ　　　　　　　　　　　ＳＢ　　　　　　　　Ｂ　　Ｂ　　　　　　　　Ｂ♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　Ｈ　　　　　　Ｓ　　　　　　　　　　　ＳＢ　　　　　　　　Ｂ　　　　　Ｂ♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪　　♪シンセサイザーに入っているリズムをステップライトを使って逆に見てみると、どのリズム楽器をどのように打ち込んであるかがわかります。ベースはバスドラの位置へコードの主音を入れるのが基本となります。・音色曲の伴奏にどんな楽器を使うかは、作曲が完成した時点で既にイメージされているものです。・ベース（ｴﾚｸﾄﾘｯｸ･ﾍﾞｰｽ、ｳｯﾄﾞ･ﾍﾞｰｽ）・ギター（ｴﾚｸﾄﾘｯｸ･ｷﾞﾀｰ、ｱｺｰｽﾃｨｯｸ･ｷﾞﾀｰ）・オルガン・ピアノ（ｱｺｰｽﾃｨｯｸ･ﾋﾟｱﾉ、ｴﾚｸﾄﾘｯｸ･ﾋﾟｱﾉ）・ブラス（ﾄﾗﾝﾍﾟｯﾄ、ｻｯｸｽ、ﾌﾙｰﾄ、ﾎﾙﾝ）・ストリングス（ﾊﾞｲｵﾘﾝ、ﾁｪﾛ）・オブリガードメロディを作曲した時、旋律の切れ目などに別のメロディが聴こえるはずです。　それをサブ・メロディのように作りあげると、オブリガードができます。　オブリガードは、コードを決定する決め手にもなります。ギターなどリード楽器が演奏する繰り返しのオブリガードを、『リフ』と言ったりします。コードの一番高い音は、自然のオブリガードになっています。　これは、和音の中の一番高い音が聴こえやすいからです。コードの中にない音で小節の中で目立つ音を、『テンション』と大げさに言ったりしますが、あまり気にしなくていいです。

2005年10月13日

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第3回作曲スクール

３　　　展　開　さあ、それではいよいよメロディとコードの展開を説明します。じつは、メロディはコードの中の音が散りばめられたものです。　ですから、先にコードが決まっている場合、メロディはコードの音の中から選ぶという制約を受けることになります。メロディにコードをつける場合、メロディの音の１つ１つにコードをつけても良いのですが、普通、明らかにコードが変わるまでは１つのコードをつけます。　つまり、ある程度のメロディの集まりに１つのコードがついているのです。１つのメロディには、１つのコードしかつかない、ということはありません。　１つのメロディには、いくつかのコードがつく可能性があります。　そして、どのコードを選ぶかが、まさに作曲のおもしろさです。たとえば『ド』という音には、ドミソ（Ｃ）、ラドミ（Am）、ﾌｧラド（Ｆ）や CM7、Am7 、FM7 などが理論上つけれます。あなたがメロディを作った時、きっとコードも一緒に聴こえているはずです。　初めはよく聴こえなくても、作曲を続けていくと、はっきり聴こえるようになります。［１］コードの展開（コード進行）メロディはコードの一部ですから、コードの展開を知っていれば、ことは足ります。　まずは、大まかなコード進行を覚えていただきます。音楽とは、『１度で始まり、１度で終わり』ます。さらに、『１度で始まり、４度へ展開し、５度へ行って、１度で終わり』ます。　　　　　　　ソ　　　　ド　　　　　レ　　　　ソ　　　　　　　ミ　　　　ラ　　　　　シ　　　　ミ　　　　　　　ド　　　　ファ　　　　ソ　　　　ド　 keyC　　　Ｃ　　　　Ｆ　　　　　Ｇ　　　　Ｃ　のとき　　１度　→　４度　 →　５度　→　１度　　　　　　　　ミ　　　　ラ　　　　　シ　　　　ミ　　　　　　　　ド　　　　ファ　　　　ソ　　　　ド　　　　　　　　ラ　　　　レ　　　　　ミ　　　　ラ　keyAm　　　Ａｍ　　　Ｄｍ　　　　Ｅｍ　　　Ａｍ　のとき　　　１度　 →　４度　 →　５度　→　１度５度は『終わりを予感させるコード』と言われています。　普通はセブンス（属七の和音）（Ｇ７，Ｅ７）をよく使います。が、しかし、これは古い（クラシックな）セオリーです。　現代（ポップス）では、１度からいきなり５度へ進み、終わるどころか延々続いて行くことなど日常茶飯事です。コードの展開とは、次のコードへ移る時のしくみです。　これは、『何度先のコードへ移るか』ということがポイントです。　つまり、コードの移動距離が問題なのです。・２度への展開～（Ｃ→Ｄｍ）近い距離への展開なので、あまり目立ちません。　盛り上がり（高音）を維持するために、サビでよく使います。（Ｆ→Ｇ）・３度への展開～（Ｃ→Ｅｍ）割と美しい展開です。　少し落としたような感じになります。・４度への展開～（Ｃ→Ｆ）カントリーな展開です。・５度への展開～（Ｃ→Ｇ）最も美しい展開です。　５度は一番遠い距離なのです。・６度への展開～（Ｃ→Ａｍ）オーソドックスな展開です。　コードを聴いただけで幾つも曲が思い出されるでしょう。それでは、よくある基本的なコード進行を紹介しておきます。Ｃ　→　Ａｍ　→　Ｆ　→　Ｇ（循環コード）Ｃ　→　Ｇ　→　Ａｍ　→　ＥｍＡｍ　→　Ｇ　→　Ｆ　→　ＣＡｍ　→　Ｃ　→　Ｇ　→　ＡｍＣ　→　Ｅｍ　→　Ｄｍ　→　ＧＣ　→　Ｄｍ　→　Ｇ　→　ＣＦM7　→　Ｄｍ　→　Ｇ　→　Ｃ（秋のコード進行）サビの展開～サビは通常４度へ展開させます。　あるいは１度です。次は、サビの部分の代表的なコード進行です。Ｆ　→　Ｇ　→　Ｃ　→　ＡｍＦ　→　Ｃ　→　Ｄｍ　→　ＡｍＣ　→　Ｆ　→　Ｃ　→　Ｇ　→　Ａｍ［２］代用コード基本コードでは単純なので、わざわざ違うコードを使う（代用する）場合があります。曲に雰囲気を持たせることができます。Ｃ　　の代わりに　Ａm7Ｆ　　の代わりに　Ｄm7Ｇ　　の代わりに　Ｅm7Ａｍ　の代わりに　ＦM7Ｅｍ　の代わりに　ＣM7［３］その他の展開「１単音」の終わりにふれたメロディの特殊な音については、コードの特殊な展開として捉えると解りやすいです。　特殊な展開をさせると、曲のその部分が変わった感じに聴こえ、曲を個性的にし、曲の印象を長く残させる効果などが期待できます。　インスピレーションでは簡単に出てきませんので、初めは狙って使うようにしましょう。基本コードのそれぞれには、陰陽を逆にしたコードがあり、そのコードは使うことができます。基本コード→　　Ｃ　　Ｄｍ　Ｅｍ　Ｆ　　Ｇ　　Ａｍ特殊コード→　　Ｃｍ　Ｄ　　Ｅ　　Ｆｍ　Ｇｍ　ＡkeyC次に、メロディで使う音とセットで見てみましょう。単　音　→ 　　ド＃　　　レ＃　　　ﾌｧ＃　　　ソ＃　　　ラ＃　　　　　　（レ♭）　（ミ♭）　（ソ♭）　（ラ♭）（シ♭）コード　→ 　　Ａ　　　　Ｃｍ　　　　Ｄ　　　　Ｆｍ　　　Ｇｍ　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　ＥkeyC　　　　　　　　　　Ｆ７　　　　　　　　　　　　　　Ｃ７気づいた人もいるでしょうが、『Ｅ』は長調と短調の間の転回コードですので、基本コードに近い存在です。（『E7』をよく使います。）ですから、「１単音」で述べた５個の特殊な単音（黒鍵）と同じ数だけ、特殊なコードがあるのです。［４］不自然な始まりと終わりメロディは１度で始まり（Bigin）１度で終わる（End）と、自然に始まり自然に終わる感じがします。　それでは面白くないので、わざと１度以外のコードで始めたり終わったり、また、他のコードでじらしてから終わらせたりします。５度のスタート（ＧまたはDm）keyC 　　Ｇ　→　Ｃ　→　Ｇ　→　Ａｍ

2005年10月12日

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第2回作曲スクール

２　　　和　音　　～コード単音は音が１つだけ出ている場合でしたが、和音とは、音が同時に２つ以上出ている場合です。　コードともいいます。任意の音を同時に鳴らしても、きれいに聴こえませんので、そこには決まりがあります。この決まりはとても単純で簡単です。さて、じつは和音は３つの音からできています。　これを基本和音（基本コード）といいます。では、その３つの音を見てみましょう。陽和音（メジャー・コード）（Ｃ）　　　　　　　１　　　　　　３　　　　　　　５　　　　　　　ド　　　　　　　ミ　　　　　　　ソ　　　　　　　Ｃ　　　　　　　Ｅ　　　　　　　Ｇ　　　　　　　主音　 (2.0) 　３音　 (1.5) 　５音　　　　　　　根音１と３の間隔は２音（３度）、３と５の間隔は１音半、１と５の間隔は３音半（５度）です。（５と１の間は2.5）１３５を同時に鳴らすと、明るく聴こえます。ですからこれを、陽和音（メジャー・コード）といいます。明るく聴こえる秘密は、１と３の間隔にあります。この間隔が２音（長い）時、３つの音は明るく響きます。逆に、この間隔が短い時（１音半）、和音は暗く響きます。和音には明るい陽和音と、もう１つ、暗い陰和音の２種類があります。陰和音（マイナー・コード）（Ｃｍ）　　　　　　　１　　　　　　　　　３　　　　　　　　５　　　　　　　ド　　　　　　　　　ﾐ♭　　　　　　　　ソ　　　　　　　Ｃ　　　　　　　　　E♭　　　　　　　Ｇ　　　　　　　主音　　 (1.5) 　　短3音　　 (2.0)　　５音　　　　　　　根音和音の３つの音の順番（音の高さの順）は、１３５の順でなくてもかまいません。　つまり、１つの和音に、１３５と３５１と５１３の３つの鳴らし方があるのです。　その和音を特定するものは、３つの音の間隔です。和音を呼ぶ時は、なぜか階名の方は呼び方がありませんので、コードで呼ぶしかありません。　その呼び方は、１の音の名前（アルファベットの名）で呼びます。　ドミソの和音は『Ｃ』といいます。　Ｃには、単音のドという意味と、和音のドミソという意味の、２つがある事になります。陰和音は、１の音の名にｍ（マイナー）をつけて呼びます。　ドﾐ♭ソの和音は『Ｃｍ』といいます。本当は、陽和音はメジャーをつけて呼ぶのですが、普通、省略します。（『Ｃ』→Ｃメジャー）「１単音」で音は７個しかないといいましたが、和音は６個しかありません。　どういう事かというと、メロディを作る１番～６番の６個の音だけが、和音の１の音になり得るのです。そしてさらに、３と５の音も、メロディを作る７個の音の中からしか選べません。　和音にはメジャーとマイナーがありますが、選べる音が７個しかないために、１の音の位置で、その和音がメジャーかマイナーかのどちらかに決まってしまいます。それでは、６個の基本和音を見てみましょう。　　　５　　ソ　　ラ　　シ　　ド　　レ　　ミ　　ﾌｧ#　　　３　　ミ　　ﾌｧ　　ソ　　ラ　　シ　　ド　　レ　　　１　　ド　　レ　　ミ　　ﾌｧ　　ソ　　ラ　　シｺｰﾄﾞ名　　　Ｃ　 Dm　 Em　Ｆ　　Ｇ　　Am　 ×なぜ、シレﾌｧの和音はないのかというと、１と５の間隔が 3.5でなければならないため、５の音がﾌｧ#となり、スケール内の音でなくなるからです。コードは、メジャーが３つマイナーが３つの計６個しかありません。　みなさんが知っている全てのメロディは、この６個のコードで演奏できるのです。（これより和音をｺｰﾄﾞと呼んでいきます｡）さて、基本コードの３つの音に、もう１つ音を足すことができます。　これは、おかずみたいなもので、コードの響きに味わいを持たせます。基本コードに足せる４つめの音は、６種類あります。　それでは、その６種類の音を説明しましょう。（基本コードがＣ，Cmの場合で）１　　　２　　　３　４　　　５　#5　６　７　 #7ド　ﾚ#　レ　ﾐ♭　ミ　ﾌｧ　ｿ♭　ソ　ｿ#　ラ　ﾗ#　シ　　　　　９　　　　　　 S4　　　　　　+5　６　７　 M7（基本コードＣ，Ｃｍ）［種類１］　ラ＃＝７度＝７＝セブンス　　（C7，Cm7 ）７度の音を足します。（ﾗ#が７度と思ってください。）　メジャー・コードとマイナー・コードのどちらにも足せます。ドミソﾗ#（Ｃ７）、ドﾐ♭ソﾗ#（Ｃｍ７）となります。［種類２］　ラ＝６度＝６＝シックス　　（C6，Cm6 ）６度の音を足します。　メジャー・コードとマイナー・コードのどちらにも足せます。ドミソラ（Ｃ６）、ドﾐ♭ソラ（Ｃｍ６）となります。［種類３］　レ＝２度＝９＝ナインス　　（C9，Cm9 ）２度の音を足します。　なのにどうして９と呼ぶかというと、１オクターブ上の２度を足した方が、響きが良いからです。　１オクターブ上のレは、数えて９度になります。　メジャー・コードとマイナー・コードのどちらにも足せます。（『9』は5番目の音として足されることもあります｡）ドミソレ（Ｃ９）、ドﾐ♭ソレ（Ｃｍ９）となります。［種類４］　シ＝＃７度＝Ｍaj７＝メジャーセブン　　（CM7 ）＃７度の音を足します。　メジャー・コードに足します。　マイナーの場合は短３度などを主音にした＋５コードと同じになります。　これを異名同音（ｴﾝﾊｰﾓﾆｯｸｺｰﾄﾞ）といいます。ドミソシ（ＣＭ７）となります。（CmM7＝ドﾐ♭ソシ）［種類５］　ﾌァ＝４度＝ sus４＝サスフォー　　（Csus4 ，C7sus4）正しくは、３度の音を取り除いて４度の音を足します。　が、あまり気にしなくていいです。ただ、基本コードの３の音が移動したと考えた方が良いでしょう。　ですから、セブン・サスフォーというのがよく出てきます。（３の音が４度になって、７度を足す。）ドﾌｧソ（Ｃsus4）、ドﾌｧソﾗ#（Ｃ7sus4）となります。サスフォー（Ｃsus4）　　　　　　　　１　　　　　３　３　４　　　５　　　　　　　　ド　　　　　ﾐ♭　ミ　　ﾌｧ　　　ソ　　　　　　　　Ｃ　　　　　E♭　Ｅ　　Ｆ　　Ｇ［種類６］　ソ＃＝＃５度＝＋５＝プラスファイブ　　（C+5 ）これも、基本コードの５の音が半音上に移動した、と考えた方が良いでしょう。　メジャー・コードしかありません。　マイナーの場合は＃５度を主音にしたメジャー・コードと同じになります。（aug=ｵｰｷﾞｭﾒﾝﾄともいいます｡）ドミｿ#（Ｃ＋５）となります。６種類のおかずの話は難しかったかも知れませんが、当然です。　このことはプロでも詳しい人はあまりいません。　ですから、スクールの中で、今後このことをみなさんで研究して行きましょう。　今は、おかずの音の位置を知っていてもらえば充分です。（『dimﾃﾞｨﾐﾆｯｼｭ』や『onｺｰﾄﾞ』などについては、後日やります。）Ｃdim ＝ドﾐ♭ｿ♭ラさて、コードは６個しかありません。　おかずは無理につけなくてもかまわないのです。keyをＣ（ハ長調）またはＡｍ（イ短調）にすれば、どんな歌も、Ｃ，Ｄｍ，Ｅｍ，Ｆ，Ｇ，Ａｍの６個のコードで伴奏ができます。それでは、みなさんの知ってる歌にどんどんコードをつけて歌ってみてください。最後に、７，m7，M7などは、どの基本コードにつくかが決まっています。『key Ｃ』で使うコードを挙げておきますので、最終的にはこれらのコードを自由自在に使えるようになりましょう。keyCで使うｺｰﾄﾞ　Ｃ　　　Ｄｍ　　Ｅｍ　　Ｆ　　　Ｇ　　　Ａｍ　　　　　　　　ＣM7　　Ｄm7　Ｅm7　ＦM7　　Ｇ７　　Ａm7keyGで使うｺｰﾄﾞ　Ｇ　　　Ａｍ　　Ｂｍ　　Ｃ　　　Ｄ　　　Ｅｍ　　　　　　　　ＧM7　　Ａm7　Ｂm7　ＣM7　　Ｄ７　　Ｅm7

2005年10月11日

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第1回作曲スクール

作　曲　ス　ク　ー　ル　　　テ　キ　ス　ト１　　単　音　～メロディ２　　和　音　～コード３　　展　開４　　リズムと編曲は　じ　め　に　みなさん、こんにちは。　作曲スクールを始めるにあたって、みなさんにしっかり覚えておいてほしいことがあります。それは、『絶対に名前負けしない』ということです。　どうか、このことを毎回忘れないでください。　えてして学問には、何でも用語というのがあって、素人を寄せ付けまいとする傾向がありますが、しょせんは名前です。　中身は簡単であることが多いのです。　とくに音楽の場合はそうです。　音楽は簡単です。　中学生レベルの頭脳があれば、全部理解できる程度です。　小学校、中学校と９年間も音楽を勉強して、なぜみんな作曲ができるようにならないのか？　音楽をむずかしいと思っているのか？　私には不思議です。１　　　単　音　　～メロディ音楽において、みなさんを惑わすのは、１つのものに２つ以上の名前がついていることです。（１つにすればいいのに！）そしてその反対に、２つのものを１つの名前で呼ぶことがあります。　どうか惑わされないでください。『単音』とは、１個の音という意味です。　まず、１個の音しか出てない場合のしくみを、お教えします。単音　＝　旋律　＝　メロディ　＝　主旋律（みな同じ意味です。）・　音　は　７　個　し　か　な　い　！　音を決めるものは『高さ』ですが、じつは、音は７個しかありません。１番　２番　３番　４番　５番　６番　７番　（１番に戻ります）（　高くなります→　）メロディとは、この７個の音の組合せでしかありません。　あなたが７個の音を自由に組み合せれば、もうそれで作曲ができます。さて、この７個の音には、あなたを惑わすためにたくさんの名前がついています。　　　　１番　２番　３番　４番　５番　６番　７番階名　　ド　　レ　　ミ　　ﾌｧ　　ソ　　ラ　　シ英語　　Ｃ　　Ｄ　　Ｅ　　Ｆ　　Ｇ　　Ａ　　Ｂ和名　　ハ　　ニ　　ホ　　ヘ　　ト　　イ　　ロ　　　１度　２度　３度　４度　５度　６度　７度　　　主音　　　　３音　　　　５音　　　ﾄﾆｯｸあなたが今まで聴いてきた曲も、すべてこの７個の音の組合せでできています。・　音　は　全　部　で　１２個　し　か　な　い　！　音は７個といいましたが、じつはほかに５個あって、全部で１２個あります。　ただ、この５個の音はめったに使うことはありません。　ですから、音は７個と思ってもさしつかえないわけです。１番　２番　３番　４番　５番　６番　７番　８番　９番　 10番　11番　12番ド　　ﾄﾞ#　　レ　ﾚ#　　ミ　　ﾌｧ　ﾌｧ#　　ソ　　ｿ#　　ラ　　ﾗ#　　シ　　　ﾚ♭　　　　　ﾐ♭ 　　　　　　　ｿ♭　　　　ﾗ♭　　　　　ｼ♭ Ｃ　　C#　　Ｄ　　D#　Ｅ　　Ｆ　　F#　　Ｇ　　G#　　Ａ　　 A#　Ｂ　　　D♭　　　　 E♭　　　　　　　 G♭　　　　 A♭　　　　　 B♭ハ　　嬰ﾊ　　ニ　　嬰ﾆ　ホ　　ヘ　　嬰ﾍ　　ト　　嬰ﾄ　　イ　　嬰ｲ　ロ　　　変ﾆ　　　　　変ﾎ　　　　　　　変ﾄ　　　　　変ｲ　　　　　変ﾛ『＃（シャープ）』と『嬰（えい）』は半音上げる、『♭（フラット）』と『変（へん）』は半音下げる、という意味です。『半音』とは、『１音』の半分という意味です。0.5 ということです。『１音』が、1.0 ということです。（『全音』ともいいます。）1.0 とか0.5 は、音と音の高さの間隔です。この１２個の音は『半音』の間隔で並んでいます。つまり１２個の音の間隔は、すべて等しいのです。『シ』と『ド』の間は半音です。（音の高さを決めるものは周波数です。周波数や音律の話は、別の講義でします。）さて、今まで述べたメロディを作る７個の音は、じつは、みなさんの頭の中で鳴っている音です。　現実に鳴っている音とは関係ありません。頭の中の音は、その音と音との間隔によってのみ特定されているのです。　音の間隔によって鳴っているのです。頭の中の音を、現実の音として楽器で鳴らしてみると、頭の中のドは現実のどの音になるかわかりません。　頭のドは、現実のﾌｧかも知れません。　どの音になってもかまわないのです。　頭のドが、現実のどの音になるか決まった時、その他の音も現実のどの位置かが決まるのです。７個の音のセットを『音階』『スケール』といいます。『音階』とは、音の階段ということです。頭の中の７個（12個）の音（音階）を『相対音階』といいます。現実の音を『絶対音階』といいます。現実の音は、低い方から高い方までたくさんあります。人間の耳で聴くことのできる範囲内に、半音の間隔で音があります。［絶対音階］ドﾄﾞ#レﾚ#ミﾌｧｿ♭ソｿ#ラﾗ#シドﾄﾞ#レﾚ#ミﾌｧｿ♭ソｿ#ラﾗ#シドﾄﾞ#レﾚ#ミﾌｧｿ♭　　　　ドﾄﾞ#レﾚ#ミﾌｧｿ♭ソｿ#ラﾗ#シ　　　　ドﾄﾞ#レﾚ#ミﾌｧｿ♭ソｿ#ラﾗ#シ［相対音階］　　　　　　　　　　ドﾄﾞ#レﾚ#ミﾌｧｿ♭ソｿ#ラﾗ#シもう一度、メロディに使う７個の音を並べてみます。ミとﾌｧ、シとドの間が半音で（２ヵ所）、あとは全音の間隔（５ヵ所）であることがわかります。　つまり、全・全・半・全・全・全・半というふうに並んでいます。さて、ドから始まるこのスケールは、じつは明るい感じのメロディの時に使用します。　暗い感じのメロディの時は、ラから始まるスケールで考えます。　暗いメロディの時は、ラから始めて、全・半・全・全・半・全・全というふうに並べます。ドを先頭にしたスケールを『メジャー・スケール』『長音階』といいます。　明るいメロディで使います。ラを先頭にしたスケールを『マイナー・スケール（ﾊｰﾓﾆｯｸ･ﾏｲﾅｰ･ｽｹｰﾙ）』『短音階』といいます。　暗いメロディで使います。先頭を変える理由は、ただ、そのほうが考えやすいからです。　常にドを先頭で考えても、別にかまいません。　つまり、１つのスケール(＝key)に「メジャー(長調)」と「マイナー(短調)」の２種類があるということです。逆に言えば、全く同じ音で構成されたスケールが、長調と短調に１対ずつある、ということです。(「ハ長調」と「イ短調」は同じ)［メジャー・スケール］ド → → レ → → ミ → ﾌｧ → → ソ → → ラ → → シ → ド　　全　　　全　　半　　全　　　全　　　全　　半［マイナー・スケール］※主音はララ → → シ → ド → → レ → → ミ → ﾌｧ → → ソ → → ラ　　全　　半　　全　　　全　　半　　全　　　全『メジャー』＝『長調』＝『Ｍ』　　『マイナー』＝『短調』＝『ｍ』明るくまたは暗く聴こえる秘密は、３度の音までの距離にあります。　１度・２度・３度と音を出していって、３度までの間隔が 2.0（長い）の時は明るく聴こえ、３度までの間隔が 1.5（短い）時は暗く聴こえます。スケール上の先頭の音（主音）が、現実のどの音に相当するかが決まった時（キーが決まるといいます）、メロディは現実の音でたやすく演奏することができます。　キー（key ）は先頭の音（主音）の名前で表します。明るい曲で先頭が現実のドの時、『key Ｃ』『ハ長調』といいます。　現実のソの時は、『key Ｇ』『ト長調』です。暗い曲で先頭が現実のラの時、『key Ａｍ』『イ短調』といいます。現実のミの時は、『key Ｅｍ』『ホ短調』です。逆に、現実に流れているいろいろなメロディも、すべて一番簡単なハ長調（暗い時はイ短調）に置き換えて考えればよいのです。（※譜面上の表記については別講でやります。）　　　　　　　　　（変ロ長調）ド　レ　　ミﾌｧ　ソ　　ラ　シド［絶対音階］　　　　　　　　　 ↑　　↑　　 ↑ ↑　　↑　　 ↑　 ↑ ↑ドﾄﾞ# レﾚ# ミﾌｧｿ♭ ソｿ# ラﾗ# シドﾄﾞ# レﾚ# ミﾌｧｿ♭ ソｿ# ラﾗ# シ　　　　　　　　　　 ↓　　↓　 ↓ ↓　　 ↓　 ↓　 ↓ ↓　　　　　　　　　　　ド　レ　ミﾌｧ　ソ　ラ　シド（ト長調）さあ、それでは、実際にメロディを調べてみましょう。　みなさんが知っているどの曲でもかまいません。　自分のとても好きな曲がいいでしょう。　好きだったあの曲が１～７のどの音を使っているのか、書き出してみましょう。　きっと案外単純なことに驚くと思います。明るい曲は、ハ長調（key Ｃ）に直して調べます。暗い曲は、イ短調（key Ａｍ）に直して調べます。直し方のコツは、主音（キー音）がメロディのどの音かを見つけることです。　その方法を紹介しましょう。・楽器でＣのコード（和音）を弾いて、それに合わせて唄ってみる。暗い曲の時は、Ａｍのコードを出します。・その曲を終わらせる感じで唄ってみる。　終了の音が、相対音階のド（主音）です。　短調の時はラです。調べてみると、１～７の音しか使っていないことが、よくわかります。　鍵盤楽器の場合でしたら、白鍵しか使いません。もし、それ以外の音が使われていたら（黒鍵）、それは特殊な音なのです。　特殊なメロディ（フレーズ）なのです。１～７以外の音が使われている部分は、変わった感じに聴こえます。　特殊な音は５個あります（黒鍵）。意外にも、めったに使わないこの特殊な音（５個）が、メロディに感情をあたえる役目をします。　聴き手の心を揺さぶります。（さあ、この続きは、『３　展開』で詳しく述べます。）

2005年10月10日

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