緑と清流

[名画の秘密] カテゴリの記事

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  マリー・ローランサン

  　　　オリーブ 日本でも人気の高いマリー・ローランサンの絵は、柔らかい色調の女性ばかりが描かれていて、男性は登場しない。この作風は、彼女自身の恋愛体験が反映されているのではないかと言われている。ローランサンの最初の恋人は、詩人のギョーム・アポリネールで、彼はピカソから紹介された。ところが、急に彼と別れたローランサンは、ドイツ人の画家ヴェッツェン男爵と電撃的に結婚した。しかし男爵との結婚生活もうまくいかず、８年後に離婚した。男爵はアル中で、財産を失った上、一族は没落した。もう結婚はこりごりという心境で、女友達のニコル・グルーを愛の対象にした。グルーとは結婚前からの知り合いで、時々喧嘩をしながらも、最も親しい友人であり、友情は生涯続いた。シュザンヌ・モローという元々女中だった女性を養女にし、死ぬまで生活をともにした。男性に懲りて、女性との友情を温めて暮らしたローランサンであれば、女性ばかりで男性不在の絵を描くのも不思議ではない。彼女の自伝的エッセイである「夜の手帳」には、男性を牛になぞらえて、「牛はもうたくさん、私は気の合う女性たちと暮らします」という一文がある。　 

  2010.06.04

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  画僧リッピ

  　　ウツギルネサンス期に描かれた聖母の絵の中でも、イタリアで人気が高かった１５世紀のフィリポ・リッピの「聖母子と天使」は、とりわけ艶めかしく描かれた作品だ。リッピは修道僧で、幼少期から絵が大好きだった。才能もあった彼は、司祭職のかたわら修道院の祭壇画などを描く画僧となった。ところが、リッピは大変な好色で、女癖が悪い司祭で、好みの女性がいればどんなことをしてでも手に入れた。どうしても口説き落とせない時には、肖像画を描いて気持ちを鎮めた。彼は女子修道院の依頼で絵を描く機会が多かったので、修道女も恋の対象になった。ある時、サンタ・マルガリータ修道院で、美しい修道女を見初めてしまい、絵のモデルにした。ルクレツィアという修道女をモデルにしたリッピは、絵を描きながら彼女を口説き、ついに１４５６年のある日、二人は駆け落ちしてしまった。やがて二人の間には、フィリピーノという息子が生まれた。以後、リッピが描く聖母のモデルは、ルクレツィアになり、「聖母子と天使」の聖母も彼女がモデルのために、艶めかしくなったのだ。しかも、この聖母は、当時フィレンツェで流行していたヘアスタイルで、真珠の髪飾りをつけた１５世紀風のファッションの聖母である。さらに、サンタ・マルガリータ修道院にいたルクレツィアの妹や、その他の修道女も誘惑し、彼女たちも修道院から逃げ出して、彼の家に住むようになった。そしてとうとう彼は司祭職をくびになった。しかし、彼の絵に傾倒していたフィレンツェの君主メディチによって、法王は二人の還俗と結婚を許可させられた。　　

  2010.05.28

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  ラファエロ・サンティ

  　　サンピエトロ寺院の壁画などを残したラファエロは、ミケランジェロと同時代の画家である。ミケランジェロはどんな大作でも自分一人で制作したが、ラファエロの場合は下絵は自分で描いたが、制作は弟子たちが完成させた。「プシュケーの物語」という作品は、ローマのファルネジーナ館の天井画だが、ラファエロの作品としては優美さに欠けると言われている。その作品が制作されていた頃、ラファエロは恋愛に夢中で作品どころではなかった。彼が好んでモデルにしていたマルゲリータは、パン屋の娘で彼の愛人だった。しかし、彼の愛人はマルゲリータだけではなかった。彼は生涯独身だったが、次々に恋人を作り、その都度仕事をないがしろにしていた。ヴァザーリというラファエロの信奉者で画家・文筆家あの記録によれば、ラファエロが女性に夢中で仕事場に寄り付かなかったので、その女性を仕事場に住まわせて、無理に仕事をさせたという。彼は若くしてルネサンスを代表する画家となったが、面私生活はだらしなかった。３７歳という若さでこの世を去ったが、女遊びが死因だったとも言われている。

  2010.05.24

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  エドワルド・ムンク

  　　カルミアムンクは１９世紀から２０世紀に活躍したノルウェーの画家で、「叫び」という作品で有名だが、もう一つ彼の根幹となった作品に、「生命のダンス」がある。生命のフリーズという一連の主題に基づく作品を発表したが、それを展示するにあたって、発端を「叫び」、締めくくりを「生命のダンス」として並べた。生命のダンスは、彼にとって大きな意味を持つ作品で、生命のフリーズの中でも要となっていた。ムンクの手記によれば、絵の中の三人の女は、「夢見るように生を凝視する女」、「生を渇望し愛する女」、「蒼白の顔の尼僧」を表し、処女・熟女・老女、女の一生としている。これはムンクの恋愛体験をもとにしていると考えられている。この絵が描かれた１９００年頃、ムンクの恋人はマティルダ・ラルセンという女性だった。愛称トゥラというその女性は、オスロの裕福な商人の娘で、この絵のモデルとなった。だが、中央の女は、「私の最初の恋人」だと彼が語ったことから、かつての恋人だったミリー・タウローだといわれている。ムンクは奔放な恋愛を繰り返していたので、トゥラの美貌に惹かれながら、結婚を迫る彼女には閉口していたらしい。１９０２年、彼女はピストル自殺をはかり、止めようとしたムンクは左手中指を負傷した。それ以来、ムンクの集中的制作はぱったり止まってしまった。

  2010.05.21

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  フランシスコ・ゴヤ

  　　ウツギスペインのプラド美術館には、フランシスコ・ゴヤの「裸のマハ」と「着衣のマハ」が展示されている。同じ絵なのに一方は裸で、もう片方は服を着ている。二つの作品は１８０３年に、スペインの宰相マヌエル・ゴドイの邸宅で発見された。当時スペインはカトリックの力が強く、厳しい戒律があった。そのためゴドイ家では、表面に着衣を飾り、その下に裸のマハを隠した。裸はハンドルを回すと出てくるように細工がしてあり、時々に応じて入れ替えていた。楽しそうだね。先に描かれたのは「裸のマハ」で、両方が完成するのには数年の開きがあったと考えられている。ゴヤはどうしてこの二つの作品を描いたのだろう？謎を解くカギは、マハのモデルになった女性が握っている。モデルとされている女性は、ゴヤの恋人だったアルパ侯爵夫人で、魅力的な彼女はゴヤにとっては女神ヴィーナスのような存在だった。ゴヤは彼女を描いた別の作品を、死ぬまで自宅に飾っていた。その絵の侯爵夫人は、右手の指で下方を指示しているが、そこにはゴヤの署名があり、その隣に「solo」という文字が入っている。つまり「ゴヤだけ」という意味だ。また、二人のイニシャルを刻んだ指輪も描かれている。純愛だね。後年、ゴヤは「裸のマハ」を描いたことで、異端審問に召喚された。侯爵夫人の方の子孫も、夫人がモデルではないことを証明するため、裸の女性とは体形が異なるとして、１９４５年に墓を掘り返し、遺骨を調査された。当時のスペインでは、裸を描かれることは罪深いこととされていたため、先祖の汚名を消すためだった。ゴヤの墓も暴かれたことがあり、当時の新聞には「二人は死後も運命をともにした」と書かれた。

  2010.05.17

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  ジネーブラ・デ・ベンチの肖像

  　　ライラックダ・ヴィンチの初期の作品で、１４７５年頃に描かれた。モデルのジネーブラ・デ・ベンチは、結婚を目前に控えた１７歳くらいの少女で、無表情で不機嫌そうに暗く沈んでいる。これは物思いにふける彼女の心理状態を描いたという説がある。この絵は、地味な色使いではあるが、緻密な筆使いで描かれた巻き髪、輝く美しい肌など、彫刻のような立体感がある。ダ・ヴィンチの信条は、たとえ色彩は鮮やかではなくても、対象を浮き彫りのように描けば、眺める人を驚嘆させることができるというもので、立体感を重視して描かれている。ジネーブラ・デ・ベンチの背後には、常緑樹のセイヨウネズノキが描かれているが、これは何気なく描かれた背景ではなく、実はダジャレだった。この木は、イタリア語でジネプロといい、モデルの名前と似ているので、そのまま背景に使われた。ダ・ヴィンチのダジャレはこの作品だけではなく、「白貂を抱く婦人」のモデルの名前がチェチリ・ガッレアーニで、貂をギリシャ語で「ガーレー」ということから、モデルに白貂を抱かせた。このようにモデルの名前に引っ掛けた小道具を描くのは、ダ・ヴィンチだけの趣味ではなく、当時のイタリアで流行していた。ルネサンスの芸術家は、ダジャレが好きだったらしい。しかしジネーブラ・デ・ベンチのセイヨウネズノキは、ただのダジャレではなく、彼女の美しい白い肌を、大理石のようにいっそう美しく輝いて見せている。

  2010.05.14

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  ジャン・オーギュスト・ドミニク・アングル

  　　芝桜美術学校で、生徒たちにヌードを描かせるボザール方式という教育法を広めたのは、１９世紀のフランスの画家ジャン・オーギュスト・ドミニク・アングルだった。アングルはパリの美術学校の教授と校長を務め、ボザール方式を確立した。世界の美術教育に影響を与えたアングルが、画家として注目されたのは、ナポレオンの宮廷文官であるリビエールの肖像画「フィリベール・リビエール氏」だった。この肖像画の中に描かれた机の上には、美しい書物がある。その上にはラファエロの名作「小椅子の聖母」の版画が置かれている。これはリビエール氏の趣味ではなく、アングル自身の好みで描かれた。アングルの師であるジョゼフ・ロックが、イタリアから持ち帰ったラファエロの複製で、それを見た時、アングルはラファエロに傾倒してしまった。アングルは、他の絵にも画中画としてラファエロを描いている。彼はラファエロの生涯を連作として描きたかったが、未完に終わった。ラファエロに対する崇拝ぶりは徹底していて、まるで神様のように思っていた。

  2010.05.10

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  ヤン・ファン・アイク

  　白藤１５世紀の画家ヤン・ファン・アイクの代表作「アルノルフィニ夫妻の肖像」は、ロンドンのナショナルギャラリーが所蔵している。この作品は、描かれた様々な物が象徴的に表現されている「擬装された象徴主義」の作品として知られている。つまり、ただ見るためだけに描かれた絵ではなく、作品中の夫妻にとっては「婚姻」を証明するものなのだ。当時は、結婚の誓いに聖職者が立ち会う必要はなかったが、証人を立てるのが一般的だった。画家は絵の中に、「ヤン・ファン・アイク、ここにあるき１４３４年」と書いている。しかし実は、女性の方は明らかにファン・アイク夫人ではないのだ。また、「ここにありき」と書くのもおかしいし、しかも文字は公文書用の書体である。現在では、結婚式に立ち会ったことを示すものという見方がされている。絵の中の鏡は凸面鏡になっていて、部屋の反対側の扉が見え、そこには二人の人物が映っている。この絵は単に夫妻を描いたのではなく、結婚承認、あるいは結婚報告の絵といえる。現代なら携帯で写真を撮って、出席できなかった友人などに送るところだろう。

  2010.05.07

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  ウィリアム・ホガース

  　　イギリスの画家ホガースは、フランスやイタリア風の絵画が流行していたことに反感をもち、イギリスの文化に根ざした絵を描こうとした。好んだ画風は、風刺的な物語が進行する紙芝居のような連作で、１８世紀、１９世紀のイギリスの画家たちに影響を与えた。代表作は、四大連作諷刺画の三作目「当世風の結婚」で、６場面からなり、親の勝手で結婚させられた貧乏貴族の息子と、成金商人の娘が、それぞれ愛人を作り、やがて悲劇的結末を迎えるという物語である。６枚の絵は、細部の小道具を観察してみると、舞台を観ているように物語が読み取れる。彼の作品は美術作品として鑑賞するより、細部を観察して、さりげなく示されている物語を探して楽しむ小説のようにミステリアスだ。「当世風の結婚」では、夫婦に対して批判と、嘆きの表情をした執事のポケットから、「再生」というタイトルの本がのぞいていることから、彼がメソジスト派の信者であることを示している。メソジストとは禁欲主義なので、不道徳な夫婦に対して大げさなほど批判的なのだろう。だが、ホガースはメソジスト派を嫌っていた。つまり画家は、この不道徳な夫婦と、メソジストの執事の偽善との両者を批判しているのだ。

  2010.05.03

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  フェルメール

  　　オオデマリ１７世紀のオランダの画家であるヨハネス・フェルメールの作品「天秤を持つ女」は、窓辺で白いヴェールの女性が天秤を持っている。女性の持っている天秤には、何が乗っているのか、暗くて良く見えない。テーブルの上には、金貨や真珠のネックレスがあるので、金や真珠を量っているようにも見える。しかし顕微鏡で調べてみると、天秤の上には何もないことが判った。ではどうしてこの女性は天秤を持っているのか？この絵の背景の壁には、「最後の審判」の絵が飾ってある。天秤は、その絵と関係があるのだろうか。天秤は正義や公平の象徴である。最後の審判の時、大天使ミカエルが、なんと人間を天秤に乗せて、その魂を計量し、天国へ行かせるか、地獄へ落とすか決めるのだという。（一言。天使は神の召使いであり、人間は神の子なのに、召使いがご主人様のお子様をまるで物のように扱って良いのか？　閻魔様なら許せるけど）つまり、女性が持っている天秤は、最後の審判の象徴と考えられるようになった。この女性自身も、いつかは審判を受けるということと、あるいは彼女が自分を秤にかけて、バランスをとって生きていくべきということを示している。最後の審判の時は、何だか恐ろしい時だが、自分の生き方が正しかったという自信があるなら、この女性のような穏やかな表情でいられるだろう。自分が節度を保って生きていけば、心の平安が得られるという意味のある絵なのかもしれない。　　

  2010.04.30

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  アルカディアの牧童

  　　スズランギリシャ・ローマ神話のような服装の４人の人物が、石碑の前に集まっている絵は、謎めいている。描いたのはフランスのニコラ・プサンという画家である。４人の人物の中で、３人は粗末な服を着て、羊飼いの棒を持っているので、牧童とされているが、本当は不明である。アルカディアとは、古代ギリシャの理想郷であるが、この絵の舞台はアルカディアではない。フランスのある村に、この絵と同じ風景の場所があり、石碑も実在している。石碑は石棺のようにも見え、文字が刻まれている。謎めいた文字は、ラテン語で「我はアルカディアにもあり」という意味。どうして神話の世界の地名を持ちだして、謎の碑文を描いたのか？これは文字の並べ替えによる暗号だという説がある。「ET IN ARCADIA EGO」これを並べ替えると、「立ち去れ、私は神の秘密を隠した」という意味のラテン語になる。石碑の奥には、レンヌ・ル・シャトーの山が描かれている。この山に、神の秘密が隠されているというのか？秘密とは何か？かつてシオン修道会という宗教団体の一部が、その山麓に住んでいたことから、その宗教団体が関係していると推測されている。シオン修道会は、イエスは処刑される前に、マグダラのマリアと結婚して、子供を儲けていて、その子孫がフランク王国のメロビング朝の祖となったと主張し、イエスの子孫を探し出してフランク王に復帰させるという目的で結成された。フランク王国はフランスとドイツの前身で、５世紀末から８世紀中ごろまでメロビング朝が支配していた。しかしカロリング家が台頭してきて、メロビング朝は崩壊し、政権を奪われた。これがこの絵の謎なのか、それとも他に神の秘密があるのか？ミステリーは依然として未解決のままである。

  2010.04.26

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  イカロス

  　　チューリップ１６世紀のネーデルラントの画家、ビーテル・ブリューゲルの作品の中で、「イカロスの墜落の描かれる風景」は、ギリシャ神話を題材にした唯一の絵である。イカロスは名工ダイダロスの息子で、翼を作って空を飛んだが、太陽に近づき過ぎて翼のロウが溶けてしまい、海に墜落した。その悲劇が描かれている絵だが、長閑な海岸、農夫や羊飼いがのんびりと空を眺めている。しかし海には、溺れかけたイカロスの足が突き出ている。空から海に墜落すれば、近くの人は驚いて、ただ眺めているだけだと思えるが、農夫も羊飼いもそれに気付かなかったか、気付いても気に留めていない。さらに近くで釣りをしている人は、釣りに熱中していて、イカロスを見ようともしていない。ブリューゲルは、イカロス墜落事件を、人間たちに無視された事件として描いたのか。また、農夫の前方には、小さく横たわる死人が描かれている。長閑に見える風景が、実は残酷な光景だ。「人が死んでも鋤は働くのを止めない」という、ネーデルランドの諺を表したといわれている。ブリューゲルは諺が好きな画家で、他の作品にも諺をちりばめた。「農民と鳥の巣取り」では、巣の在処を知る者はいるが、捕えた者が巣を手にするという諺の絵。その他にも、絵のどこかに諺が潜んでいて、諺を良く知っている人だけが気付く。このミステリーは、まだ解明されていない。

  2010.04.19

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  マニエリズム

  　　マニエリズムとは、１６世紀のイタリアで流行した、ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、ラファエロの手法を学ぶこと。代表的な画家の一人に、アーニョロ・ブロンジーノがいる。彼はフィレンツェのメディチ家の援助で肖像画家となり、代表作「愛のアレゴリー」を描いた。この作品は、メディチ家からフランソワ一世に贈られた。「愛のアレゴリー」では、ヴィーナスに息子のキューピッドが接吻している。このキューピッドは少年ではなく、かなり年長に描かれているので、母子といとびとｇはいえ官能的に見える。二人の周囲には奇妙な人々が配されていて、それらはそれぞれ寓意を表している。その中の老人は「時の翁」で、肩に砂時計を乗せている。女は「真理」とされ、老女は「嫉妬」、男の子は「快楽」、少女は「欺瞞」を意味する。つまり、この絵が訴えているのは、愛や恋には嫉妬や欺瞞がつきものだというのだ。そのやっかいな状況を、真理が白日の下に曝している。快楽の足元を見ると、棘のある枝を踏んでいる。これは快楽には苦しみが伴っていることを表している。この絵は一見、無学な大衆に教訓を伝えるために描かれたものに見えるが、そうではなく、知識も教養もある人々に、この意味をめぐって首をひねらせるのが目的なので、解り難くした方が良かったのだ。寓意を絵に取り入れるのは、彼に限ったことではなく、普通に行われていたことで、いわばお約束ごとだった。

  2010.04.16

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  フランス革命

  　　１７９３年７月１３日、フランス革命の中心人物だったジャン・ポール・マラーが暗殺された。その事件の翌日、ジャック・ルイ・ダビドは、「マラーの死」という絵を描いた。マラーは、ナポレオンの肖像画を描いた皇帝御用達の画家だったが、フランス革命当時はマラーと同じジャコバン派に属し、革命運動に身を投じ、政治的な作品を何枚か描いた。絵の中のマラーは、ターバンを巻いて浴槽に浸かったままの姿で死んでいる。左手には手紙を握り、右手はペンを持っている。手紙は読めるように描かれていて、コルデーからの手紙だと判る。マラーが浴槽で仕事をしたり、人に会っていたのは事実で、彼はひどい皮膚病に罹っていたので、全身のかゆみに悩まされていたため、硫黄の湯に浸かっていた。頭に巻いたターバンは、酢を沁み込ませていた。彼を暗殺したのは、シャルロット・コルデーという女性で、コルデーは、ジャコバン派との政争に敗れ、パリを追われたジロンド派のシンパだった。そこで逃亡中のジロンド派の人々の名前を教えると偽って、マラーに面会を求めたのだった。マラーの浴室へ通されると、隠し持っていたナイフで彼を刺殺した。彼女は捕えられ、ギロチンにかけられた。絵の中の浴室は長方形だが、実際のマラーの浴室は木靴のような形だったといわれている。また当時の浴室にあった装飾は、絵の中ではすべて省かれ、まるで未完成の絵のような暗闇になっている。ダビドはマラーをフランス革命の殉死者として、英雄的に描こうと意図し、あえて装飾を省いて、マラーの亡骸を目だ立たせた。

  2010.04.12

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  快楽の園

  　　シャクナゲヒエロニムス・ボスという画家は、中世の絵画の最後の、そして最大の画家といわれている。彼の絵は個性的で奇想に富んでいる。荒涼とした風景の中に、奇怪な生物がひしめいている絵や、グロテスクで幻想的な絵がｈ多い。代表作の快楽の園は、三枚のパネルからなる連作で、左の絵は、様々な生き物が生息しているエデンの園で、神がアダムとイブを引き合わせているシーンである。中央の絵は、欲望に満ちた人間の営みで、右の絵は、罪人たちが責め苦に遭っている地獄の様子が描かれている。つまり原罪以前の人間と、欲望にまみれた実世界と、罪の結果の罰とを表したのである。三枚の絵の中で、最もボスの本領が発揮されているのが地獄の絵で、悪魔に剣や槍で斬り付けられる人間たち、怪物に喰われて排泄される罪人などが描かれている。様々な刑罰を受ける人間の中に、巨大な楽器に縛り付けられて苦しんでいる罪人が描かれている。楽器が拷問の道具になっているのは、中世ヨーロッパでは、楽器は愛と欲望の象徴だったからだ。人間は犯した罪と関連性のある罰を受けている。楽器に苦しめられている人は、肉欲の快楽に耽り、好色の罪を犯した者たちなのだ。想像力に満ちた地獄絵図は、キリスト教が唱える地獄の光景とは異なっている。そのため、ボスは宗教的異端者だったといわれている。しかし、人間は自分が犯した罪によって罰を受けるという中世的信仰からの想像で、ボスの想像力が並み外れていたと考えられる。ボスの作品は、彼の死後、１６世紀のスペイン王フェリベ２世が熱烈に気に入り、さらに２０世紀の超現実主義に影響を与え、その源流となった。

  2010.04.06

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  ヴィーナス２

  　　花海棠ギリシャ・ローマ神話の中でも、度々絵画に登場する愛と美の女神、ヴィーナス。ヴィーナスという呼び名はローマ神話で、ギリシャではアフロディテという。絵画は15世紀イタリアのボッティチェリが描いた「ヴィーナスの誕生」が一般的に有名だ。この絵ではヴィーナスが貝殻に乗って海に浮かんでいる。これは、「クロノスが父ウラノスの生殖器を大鎌で切り落とし、海に投げ込んだ。すると、そこから泡が生じてヴィーナスが誕生した」という神話に基づいている。そんなグロテスクな生まれ方をしたヴィーナスが、愛と美の女神というのもしっくりしない。この絵のようにヴィーナスがはっきりしている絵の他にも、ヴィーナスの名が入っていない絵もある。そのような場合は、ヴィーナスも他の女神も、人間の裸婦と同じに見えるが、実はヴィーナスを見つける方法があるらしい。美術界では、アトリビュートといって、持ち物などから描かれているのが誰なのか判るように、決まりがある。例えば、聖母マリアには、傍に聖書とユリの花がある。ヴィーナスの場合はバラで、バラは神話ではヴィーナスの誕生と一緒に生まれた花とされていて、古代では、ヴィーナスに捧げる聖花だった。そのため、バラは愛の象徴になり、ルネサンス以降、バラがヴィーナスのアトリビュートとなった。また、愛には痛みが伴うことを、バラの棘が連想させる。「ヴィーナスの誕生」では、バラの花が天から降り注ぐように描かれている。絵画を鑑賞する時、裸婦がバラを持っていたり、傍にバラが置かれていたら、その裸婦はヴィーナスであると思えば間違いなかろう。

  2010.04.05

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  マリアの青いマント

  　　聖母マリアを描いた絵は、「受胎告知」「聖母子と天使」など数々あるが、不思議なことにこれらの絵に描かれたマリアは、ほとんどが青いマントを着ている。どうしてマリアは、申し合わせたように青いマントを着ているのか。キリスト教では、聖母マリアは「海の星」と呼ばれている。英語の海はマリン、マリアに由来しているのだ。日本でも「母の愛は海より深い」と言う。マリアのマントの青は「天上の王国の女王」で、マントの下に着ている服の赤は「神の母」を示している。また、青は「信仰」赤は「慈悲」に結び付く。中世でもルネサンス期でも、聖母マリアが青いマントを着ているのは、キリスト教絵画の伝統に基づいていて、特に赤い服の上に青いマントを着たマリアが描かれることが多かった。アンジェリコの受胎告知の場合、青いマントの下に着ている服は赤ではなく、「純潔」を示す白であるが、コルトーナの司教区美術館の受胎告知では、伝統通り赤い服に青いマントを着ている。リッピの聖母子と天使は、マントではなく青い服になっているのは、リッピが活躍した15世紀イタリアのファッションをモティーフに描かれたから。青いマントを描く場合、高価な青い顔料であるウルトラマリンブルーが用いられた。マリアのマント以外の所に青を使う場合は、それより安価な顔料が使われた。それほどマリアの青いマントは重要視されていたのだ。　　

  2010.04.03

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  ミケランジェロ

  　　キリスト教の思想では、世界が終末を迎える時、イエスが再来し、蘇った死者たちがイエスの審判を受けて、天国行きと地獄行きに選り分けられるとされている。ちょっと馬鹿げた思想だが、その「最後の審判」を題材にした絵が、中世以来さかんに描かれた。その中で特に有名なのが、バチカンのシスティーナ礼拝堂の天井画で、ミケランジェロの作品「最後の審判」である。ミケランジェロの「最後の審判」には、300人以上の人物が配されていて、この作品が描かれた1541年ころの、世界最大のフレスコ画である。それまでの同種の作品と大きく異なるのは、中央に描かれたイエスのポーズで、それまでの最後の審判の絵では、イエスは裁きの公正さを示すために、両手を同じ高さに左右対称になっていて、救いと罰とか、慈悲と正義が同等であることを示している。13世紀以降になると、イエスは神聖な右手を高く上げて、天国行きの人を祝福し、不浄とされる左手は低く描かれ、地獄行きの罪人の刑罰を示していた。しかしミケランジェロは、このどちらでもなく、右手は地獄に堕ちる異教徒の人の方へ手のひらを向けて上げ、厳しく刑罰を示し、左手は祝福されたクリスチャンの人を招き寄せようとしている。どうして右手と左手が逆になっているのだろう。1541年当時は、カトリックとプロテスタントが対立していて、最後の審判についての意見の対立は特に激しかった。カトリックでは、言葉は違っていても要するに「教会に多くの寄付をすれば天国へ行ける」と説いたのに対して、プロテスタントはそれを拒否した。プロテスタントはより厳しい見解を持っていたので、罪人を処罰する意思の強いイエスを描いた「最後の審判」は、プロテスタントの教えだったといえる。ところが、描かれているのはカトリックの聖地バチカンだ。ちなみにキリスト教で「イエス」という場合は、本当のイエスのことではなく、名前を使われただけ。イエスが「天の神」と呼んでいた神は、人間を差別したり、選んだりはしないものだ。

  2010.03.29

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  最後の晩餐

  　　ユキヤナギミラノのサンタ・マリア・デレ・グラツィエ修道院の食堂にある壁画が、レオナルド・ダ・ヴィンチの最後の晩餐だ。これは未完成の作品で、イエスの顔が完全に描かれていない。ダヴィンチはルネサンスを代表する多芸多才な人物であり、画家、科学者、音楽家、演出家、デザイナーなど多方面で活躍していたため、未完成の作品が多い。最後の晩餐は未完成であるだけでなく、汚れや損傷が激しく、テーブルにどんな料理が並んでいたか判らなくなっていた。1999年の洗浄で、くすんでいた皿の上の料理がはっきりした。大皿には魚が盛られていた。メインディッシュは魚料理だったのだ。　　イエスが弟子たちとの最後の晩餐を行ったとされているのは、ユダヤの過ぎ越しの祭りという祝日で、エルサレムの神殿では生贄の子羊を丸焼きにして、巡礼たちに振る舞った。一般的に考えれば、イエスたちもその夜は子羊を食べたかもしれない。ダヴィンチは、それ以前に描いた最後の晩餐の絵では子羊料理にしている。さて、ギリシャ語で、「イエス＝神の」「子」「キリスト＝救世主」の頭文字をつなぐと、魚になる。初期キリスト教美術では、イエスの象徴として魚を描いた。キリスト教がローマに迫害されていた時代、イエスの姿を描くことができなかったので、宗教画家たちは、魚を描いて崇めていた。イエスは偶像崇拝してはならないと言ったのに・・・イエスは最後の晩餐の時、パンとワインを自分の肉と血にたとえて、弟子たちに与えたとされ、それにちなんでキリスト教の儀式、聖餐式ではパンとワインが配られる。イエスが自分自身を生贄として神に捧げるなら、最後の晩餐の料理は、イエスの象徴である魚が相応しいという発想で、最後の晩餐を描く時には魚料理にするようになった。ダヴィンチは、実際にイエスたちが食べた可能性の高い子羊料理よりも、魚をイエスの象徴にしているキリスト教的伝統に合わせて、最後の晩餐を描いたのであろう。

  2010.03.26

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  フェルメール

  　　ネモフィラ17世紀オランダの画家、ヨハネス・フェルメールの作品には、窓から光が差し込む室内を描いた絵が多い。現存する35点の作品のうち、28点がそうした光景なのである。フェルメールは、窓によって喧騒から隔てられた室内を描きたかったのかもしれない。当時のガラスは吹きガラスで、鉛で分割された枠に小さなガラスをはめ込んであった。波打つガラス越しの窓の外の風景は、ねじ曲がって見えた。現在のような二重ガラスなどないので、音は聞こえたが、なんとなく喧騒から遠ざかったような気がしたかもしれない。フェルメールは、ガラス越しの歪んだ景色の中、音がほんの少し小さくなった室内でこそ、人間の真実が見えると考えた。彼にとって、ガラスは真実を見るための、光を作り出す装置だったのかもしれない。また、オランダは晴れ間が少ない地域で、大きく窓を開いて外の光を取り入れようとする人々にとって、窓は大切なものだった。フェルメールの絵はそれを反映し、窓を描いたのではないか。彼は、暖かい光が差し込む窓を愛していたのだろう。

  2010.03.22

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  フィンセント・ファン・ゴッホ

  　　沈丁花フィンセント・ファン・ゴッホゴッホが1890年に37歳でこの世を去ってから、1０0年以上経った現在、彼の作品には高値がついているが、生前はまったく売れない画家だった。売れた絵はたった一枚で、それが「赤い葡萄酒」という作品で、値段は400フランだった。当時彼が支払っていた家賃は、200フラン程度だったから、現在なら20万円の家賃で、絵が10万円ぐらいというわけだ。しかもたった1枚！そんな画家の絵が、どうして死後になって評価されるようになったのか。ゴッホの作品を世に出したのは、彼の遺族だった。画商だった弟ティオは、貧しい生活に苦しみ、孤独と闘いながら、ついに精神を病むようになった兄フィンセントを信じ続け、妻子を養わなければならない自分の生活も楽ではなかった。しかもフィンセントは、ティオに頼りながら、手紙では彼をなじる有様だった。しかしティオは、最後まで決して兄を見捨てなかった。自殺を図った兄の枕元で、自分の画廊を開く計画を話し、最初の展示はフィンセントの作品の個展を開くつもりだと告げた。兄は翌朝、弟に抱かれて息を引き取った。その半年後、弟も兄の後を追うように逝った。ティオの計画を引き継いだのは、妻のヨハンナで、フィンセントの絵に対する世間の嘲りは続いていたが、ヨハンナの努力が実り、アムステルダムで回顧展を開いた。ゴッホの死から15年後のことだった。その作品は従来の印象派の枠を超える、後期印象派の代表という評価を得た。ようやく時代が、フィンセントに追いついたのだった。しかしティオやヨハンナがいなかったら、ゴッホの作品は埋もれたままだったろう。ヨハンナの仕事は、息子のフィンセント・ウィレム・ファン・ゴッホが、自分の美術館に所蔵する形で引き継いだ。ゴッホ本人はもちろん、ティオもヨハンナも、ゴッホの作品がこれほど高い評価を得ているとは知るよしもないが、彼らが信じ続けたものは、家族によって世間に知られるようになった。ゴッホのティオに宛てた最後の手紙には、「単なる画商ではなく、自分と共同して強い芸術をつくりあげたことを忘れないでくれ」と書いてあり、家族はそれをしっかり守ったのだった。

  2010.03.19

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  ルノワール

  現代日本人が、あんなこと（イルカ漁）をしていたと知ってショックでした。あれが本当なら虐殺と言われても仕方ないでしょう。しかし、イルカの虐殺、殺人、戦争、何が違うのでしょうか。インディアンを虐殺してアメリカ大陸を我がものにし、異教徒を虐殺し、戦争で人間を虐殺し、原爆で日本人を虐殺した人種には言われたくないね。 　ピエール・オーギュスト・ルノワールの作品の中でも特に人気の高いのは、1876年制作の「ムーラン・ド・ラ・ギャレット」だ。画面いっぱいに描かれた幸福に満ちた男女の絵は、見る者に幸せを与える。タイトルのムーラン・ド・ラ・ギャレットは、当時はまだ麦畑が残っていたモンマルトルのダンスホールの名前で、二つの古い風車（ムーラン）の間に建っていた。休日には野外舞踏会が開かれていて、この作品はその様子を描いたもの。ギャレットはお菓子の名前。大勢のモデルは、モンマルトルの貧しい労働者たちで、重要人物だけはルノワールの友人・知人たちだ。モデルたちは簡単には集まらず、特に女性はプロのモデルではなく、普通の町娘を使おうと思っていたので、なおさら集め難かった。そこで画家はグッドアイデアを思いついた。当時、有名な女優が被っていた帽子が大流行していた。フェッションに敏感なパリジェンヌ達は、その帽子を欲しがっていた。彼はその帽子を大量に買い込み、これを餌にして大勢の娘たちを集めた。ルノワールは近くのコルトーにアトリエを構え、毎日制作に取り組んでいた。毎日大きなカンバスをコルトーからムーランまで運ばなければならなかったので、「風が吹くとカンバスが凧のようにモンマルトルの丘から飛んでしまいそうだった」と、批評家のジョルジュ・リビエールが語った逸話がある。しかし実際は、作品の構図はコルトーにアトリエを借りる以前から決まっていたので、その逸話は眉唾ものだ。そのリビエールは、作品の中で向かって右手のテーブルに描かれている。彼はこの作品を、「歴史の1ページであり、パリの生活をありのまま描写した記録だ。このような作品を描こうとは、ルノワール以前に考えた者はいない」と言った。

  2010.03.15

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  ヴィーナスの誕生

  　　ジュリアンルネサンスの画家、サンドロ・ボッティチェリは、1482年ごろに「プリマヴェーラ」を描き、1488年ごろに「ヴィーナスの誕生」を描いた。この二作品は、描かれた時期も異なるし、絵の技法も異なっているのもかかわらず、一組のセットとして語られている。二つの作品は、1815年までメディチ家の一族の別荘に飾られていたが、発注したのは誰だか判っていない。両作品の中央には、いずれもヴィーナスが描かれ、「プリマヴェーラ」のヴィーナスは地上のヴィーナスで、「ヴィーナスの誕生」は天上のヴィーナスを表しているといわれている。二人のヴィーナスで表現されている世界観は、当時、メディチ家の有力者だったロレンツォが、プラトン・アカデミーというサロンの、新プラトン主義の解釈に基づくもうだった。新プラトン主義によると、二人のヴィーナスは二種類の愛を表している。地上のヴィーナスは物質界、生殖、肉体的な愛を表し、天上のヴィーナスは永遠、神聖、精神的な愛を表している。二人の美しいヴィーナスは、お互いを必要とし合っている。そこでこの二作品は、対のセットとして発注されたのではないかといわれている。「ヴィーナスの誕生」はルネサンス期で初めて描かれた裸婦といわれるが、神であるヴィーナスが地上に降り立ったシーンであるわけだから、裸なのは自然である。しかし神の姿がヌードで表現されたのは、肉体を罪とする中世的モラルが、ルネサンス期を迎えて打ち破られた証ともいえる。ボッティチェリは、ルネサンスを代表する画家であるが、当時開発された明暗法や遠近法の技法には興味を示さず、人物の輪郭や衣服の布の動きを線で表すという自分のスタイルを貫いた。そのため、時代遅れと評されたが、19世紀後半になってイギリスに紹介されると、当時の画家たちを魅了し、彼のヴィーナスは、19世紀末以降、「ファム・ファタール（運命の女）」のイメージの源となった。

  2010.03.12

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  ベラスケス

  　　ヒマラヤユキノシタ17世紀スペインの宮廷画家、ディエゴ・ベラスケスの「ラス・メニーナス」は、レンブラントの「夜警」や、エル・グレコの「オルガスの理事」とともに、三大名画と称される、彼の最高傑作である。ラス・メニーナスとは、女官のことで、中央に描かれた女王マルガリータの世話係で、日本なら女房たちを意味する。左端にはキャンバスの裏側が描かれ、そのキャンバスに向かって絵を描いているベラスケス本人が描かれている。絵を描いている自分を描くという二重構造になっているわけだが、絵の中の彼は何を意味しているのだろう？描く対象が何であるかは、絵の中央の鏡を見ると判るようになっている。鏡の中に、当時の国王フィリペ4世夫妻が見える。鏡は、ベラスケスの背後の壁に掛った額のようにも見えるが、その色使いは他より明るく、画面の前面に広がっている空間が感じられ、そこに立っている国王夫妻だと解釈できる。つまりこの絵は、国王夫妻を描いている画家本人の絵なのだ。画面に描かれた女王マルガリータや、ラス・メニーナスたちにも国王夫妻の姿は見えている。ラス・メニーナスというタイトルは、後の世でつけられた名前で、当初は「国王一家の肖像画」というタイトルだった。絵の中のベラスケスは、胸に紋章をつけた正装で、宮廷画家としての自分の存在を描きたかったのであろう。

  2010.03.08

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  クリムト

  　　アセビクリムト19世紀末のヨーロッパで、青春様式（ユーゲントシュティル）という国際的工芸運動があった。グスタフ・クリムトは、ウィーンのユーゲントシュティルを代表する画家で、アール・ヌーヴォーの影響を受け、ウィーン分離派というグループを創設した。代表作は「接吻」という作品で、1907年から翌年にかけて描かれた。そのタイトル通りの内容で、男性の頭部と女性の肩や手などは写実的で、その他は装飾的に描かれている。女性のモデルは、クリムト自身の恋人であるエミーリエ・フレーゲである。恋愛中のカップルを描いた官能的な作品だが、同時に死をイメージさせると言われている。よく見ると、二人が居る場所は花園であるが、膝をついている女性の足元で途切れている。花園が断崖絶壁になっているのだ。　愛は死と隣り合わせということを連想させる。クリムトはなぜそのような絵を描いたのだろう。近世から近代にかけて、ウィーンはハブスブルグ家が栄華を極めていた。1857年から環状道路リング通りの建設が始まり、沿道は壮麗な建築物が次々と建てられ、ウィーンは繁栄の頂点にあった。さらに印象主義やユーゲントシュティルなどの新しい芸術が花開き、ウィーンは芸術の国際的中心地になった。日本の浮世絵がもてはやされた時代で、クリムトは日本文化に関心が深く、「接吻」も背景は金屏風から、人間の手や足は浮世絵からヒントを得た。頂点を極めたウィーンの繁栄も、すぐに崩壊の兆しが見え始めた。複数の民族を支配する帝国の、あちこちから民族主義の運動が燃え広がり、帝国の瓦解は時間の問題になった。そうした終末の予感がクリムトの「接吻」に死のイメージを持たせたのである。

  2010.03.02

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  アール・ヌーヴォー

  　　　高度に様式化された、流れるような植物の形態の装飾である、アール・ヌーヴォーの代表的作家のアルフォンヌ・ミュシャ。チェコ出身の彼は、一枚のポスターがきっかけで一躍有名になった。そのポスターとは、女優のサラ・ベルナールの舞台「ジスモンダ」が、1895年に再演された時に制作された。当時、サラ・ベルナールは「パリの劇場に君臨する雌ライオン」とか、「神なるサラ」などと称された大女優で、あのフロイトが彼女の写真を机に飾っていたほど人気があった。ミュシャの斬新なポスターは大評判となり、日本の画家にも影響を及ぼし、与謝野鉄幹が主宰する「明星」の挿絵にも、この表現を藤島武二が用いた。ミュシャを気に入ったサラは、5年契約で舞台や衣裳のデザインを依頼した。ミュシャは独特のスタイルを確立し、成功の階段を駆け上り、アール・ヌーヴォーは時代の象徴となった。まだ無名だったミュシャに、「ジスモンダ」の仕事が与えられたのは、1854年の暮れのことで、その時ミュシャは、休暇を取る友人に頼まれて印刷工場で試し刷りをしていた。そこへルネサンス座からジスモンダのポスターをすぐに作ってほしいと依頼があった。いつも頼んでいる画家たちは誰も休暇中だったので、工場は困ってしまった。マネージャーは仕方なく、ミュシャ他何人かに制作させ、その中からサラ自身がミュシャの作品を選んだ。ミュシャはその後、サラが出演した7作品のポスターを手掛けた。そしてポスターに描いた蛇のブレスレットが、当時の人気デザイナー、ジョルジョ・フーケによって実際に作成された他、舞台の小道具などもデザインされた。ジスモンダのポスターがきっかけで、ミュシャにはポスターの他、画集、装飾パネル、包装紙、カレンダーなど様々な仕事の依頼が殺到した。アール・ヌーヴォーは一般の生活用品にまで芸術的要素を取り入れさせ、ミュシャの仕事はその実践だった。

  2010.02.26

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  ジオット・ディ・ボンドネ

  　　謎の物体イタリアのバドバにある小さな礼拝堂に、ジオット・ディ・ボンドネが描いた「東方の三博士の礼拝」という壁画がある。イエス誕生の物語を題材にしているもので、三賢者が救世主の誕生を祝福するために、贈り物を持って礼拝している図である。福音書によると、イエスが誕生した時、空にはひときわ輝く不思議な星が現れたという。ベツレヘムの星に導かれた三賢者は、マリアが厩で生んだイエスの許へたどり着いた。その壁画の中央に、長い尾を引いたベツレヘムの星が描かれているが、その星はハレーすい星であるとされている。ジオットの時代に記録されている彗星は、1299年の中国と、1301年のハレーすい星しかない。ジオットが壁画を描いたのは1304年から6年頃なので、彼がハレーすい星を目撃したと考えられ、その光景を壁画に描いても不思議ではない。中世、彗星は不吉とされ、凶作や王の死などの災難の兆しと考えられていた。しかし、ジオットが壁画を描いた当時のバドバは学問の中心地で、天文学を星占いや迷信と切り離して考えていた。バドバ大学の教授にガリレオが存在したことからも、進歩的な土地柄であったことが想像できる。さらにジオットは、「ルネサンスの父」「近代絵画の創始者」と呼ばれる画家である。それ以前の宗教画は装飾的だったが、彼は自然で人間的な描写、表現に変えた自然主義絵画の先駆者だった。かのダヴィンチも、「ジオットは過去何世紀の画家たちを凌駕した」と称賛している。壁画の世界は彼が生きていた14世紀ではないが、彼が実際に目にしたハレーすい星を、ベツレヘムの星として再現したのではないか。

  2010.02.22

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  ミレー

  　　ジャン・フランソワ・ミレーは、19世紀半ばのフランス画壇で、バルビゾン派と呼ばれる人たちの中で、農民画家として知られていた。バルビゾン派とは、身近な自然を愛情を持って描く人たちで、ミレーの代表作が「晩鐘」で、この作品は「種をまく人」「落ち穂拾い」と並ぶ名作である。地平線を横切る小さな教会のシルエット。中央に描かれた農民夫婦。夫は手に帽子を持ち、妻は深くうつむいて両手を胸にじっと祈っている。畑で夕の祈りの鐘の時を迎えた夫婦が、祈りを捧げている光景である。光と影が溶け込むように人物を浮き上がらせ、農民の人生と信仰心を描き出している。ミレーは、この光景を想像によって構図を考えた。これに謎を提起したのが、幻想画家のサルバドール・ダリだった。ダリは、この作品の夫婦の足元の収穫籠の描き方に不自然さを感じ、この作品は収穫の感謝の祈りではなく、我が子を失った夫婦の悲しみの様子を描いたのだと主張した。ダリの友人の出版社の社長は、「ダリはかつて偽札を見抜いたするどい眼力をもっている」と言った。ダリは、「夫婦の足元の籠は、最初は死んだ子の棺が描かれていたが、籠に修正したのだ」と言った。ルーヴルでエックス線検査をしたところ、籠の位置に子供の墓が描かれていたらしい。しかしミレー研究家は、ダリの説は彼の創作と言い、ダリ自身、自分の兄が若くして死んでしまったトラウマから逃れたいために、「晩鐘」を揶揄したのだと言った。絵を見直して見ると、夫は帽子を弄ぶようにしながら泣いているように見える。それは死んだ息子を思って泣いているのか、それとも一日の労働を終えて疲れ果て、アンジェラスの鐘に何事か願っているのか、ミレーにしか解らない。

  2010.02.20

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  ラファエロ・サンティ

  雪景色ラファエロ・サンティは、ダヴィンチ、ミケランジェロとともにルネサンスの三大巨匠である。イタリアの宮廷都市ウルビノに生まれたラファエロは、ローマのシスティーナ大聖堂の壁画で有名なペルジーノのもとで学んだ。1903年の作品「十字架上のキリスト」は、ラファエロとペルジーノの師弟関係の深さを物語る作品であるが、署名はラファエロとなっている。しかし、二人の作風を良く知る人が見れば、どう見てもペルジーノの手法だと言う。一体本当の作者は誰なのか？二人の年齢は40歳ぐらいの差がある。1483年生まれのラファエロは、ウルビノで一番有名だったペルジーノの許へ、少年時代に弟子入りした。ペルジーノは良い指導者で、弟子たちの創造性を生かす教え方をした。弟子たちは自由にそれぞれの才能を磨いていた。その中で少年ラファエロは急成長し、その才能はすぐに師を越えてしまった。「十字架上のキリスト」から一年後の「マリアの結婚」は、ペルジーノから自立したラファエロを表し、ペルジーノの代表作「ペテロへの鍵の授与」の影響は受けているものの、二人の作品には構成上で大差がある。ペルジーノの絵は、人物や建物の関係に特に注意していないが、それに対してラファエロは人物の遠近、建物などの幾何学的なバランスの細かく注意している。その５年後、見事な遠近法で、ルネサンスの最高傑作と言われる「アテネの学堂」を発表したが、その萌芽を、２１歳で描いた「マリアの結婚」は表している。そのため、「十字架上のキリスト」は人物や背景に工夫が見られないので、ペルジーノの作と思われ、その一年後の「マリアの結婚」と同じ作者（ラファエロ）の作品ではないと言われているのである。師弟はお互いに影響し合うが、この二人の場合は、やがて師であるペルジーノが、弟子であるラファエロの作風を参考にするようになった。

  2010.02.18

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  ナポレオン

  　　サン・ベルナール峠を越えるボナパルトジャック・ルイ・ダビトが描いた「サン・ベルナール峠を越えるボナパルト」は、教科書にも載っているほど有名だ。ナポレオンのアルプス越えが題材の肖像画で、ボナパルトはアルプス越えの後、北イタリア、マレンゴで勝利し、ナポレオン時代の幕開けとなった。この絵でナポレオンは、黒服に深紅のケープをまとい、颯爽とりりしく馬に跨っている。しかし実際の山越えは、悪路に強いロバに跨り、現地のガイドが手綱を取っていた。真実の姿は決して颯爽とはしていなかった。そのため、この絵では新時代のヒーローとして、美化されている。画家はナポレオンにモデルとしてのポーズを要求したが、「肖像画と英雄本人が似ているかどうかは問題ではない。ただ肖像画の中で英雄が息づいていれば良いのだ」と言って、ナポレオンはポーズをとらなかった。またダビトは、戦場で剣を手にしている姿を描きたいと言ったが、ナポレオンは馬上での平静な姿を描けと言った。ダビドは仕方なく、弟子にポーズをとらせてこの絵を制作した。この作品には、別人を描いた同じ構図の作品が数点ある。最初はスペインのカルロス4世が依頼した作品で、ナポレオンはそれを見て同じものを注文したと言われている。ナポレオンより20歳以上年上のダビドは、40代前半にフランス革命に立ち会い、ジャコバン党員として革命の熱狂に身をゆだねた。しかしロベス・ピエールの失脚で立場が危うくなり、投獄される身となった。復活にはナポレオンの庇護があったからだった。皇帝御用達の栄光を手にしたが、裏では権力にへつらった裏切り者と揶揄された。その後ナポレオンが失脚すると、ダビドも亡命を余儀なくされ、1825年ベルギーのブリュッセルで77年の生涯を終えた。

  2010.02.15

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  メデュース号の筏

  「一冊の本というものは、結局その著者のモノローグに過ぎない（ヴァレリー）」フランスの作家、詩人、評論家。著者としての心構え。著者は一文字書くたびに、自分に向かって語りかけ、その話を聞きながら、書き進めていくのだ。つまり書き手が書き手自身に話しかけているのである。ある考えは自分が気に入るが、別の思考は自分でも嫌いになる。その選択がどうなるか、それは著者自身の自分への愛にかかっている。それはモノローグに似て、そういう鉄則なのだ。　　　　テオドール・ジェリコーの作品「メデュース号の筏」は、ルーヴル美術館に所蔵されている。嵐の海を漂流する筏と、乗っている疲れきった人々が描かれている作品で、1819年当時は色々な意味で話題になった。メデュースとはギリシャ神話にある女神の名前で、この絵はギリシャ神話を題材としているように思われている。しかし、実は当時のヨーロッパで大問題になったある事件をテーマにしていた。19世紀初頭のフランスは、ナポレオン帝政が終わって王政復古の時代だった。アフリカのセネガルが、イギリスから返還され、三艘のフランス艦隊がセネガルへ向けて出港した。そのうちの一隻がメデュース号で、アフリカの西海岸で座礁してしまった。艦長の経験不足や判断ミスから、艦を捨てざるをえなかった。三百数十人の乗組員のうち、階級の高い者とその家族はボートで脱出したが、下士官や水夫、移民する民間人たち計157人は筏に乗って大海へ漕ぎだした。漂流する筏の上で、生き残るために殺し合い、三日後の生存者は15人だけだった。この報せで、フランス国内は騒然とし、筏の上で何が起きたのか、人々は想像した。この事故から三年目、ジェリコーの絵が発表された。

  2010.02.10

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  ギュスターブ・モロー

  「私は弱者よりも強者を選ぶ。積極的な生き方を選ぶ（坂口安吾）」自分に負けてしまうようではならない。自分に勝つこと、向かい風に向かって歩くように、積極的に逞しく生きなければいけない。ギュスターブ・モロー象徴主義の先駆者モローの「出現」という水彩画の作品は、新約聖書の中のサロメを描いた不気味な絵である。ユダヤ王ヘロデは、誕生祝いに妻の連れ子であるサロメの踊りを命じ、その褒美に何でも望むものを与えると約束した。サロメは舞い終わると、獄中の預言者ヨハネの首が欲しいと言った。モローはこの恐ろしい話を、おどろおどろしい絵にした。盆に乗せられているヨハネの首が、幻影として宙に浮かび、血を滴らせて凝視している。サロメは裸で、首を見つめている。背後の強い光は、日本の浮世絵の技法を真似している。モローは「出現」の他にも、古代の伝説を題材にした不気味な絵を描いている。こうした絵は、モロー以前の作品には見られなかったが、19世紀末になると多くの画家が描くようになった。これはフランスのギロチンと関係があるらしい。モローは写実主義に対抗し、幻想的な作品を制作したが、実は現実の社会現象と無関係ではなかった。「出現」はその後の芸術に影響を与え、オスカー・ワイルドの戯曲や、シュトラウスの楽曲など、サロメを題材にした傑作の源になった。

  2010.02.08

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  ゴヤ

  フランシスコ・ゴヤの大作「1808年5月2日」と「1808年5月3日」の連作は、スペインの歴史的大事件を題材にしている。ナポレオン率いるフランス軍の侵略によって、マドリードは陥落しそうになっていた。市民は徹底抗戦したが、多くは捕えられて処刑された。処刑の様子を別荘の窓から目撃していたゴヤは、怒りに震え現場へ直行し、勇敢に戦った人々をスケッチした。その6年後、記念式典が行われ、ゴヤの連作が制作された。作品は戦争の悲惨さと、市民のヒロイズムを強く訴えている。銃口を向けられながら祖国を守ろうとしている白い服の男は、十字架に張り付けられたイエスをイメージしている。ゴヤの作品は、その後も繰り返される戦争の悲劇を描こうとする画家たちに大きな影響を与えた。マネの「マクシミリアン皇帝の処刑」、ピカソの「朝鮮の虐殺」などは、ゴヤの作品と同じ構図で、繰り返される悲劇と反戦への意思を物語っている。

  2010.02.06

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  ピカソ

  ピカソパブロ・ピカソの名作「ゲルニカ」は、現在スペインのソフィア王妃国立博物館に所蔵されている。見た人の多くは、防弾ガラスに囲まれて展示してあるので驚くに違いない。ゲルニカとはスペインの古都の名称で、1937年の市民戦争中に、ナチスの爆撃を受けて、市民数百人が犠牲になった。対抗する共和国軍は、これを世界に伝えようと、その年のパリ万博に出品する作品をピカソに依頼した。大量虐殺に激しい怒りを覚えていたピカソは、4日目から制作にとりかかった。ゲルニカは異様なほどの迫力ある作品に仕上がり、ファシストの非道な行為を世界中に訴えるためには、これ以上ない働きをした。広島や長崎の爆心地、そして東京の焼け野原も、すべて綺麗な公園に整備してしまわずに、一角をそのまま保存しておいて、ピカソ級の人に見てもらえば良かったのに。しかしその市民戦争は敗戦の結果、それ以後の36年間、フランコの独裁政治が続くことになった。フランコは、ゲルニカを敵視し、スペインへ帰れなかった。ゲルニカだけでなく、すべてのピカソの作品は一切スペインでは公開を禁じられた。パリ万博終了後、ゲルニカはイギリスで公開され、その後アメリカへ亡命することになった。ニューヨークの近代美術館に落ち着き、スペインに共和制が訪れるまで所蔵されることになった。ピカソはフランスで1973年に永眠したが、その2年後にフランコが死んで、スペインは民主化が始まった。ゲルニカもスペインに帰国することになったが、返還交渉中にはアメリカ側からスペインの状況が危ぶまれ時期尚早論もあった。実際スペインでは、ピカソ展の会場が襲撃されるなどの事件があった。民主化の象徴となったゲルニカが、万一傷つけられたら、スペインは国際的にも対面が保てなかった。そのため、ゲルニカは防弾ガラスで囲われることになったのだった。現在でもスペインは国内紛争などによるテロが絶えない。ゲルニカが防弾ガラスから出られる日は、まだまだ遠そうだ。

  2010.02.04

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  ミレー

  種をまく人1850年のミレー作「種をまく人」は２点あり、山梨県立美術館と、ボストン美術館に所蔵されている。どちらも間違いなくミレー自身が描いた本物であり、他にも同じテーマの小さいサイズの作品がある。この２点は、微妙に異なるため、見た目はかなり印象が違う。ミレーの出世作であるが、どちらがサロンに出品されたものかは定かではない。山梨の作品を最初に所有したのは、ミレーの親友のサンスィエだった。1873年、パリのサンスィエからニューヨークのバンダービルトに渡り、1945年、フィラデルフィアのナショナル銀行が購入した。その銀行は、当時「種をまく人」をマークにしていた。1977年にニューヨークで競売にかけられ、東京の画商が落札し、山梨へやってきた。日本では昔から有名書店のマークになるなど、ミレーの作品は人気が高かったので、山梨の美術館には多くのファンが訪れた。サンスィエのミレー伝によると、種をまく人の最初の作品は、人物が大きすぎてキャンバスからはみ出してしまった。二回目に人物を小さくして描き、サロンの展覧会に間に合わせたという。それが事実なら、二枚の絵を比べると、山梨の方が人物が小さいので、これが出品された方かもしれない。エックス線の鑑定でも、山梨作品が後から描かれた可能性が高いらしい。ボストンの方が本物だという説もあり、その根拠の一つは、最初に買ったモーリス・ハントは、こちらが出品作と言われて購入した。また、絵に詳しいサンスィエが、山梨作品が出品作だと断言していないし、山梨作品とボストン作品を比べると、力強さや曲線の優美さなどが、サロンで好評を博すに相応しいのはボストン作品だという。両者とも自分の「種をまく人」が出品作だと言っているが、真相は判らない。

  2010.01.31

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  モナリザ複数説

  ダヴィンチの作品の中でも、モナリザはミステリーに包まれている。謎めいた微笑み以外にも、目線の不自然さ、背景がどこなのかなど不思議いっぱいだ。最大の謎は、実はモナリザは二点あったということで、16世紀の美術家列伝によると、ダヴィンチはフィレンツェの富豪ジョコンドの依頼によってモナリザを制作した。1503年のことで、その4年後、モナリザは未完成のまま作業が終えられている。その絵は、フランスのフランソワ一世のコレクションにあるとされている。天才ダヴィンチは気まぐれであったとされているので、作品を未完のままにしておいても少しもおかしくはないが、依頼された作品を依頼主にわたさないままにするのは、いくら気まぐれでも不自然だ。依頼主にすれば、もし未完成でも渡してもらいたい筈であり、ダヴィンチは、「未完成なのですが」と言って、作品を渡していた可能性もある。モナリザ複数説とは、この未完成品の他に、もう一枚描いて手元に残していたという説だ。当時の画家は、気に入った作品を何枚も描いていたので、珍しい話ではない。モナリザは二枚どころか、何枚も描いたのかもしれない。1517年、ダヴィンチはメディチの依頼で、メディチの愛人を描いた「あるフィレンツェの貴婦人」という作品を、枢機卿ダゴランに見せている。その作品もダヴィンチは気に入っていて、死ぬまで手元に置いていた。しかしダヴィンチ亡き後、その作品は、「紗のヴェールをまとった愛人」というタイトルでフランソワ一世のコレクションになり、やがて1652年ポッツォによってこれがモナリザであると認定された。モナリザ複数説の根拠はその他に、「失われた柱の存在」がある。モナリザ制作中の1505年、ラファエロがこの作品を模写したが、その模写には背景にギリシャ風の円柱が描かれている。ルーヴルにあるモナリザには、その円柱はない。モナリザのモデルが誰だったかという論争も謎である。メディチの愛人説以外にも、ジョコンダ夫人とする説も有力だ。欧米ではモナリザは「ラ・ジョコンダ」と呼ばれているため、その説が最有力とされている。ところが、ダヴィンチがこの作品を制作していた頃、ジョコンダ夫人は24歳で、絵の女性と比べると若すぎる。その他、マントヴァ侯爵夫人イザベラとか、ダヴィンチの母親とか、あるいは特定のモデルはいなかったとか、諸説ある。いずれにしても決定的な証拠はなにもない。ちなみに私は、二十歳のころはモナリザと呼ばれていた。

  2010.01.23

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